tag:blogger.com,1999:blog-340833872024-03-16T19:51:27.964+01:00Rayos C en la oscuridadCRÍTICAS Y CRÓNICAS DEL SÉPTIMO ARTE. POR AMOR AL CINE Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.comBlogger1287125tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-42533876452655750842024-03-14T17:33:00.002+01:002024-03-14T17:33:18.361+01:00DESCONOCIDOS (ALL OF US STRANGERS)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz-DcEGY4YGbfkn_5wD2dtpSikHr0EScvJcIKmf3D20xpc5Wht4N_UjKuT6xMMpB67BDvytt2PLfyi2iHCf9YjLATFx4xThpPwsmrkFtCjG0J-FVNm42e2gKrf_5Dyg3lkKERIDnrDGEP5ttP6_LvJll2X-_O_gy3VId8UiSHXWjDz2AW5aEJR/s480/6c2927eb-534b-473a-a3c4-ab0001c8ae15_16-9-aspect-ratio_default_0_x0y0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="270" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz-DcEGY4YGbfkn_5wD2dtpSikHr0EScvJcIKmf3D20xpc5Wht4N_UjKuT6xMMpB67BDvytt2PLfyi2iHCf9YjLATFx4xThpPwsmrkFtCjG0J-FVNm42e2gKrf_5Dyg3lkKERIDnrDGEP5ttP6_LvJll2X-_O_gy3VId8UiSHXWjDz2AW5aEJR/s16000/6c2927eb-534b-473a-a3c4-ab0001c8ae15_16-9-aspect-ratio_default_0_x0y0.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">****</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span><span style="font-style: normal;">La
tradición británica de la ficción de fantasmas parece que se
resiste a desaparecer, al igual que muchas de las ánimas de las
historias de este género, pero lo más sorprendente (y grato) es que
aún puede deparar en obras magníficas en el arte cinematográfico,
como ya ha ocurrido en otras ocasiones, tal y como lo demuestra esta
curiosa y un tanto extraña pero efectiva y poética mezcla de drama,
intimismo, historia familiar, amor y fantasía sobrenatural que ha
dado como resultado un filme realmente fascinante. Pero es necesario
señalar que el guion de esta cinta británica esta inspirado en la
novela japonesa del mismo nombre de Taichi Yamada, fusionando
teóricamente dos de las visiones del tema espectral más influyentes
de la cultura universal, la nipona y la inglesa, aunque lógicamente
en esta versión se decante por la segunda. Con todo, esta claro que
</span></span><span><i>All os us
strangers</i></span><span><span style="font-style: normal;">
no es solo una historia de fantasmas ya que su propósito es
claramente intimista y humanista, centrado en el duelo y la reacción
ante la muerte de seres queridos y todas las consecuencias que
conlleva, el lamento por las oportunidades perdidas con las personas
fallecidas y el deseo por mantener su recuerdo de la manera más
positiva, aunque a veces esto no siempre sea posible. A ello se le
añade tangencialmente una extraña historia de amor gay entre dos
seres por razones distintas desesperados, melancólicos y desubicados
que buscan un nuevo sentido a su existencia aunque diferentes
acontecimientos convertirán esa relación en algo muy, muy extraño.
Andrew Haigh dirige y gioniza con clase y determinación y no pocos
elementos de cine indie y guiños audiovisuales y comunicacionales
contemporáneos una película que es de lo mejor en lo poco que
llevamos estrenado en este 2024.</span></span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span><span style="font-style: normal;">Adam
(Andrew Scott, estupendo) es un guionista y escritor rayando la
cincuentena que aparentemente vive una vida bastante anodina y
solitaria en un piso de un gris barrio de Londres, rodeado de
recuerdos de infancia y viejos vinilos de los 80. Una tarde sale
hacia las afueras de la ciudad para visitar la casa donde pasó su
niñez antes de la trágica muerte de sus progenitores, ahora
abandonada. Pero la vivienda está ocupada precisamente por sus
padres (Jamie Bell y Claire Foy) quienes conservando su apariencia de
treintañeros cuando murieron reciben con naturalidad a su hijo ya
adulto mientras que el propio Adam aunque tal vez sobrecogido
interiormente acepta ese “regreso” con una mezcla de ilusión por
recuperar lo perdido y desconcierto. Las visitas de Adam a sus padres
se repetirán como un intento de redención pro ambas partes mientras
que el escritor inicia una relación con su misterioso pero locuaz y
carismático vecino, el joven Harry (Paul Mescal). El extraño viaje
que emprende Adam parece extraño e inquietante y no solamente con
sus encuentros con sus padres fallecidos sino porque todo lo que le
rodea a partir de ese momento- incluida su historia con Harry- parece
incongruente y pesadillesco. Para mostrar todo esto la película no
escatima recursos narrativos desconcertantes y varios trampantojos de
guion y de imagen que remiten a Roman Polansky o David Lynch pasados
por un tamiz modernista, recursos que hacen del filme a veces algo
incómodo de ver pero que de modo alguno suprimen o reducen otras
aristas del filme en cuanto a sus propósitos, el principal el de
mostrar un psicodrama familiar con la muerte como telón de fondo en
toda su crudeza: aquí la dialéctica entre los padres y el hijo al
que nunca vieron madurar resulta efectiva, emocional y conmovedora
con excelentes momentos cargados de inquietante simbolismo. La
historia de la relación sexual y amorosa entre Adam y Harry lleva a
otra simbología que enlaza el “poder del amor” (soberbia la
utilización de la legendaria balada de Frankie Goes to Hollywood)
con la victoria sobre la muerte y que quiere rememorar de manera
reivindicativa retroactiva la dificultad del declararse homosexual en
los años 80, década que se homenajea a su manera en este filme
especialmente en su BSO. Puede que el final sea excesivo y la poca
explicación de todo confunda a algún espectador, pero </span></span><span><i>Desconocidos</i></span><span><span style="font-style: normal;">
es una película diferente que puede gustar a públicos variopintos.
</span></span></span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-84856033015678979632024-03-04T17:55:00.002+01:002024-03-04T17:56:43.631+01:00DUNE: PARTE DOS (DUNE: PART TWO)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyaq9AyFEAjwwz-kUtEMG_-MFv6BJ1noE5zgR5OOz7yX06R1YYE89dXrp6F-9TI-EnBy_53VnrbTFN3uKFAyLroXM4DIL9ClRug7y7Z3FvL3uPU5rG0WbbEaVz10tMAH0_gnf0g39jDKx3o1Z_KkxhiiR9IoZI_KdCl_k_WtcL-Ilo9fiYndgs/s614/Dune-Part-Two-1-scaled.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="307" data-original-width="614" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyaq9AyFEAjwwz-kUtEMG_-MFv6BJ1noE5zgR5OOz7yX06R1YYE89dXrp6F-9TI-EnBy_53VnrbTFN3uKFAyLroXM4DIL9ClRug7y7Z3FvL3uPU5rG0WbbEaVz10tMAH0_gnf0g39jDKx3o1Z_KkxhiiR9IoZI_KdCl_k_WtcL-Ilo9fiYndgs/w400-h200/Dune-Part-Two-1-scaled.jpg" width="400" /></a></div><br /><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">****</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Era
prácticamente un hecho que tarde o temprano la segunda entrega de la
nueva adaptación del inmortal de la ci-fi <i>Dune</i> por parte de
Dennis Villeneuve- cuyo primer capítulo llegó en 2021- iba a asomar
por las pantallas y también era totalmente esperable que su calidad
iba a ser pareja a la de aquella magnífica primer parte. No
solamente eso, se puede decir que esta <i>Dune Parte Dos</i> es
ligeramente superior, algo en lo que influye también que se trata
de la adaptación de la segunda parte de la primera novela original,
el tramo más interesante de la obra que Frank Herbert escribió en
1965: la proclamación de Paul Usul Muad´Dib Atreides en líder de
los Fremen de Arrakis/Dune y su caudillaje en la guerra contra los
canallescos y siniestros Harkonnen y contra la corrupta casa imperial
galáctica al tiempo que su viaje de iniciación y maduración
personal parece concluirse, aún a costa de parecer un arrogante
líder mesiánico destinado a gobernar todo el universo. El guion
adaptado de Villeneuve y Jon Spaihts vuelve a ser esforzado y con
enorme tino a la hora de abarcar la complejidad de una historia que
une aventura, filosofía, religión o ecología y además triunfa a
la hora de mostrar el devenir de la historia y sus varios recovecos,
aún a costa de variar ligeramente algunos acontecimientos. Dennis
Villeneuve demuestra ser un director con recursos y polivalente como
muestra en en superproducciones como esta; está de todas formas por
ver si se conducirá de modo similar en otro tipo de cine que no sea
la ciencia-ficción o las grandes producciones, pero a buen seguro
hará también allí buen papel puesto que en no pocos pasajes más
dramáticos o intimistas de este filme demuestra buenísima mano.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Timothée
Chalamet vuelve a encabezar el coral y eficaz reparto internacional
en donde con respecto a la primera parte repiten Rebeca Ferguson
(Dama Jessica), Javier Bardem (Stilgar), Zedaya (Chani), Josh Brolin
(Gurney Halleck), Dave Bautista (Glossu Raban), Stellan Skarsgard
(Barón Harkonnen) y Charlotte Rampling (Reverenda Madre Gaius Helen
Mohiam) y se incorporan como rostros más destacados Cristopher
Walken (Emperador Padishah Shadam IV), Florence Pugh (Princesa
Irulan) , Léa Sydoux (Margot Fenrig) y el actor en alza Austin
Bultler como Feyd-Rautha Harkkonen, sobrino del barón y malvado a
machacamartillo que Butler interpreta con solvencia. De nuevo con
escenarios y paisajes fastuosos (sobre todo los que se desarrollan el
desértico planeta Arrakis) y escena de acción y batalla hechas con
seso y con nada de la parafernalia barata que gusta de hacerse ahora,
la película parece beber del encanto de viejas superproducciones
como <i>Los Diez Mandamientos</i> o <i>Cleopatra</i> pero Villeneuve
que es un tío listo y que además muestra ser un fan de la saga
literaria no se queda en solo en eso sino que se permite insertar
las diatribas filosóficas y oníricas de la novela original de una
manera inteligente y magistral - en base a digresiones narrativas y
consabidos insertos “visionarios” y de nuevo en el plano formal
también nos regala curiosas y espectaculares secuencias como la
filmada en blanco y negro que ilustra un combate de gladiadores,
escena de la novela muy querida entre sus seguidores que por cierto
David Lynch no pudo incluir por falta de tiempo en su adaptación de
1984 (¿homenaje al director de Montana?). Y por supuesto, una vez
más, tenemos unos efecos especiales de los que quitan el hipo.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 11pt;">La
renuncia a mostrar el acontecimiento apoteósico con el que
finalizaba la novela y el hecho de que Lady Jessica no haya dado a
luz a su hija Alia (ojo, sorpresa a con este personaje en este filme)
indican que puede que haya al menos una nueva entrega de l nuevo Dune
cinematográfico en forma de adaptación de las secuelas del primer
libro, <i>El Mesias de Dune</i> e <i>Hijos de Dune. </i>Pues
veremos, pero de momento, estas dos adaptaciones del primer título
de la saga de Frank Herbert son verdaderamente excepcionales,
esperemos que nuevas generaciones de espectadores y lectores sepan
gracias a ellas que al ciencia ficción no es solo un espectáculo
vacuo de buenos y malos. </span>
</span></p></div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-29069803121103699892024-03-03T14:32:00.003+01:002024-03-03T14:32:46.296+01:00LA ESTRELLA AZUL<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyLacKmj1wWb3PIwWwtKjzra_OM5NRAasUy-j08Mpf1ck52iODty44Ui0tL5r-YPUOdYhiMFW1Aw16wTuYeSjifSmVlqXt6Wga07iurDC21-K2Tm4Dwi3-0hcJsLIRWEfD1UPAi9S1gVZhedKZ3MrwnXnSgaFulvkbGEC4Zl59bJp6Sv6NfF6J/s480/4d51b1b7-6799-4519-92a1-2521104c7a6b_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="270" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyLacKmj1wWb3PIwWwtKjzra_OM5NRAasUy-j08Mpf1ck52iODty44Ui0tL5r-YPUOdYhiMFW1Aw16wTuYeSjifSmVlqXt6Wga07iurDC21-K2Tm4Dwi3-0hcJsLIRWEfD1UPAi9S1gVZhedKZ3MrwnXnSgaFulvkbGEC4Zl59bJp6Sv6NfF6J/s16000/4d51b1b7-6799-4519-92a1-2521104c7a6b_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;"><span>***</span><span>*</span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;">En
la actual vorágine de bografías cinematográficas de músicos de
rock tenía que haber sitio forzosamente para aquellos y aquellas
situados en la categoría de los malditos; de momento no ha habido
mucha película sobre estas figuras bastante abundantes en la
historia del la música popular a excepción de Sixto Rodríguez,
cuyo galardonado biopic documental <i>Searching for Sugar Man</i>
(2014) es por cierto referencia hecha por la crítica española en
relación a este sorprendente y muy logrado filme de ficción español
que se acerca a la figura de un músico de culto no muy conocido pero
con seguidores y muy talentoso: Mauricio Aznar (1964-2000), cantante,
guitarrista, músico y poeta zaragozano cuya curiosa historia se nos
cuenta en una película inclasificable y a caballo entre el docudrama
y la ficción que de momento es una de las sorpresas más agradables
de lo que llevamos de año en el cine español. Por supuesto,
esperemos también que abra la veda a otros biopics musicales en el
cine ibérico en años venideros, pero esta película hecha en
coproducción con Argentina (en donde se ha rodado también gran
parte) va más allá del biopic o del cine musical con una obra que
en todo momento trata de huir del convencionalismo y que jugando con
el drama, el costumbrismo y la comedia y con un constante enfoque
antropológico y de retrato intercultural - en este caso entre
Argentina y España focalizándose en la música- y con una sugerente
utilización de la intertextualización metacinematográfica y de las
fronteras entre lo real y lo recreado ofrece un espectáculo
narrativo nada habitual en el cine comercial y que dejará con
excelente sensación a cualquier gourmet cinéfilo. Javier Macipe,
joven realizador forjado en documentales y cortometrajes, dirige
magistralmente un filme que le augura un enorme futuro.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;">Esta
historia de Mauricio Aznar, figura clave del rock aragonés, uno de
los cabezas visibles del movimiento rockabilly en España, líder y
fundador de la banda Más Birras y desde mediados de los 90 hasta su
muerte volcado en difundir en la península el rico folclore
argentino de la provincia de Santiago del Estero, esta centrada en la
década de los 90 cuando precisamente Mauricio abandona la capital
maña para viajar a Santiago del Estero para conocer de primera mano
la música de ese lugar, que tanto le fascinaba y también para
librarse de sus adicciones y tratar de reconducir su vida personal y
familiar. Para ilustrar este aspecto que la película fija como clave
se ha recurrido a las mismas y exactas localizaciones argentinas de
la historia real con los mismos protagonistas sin trampa ni cartón:
los Carabajal, la estirpre santiaguera de músicos que acompañó a
Mauricio Aznar aquellos días ejerciendo en el tutela musical y
personal y casi relación familiar se interpretan casi todos a ellos
mismos, con el veterano cantautor y folclorista Cuti Carabajal
interpretando a su hermano Carlos, mítico músico ya fallecido
patriarca de los Carabajal y maestro de Mauricio. Ante estos datos,
esta claro que estamos ante una película no muy usual en donde se
recurren a todo tipo de recursos -dramáticos, poéticos, más
costumbristas, y por no hablar de los momentos en los que se rompe la
cuarta pared o la película de ficción se sale de si misma- para
narrar un viaje inciático y de maduración, el de un ser desesperado
en lo personal y superado por un negocio musical del que cada vez se
siente menos parte que halla a bastantes kilómetros de su hogar el
verdadero sentido de su existencia, unido a su cambio de percepción
de la finalidad y la utilidad de la música y de la creación
artística. Dentro de un casting lleno de juegos y trampantojos, Pepe
Lorente, que encarna a Aznar, lo hace con solvencia, convicción y
profesionalidad: se nota que el actor ha querido imbuirse del
espíritu del personaje en una total inmersión - el mismo Lorente
canta todas las canciones- y el resultado ha sido de chapó, con una
interpretación matizada y prácticamnte diferente en cada uno de los
instantes de la vida del personaje.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;">Con
una excelente recreación de conciertos de Más Birras en los 90, una
magistral oscilación y modelación dramática, unas interpretaciones
de diez (con la mayoría no olvidemos actores no profesionales,
especialmente los argentinos) y un especial cuidado en las escenas
argentinas, La Estrella Azul ha resultado la sorpresa de la
temporada. No faltan guiños como la presencia del no menos grande
Gabriel Sopeña, gran amigo y colaborador de Mauricio, al final del
filme o el cameo vocal de Enrique Bunbury, discípulo y admirador de
Aznar, en forma de mensaje en el contestador. Una película que debe
verse y degustarse. </span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-17916334368357259952024-02-25T16:58:00.003+01:002024-02-25T17:00:21.504+01:00BOB MARLEY: ONE LOVE<p style="text-align: left;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8UNEfmCokf2BLC3Fyp5VRNs3ujwNaYA2PvN7jLVsHAhqgKxVM8GP2HSUbe0pKvqezIQAH7Ya6L-NLUJ6qda_oDQSPntRoMsfkazMd0CddZBmxP2KczHsUR5krP92S1tluy_-y9cTObqG7APlzRcFSGX2FWqn7lz9XPq7oSEkkT6M_nGXg1DvW/s600/bob-marley-one-love-ya-conocemos-las-primeras-criticas-y-opiniones-de-la-cinta-del-rey-del-reggae-1223764.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="325" data-original-width="600" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8UNEfmCokf2BLC3Fyp5VRNs3ujwNaYA2PvN7jLVsHAhqgKxVM8GP2HSUbe0pKvqezIQAH7Ya6L-NLUJ6qda_oDQSPntRoMsfkazMd0CddZBmxP2KczHsUR5krP92S1tluy_-y9cTObqG7APlzRcFSGX2FWqn7lz9XPq7oSEkkT6M_nGXg1DvW/w400-h217/bob-marley-one-love-ya-conocemos-las-primeras-criticas-y-opiniones-de-la-cinta-del-rey-del-reggae-1223764.jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial; font-size: medium;">*** y 1/2</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><span>Los
bopics de leyendas de la música popular siguen su marcha por las
pantallas con filmes, como este que nos ocupa, más que eficientes.
Bob Marley (1944-1981) el padre del reggae y una de las más
influyentes figuras del rock de todos los tiempos tiene por fin su
película en una producción honesta y esforzada aunque sin grandes
alardes que dirige con habilidad Reinaldo Marcus Green. Focalizada
entre los años 1976.1978 con algunos flashbacks en la década de los
60 - un importante acierto a la hora de tratar la historia- </span><span><i>One
Love</i></span><span> trata de hacer
una semblanza más personal y social que espiritual (que también hay
y mucho) de Marley y pese que en ocasiones parece que está hecha con
formulario y tópicos sobre biopics realmente logra sus propósitos
de manera clara. Una cuidada ambientación en la Jamaica de los 70,
una esforzada contextualización en la peculiar y conflictiva
realidad politicosocial de la isla en la época y una introducción
a la filosofía de la religión Rastafari refuerzan la credibilidad
del filme, trufado de vistosas imágenes - espectaculares
recreaciones de conciertos- y las canciones de Bob Marley, a veces
interpretadas por el auténtico y otras veces por del Marley de la
pantalla, Kingsley Ben-Adir, quien realiza un excelente trabajo.</span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: arial;">La
lucha de un hombre en un país pobre y casi sin esperanza, y sus
ideas sobre la libertad y la paz extrapolables a cualquier contexto
todo ello con la música como arma de combate son el patrón que
marca el devenir del argumento del filme, centrado en la personalidad
del músico y sus desvelos y contradicciones: su difícil relación
con la industria discográfica, la tumultuosa vida familiar y la no
fácil convivencia que tenía con su esposa Rita (Lashana Lynch) y
las dificultades de mantener una vida personal y profesional plena y
satisfactoria en su propio país son los aspectos más oscuros que
trata el filme, los cuales se encuentran perfectamente situados en al
narración. Por contra, cierto recurso a la simbología onírica para
tratar el lado más espiritual de Bob Marley como rastafari se
encuentra algo difuso y con demasiados recursos fáciles. No
obstante, en líneas generales One Love: Bob Marley resulta un filme
biográfico musical más que dgno que gustará tanto a seguidores del
músico jamaicano como a quienes apenas han oído sobre él (y ene se
sentido la propia película nos regala en su sountrack algunos de sus
mejores temas, una gloria oírlos</span>)</span></p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-56795813890457979262024-02-18T19:06:00.007+01:002024-02-18T19:09:35.046+01:00PRISCILLA<p> </p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiWi1jqCqrHbEKL_rSqUEVMm8dlD9TDIfZbkCHRpKFahTxcNHz3N-ZKTsm3h1Z1bDo1xBELljl-d6UwMTMDV22yhyphenhyphenRaTrLnR0Bl7aQ5QPpEQO2wsHZ3arzXnrLvllNsuoifSU2cuG7PZUlL1S-i89RFG3sONmF6baRDPrJLlKPtqWGgNbOOKDb/s535/d-10208rt-64fb20d8e71fe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="357" data-original-width="535" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiWi1jqCqrHbEKL_rSqUEVMm8dlD9TDIfZbkCHRpKFahTxcNHz3N-ZKTsm3h1Z1bDo1xBELljl-d6UwMTMDV22yhyphenhyphenRaTrLnR0Bl7aQ5QPpEQO2wsHZ3arzXnrLvllNsuoifSU2cuG7PZUlL1S-i89RFG3sONmF6baRDPrJLlKPtqWGgNbOOKDb/s16000/d-10208rt-64fb20d8e71fe.jpg" /></a></div><br /></div><br /><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;">***</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;">Todavía
relativamente reciente el <i>Elvis </i>de Buz Luhrmann la figura de
Elvis Presley vuelve a asomarse por la gran pantalla, pero esta vez
desde un prisma diferente ya que Sofia Coppola se ocupa en su nueva
película de la esposa del “Rey”, Priscilla Wagner, conocida
internacionalmente como Priscilla Presley. Con el beneplácito de la
viuda de Elvis, que es productora ejecutiva de la cinta, y basándose
en su libro de memorias <i>Elvis and Me</i>, la ilustre heredera del
clan Coppola firma un biopic bien hecho, voluntarioso y que como gran
acierto va directamente al grano: el mostrar la infelicidad de la
joven esposa en su matrimonio con una gran estrella del show
bussiness; pero sin embargo la cinta se percibe como coja en muchos
aspectos. Es cierto que la joven Cailee Spaeny pone toda la carne en
el asador para dar vida a Priscilla entre los 14 y los 29 años (la
actriz cumple este año 26 años) y ella es prácticamente toda la
película y que la ambientación en los 50, 60 y 70 es perfecta, pero
tal vez lo poco dinámico de la escenografía (casi todo pasa en la
mansión de Graceland ) y lo un tanto obvio y manido en la
descripción de la relación tóxica del matrimonio (ninguneo,
ausencias, algún conato de violencia) solo consiguen que Priscilla
sea un buen filme a secas y eso que Sofia Coppola da muestras a que
no renuncia a ser un autora y de vez en cuando haya destellos de su
buen hacer y genialidad hereditaria. Y tampoco es que la
interpretación del australiano de origen vasco Jacob Elordi como
Presley, demasiado plana aunque esforzada y a bastante distancia de
la que hizo Austin Butler, sea lo que necesite la película. Para más
inri, casi no se oyen <span style="font-style: normal;">canciones del
artista en todo el filme por problemas con los derechos, lo que lo
lastra irremediablemente (la cosa se compensa con un buen puñados de
clásicos de los 50 y 60 en la BSO). Pero que nadie se asuste, porque
en Priscilla hay buen cine y una aproximación bastante esforzada a
la realidad de Elvis, Priscilla y el complejo mundo que se urdió
entre ambos.</span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span style="font-style: normal;">La
historia comienza en Alemania en 1959 con una adolescente Priscilla a
la que la ya famosísima estrella del Rock le termina cortejando
iniciando una relación casi secreta que no culminará realmente
hasta la boda de ambos en 1967. Tutelada durante largo tiempo por el
propio Elvis y el padre de este, la joven Priscilla tuvo que madurar
a marchas forzadas pero jamás tuvo en su marido una relación
amorosa propiamente dicha. Todo esto aparece muy bien reflejado en la
película, en donde se presta especial atención a todo el séquito
de colaboradores, parientes, amigos, músicos, y empleados que
rodeaban a Elvis en su vida más o menos doméstica, en la cual
Priscilla a duras penas encaja. Como biopic, la película triunfa y
es convincente, lo mismo que como drama intimista, pero se echa en
falta más emoción y algún momento verdaderamente de gran cine.
Pero como opción de ver algún buen filme en los próximos días,
</span><i>Priscilla</i><span style="font-style: normal;"> no
defraudará. </span></span>
</p><br />Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-47627482372272360792024-02-13T17:01:00.005+01:002024-02-13T17:03:09.373+01:00SALA DE PROFESORES (DAS LEHRENZIMMER)<p> </p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUK4n2nWeoUih_ity3cJga2rut0SCH8ZJDE82cqmS9j6Q9kyqV2TcdRm9xZjUCd9Rb7zfxepBiAkw3qsmElB1DavfUhSiXXQ_phxy_mAAPrLN7ongRP8ZB8P6snjPQtNjbX9rQYG_zNKvQzl_J6lW72wfNxbpjJ-ghrRgwL8tIdxVs5C9IbJba/s540/SALADEPROFESORESimagen_forCrop.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="405" data-original-width="540" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUK4n2nWeoUih_ity3cJga2rut0SCH8ZJDE82cqmS9j6Q9kyqV2TcdRm9xZjUCd9Rb7zfxepBiAkw3qsmElB1DavfUhSiXXQ_phxy_mAAPrLN7ongRP8ZB8P6snjPQtNjbX9rQYG_zNKvQzl_J6lW72wfNxbpjJ-ghrRgwL8tIdxVs5C9IbJba/s16000/SALADEPROFESORESimagen_forCrop.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">***</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Funciona a las mil maravillas
la ambientación en el mundo escolar y docente de este efectivo drama
alemán que sin ofrecer tópicos manidos del cine protagonizado por
profesores y alumnos y sin caer en el melodrama fácil e impostado
muestra una serie de situaciones muy reales y extrapolables a
cualquier entorno de la sociedad occidental sin una conclusión
exacta y plausible. De hecho el personaje central de la idealista e
ilusionada profesoratermina convirtiéndose - justa o injustamente-
en una antiheroína y casi en una villana en una historia en donde la
multiplicidad de visiones, los errores, las diferentes opiniones, la
búsqueda de la verdad y el sentido de la justicia son leiv motivs
que prácticamente terminan diluyéndose para ofrecer una crónica de
ciertos males sociales de nuestro tiempo (prejuicios raciales,
corporativismo, bienquedismo, egoísmo) en donde más que obervarse
soluciones sencillamente se limita a exponer dichas deficiencias. Es
cierto que a la película le falta garra, convicción y más dosis de
buen cine desde el punto de vista dramático y por ello no deja de
ser solo una buena película a secas, pero su planteamiento resulta
enormemente intersenate a si como su convincente realismo
naturalista.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Carla Nowak (Leonie Benesch)
es una joven profa de matemáticas y educación física en un
instituto de educación secundaria que ante una racha de robos en el
centro que apuntaba erróneamente a un alumno de origen turco decide
con la mejor de sus voluntades investigar por su cuenta colocando una
cámara cerca de la sala de profesores, captando el dispositivo la
entrada de la secretaria del instituto en la sala d, previa a la
desaparición de dinero de la propia Carla. La propia ilegalidad de
la acción con la cámara, la aseveración de la secretaria (madre
además de un alumno de Carla) de su inocencia, las consecuencias
para el chaval por la presunta culpabilidad de su madre y la cada vez
mas agobiante situación de la docente en el centro tanto con el
resto del profesorado como con el alumnado, los padres y madres de
alumnos, con la dirección y consigo misma terminarán tejiendo una
tela de araña en la que cada vez es más difícil salir y en la que
cualquier solución se vislumbra difícil. La maestría del guion
consigue una historia apasionante y bien contada realista y con
mensaje, pese a que en ocasiones la multitud de temas abordados no
parece el mejor recurso para ofrecer una historia concluyente. Con
unos intérpretes adolescentes que están maravillosamnte bien- en
especial Leonard Stettnisch que encarna al atribulado hijo de la
acusada, en el que caerá casi todo el peso el caso y la ira de sus
compañeros- y un rparto en general que funciona con creces. <i>Sala
de Profesores</i> pese a no ser ningna obra maestra merece algo más
de ser la típica película que en el futuro se pondrá en cineforums
de enseñanza secundaria. De momento, allí está entre las nominadas
a Mejor Película Internacional en los Oscar 2023. </span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-25656427759667653792024-02-07T18:17:00.006+01:002024-02-07T18:19:53.980+01:00POBRES CRIATURAS (POOR THINGS)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiss1cE3x3KkMRyT6Poo8qyKrSGMvz8Hy6fvo0muuRcX35O0GGsekz9VULWhoNKmKv1SKvf_5v_0n5Y6pLNq9-G1_4cEo3JIbrVkaJ2qk077cRqhpVDLqg8MhBOKRSHR5hRU3MuO01A85fvajtgkaJW8N7UjdKaYuw4Fp0noLEt0mSzWQZNWtlW/s548/2023091000293542158.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="309" data-original-width="548" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiss1cE3x3KkMRyT6Poo8qyKrSGMvz8Hy6fvo0muuRcX35O0GGsekz9VULWhoNKmKv1SKvf_5v_0n5Y6pLNq9-G1_4cEo3JIbrVkaJ2qk077cRqhpVDLqg8MhBOKRSHR5hRU3MuO01A85fvajtgkaJW8N7UjdKaYuw4Fp0noLEt0mSzWQZNWtlW/s16000/2023091000293542158.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;"><span>***</span><span><span style="font-style: normal;">*
</span></span><span><span style="font-style: normal;">y
1/2</span></span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Que aún queden directores
personales, innovadores y sorprendentes como Yorgios Lanthimos es una
excelente noticia. El realizador griego ya es autor de un filmografía
tan fascinante como inquietante en sus temas que culmina de momento
con la que es hasta la fecha actual su obra maestra, un
inclasificable cuento fantástico con un inusualmente presentado
mensaje de empoderamiento femenino y de rebelión personal y contra
las injusticias que trata de despistar inteligentemente al espectador
y sobre todo de hacerle partícipe de una historia inverosímil y
extravagante que pese a todo termina atrayendo enormemente, gracias
sobre todo a la curiosa atracción y carisma que ejerce su
protagonista Bella Baxter, una antiheroína de manual en un primer
análisis pero que esconde mucho más. Emma Stone, una estupenda
actriz cada vez en mayor ascenso, da vida de manera magistral a esta
joven victoriana pero fuera de cualquier contexto espaciotemporal en
su bizarro proceso de maduración en la Europa y la América
decimonónicas caricaturizadas en una suerte de anacronismos y
recursos fantásticos varios.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Hay que tener en cuenta que
ante todo <i>Poor Things</i> es un filme enmarcado dentro del género
fantástico pero con una historia que aspira a ser realista con eso
si su poso simbólico. Lanthimos, en un inteligente ejercicio de
metaficción, no se ha andado con remilgos en esta cinta a la hora de
mostrar abiertamente (y a veces de forma descarada) referencias
cinematográficas y literarias varias: el H.G Wells de <i>La Isla del
Dr. Moreau,</i> el Julio Verne más imaginativo, el <i>Frankenstein</i>
de Mary Shelley, <i>Metropolis</i> de Fritz Lang, el comic
francobelga (<i>Tintín</i>, <i>Blake et Mortimer</i>, A<i>dele
Blanc-Sec</i>), la novela gótica, el steampunk...y todo
perfectamente dispuesto e hilvanado para mostrar una historia que
pese a todo resulta cien por cien original. Bella es el nombre que el
Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe) un científico con el rostro
desfigurado y extraños problemas físicos que tienen su
(extravagante) explicación, ha dado a su “creación”, una
anónima joven suicida revivida a la que el doctor ha trasplantado el
cerebro del bebé que llevaba en su vientre, teniendo que educar
desde el principio a la adulta como si de una niña se tratase. Para
tal cometido cuenta con la colaboración del joven estudiante de
medicina Max McCandles (Ramy Youssef) quien no tardará de quedarse
prendado de Bella pese a que la muchacha, debido a su curiosa
génesis, es impredecible, tosca y le cuesta distinguir entre lo que
esta bien y lo que está mal. La entrada en escena de Duncan
Wedderburn (Mark Ruffalo), un rico y pedante abogado, hace que Bella
se decante por este para desesperación de Max debido a que gracias a
él la joven puede conocer el mundo y la vida visitando diferentes
países.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Plagada de detalles y guiños
de todo tipo en sus imágenes -la fotografía tanto en blanco y negro
como en color de Robbie Ryan es espectacular- que rinden homenaje
tanto al expresionismo alemán como al Art Decó o la ilustración
victoriana, la película no solo resulta una experiencia visual
asombrosa, sino que la historia pese a su aparente simplicidad
también llega a seducir al espectador gracias a sus curiosos
diálogos, su teatralidad intencionadamente maniquea y en definitiva
su condición de inteligente fábula grandguiñolesca. Detalles
turbadores como los inquietantes, bastos e imposibles híbridos
animales que prueban la mansión del Dr. Baxter o sorprendentes como
los matices que Watson otorga a Bella- un personaje fascinante- y su
evolución/maduración son otros pluses que la película presenta y
que la alzan como uno de los mejores estrenos de los últimos meses. </span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-67226596783188322902024-01-28T17:44:00.003+01:002024-01-28T17:46:16.986+01:00LA ZONA DE INTERÉS (THE ZONE OF INTEREST)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQCj42AWfMWFa_HMFZJT_pinl5Zdga_Gpb9T8dtq10u3RJxDcvLjsUCIgigNgU1KKxNGTNb6STDkUL49gng24fyxUpG0H6JCpDHgi6gqJUF5kATyc6ax9Gn7MwTW86jPV9RE_cK7BEU84SedWpnq8CWyzBJmCXFy1JyFyrQOW8RVPCr0kEcqbO/s540/zona-de-interes-pelicula-trailer-estreno.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="304" data-original-width="540" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQCj42AWfMWFa_HMFZJT_pinl5Zdga_Gpb9T8dtq10u3RJxDcvLjsUCIgigNgU1KKxNGTNb6STDkUL49gng24fyxUpG0H6JCpDHgi6gqJUF5kATyc6ax9Gn7MwTW86jPV9RE_cK7BEU84SedWpnq8CWyzBJmCXFy1JyFyrQOW8RVPCr0kEcqbO/s16000/zona-de-interes-pelicula-trailer-estreno.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: x-small;">***</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-style: normal;">*</span></span></span></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt; text-align: left;">Ya hace más de diez años que
Jonathan Glazer rodó </span><i style="font-family: arial; font-size: 11pt; text-align: left;">Under the Skin</i><span style="font-family: arial; font-size: 11pt; text-align: left;"> una turbadora cinta de
ciencia ficción-terror que rompía no sólo con los
convencionalismos de dichos géneros sino con los del lenguaje del
cine, y en ese tiempo este sorprendente y dotado director proveniente
del campo del videoclip no ha rodado nada pero la espera ha merecido
la pena ya que el cineasta británico la ha vuelto a hacer con una
película tan fascinante como extraña e incómoda (como lo era de
otra manera </span><i style="font-family: arial; font-size: 11pt; text-align: left;">Under the Skin</i><span style="font-family: arial; font-size: 11pt; text-align: left;">) pero esta vez con una temática
tomada de la historia contemporánea real - partiendo de una novela
de Martin Amis- como es el holocausto judío llevado a cabo por el
nazismo. El propósito del filme es claro: mostrar el terrorífico
contraste entre la vida cotidiana y familiar del responsable del
tristemente célebre campo de concentración de Auschwitz Rudolf Höss
(Cristian Friedel en la película) con la propia existencia de dicho
campo, contiguo a la residencia de los Höss y del que prácticamente
no vemos su interior (ni nada de lo que sucede en él) en toda la
película, tan sólo se contemplan sus límites y se oyen los
siniestros sonidos (gritos, disparos, sirenas, ruidos de maquinaria)
provenientes del complejo. El juego perverso de la película es
evidente, y se vale de él para mostrar un espectacular trampantojo
en donde se juega con la sugestión, la omisión de escenas, una
cierta puesta en escena teatralizada y manierista que en realidad
quiere apuntalar el verismo de la historia deconstruyendo lo que
puede ser una filmación doméstica veraz y natural, actuaciones
gélidas (y por ello tal vez más naturales), fotografía
granulosa-amateur a la manera antigua y el ehcho de narrar una
historia mínima o casi inexistente, donde sólo el ascenso
profesional del comandante Höss en Berlín (que propicia las únicas
imágenes filmadas fuera de la casa y Auschwitz) y las repercusiones
que esto trae con su familia es lo único que puede considerarse como
narrativo. Un peculiar filme de terror psicológico en resumidas
cuentas que intencionadamente disfrazado de melodrama familiar
Jonathan Glazer nos cuenta, también premeditadamente, sin pasión ni
esperables recursos dramáticos cinematográficos. Digamos que
formalmente el cine de Glazer se está convirtiendo casi la
traslación al cine de aquel Duque Blanco que David Bowie creó en su
música a mediados de los 70, algo que es notable en esta película.</span></p>
<div style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 11pt;">Aunque paradojicamente lo que
pretenda presentar sea una especie de documental sobre la vida de una
familia, </span><i style="font-size: 11pt;">The Zone of Interest</i><span style="font-size: 11pt;"> en su huida de los
convencionalismos apuesta por el concepto arty del cine e invoca en
dicho propósito a Alejandro Jodorowsky o David Lynch: los efectos de
sonido turbadores y desagradables - que en la eplícula se antojan
clave-; largas secuencias sin imagen solo con banda sonora, planos
fijos; secuencias extrañas , inexplicables e inquietantes (esas
escenas con luz nocturna, tan fascinantes como desconcertantes)
otorgan un tono tan irrespirable como cautivador al filme. Pero lo
más inquietante es desde luego mostrarnos el día a día de los
Höss, él tratando de ser un padre modélico (cuatro hijos) y marido
ejemplar volcado con su familia -las escenas con los niños, donde
apreciamos una extraña mezcla de frialdad y amor entre la convicción
y la impostura, son desde luego que reveladoras- cuya ocupación le
convierte en un ser en realidad amoral e hipócrita y ella (la
eficiente Sandra Hüller, vista recientemente en </span><i style="font-size: 11pt;">Anatomía de una
caída</i><span style="font-size: 11pt;">) típica esposa del nacionalsocialismo devota de su esposo
con un turbador lado déspota que muestra en inesperados momentos.
La idílica vida familiar es la gran fachada de algo aterrador que
nos vemos. Un gran ejercicio cinematográfico el de Jonathan Glazer
que pese a que puede que no sea plato para todos los gustos, merece
la pena ser visto.</span></span></div>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-48591886709420442822024-01-23T20:08:00.003+01:002024-01-23T20:08:40.802+01:00PERFECT DAYS<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd8xoQSjeqVSf0T0KNjEAsClwCWSzrjR8afre753xGtcIXaL6l4HBydZHK88-Q5za4vzyeBJkgbyxNK8-fVlrrsh6WHiCEhLkqWk5Y9Im9NcXOpV4V8eFdHSkjAbRR06eBgO2TBX6-uYau3EWcxQiKV6kC4QIEPWwKjWTRe8lvHtv1B5G96_cS/s551/17049095490154.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="407" data-original-width="551" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd8xoQSjeqVSf0T0KNjEAsClwCWSzrjR8afre753xGtcIXaL6l4HBydZHK88-Q5za4vzyeBJkgbyxNK8-fVlrrsh6WHiCEhLkqWk5Y9Im9NcXOpV4V8eFdHSkjAbRR06eBgO2TBX6-uYau3EWcxQiKV6kC4QIEPWwKjWTRe8lvHtv1B5G96_cS/s16000/17049095490154.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">***<span style="font-style: normal;">*</span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span><span style="font-style: normal;">A
sus casi 80 años Wim Wenders no solo sigue aún firmando grandes
películas sino que es capaz de seguir evolucionando e incluso
experimentando, si bien esto último de una manera más bien
contenida. Cierto que el mítico realizador alemán autor de </span></span><span><i>El
Amigo Americano</i></span><span><span style="font-style: normal;">,
</span></span><span><i>E</i></span><span><span style="font-style: normal;">l
</span></span><span><i>Estado de las
Cosas</i></span><span><span style="font-style: normal;">,
P</span></span><span><i>aris,Texas</i></span><span><span style="font-style: normal;">
o </span></span><span><i>El Cielo
sobre Berlín</i></span><span><span style="font-style: normal;">
ya no es aquel sorprendente artesano-filósofo de la imagen que
tanto influyó en el cine europeo e internacional independiente de
los 80 y 90, pero aún se muestra inquieto y con ganas de aprender de
la cultura y cinematografía de otros países, como es en este caso
el cine nipón aunque nos ea la primera vez que el cineasta se imbuye
en el mundo japonés. </span></span><span><i>Perfect
Days</i></span><span><span style="font-style: normal;">
es, efectivamente, una película japonesa (aunque en coproducción
con Alemania) rodada en japonés con reparto de ese país y que a
través del drama-comedia con tintes intimistas y el protagonismo de
personajes extraños y solitarios marca de la casa Wenders explora la
temática de la rutina de la existencia humana y de como una actitud
más o menos entusiasta y dispuesta hacer todo lo mejor posible
disfrutando de pequeños placeres de la vida aunque estos solo puedan
ser nimios o incluso insignificantes puede llevar a la felicidad pese
a que, en resumidas cuentas, todo sea una mierda. Una casi
inapreciable e inconsciente rebelión contra la mediocridad y lo
anodino de la vida llevada a cabo por un personaje, Hirayama (Koji
Yakusho), que con su existencia solitaria, silenciosa y rutinaria
consigue vivir su vida de un modo para él satisfactorio.</span></span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span style="font-style: normal;">El
curioso elemento que centra el devenir del filme es la ocupación
profesional de Hirayama, que es la de limpiador de los sorprendentes
y un tanto bizarros aseos públicos japoneses, atrea a la que se
entrega en cuerpo y alma y que es la que principalemente le depara su
más bien pobre contacto con la gente. Asistimos a diferentes días
en la vida del protagonista en donde repite todo de manera ritual (su
empleo por la mañana, su costumbre de recoger ramas y esquejes y
guardalos en su apartamento, su gusto por oír todas las mañanas en
su coche viajas cintas de cassette de clásicos del rock de los 70 y
80) haciéndola variar mínimamente. Naturalmente para que una
historia así lleguea (muy) buen puerto se necesita un guion sólido
y una puesta en escena impecable, elemntos que esta película cumple
con creces y es que, claro está, detrás está todo un Wim Wenders.
Un filme que presenta la cualidad más atmosférica e hipnótica de
parte de su filmografía remozada con los tropos habituales del cine
oriental actual -parquedad descriptiva, ritmo más bien pausado- en
los que el veterano cineasta obviamente se desenvuelve con soltura.
Como también es característico en el cine de Wim Wenders el uso
prácticamente narrativo de la banda sonora, en este caso con
clásicos de Lou Reed (como el temazo que da título al filme),
Velvet Underground, Patti Smith, Van Morrison y otros. Otra gloriosa
muesca más en la extensa filmografía de un mito viviente del cine.
</span></span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-79694121739350630682024-01-21T18:34:00.003+01:002024-01-21T18:35:57.459+01:00VALLE DE SOMBRAS<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjSQF5O3F515xw8vogXxF4p9cGX6YfDN4O69k8_CoYC-gZae83dQirDd07VDtleXk3iCWNP7r18gDnEOlTBhpxstg6_DClLsvGi83d2EEQmJke-SAztvmR2AbUuzhd6vxTSYFd580BO4X9EZwGih88X_4RYfkL3TNVLJVDX_ZZotYP1bnJbLFV/s533/2024011718270184886.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="533" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjSQF5O3F515xw8vogXxF4p9cGX6YfDN4O69k8_CoYC-gZae83dQirDd07VDtleXk3iCWNP7r18gDnEOlTBhpxstg6_DClLsvGi83d2EEQmJke-SAztvmR2AbUuzhd6vxTSYFd580BO4X9EZwGih88X_4RYfkL3TNVLJVDX_ZZotYP1bnJbLFV/s16000/2024011718270184886.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">***</span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span><span style="font-style: normal;">Un
nuevo buen intento de consolidar el cine de género en España, esta
vez sin logros extraordinarios pero cumpliendo más que dignamente
propósitos. Salvador Calvo, responsable que fue de </span></span><span><i>Los
Últimos de Filipinas</i></span><span><span style="font-style: normal;">
(2016) parece empeñado en dotar de una patina internacional a sus
producciones rodándolas en escenarios no ya solo no españoles sino
alejados de Europa, en este caso presentando una historia (inspirada
vagamente en un hecho real) que se desarrolla casi exclusivamente en
la zona indio-afganesa del Himalaya. Mezclando una sugerente (pero
algo forzada) historia de maduración personal con el drama y el cine
de aventuras, </span></span><span><i>Valle
de Sombras </i></span><span><span style="font-style: normal;">es
una película muy esforzada desde el punto de vista técnico y
también bastante efectiva en cuanto a su argumento, pese a algunas
irregularidades y el recursos a diversos tópicos. El rodar con gran
parte del reparto procedente de la India, Pakisitán o Afganistan, en
los idiomas locales y con localizaciones en (muy bellos) lugares
reales de la cordillera Himalaya es otro reto que el filme ha
superado con admirable eficiencia, con una fotografía obra de Alex
Catalán verdaderamente de recibo y a la altura de las
circunstancias. No obstante, es en gran parte de soberbia
interpretación de Miguel Herrán lo que consigue que esta película
posea credibilidad desde la vertiente humanística y dramática de su
argumento pese a que la cinta en sí carezca de un clímax acorde a
sus propósitos y que en algunas ocasiones se pierda por vericuetos
que podían haberse evitado.</span></span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span><span style="font-style: normal;">Herrán
encarna a Quique, un joven que en mitad de un ambicioso viaje
aventurero por la zona india del Himalaya junto con su novia, Clara
(Susana Abaitua) y el hijo de esta, Lucas (Iván Renedo) ve como
estos son atacados y asesinados por unos individuos cuando los tres
pernoctaban en una tienda de campaña. Horrorizado, traumatizado y
malherido, Quique corre a buscar ayuda por el remoto paraje hasta que
es recogido y llevado a una pequeña aldea entre las montañas
cercana a un monasterio budista. Los monjes le someten a su
disciplina y a sus normas y le comunican que deberá esperar al
invierno para salir de la ladea y denunciar en la ciudad el crimen,
pero para ello deberá realizar un peligroso trayecto del que puede
que no esté preparado. Una joven y enigmática monja budista, Prana
(Alexandra Masangkay, un descubrimiento el de esta actriz de origen
filipino) y un muchacho del pueblo, Hara (Stazin Gonbo), serán sus
mentores en esos extraños días. Rodada con mucha precisión y
oficio, </span></span><span><i>Valle
de Sombras </i></span><span><span style="font-style: normal;">constituye
una nueva muestra de la positiva evolución del cine español en los
que a grandes producciones se refiere. Y mencionar también que la
música del gran Roque Baños es excelente. Salvador Calvo se postula
cada vez más como un director excepcional. </span></span></span><span style="font-size: x-small;"><i>
</i></span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-90319290838661211812024-01-15T17:50:00.003+01:002024-01-15T17:54:29.676+01:00YO CAPITÁN (IO CAPITANO)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrJr0MKlk_4Guo_7S6-FBRSywmSY8EvXZhcwflwV0rX8PT8iFQ5CwEeJ3vMnYJGUsBdJ181DxQRMqTYQTWuzCAM41NgpGGTMu0jSPKO6m50sEhiRVgFhcyz_svTgAYLsK6GXPN609JOi0d7PoU8JRFEVE9nQXDn2J4fE6SpYpOOm05F2uXsgN6/s480/1fc448f06eef77003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="327" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrJr0MKlk_4Guo_7S6-FBRSywmSY8EvXZhcwflwV0rX8PT8iFQ5CwEeJ3vMnYJGUsBdJ181DxQRMqTYQTWuzCAM41NgpGGTMu0jSPKO6m50sEhiRVgFhcyz_svTgAYLsK6GXPN609JOi0d7PoU8JRFEVE9nQXDn2J4fE6SpYpOOm05F2uXsgN6/s16000/1fc448f06eef77003.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial; font-size: medium;">****<span style="font-style: normal;">*</span></span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial; font-size: medium;">Un drama social de triste
actualidad (la inmigración desde el áfrica subsahariana) contado
por un cineasta total como Matteo Garrone. Y de una manera
espectacular y efectiva, como él sabe. Sin filtros dulcificadores,
sin excesivas dramatizaciones pero curiosamente sin renunciar al cine
como espectáculo dotándose de un nada desdeñable presupuesto para
rodar en diferentes localizaciones africanas desde Senegal hasta
Libia pasando por el desierto del Sahara. Efectivamente, parece este
un filme de aventuras y en realidad eso es lo que cuenta: la aventura
de dos adolescentes senegaleses, Seydou (Seydou Sarr) y Moussa
(Moustapha Fall) por llegar a Europa y huir de la pobreza labrándose
un futuro como estrellas mediáticas en la sociedad occidental de
tiktokers y youtubers .Obviamente el viaje será duro y dramático
casi desde el primer momento: concesiones a las mafias de
inmigración, difíciles controles de fronteras, detenciones,
secuestros, amenazas de las mafias y de militares, torturas,
dramáticos viajes a pie por el desierto...y todo esto antes de
llegar a Libia, donde tampoco la cosa será fácil en el propósito
de viajar por mar hasta Italia. Toda una visión hiperrealista, cruda
y cruel de la experiencia migratoria de aquellos que son capaces de
jugarse todo por una vida supuestamente mejor y aunque muchos se
queden en el camino. Rodada con actores africanos no profesionales,
escenarios reales, con situaciones presumiblemente extraídas de
experiencias auténticas (es notorio que ha habido un enorme trabajo
de documentación y entrevistas previo) y sin en ningún momento
abandonar el realismo pese a mostrar viñetas fantásticas extraídas
de los sueños de Seydou -en concomitancia con una suerte de realismo
mágico onírico- se puede decir que <i>Io Capitan</i>o es la mejor
película sobre la inmigración de Africa-Europa que se ha hecho
hasta el momento. Mateo Garrone demuestra que domina los tempos
cinematográficos y que sabe narrar una historia enormemente
dramática como nadie sin dejar de ser atractiva y sobre todo tocando
al conciencia del espectador, el fin último de este filme, tal vez
la obra maestra del director trasalpino.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: arial;">Hay que tener en cuenta que
esta no es una visión paternalista ni buenista del fenómeno
migratorio, sino que trata ser una crónica lo más honestamente
contada. Seydou, un chaval idealista y animoso que sueña con ser una
celibrity en Europa se irá encontrando en su epopeya hasta Libia
junto con su primo Moussa y otros emigrantes de Senegal y otros
países del África negra con todo tipo de penalidades que ponen en
juego su fe en conseguir su objetivo y que le separarán de Moussa
sin que sepa cual ha sido el destino de su primo. Los dos chicos son
dos héroes trágicos a su pesar, personajes inocentes y con pájaros
en al cabeza a causa de su edad y de su entorno que no tardarán en
madurar. El momento culminante del relato es cuando Seydou tendrá
que comandar una destartalada embarcación cargada con medio centenar
de personas desde Trípoli hasta el sur de Italia: la prueba
definitiva para un niño de 16 años que busca ser algo más de lo
que estaba destinado a ser en su país. Con momentos sublimes y
destellos deslumbrantes de buen </span><span style="font-family: arial;">cine, su crudeza y dramatismo no debe
impedir apreciar y disfrutar con una película de muchísimos
kilates. </span></span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-15064356283890968872024-01-07T18:17:00.004+01:002024-01-07T18:19:15.071+01:00LOS QUE SE QUEDAN (THE HOLDOVERS)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJWPdBR7rO3oQ1m1O6l0QaAPMQYVNYxByJFGf6OTnJShIjfG1f68E2_v8JFo5eKX5coIrwgWmD63amJ6j79CNBUUkTuHYU1Hd4S2KhL8lsyspRHgtyMyeH0zbLIfXWBvmwfetkAsR5Z1wkcRGmsSowZmbDh-lpqpG3EPmZAKeo5_AyaKnE0QHV/s500/holdovers-1000x563.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="282" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJWPdBR7rO3oQ1m1O6l0QaAPMQYVNYxByJFGf6OTnJShIjfG1f68E2_v8JFo5eKX5coIrwgWmD63amJ6j79CNBUUkTuHYU1Hd4S2KhL8lsyspRHgtyMyeH0zbLIfXWBvmwfetkAsR5Z1wkcRGmsSowZmbDh-lpqpG3EPmZAKeo5_AyaKnE0QHV/s16000/holdovers-1000x563.jpg" /></a></div><br /><p></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">****</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">Otro excelente ejemplo de que
el cine norteamericano cuando trata de rendir homenaje a algunas de
sus épocas más gloriosas -como en este caso el Nuevo Hollywood de
finales de los 60 y principios de los 70- consigue películas de
sublimes niveles más allá de pretensiones comerciales y búsqueda
de éxitos en taquilla. Aunque también es cierto que para que
ocurra esto hace falta que tras la cámara se encuntren directores
talentosos, como lo es el hasta hace poco irregular Alexander Payne
que con <i>The Holdovers</i> firma su mejor película con una
comedia-drama ambientada a principios de los 70 en donde la historia
de maduración personal juvenil de uno de los personajes se funde con
la crónica de sujetos fracasados en el otro protagonista para dar en
una suerte de historias personales paralelas que convergen en un
relato común en donde coexisten la sátira, la crítica social y
personal, la ternura, el drama personal más intenso, la chanza y la
enseñanza moral en un tono que fluctúa efectivamente entre lo
agridulce y lo optimista. Un guiño a las películas setenteras de
Hal Ashby como los <i>Harold y Maude </i>o <i>The Last Detail </i>en
donde la relación entre personajes muy diferentes llevaba a una
historia sorprendente y espectacular, tal y como ocurre en <i>Los que
se quedan </i>en donde el tributo a aquella época se extiende
también a la presentación y los títulos de crédito con logos
corporativos vintage, grafía setentista e incluso ya dentro de la
película en una imagen que emula el grano del filme en los setenta
llevando a cabo todo un metahomenaje que evidentemente tampoco se
queda en eso.</span></p>
<p align="justify" class="western" style="font-style: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: arial;">El mundo académico es por
otra parte el entorno donde se centra esta película, un elemento que
ha dado muy buenos momentos a la historia del cine y que Payne ha
sabido explotar especialmente en la caracterización de los
personajes. Paul Hunham (Paul Giamatti) es el inflexible, un tanto
excéntrico y huraño profesor de historia antigua en un elitista
instituto-internado de educación secundaria en Nueva Inglaterra: en las navidades de 1970 tendrá que hacerse cargo de cinco algunos que
por diversos mitivos no pueden pasar las fiestas con sus familias,
cometido que le desagrada. Cuatro terminarán yéndose a los pocos
días gracias a la intervención de la familia de uno de los chavales
quedándose unicamente el rebelde, indeciso, inmaduro, tramposo pero
inteligente Angus Tully (Dominic Sessa), que además es un caso claro
de niño rico desacreditado por su familia. La relación entre el
profesor y el pupilo esos días- con la presencia de la cocinera Mary
(Da´Vine Joy Randolph) como poderoso y significativo testigo- no
será fácil por las extrañas y desafiantes personalidades de ambos,
pero diversos acontecimientos harán establecerse entre ellos una
curiosa alianza. Puede que la historia no suene demasiado original ni
en su planteamiento, ni en su nudo ni tampoco en su desenlace, pero
el guión está salpicado de momentos más que geniales y de todo
tipo (cómicos, dramáticos, esperpénticos, sentimentales) que
elevan el tono de la película, un relato que hecho a partir de
sketches, líneas de diálogo elaborados y momentos inesperados
consigue ser una auténtica delicia. Merece mención especial la
interpretación de Paul Giamatti que da total credibilidad a un
personaje contradictorio y con secretos del que al principio no se
sabe si sentir simpatía, compasión, desprecio o comprensión pero
que termina siendo una especie de héroe inesperado, sin olvidar lo
bien que está el joven Dominic Sessa como otro patético outsider
que encontrará su camino en al figura de una improbable pero honesto
mentor y sobre todo Da´Vine Joy Randolph como una mujer que revierte
su sufrimiento y amargura en una honesta esperanza. Una película que
puede tener su momento en los próximos Oscar. </span>
</p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-40383299011840155042023-12-30T18:55:00.008+01:002023-12-30T19:07:20.657+01:00FALLEN LEAVES<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK02M6sJSCVoh7pUqTFhzzVouXZks7l2B-9uoH3TSrXwx-je5Eo8FoeDx6BcUi6NOGAyK0wydiEAO-pAlzzTJonrgJxnpJhoGRhr3yrdu1zw1sXTNcsqSNiAFhvHBqlrPFHy_3jDLGdBQAX9k8PLQpNPrF0GxUMW_vKdGFqwBN61mkuUfT-1bZ/s500/0fb06aa0-3184-496d-8c66-987e5e975788_16-9-discover-aspect-ratio_default_0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="281" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK02M6sJSCVoh7pUqTFhzzVouXZks7l2B-9uoH3TSrXwx-je5Eo8FoeDx6BcUi6NOGAyK0wydiEAO-pAlzzTJonrgJxnpJhoGRhr3yrdu1zw1sXTNcsqSNiAFhvHBqlrPFHy_3jDLGdBQAX9k8PLQpNPrF0GxUMW_vKdGFqwBN61mkuUfT-1bZ/s16000/0fb06aa0-3184-496d-8c66-987e5e975788_16-9-discover-aspect-ratio_default_0.jpg" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">*****</span></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Destrozando las convencionalidades de la comedia romántica. Si, el nuevo filme de Aki Kaurismäki además de situarse insólitamente (dentro de la filmografía del director) en dicho género obviamente no se queda solo allí y entre el esperpento, la sátira y la caricatura traza un filme sorprendente y lleno de momentos geniales que tampoco se aleja de las temáticas (miserias de la vida proletaria) y estéticas (parquedad de diálogos, puesta en escena gélida y minimalista) de Kaurismäki. El responsable de <i>La chica de la fábrica de cerillas</i> o <i>Un hombre sin pasado </i><span>vuelve a encandilar en su larga carrera con una nueva obra maestra de poco más de 80 minutos de duración, los necesarios para contar con todo lujo de detalle las idas y venidas de esta peculiar historia de amor entre dos perdedores de Helsinki con un tono y final sorprendentemente feliz pese a que toda la historia esta cruzada con un tono de ironía y cierta amargura que en realidad esta dispuesta para dar un tono manierista y en cierto modo burlesco.</span></span></p><p align="justify" class="western" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: arial;"><span style="font-size: medium; text-align: left;">Ansa (Alma Pöysti) una mujer de cuarentaitantos soltera pierde su trabajo en un supermercado y mientras prueba suerte con otros trabajos más o menos sacrificados y peor remunerados conoce en un karaoke a Holappa (Jussi Vatanen) un trabajador alcohólico, desaliñado y sin ilusión con el que comenzará una bizarra relación amorosa con intercambio de escasas frases, anodinas cenas, visionado en el cine de pelis de zombies, pérdida de numeros de teléfono...lo que se dice un antirromance. Pero la cosa pese a todo va saliendo, sin que ambos sujetos cambien sustancialmente su comportamiento (salvo que Holappa va dejando el alcohol) y dentro de un absurdo mundo donde todos los personajes parecen comportarse sin sentimiento mediante patrones preestablecidos y muestren cierto tono de amargura. La habilidad de Kaurismäki reside precisamente en que con tales mimbres- los dos protagonistas además están geniales no, lo siguiente- esta resulte una película entrañable, muy agradable de ver y con derroche de buen cine en todo momento. Escenarios urbanos y domésticos casi de decorado por su frialdad iconográfica, una fotografía entre luminosa y grisácea que da un aire más surreal que hiperrealista y en definitiva un realismo que de nuevo trata de retratar las vida de las clases trabajadoras pero esta vez vista desde una forma diferente todo dando cuerpo a una película con momentos muy divertidos, homenajes cinéfilos y toda la genialidad que se le supone a un gran cineasta como Aki Kaurismäki</span></span></p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-12954324501183532032023-12-26T17:11:00.003+01:002023-12-26T17:11:34.185+01:00ANATOMÍA DE UNA CAÍDA (ANATOMIE D’UNE CHUTE)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQFJAosdnt1-B4p5MaWIkgiGZyGuECLJOerDs97sAe8BawhPQ6jhN_b70U9fXo_5SjKkLxyHnTyEWsTl8DrpW9jljLRn4-fdDwcNmlytueQGWSj0ARTxAbXo8NoFr1byNwff8KUYnC-0On4I6EkNAsy-RQzjDZap0vhbOkAI9iIl11FgvRFcrT/s490/h.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="276" data-original-width="490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQFJAosdnt1-B4p5MaWIkgiGZyGuECLJOerDs97sAe8BawhPQ6jhN_b70U9fXo_5SjKkLxyHnTyEWsTl8DrpW9jljLRn4-fdDwcNmlytueQGWSj0ARTxAbXo8NoFr1byNwff8KUYnC-0On4I6EkNAsy-RQzjDZap0vhbOkAI9iIl11FgvRFcrT/s16000/h.jpg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">*** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">La Palma de Oro del Festival de Cannes 2023 no
consigue ser la gran película que se presupone que es a juzgar por dicho galardón
obtenido y se queda en una buena mezcolanza entre thriller, cine de juicios y drama
familiar, siendo este último elemento el principal en la película y el que mejores
momentos depara. Esta claro que su directora Justine Triet no ha querido en absoluto
ceñirse en el cine de género y lo que pretende es presentar un drama novedoso en
donde la intriga tradicional - en este caso a partir del mcguffin de la resolución
de la causa de una muerte entre el suicidio o el asesinato- es una excusa para
mostrar items intimistas como el deterioro de las relaciones de pareja, el
dilema entre la responsabilidad con los demás y la libertad individual y los
prejuicios personales y sociales. El resultado de todas formas no ha alcanzado sus
altos propósitos de una manera clara y magistral pero sigue siendo un filme
interesante y con algún momento de excelencia. <br /></span></p>
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">El gran
acierto de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Anatomía de una caída</i> es
la elección de su protagonista, Sandra Hüller, que encarna con una enorme
fuerza a Sandra, una escritora alemana afincada junto con su familia en una
casia aislada cabaña en los alpes franceses que tendrá que demostrar su
inocencia en la muerte de su marido Samuel (Samuel Theis), el cual una mañana
se cae desde el último piso de la vivienda matándose al instante, sin testigos ya
que la caída no es vista ni por su mujer y por supuesto ni tampoco por su hijo de
11 años ciego Daniel (Milo Machado Graner).Las extrañas circunstancias de la
muerte convertirán a Sandra en sospechosa y junto con su abogado y amigo Vincent
Swann Arlaud) <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tratará de llevar a cabo
una defensa que por diversos e intrincados motivos no será tarea fácil. Sandra
es un mujer ambiciosa y gélida a la que su marido Samuel, también escritor pero
sin posibilidad de desarrollar su carrera por tener que anteponer la felicidad
familiar a su carrera, llevando todo a una cruenta crisis matrimonial. A partir
de allí la historia va desarrollándose entre el whodonnit, el drama judicial y
los momentos más intensos de drama convencional psicológico y familiar, de
manera generalmente bien alambicada pero falta de momentos de intensidad y de gran
dramatismo, algo que la historia pedía a gritos pero que aparece solamente de
forma muy atenuada. El recital interpretativo de Sandra Hüller es lo que
consigie en realidad levantar la película junto con el oficio de la directora
Justine Triet, de lo contrario podríamos estar hablando de una película del
montón. También es digno de mencionar el rol del chaval ciego (en realidad con
una deficiencia visual) que al final con su inocencia y su papel de testigo de
la degradación de la relación de sus padres tiene la clave del caso: muy buena
la interpretación del jovencísimo Milo Machado Graner. Una buena película, en
definitiva, pero sus premios y el prestigio de su directora hacían caber
esperar algo mejor. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><br /><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"></span></span></div>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-78506168863734760902023-12-17T18:13:00.005+01:002023-12-17T18:13:41.184+01:00LA SOCIEDAD DE LA NIEVE<p><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKVOrhfensimFWFZZV8tYrk_o5Lz1yJDyIj21xckmiosczO4kdmeyWm_LJnhTlK7J3Q8ZGqlPhOY29KjCPST2s5xGTOWaYF1YjGPAleVSOx3dNs1LOeCkGn1QflTPHODEJwgiJfFJINkHioXCPLy1wa4T3a0CDjh3u78KVyT-rRVL22xwQYbtz/s497/17023025012994.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="497" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKVOrhfensimFWFZZV8tYrk_o5Lz1yJDyIj21xckmiosczO4kdmeyWm_LJnhTlK7J3Q8ZGqlPhOY29KjCPST2s5xGTOWaYF1YjGPAleVSOx3dNs1LOeCkGn1QflTPHODEJwgiJfFJINkHioXCPLy1wa4T3a0CDjh3u78KVyT-rRVL22xwQYbtz/s16000/17023025012994.jpg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">**** y 1/2 <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Ya se ha contado otras veces la historia de la llamada
tragedia de los Andes en el cine y pocos esperaban ya que se hiciese el filme
definitivo sobre el tema pero se ha hecho y esta vez casi imposible será ya
superarlo. JA Bayona, por ahora el director español más internacional, ha
conseguido con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Sociedad de la Nieve</i>
no solo una historia de supervivencia conmovedora, tensa y emocionante sino un
trabajo cinematográfico superlativo desde principio a fin con el que el
realizador catalán demuestra que es un narrador eminente y un realizador superdotado
que necesitaría películas de pretensiones mayores de las que ha venido filmando
hasta ahora- salvo esta última que debería marcar para él un punto de inflexión-
y dejarse de impersonales encargos hollywoodienses para demostrar su verdadera
y enorme valía. Aquel accidente aéreo acaecido a finales de 1972 con un grupo
de jóvenes jugadores de rugby uruguayos y amigos y familiares en el que
quedaron al final dieciséis supervientes de 45 personas sobreviviendo durante
dos meses al frío, avalanchas y especialmente la falta de alimento que
solucionaron comiendo los restos de los otros viajeros fallecidos es uno de los
relatos reales más increíbles apasionantes -y también controvertidos por su
recurso a la antropofagia- del siglo XX y Bayona, tomando como punto de partida
el libro homónimo del periodista uruguayo Pablo Vierci, ha logrado un filme que
verdaderamente ha captado magistralmente todos los matices y aristas de aquella
epopeya que demostró que el espíritu y la voluntad humana sencillamente no
tienen limites, rehusando a centrarse en protagonistas concretos y otorgando al
colectivo de supervivientes un protagonismo global que concuerda más con el alma
de aquella epopeya en donde los jóvenes formaron efectivamente una especie de
sociedad, comunidad en donde alimentarse con los cuerpos de otros que eran
amigos o familiares fue casi un ritual en donde los fallecidos ayudaron en la
supervivencia de los otros. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Tal vez el acierto definitivo haya sido cambiar la
fuente de la crónica, ya que tanto en la primera aproximación cinematográfica
al tema la mexicana <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Supervivientes en los <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Andes </i>(1976)-
un truño olvidable- de René Vardona como la estadounidense <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alive</i> (1993) de Frank Marshall- puro Hollywood- <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>toman como punto de partida el libro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">¡Viven!</i> que escribió Piers Paul Read en
1974 y en dicho trabajo no hay una investigación tan perfeccionada como en la
obra de Vierci; no obstante claro está que la propia habilidad de Bayona ha
hecho el resto. Un reparto de jóvenes intérpretes uruguayos y argentinos
realiza un esforzado trabajo dando dramatismo, humanismo y todo el catálogo se
situaciones humanas que puedan vivirse en una situación límite no solo con
total credibilidad sino haciendo que captemos todo el dramatismo de la situación.
Rodada en los auténticos andes argentinos y chilenos (en Chile del punto donde
se produjo el accidente real), en Uruguay en la Sierra Nevada española para
otras escenas en loa helada cordillera andina, la película muestra un esfuerzo técnico
pocas veces visto en el cine español incluyendo magníficos efectos de
maquillaje y unos efectos especiales mucho más que de recibo donde destaca la
espectacularidad y credibilidad <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de la
escena del accidente del Vuelo 571: los pelos como escarpias. Pero esta no es
una película de catástrofes y la espectacularidad está más bien centrada en la
suntuosa fotografía de Pedro Luque - paisajes, tomas aéreas- y en una puesta en
escena que se esfuerza y logra en ser todo lo real que peude cuidando hasta el
más mínimo detalle en cuanto a atrezzo, decorados (muy buena reconstrucción del
avión siniestrado), vestuario, maquillaje, efectos digitales…hasta se recrean las
célebres fotos que los supervivientes hicieron durante sus más de dos meses de
calvario. <br /></span></p>
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Si, la
historia de Roberto Canessa (Matías Recalt), Nando Parrado (Agustín Pardella),
Arturo Nogueira (Fernando Contigiani), Numa Turcatti (Enzo Vogrinic), Gustavo
Zerbino (Tomás Wlf), Marcelo Perez (Diego Vegezzi), Carlitos Paéz <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(Felipe González Otaño), Coco Nicolich (Blas
Polidori) y otros más ya es conocida por mucha gente, pero con esta película ya
se puede decir que se ha reflejado el verdadero sentido de esa historia: sufrimiento,
lucha, fe en uno mismo, amistad. Una crónica épica y humanista, curiosamente
vista desde el punto de vista de uno de los primeros fallecidos quien realiza una
poética narración, que en manos de Bayona es cine con mayúsculas. </span><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><br /><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"></span></span></div>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-25828919088169577612023-12-10T12:18:00.003+01:002023-12-10T12:18:28.564+01:00ROBOT DREAMS<p style="text-align: justify;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCFeOd_TOyWazBEknWanYe15CwSdq_4_1YrT9HxHZWoM3h3gw71kfF1EHUhvkCrm8iZ8nn6FpuZDDLyJE5Y1m5hLLtSIbLw9OiaO5TP4kvA0yEU0o9GogHkeROGELozvt2_kKoJX-ZT7WTEtds5Fx-t0ih0ehnJDsAY34-dT8Q7DbsyjuCTcuA/s512/Robot-Dreams-pelicula-trailer-1024x610.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="305" data-original-width="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCFeOd_TOyWazBEknWanYe15CwSdq_4_1YrT9HxHZWoM3h3gw71kfF1EHUhvkCrm8iZ8nn6FpuZDDLyJE5Y1m5hLLtSIbLw9OiaO5TP4kvA0yEU0o9GogHkeROGELozvt2_kKoJX-ZT7WTEtds5Fx-t0ih0ehnJDsAY34-dT8Q7DbsyjuCTcuA/s16000/Robot-Dreams-pelicula-trailer-1024x610.jpg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">**** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">La sorpresa del cine español del año 2023 ha llegado al final
del mismo y es un más que notable trabajo de cine de animación cuyo responsable
es una de las figuras más curiosas de la cinematografía ibérica por lo insólito
de su carrera: Pablo Berger. El cineasta bilbaino, cuyo<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> Blancanieves</i> (2012) ya es todo un clásico del cine hispano y no
cuenta con una filmografía no precisamente demasiado extensa pese a comenzar su
carrera a finales de los 80, ha
firmado un encantador y conmovedor cuento animado (animación tradicional) que
puede suponer un antes y un después para el cine de este tipo en España: puede
que no se trate de una obra maestra redonda, pero su enorme calidad visual, su
sencillo pero extraordinario guión y sobre todo su universal y cálido mensaje
hacen de Rob<i style="mso-bidi-font-style: normal;">ot Dreams </i>un trabajo
fácilmente exportable y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>globalmente
aclamable. Esta adaptación de una sensacional novela gráfica de la
norteamericana Sara Varon- el cómic una vez más origen de grandes películas-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>es un canto a la amistad y a todo aquello que
la rodea así como una reflexión sobre su surgimiento y sobre su final, tocando
aspectos como el olvido de los amigos pasados, la sensación de soledad, la
necesidad de ser querido, el reemplazo en la amistad, el olvido, los buenos
recuerdos, la falsa amistad, la lucha sin cuartel por los seres queridos…todo
ello contado a través de una fábula aparentemente dirigida al público infantil
pero que puede ser perfectamente degustada (mejor dicho, debe ser) por el
público adulto: tanto unos como otros reirán, llorarán, se emocionarán y se
verán también reflejados en este filme, realizado con mimo y esmero con un gran
esfuerzo técnico pese la aparentemente simplicidad del dibujo (el mismo de su
autora) y de la animación en esta coproducción hispanofrancesa. Ambientada en
un Nueva York de los años 80 poblado de animales antropomórficos y repleto de
escenarios reales reconocibles de la Gran Manzana, asistimos a la historia de
amistad de un perro que atiende simplemente al nombre de Dog y un robot llamado
simplemente Robot en el transcurso de prácticamente un año en el que ocurre de
todo entre los dos personajes llegando a un final del filme curioso, sugerente
y que termina mostrando toda la intencionalidad del filme. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Dog es un can solitario que suspira por tener
compañía; un día de septiembre en la televisión ve el anuncio de un robot sentiente
diseñado para hacer de amigo y acompañante, lo pide por correo y en pocos días
la pareja se hace inseparable compartiendo buenos momentos por NY. Un día en la
playa a última hora de la tarde en el último día de temporada de baños Robot se
avería a causa del agua y no se puede levantar de la toalla. Su amigo va a
buscar ayuda pero en su ausencia las autoridades cierran la playa hasta el
verano que viene: un maltrecho Robot se queda allí atrapado pero Dog se propone
recuperarlo por todos los medios; esto será misión imposible y ambos amigos se
hacen a la idea de que tendrán que esperar cerca de nueve meses para reunirse
gestionando a partir de ese momento la situación como pueden y dando lugar
dentro de la película a sugerentes, deliciosos, sesudos y conmovedores momentos.
El guión adaptado firmado por los propios Berger y Varon es un cúmulo de
maravillas narrativas en un filme mudo sin ningún diálogo y solo con efectos
sonoros y una estupenda banda sonora obra de Alfonso de Villalonga que incluye
además temas conocidos como el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Septembe</i>r
de Earth, Wind and Fire canción que cumple un papel fundamental en la trama. La
segunda mitad del filme, con los personajes principales prácticamente desubicados
encierra instantes emocionantes e introspectivos como los que ilustran los
sueños de Robot y Dog, marcados por la ausencia de al persona querida y el
deseo por recuperarla, preciosas viñetas de inspiración onírica con marcada
emotividad y explicaciones freudianas presentada con sublimes experimentaciones
conceptuales dentro de la animación tradicional. <br /></span></p>
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Merece
reseñarse el trabajo de Benoit Féroumont como director de animación en un filme
con una escenografía por supuesto muy de cómic y un estilo de dibujo muy claro y
conciso con una paleta de colores muy concreta y vistosa influencia sin duda de
la escuela ilustrativa franco belga y en especial la línea clara. Es muy fácil
empatizar con unos personajes que pese a ser dibujos y ser animales o robots muestran
emociones, situaciones y sentimientos muy humanos que todos en alguna medida
hemos vivido. No se trata de un filme redondo pero resulta un pequeño-enorme peliculón.
Es estupendo se hagan películas de este tipo y que además sean de animación y
preferentemente dirigidas al público más joven aunque este sea un realidad un filme
recomendable para todas las edades</span><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><br /><span style="font-family: Arial; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"></span></span></div>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-21856107117471890512023-12-03T19:08:00.003+01:002023-12-03T19:08:10.768+01:00EL VIEJO ROBLE (THE OLD OAK)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdG2XG2gpMjDGRtGqPYsub-aKcwuLV7JLnLjcY7X_-9ck0gYo5V4K1VZtWYVkP0eQ1iRyWYxG3rdmBN_27lZ6i-u1BH8hvQwzob5mm4TViM3KcqEu2F2xQYjikcRAZ2Zl83dBFgNHWnJqq6UItFsTp5v1TarS3hs6pLaYLDVY7HVGhSsIwkg1i/s538/the-old-oak.-Ken-Loach-scaled.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="359" data-original-width="538" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdG2XG2gpMjDGRtGqPYsub-aKcwuLV7JLnLjcY7X_-9ck0gYo5V4K1VZtWYVkP0eQ1iRyWYxG3rdmBN_27lZ6i-u1BH8hvQwzob5mm4TViM3KcqEu2F2xQYjikcRAZ2Zl83dBFgNHWnJqq6UItFsTp5v1TarS3hs6pLaYLDVY7HVGhSsIwkg1i/s16000/the-old-oak.-Ken-Loach-scaled.jpg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">*** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Parece que Ken Loach se va a despedir del cine con
esta película, algo que puede resultar hasta cierto punto lógico ya que el
cineasta británico tiene ya 87 años y poco que demostrar en su vasta carrera. Si
consideramos como tal parece a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Old
Oak</i> como su última película hay que decir que se trata de una despedida
digna con un filme que sin estar entre lo mejor de su producción cumple con
creces sus propósitos de denuncia y concienciación como siempre ha ocurrido con
cualquier película de Loach, aunque si bien es cierto se echa algo en falta en
este caso mayor pasión (en otras épocas Ken Loch literalmente echaba el resto)
y puede que mayor sentido del riesgo. Con todo de nuevo estamos ante un drama
social honesto y perfectamente narrado con amalgama muchas de las características
que hicieron del cine de Loach objeto de culto a partir de finales de los 80 y
que vuelve a dar en la diana a la hora de trazar un diagnóstico social del
Reino Unido actual (y por ende de toda la sociedad occidental actual) y algunas
de sus circunstancias: en este caso es de neuvo la inmigración el tema central,
con el contrapunto de la crisis económica en algunas zonas de Gran Bretaña. Como
escenario, un pueblo del condado de Durham – zona conocida por su pasado minero-
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y dentro de él un viejo pub de toda la
vida a punto de cerrar, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Viejo Roble</i>,
donde se reúne la atribulada gente del pueblo (descendientes de mineros en una
localidad empobrecida) con su propietario TJ Ballantyne (Dave Turner) un hombre
tenaz y trabajador pero taciturno y superado por las circunstancias <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tratando de buscar un final digno para su
local mientras al pueblo llega un buen número de refugiados sirios ante el
recelo de los lugareños que los ven como invasores, pero TJ no parece ser de
esa opinión. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> <br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">El enfrentamiento entre la visión de algunos de <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>lo locales recelosos de los “muslims” <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y otros como TJ que aceptan su presencia -aunque
al principio les cueste- es lo que a grandes rasgos traza el desarrollo de la
película. TJ consigue establecer una relación de amistad con Yara (Ebla Mari)
una veinteañera del colectivo de los refugiados cuya familia se ha mudado al
desfavorecido barrio del dueño del pub, llegando de ese modo a entender las
desdichas y la situación de los inmigrantes sirios al tiempo que la muchacha,
ayudada por los servicios sociales locales, trata de integrar a ella y a los
suyos dentro de la comunidad chocando casi siempre con al hostilidad del
entorno. TJ por su parte se encuentra en una complicada situación ya que sus
problemas personales y los de su negocio en cierto modo comienzan a ser
aliviados por la presencia y la ayuda de Yara, pero su entendimiento con la
comunidad siria provocará el desprecio de sus amigos y vecinos: la traición y
el caínismo dentro de un mismo colectivo también es tratado en el filme y en ese
empeño Loach tampoco no se anda con rodeos a la hora de mostrar comportamientos
intolerantes y éticamente reprobables. El final lleno de esperanza se encuadra
más bien en la vertiente melodramática del autor, pero en su desarrollo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Old Oak</i> tal vez sea uno de los
filmes más directos e incómodos de Loach en bastantes años. Otra muesca más- posiblemente
la última- en el recuento de aciertos de uno de los más significativos y
personales cineastas vivos europeos. </span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-309837774567911662023-11-27T17:31:00.001+01:002023-12-03T17:20:31.688+01:00NAPOLEON<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn6EjYTpYb4jmjbqXpB73fP2lfVZ9xAiX2Ansr9Dl9rLqFuQRIFMj4vR60neLK61hvW6Lg5xez6HagBekucVVZu80v7mP1L4TXBF43AQR1DRddPGO6tvT9AEPt2PtACe99AezJ1RqhmmisIP8z4xvvgOM_NMBF58NLZWbsLDY-FnkvjrrC1Yic/s500/500_333.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="333" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn6EjYTpYb4jmjbqXpB73fP2lfVZ9xAiX2Ansr9Dl9rLqFuQRIFMj4vR60neLK61hvW6Lg5xez6HagBekucVVZu80v7mP1L4TXBF43AQR1DRddPGO6tvT9AEPt2PtACe99AezJ1RqhmmisIP8z4xvvgOM_NMBF58NLZWbsLDY-FnkvjrrC1Yic/s16000/500_333.jpeg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">** y 1/2 <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Cada vez se hace mas tediosa la cada vez- valga la redundancia-
más frecuente visita del viejo Ridley Scott a las pantallas con productos sencillamente
aceptables en algunos casos y en otros pasables o ya directamente mediocres,
aunque eso sí siempre con la impronta de la veteranía y profesionalidad de aquel
que domina el séptimo arte. Esto ocurre con esta superproducción histórica que
toca de nuevo en el mundo de cine la eternamente atrayente figura de Napoleón
Bonaparte en lo que pretende ser la película definitiva sobre el megalómano y
controvertido emperador de Francia: sencillamente, es lo que el gran público
pide (escenas de batallas espectaculares, hincapié en el romance de Napoleón y
Josefina) y lo que los seguidores de Scott esperan (fotografía suntuosa, puesta
en escena elaborada y medida al más mínimo detalle, ambientación de época casi
perfecta); por lo demás este <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Napoleón</i>
resulta un filme correcto<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de una a veces
espectacular factura visual - es notoria la referencia plástica de obras como pictóricas
la de Jacques-Louis David cuya <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
coronación de Napoleón</i> se homenajea-recrea en una escena- y muy trabajadas
escenas bélicas -con ayuda Claro está de los efectos especiales digitales- pero
sin nada que sea realmente relevante ni previsible, cayendo en la mayoría de las
veces en el manierismo más fácil y la autorreferencia más ramplona. Si, Scott
va descaradamente a deslumbrar a los admiradores de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gladiator </i>con escenas bélicas multitudinarias en parajes naturales y
copitos de nieve que caen entre los actores en algunas escenas de las mismas. Esta
película en definitiva no deja de ser un producto más comercial que de autor en
donde si bien no faltan buenos momentos e incluso instantes de cine con mayúsculas,
no se logra llegar a los mínimos que se le suponen a una buena película. Y eso
que Joaquin Phoenix, actor de garantía pero demasiado sobreexpuesto, realiza una
interesante composición del Pequeño Corso aunque tal vez algo forzada que resulta
ser de los más salvable del filme. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Dentro de este biopic histórico hay bastantes
inexactitudes históricas y en general una caracterización de Napoleón Bonaparte
demasiado en concordancia los tópicos históricos sobre su personalidad, aspectos
que no han gustado nada en Francia en un filme rodado en inglés (hasta cuando
aparecen cartas estas están escritas en el idioma de Shakespeare) en el Reino
Unido y Malta con actores británicos y estadounidenses y sin ningún actor galo.
Aunque toda la ascensión política de Bonaparte y sus campañas militares en
Egipto o Rusia están bien plasmadas pese a varios errores históricos, cierto
desmañamiento y aceleración en los acontecimientos históricos no parece desde
luego el mejor camino para mostrar las múltiples aristas de un personaje como
este, como tampoco funciona como es debido- y este es tal vez el mayor lastre
del filme- todo lo concerniente a la relación entre el emperador y Josefina de
Beahuarnais (Vanessa Kirby, correcta simplemente) cuyos avatares irrumpen en la
narración en varios momentos fastidiando muchas veces el ritmo, aunque traten
de presentarse aquí como claves para entender la figura napoleónica. Ridley
Scott no esta teniendo una madurez de carrera demasiado brillante que digamos;
demasiados filmes en muy poco tiempo y casi siempre más de lo mismo y más previsible.
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>No obstante, es posible que esta película
haga muy buena taquilla. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-74461850562384218552023-11-19T20:56:00.002+01:002023-11-19T20:56:25.654+01:00UN AMOR<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq7h3PkgAqtf1h43mU4styJdv7KXsNwX6ZNcyaqKxkxv5soMqCFrRsFfIwSaiwhuDCKVZouTie4UdlqaCjoPLNjxmDGoFEgsje6v7Ze_SdcB7mIItzM1hWjGhyphenhyphenyPWTiNdF9MkMHfokYs1k_LXd541mpQ6fgIyNqwv71-idNdNyPrqJuhEFtDOD/s570/2540121.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="299" data-original-width="570" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq7h3PkgAqtf1h43mU4styJdv7KXsNwX6ZNcyaqKxkxv5soMqCFrRsFfIwSaiwhuDCKVZouTie4UdlqaCjoPLNjxmDGoFEgsje6v7Ze_SdcB7mIItzM1hWjGhyphenhyphenyPWTiNdF9MkMHfokYs1k_LXd541mpQ6fgIyNqwv71-idNdNyPrqJuhEFtDOD/s16000/2540121.jpg" /></a></div><br /><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">**** <span style="mso-spacerun: yes;"> </span> <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Isabel Coixet siempre ha pretendido ser una cineasta
con varios registros pese a que su cine ha mantenido en todo momento unas
coordenadas constantes; Con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un Amor</i> adaptación
de la novela de Sara Mesa la directora catalana muestra que también sabe hacer
costumbrismo más o menos rural (y pasado por un tamiz contemporáneo) añadiendo patina
humanista y poética. Todo esto ha dado como resultado una película atrayente y
extraña que puede no ser plato para todos los gustos pero que sin duda no deja
indiferente y vuelve a mostrar (una vez más) que Isabel Coixet es la gran
humanista del cine español. Dos personajes, Nat (Anna Castillo) y Andreas (Hovik
Keuchekerian) son los que guían la historia aunque al principio solo la primera
parece ser la protagonista ya que su soledad cotidiana atenuada por varios
contactos que establece es lo primero que contemplamos y lo que pavimenta el
relato. Natalia “Nat” es una joven treintañera <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que se establece en una remota aldea del
pirineo ilerdense dejando su trabajo de traductora de refugiados en una ONG
para ejercer de traductora a secas. En una desvencijada casa propiedad de un individuo
misógino y cafre (Luis Bermejo) y con la compañía de un perro desvalido y
herido Nat trata de adaptarse al pueblo haciendo migas con Piter, un jovial
artista (Hugo Silva), combatiendo en silencio con su casero, tratando de ser
simpática con joven matrimonio pijo (Ingrid García Jonsson y Francesco Carril) y
finalmente entablando una inusual relación sexual-afectiva-amorosa con Andreas,
el chapuzas local, un hombre de origen extranjero de aspecto y comportamiento
tosco que un buen día dice a la muchacha que desea tener sexo con ella, algo a
la que ella tras dudas iniciales termina accediendo. Es precisamente la situación
a la que ha llegado Nat y las razones para eso lo que tratamos de descubrir
mediante los silencios de la protagonista y todas sus vivencias en su nuevo y un
tanto hostil entorno. ¿Realmente siente algo por Andreas?, es la pregunta que
nos hacemos, se hace ella y se hacen otros personajes del filme. Sobra decir
que la soberbia interpretación de Anna Castillo hace mucho por mantener la solidez
y el intríngulis de la historia con una personaje casi enigmático del que en
realidad poco se sabe sobre su pasado y las razones que le impulsaren a
retirarse en un perdido pueblo; pero también es cierto que el increíble <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>trabajo del polifacético Hovik Keuchekerian resulta
decisivo para el poder evocador de este filme. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">No demasiados escenarios y un buen reparto de
secundarios con papeles que realmente aportan a la historia y su significado
(como casi siempre en el cine de Coixet) hacen de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un Amor</i> una película muy sugerente y enigmática en donde la condición
y situación de su protagonista, una mujer un tanto perdida y con algún dolor
oculto, no se nos llega a decir claramente abriendo varias hipótesis. La dualidad
y los límites entre el amor y el sexo y las dificultades en las relaciones
humanas son los temas que van trazando la historia y que Coixet y la
coguionista Laura Ferrero partiendo de la novela de Mesa saben plasmar muy
bien, con sutileza y sin histrionismo y con una curiosa naturalidad para rodar
escenas de sexo donde vemos la desconcertante naturaleza de Andreas, otro ser
que parece no haber encontrado sitio y que se expresa y en el que al rudeza con
la que se expresa la mayoría de las veces parece ocultar otro tipo de
personalidad. El final de la película trata de atar algunos cabos aunque a
algunos les parecerá que en realidad añade más confusión. Isabel Coixet no
suele defraudar y esta película tampoco es una excepción. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-3491626617802183982023-11-12T17:53:00.007+01:002023-11-12T17:53:59.216+01:00EL MAESTRO QUE PROMETIÓ EL MAR <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaz1nV7Jxq5LBzgLIwUS1fsotvr9SjT0vIKL2NeP5Y_Wd0-Jbj8alJSpSEM4s1TfUVP8EB9lFjVm5yE4QFQBP-0vM4JkQNbS_-p5obDAarAxvN_gE8tt0m0UCGgR7W9oKa7YfYpGdycz1HXDyKmpAfhdUU-xQxsd4WDEvkjmSTDAij_TgVmBG5/s438/16996432463721.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="293" data-original-width="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaz1nV7Jxq5LBzgLIwUS1fsotvr9SjT0vIKL2NeP5Y_Wd0-Jbj8alJSpSEM4s1TfUVP8EB9lFjVm5yE4QFQBP-0vM4JkQNbS_-p5obDAarAxvN_gE8tt0m0UCGgR7W9oKa7YfYpGdycz1HXDyKmpAfhdUU-xQxsd4WDEvkjmSTDAij_TgVmBG5/s16000/16996432463721.jpg" /></a></div><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">*** <span style="mso-spacerun: yes;"> </span> <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Cada vez más directoras se asoman al cine español muchas
veces con debuts dignos de tener en cuenta, tal y como sucede con este filme de
Patricia Font basado en una novela de Francesc Escribano al mismo tiempo basada
en un hecho real., la historia del maestro de primaria Antoni Benaiges, un
docente catalán destinado a un pequeño pueblo burgalés poco antes de la Guerra
Civil española que con métodos pedagógicos por entonces innovadores se ganó la
simpatía de sus alumnos y del pueblo de Bañuelos de Bureva, lo que no impidió
que en el estallido de la contienda fuera apresado por “rojo” y hecho
desaparecer. Efectivamente, esta es una nueva reivindicación de la Memoria Histórica
desde el cine, contando una historial real sencilla y diáfana con grandes dosis
de honestidad en este caso y poca tontería y sensiblería barata. Es cierto que
la historia sigue una estructura demasiado cliché y mil veces vista cuando se
tratan de ficcionalizar estas historias (una persona de la época presente desea
saber detalles sobre la vida pasada de algún familiar o conocido <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>e investiga en donde este o esta ha vivido
mientras mediante flashbacks vemos la historia del protagonista del pasado) pero
el modo en que está tratado todo lo concerniente a la figura de Benaiges y sus
circunstancias en la aldea burgalesa eleva todo el conjunto a una estupenda película
que pese a su irregularidades y un guión demasiado esquemático y mejorable cumplo
su función de mostrar unas vidas (las del maestro y sus pequeños alumnos), de mostrar
también una injusticia <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y en definitiva
de hacer reflexionar y conmover al espectador de la relación dialéctica (si es
que la hay) <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>entre esos dos elementos. Siguiendo
cánones costumbristas-de época muy abigarrados en el cine ibérico (Camus,
Cuerda), <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El maestro que prometió el mar </i>resulta
un filme muy hábil y agradable de ver. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Rodada en localización real en la provincia de Burgos
en al zona de Briviesca - donde se han hallado enterramientos de la guerra que
aparecen en el filme- y con una esforzada ambientación espacio-temporal, la película
está sustentada principalmente en al excepte interpretación que lleva a cabo
ese valor en alza que es Enric Auquer, un intérprete que se esta rebelando como
un multirregistros, quien compone un Antoni Benaiges que además de carismático e
idealista resulta una especie de modesto héroe a su pesar, un hombre cuya
vocación por enseñar a los niños de una aldea remota cosas como rudimentos de
ingeniería, periodismo, escritura creativa o incluso el cultivo del elemento emocional
le hace sentirse feliz en un entorno en donde tarda en encajar pero en donde
finalmente es aceptado por propio mérito, con una promesa de enseñar el mar a
sus pupilos en un viaje en tren a Cataluña . Ya desde el otro del tiempo se
encuentra el personaje de Ariadna interpretado por Laia Costa, una joven
catalana cuyo abuelo internado en una residencia resulta haber sido alumno de Benaiges
y revivirá en el pueblo aquello que le marcó profundamente al anciano, un
personaje el de Ariadna <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>deficientemente
explotado pero que Laia Costa trata de aportarle efectividad y aplomo. El
reparto se completa con actores como Ramón Aguirre, Luisa Gavasa o Milo Taboada
y un elenco de pequeños intérpretes que se esfuerzan por hacer actuaciones
dignas de una buena película. Un debut el de Patricia Font que resulta bastante
prometedor. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-27541530850910737852023-11-03T20:17:00.003+01:002023-11-03T20:17:34.924+01:00EL CHICO Y LA GARZA (KIMITACHI WA DÒ IKRU KA) <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh42UGC-oae2gq34eirDQ4RIgVVeA_h2hJk_CaiICxCcWqN1hM8GAXiAkeQWF-toYD4LaxbqCR5iQQJlB08MZkuf8pfZGyibJZYz4oed0VAaS-3H903Z5Zjcyp6wvpJEdra1YqltEw240_2vhjgnVVPfnd0rvpMki_4908Qlr9m11CiFHx158cF/s540/16953885999323.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="303" data-original-width="540" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh42UGC-oae2gq34eirDQ4RIgVVeA_h2hJk_CaiICxCcWqN1hM8GAXiAkeQWF-toYD4LaxbqCR5iQQJlB08MZkuf8pfZGyibJZYz4oed0VAaS-3H903Z5Zjcyp6wvpJEdra1YqltEw240_2vhjgnVVPfnd0rvpMki_4908Qlr9m11CiFHx158cF/s16000/16953885999323.jpg" /></a></div><br /><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">**** <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y 1/2 <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Cada vez que llega a las pantallas un nuevo filme de
Hayao Miyazaki al amundo occidental no solamente la cada vez más amplia
comunidad amante del manga se llena de emoción y regocijo, en los últimos años
todos los amantes del cine de animación y prácticamente los cinéfilos en
general muestran su entusiasmo ante un nuevos estreno del más grande creador de
dibujos animados japonés vivo que una vez más ha firmado una excelente cinta. Aunque
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Chico y la Garza</i> no llega al
magisterio de clásicos de Miyazaki como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nausicaä
del Valle del Viento</i> (1984) <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
Princesa Mononoke </i>(1987) o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Viaje
de Chihiro</i> (2001), este es de nuevo un elaboradísimo trabajo que conjuga
poesía visual con preciosismo narrativo en clave de mitología y simbolismo. Una
nueva sugerente historia fantástica de regusto inequívocamente nipón que como
siempre tratándose de de Miyazaki consigue atrapar al espectador desde el
primer momento trascendiendo públicos y edades, y es que considerar la filmografía
de Hayao Miyazaki como cine infantil es un rotundo error. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Basada en una novela de Genzaburo Yoshino esta es una
historia de maduración con trasfondo fantástico en donde el preadolescente
Mahito, devastado por la pérdida de su madre en un incendio, debe iniciar una
nueva vida junto a su padre en el Japón rural de 1943 (en plena II Guerra
Mundial) abandonando Tokio. El progenitor de Mahito, un rico fabricante de munición,
se ha casado con la hermana de su esposa fallecida, Natsuko, una mujer
fascinante pero intrigante y el muchacho no parece adaptarse bien a su nuevo
entorno. La llegada de una misteriosa garza parlante a la habitación de Mahito parece
ser una especie de reto o prueba para el chaval y no tardará en surgir una
misteriosa búsqueda que abrirá literalmente un universo paralelo (cuyo acceso está
en una misteriosa torre que el tío abuelo de Mahito mandó construir mucho
tiempo atrás) en donde los prodigios, los peligros y los encuentros con lo
absurdo y extraordinario se suceden al tiempo que el protagonista irá descubriéndose
a si mismo y a su destino al tiempo que averiguará <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la verdadera historia de su familia en donde
su madre, su tía- que ha desaparecido misteriosamente y su tío abuelo son la
clave. Son muchísimos los símbolos, las sugerencias y los elementos y objetos
poéticos de todo tipo que surgen por doquier en esta historia- siempre con una prestancia
visual apabullante y bellísima- y ene se sentido el espectador que se entregue
más o menos a ellos disfrutará de lo lindo. Sobra decir que nos encontramos con
escenarios y fondos realmente grandiosos y de gran calidad artística donde fluye
una animación casi perfecta y las vistosas <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tonalidades cromáticas del anime japonés, aunque
hay que señalar que la gran novedad -y una de las principales virtudes- en este
aspecto es la fijación por el elemento arquitectónico (edificios) y decorativo
(mobiliario, objetos, obras de arte) que preside gran parte de las imágenes, y
sin olvidar por supuesto los paisajes naturales que una vez más cumplen un papel
estelar. <br /></span></p>
<span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">El
mensaje pacifista de la película (ambientada no olvidemos en una época de
guerra en donde Japón sufrió bastante) resulta atemporal y universal muy
adecuado también para estos tiempos: se recalca la necesidad de hacer el bien y
de huir del mal y de la destrucción. Mahito deberá rechazar todo tipo de odio y
de ambición y comprender el amor a sus seres queridos, siempre bajo el fantasmal
recuerdo de su madrere que cada vez se le hará más real y aún teniendo que
aceptar la compañía en su búsqueda de un ser aparentemente amoral y siniestro con
un punto decididamente grotesco como esa garza semihumana que pretende ser su
nuevo mentor. La verdad es que es necesario ver esta película si se quiere
comprender realmente lo que significa más allá de las palabras. Una vez más Hayao
Miyazaki vuelve a mostrar su grandeza. <span style="mso-spacerun: yes;"><br /></span></span>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-58764076925869412872023-11-02T20:20:00.005+01:002023-11-02T20:21:21.099+01:00VIDAS PASADAS (PAST LIVES)<p style="text-align: justify;"> <span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz_zJqd3plMl1c5ECAdOdJRbEog_7z0GxTfMcvntjGBYwSd09RyWGEkUpQYXaoU2a_YQxNencGCcAUXQ0uWxuYCXVVhVysG_HA1_EhVHgLPkBoi7vV0650sGxivLvvFf6PqV4vQVjge6ZgEGNsd7fKztlJFq7VEb37BiaqaWXTPd_zz_uMu-4C/s518/pastfoto2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="291" data-original-width="518" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz_zJqd3plMl1c5ECAdOdJRbEog_7z0GxTfMcvntjGBYwSd09RyWGEkUpQYXaoU2a_YQxNencGCcAUXQ0uWxuYCXVVhVysG_HA1_EhVHgLPkBoi7vV0650sGxivLvvFf6PqV4vQVjge6ZgEGNsd7fKztlJFq7VEb37BiaqaWXTPd_zz_uMu-4C/s16000/pastfoto2.jpg" /></a></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">*** y 1/2 </span><span style="font-family: arial;"><br /><br /><span>Puede que parezca demasiado occidental para tratarse una película de Corea del Sur, pero Past Lives, coproducción surcoreana-estadounidense que triunfó en Sundance, como drama sentimental resulta más que convincente gracias a superar clichés del género (si, occidentales) por su trasfondo poético y filosófico. Y todo sin salirse de coordenadas costumbristas y mostrando un melodrama amoroso maduro y con su intríngulis. Celine Song, directora coreana afincada desde hace algunos años en EEUU y que cuenta con una reducida filmografía (este es su segundo largometraje) echa mano de datos autobiográficos -básicamente a la hora de componer a la protagonista femenina- para contar una historia de amor imposible en tres épocas y cada una de ellas con doce años de diferencia. Na y Hae, dos críos de 12 años que viven en Seúl están platónicamente enamorados pero cuando la familia de ella emigra a Norteamérica el contacto se pierde dejando a ambos devastados (sobre todo a Hae). Doce años después Ne se hace llamar Nora, es ciudadana estadounidense y es una aspirante a dramaturga. Hae se reencuentra con ella vía Facebook y ambos comienzan a contactar con frecuenta por Skype, con sus vidas totalmente diferentes la una de la otra. Ya doce años mas tarde, con 36 años y un cúmulo de vivencias detrás (con Nora casada) la pareja de amigos después de un largo periodo sin saber el uno del otro se reencuentra en Nueva York y todos los lo que puedo ser y no fue y todo el recuento de posibilidades perdidas empiezan a aflorar. El destino y la causalidad terminan emergiendo como los temas de la película, combinando discursivamente la filosofía oriental con el un racionalismo más práctico y sin en ningún momento comerse esa dialéctica la accesibilidad de la película, un trabajo que con sus diálogos sensibles y jugosos casa más con un drama tradicional de regusto intimista y lírico.</span><br /><br /><span>Greta Lee y Teo Yoo están perfectos en sus papeles de Nora y Hae adultos haciendo perfectamente creíble una historia de amor frustrado marcada por elipsis y también silencios de los personajes. Hay varios momentos de extraña y velada emotividad que resultan más gratos y sugerentes que cualquier aspaviento melodramático fácil y conforme avanza la historia, ese puzzle sin completar que vemos durante toda la película si bien no se concluye va tomando cada vez más sentido. Rodada en inglés y coreano y con una suntuosa fotografía preeminentemente urbana, Past Lives apuesta por situarse dentro del cine independiente USA para en realidad hacer una película más bien oriental y la jugada ha salido muy bien. Puede que en algunos momentos flojee en su intensidad pero en su conjunto este filme deja muy buen sabor de boca</span><br /></span></p><p style="text-align: left;"><span style="font-family: arial;"></span><br /></p>Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-59039117296186029252023-10-25T17:44:00.003+02:002023-10-25T17:44:44.917+02:00LOS ASESINOS DE LA LUNA (KILLERS OF THE FLOWER MOON)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0lI9Zy-TTNKtL1NvZ04NpdL9qmF3ti5OKPxYVerQqJagxlrsZ2KR13e_louJrSKwYEhLxW8QKPoG42f5I6zEssVeZTcPQFvgpjMPu4m3qr6j0ex09ChaIcjhGDHSDsTIzSIOXGPa0QQAhSHTOMFu1GPvE0zKj9rjHITdhQB5gG_srPI5zM1EA/s525/killers-of-the-flower-moon-snapshot.1679942421788.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="296" data-original-width="525" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0lI9Zy-TTNKtL1NvZ04NpdL9qmF3ti5OKPxYVerQqJagxlrsZ2KR13e_louJrSKwYEhLxW8QKPoG42f5I6zEssVeZTcPQFvgpjMPu4m3qr6j0ex09ChaIcjhGDHSDsTIzSIOXGPa0QQAhSHTOMFu1GPvE0zKj9rjHITdhQB5gG_srPI5zM1EA/s16000/killers-of-the-flower-moon-snapshot.1679942421788.jpeg" /></a></div><br /><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">***** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Martin Scorsese no solo no ha hecho ningún filme malo
desde los comienzos de su carrera a finales de la década de los 60 del siglo XX
si no que todavía sigue firmando obras maestras, y como sabemos ya lleva unas
cuantas, muchas, en su filmografía. Aún cuenta con capacidad de sorprender no
pone reparos en<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tocar todo tipo de temas
y por que no en realizar denuncias históricas como la que lleva a cabo en este
magistral filme basado en la novela homónima de David Grann. Ambientado en las
décadas 1920-1930 el filme se zambulle la vergonzosa historia de los crímenes
de la Nación Osage en el condado Osage en Oklahoma, asesinatos perpetrados con
alevosía por ricos terratenientes blancos contra los aún más ricos miembros de
la comunidad indígena Osage con el fin de arrebatarles la fortuna y
posesiones<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que gracias al descubrimiento
y explotación de petróleo en sus tierras habían conseguido convirtiéndose en
los ciudadanos más acaudalados de EEUU. Un buen trasfondo para que Scorsese
puede explayarse en especialidades temáticas de su cine que le convirtieron en
leyenda: el papel de las mafias y el crimen organizado en la historia de EEUU,
retratos de antihéroes con conflictos internos de conciencia, la difuminación
de los límites entre lo correcto y lo incorrecto o el viaje de crecimiento y
cambio personal. En esta ocasión además <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Marty</i>
matiza aún más lo a veces antropológico (y étnico) de su cine para ofrecer una
visión defensora del papel de los indígenas norteamericanos en el desarrollo de
la conciencia de su país al tiempo que da una lección magistral de cómo una
historia real (o una historia real novelada, como en este caso) puede
convertirse en una obra de autor gracias a una estupenda adaptación de guión,
firmada por el propio director y el gran libretista Roth (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Forrest Gump</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Munich </i>o el
filme de Scorsese <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Infiltrados</i>) <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">El neoyorquino vuelve a contar por sexta vez con
Leonardo DiCaprio como protagonista <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en
el papel de Ernest Burkhart, un botarate excombatiente en la Gran Guerra que
llega sin oficio ni beneficio a finales de los años 10 <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>al condado de Osage para ponerse al servicio
de su codicioso tío, el ganadero y supuesto filántropo Henry King Hale, al que
da vida Robert De Niro, quien no trabajaba con Scorsese desde <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Casino</i> en 1995 (por fin el actor fetiche
legendario del director coincide con su actual intérprete emblemático). Hale y
sus colaboradores en realidad están amasando fortuna gracias a las propiedades
petrolíferas con las que se quedan tras las supuestas muertes accidentales o
suicidios de sus anteriores propietarios, los indios Osage, los cuales gracias
a su riqueza conviven en aparente armonía con los ciudadanos blancos, han
adquirido costumbres del norteamericano blanco e incluso se mezclan familiarmente
con ellos gracias a matrimonios interraciales. Ernest, un delincuente
vocacional, participará de las maquinaciones de su tío para eliminar a la
población Osage, lo caul no impedirá que se enamore y case con una miembro de
dicha tribu, Molly (Lily Gladstone), el verdadero personaje central de la
película y cuyo devenir y destino marca el rumbo de la historia <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y todo el conflicto moral subyacente. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Killers of the Flower Moon</i> apuesta
decididamente por el drama psicológico - centrado en los personajes de Molly y
Ernest-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>pero sin renunciar ni mucho
menos al cine denuncia,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>al western
revisionista, al cine negro, el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>thriller
policial o a detalles pseudofantásticos desde un prisma poético inspirados<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en el acervo norteamerindio: son más de tres
horas de película y en todo ese metraje Scorsese se permite jugar con varios
recursos, ir cambiando géneros e intrincar la historia como solo él sabe. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Es posible que en sus compases finales -con el
inevitable juicio de por medio- la película se torne algo más previsible, pero
no se tarda mucho en sacar cartas sorpresa. Como de costumbre, Scorsese sabe
sacar tajada de un reparto casi coral en donde Lily Gladstone destaca con su
turbadora pero fascinante presencia como una mujer india en un drama interno en
donde no sabe por donde salir pero que deja un mensaje claro de lealtad a su
pueblo por encima de todo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(y es que el
tributo que este filme realiza a los indígenas es notorio y abrumador por su
exuberante sugerencia). Di Caprio y De Niro, dos generaciones de Scorsese Boys,
están a la altura de su valía - De Niro no obstante tal vez se mete en el
pastiche de otros personajes suyos, como resulta habitual en los últimos
tiempos-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y también nos encontramos con
Brendan Fraser, Jesse Plemons, Scott Sepherd,John Lithgow y varios competentes
actores indígenas además de Gladstone, como lal veterana Tantoo Cardinal o
Tatanka Means. Con 81 años Martin Scorsese sigue haciendo obras maestras, que
gran noticia. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-45947827076926132082023-10-18T18:23:00.002+02:002023-10-18T18:23:21.583+02:00CHINAS<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuZjw6-9JMKCK2o4zzU5wDFyCZJEvxcQ5gD2dBfWinOLHAi5kGPZ8xVC8mFZloNLwfrTpvIH1IA05N3g9XQ6RhGnerJOVIo7qzQq2DnOU7pXFgiT8Iz3jAQ2eUQK42-AzXLGYUwiWVWo0-R1gYOlnkDQRKDitxbzZnznFrjlwHhboDbRfliy3g/s545/Chinas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="306" data-original-width="545" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuZjw6-9JMKCK2o4zzU5wDFyCZJEvxcQ5gD2dBfWinOLHAi5kGPZ8xVC8mFZloNLwfrTpvIH1IA05N3g9XQ6RhGnerJOVIo7qzQq2DnOU7pXFgiT8Iz3jAQ2eUQK42-AzXLGYUwiWVWo0-R1gYOlnkDQRKDitxbzZnznFrjlwHhboDbRfliy3g/s16000/Chinas.jpg" /></a></div><br /><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">*** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">En su aún breve pero más que interesante filmografía
Arantxa Etxebarria no tiene reparos en tocar temas candentes de la sociedad
española actual los cuales atesoran ciertas derivaciones dramáticas y un tanto
polémicas, haciéndolo desde una perspectiva amable, esperanzada y constructiva.
La situación de la cada vez más numerosa comunidad china en España era una temática
que aún no había sido bastante explotada por el cine español y que con este
filme encuentra una vía de expresión y testimonio honesto, interesante y con
edificante mensaje. La realizadora vasca además ha querido tocar dos realidades
de los habitantes del gigante del lejano oriente en España y en otros países
occidentales: por un lado la situación de los emigrantes chinos y su
descendencia de primera generación nacida fuera de China con los choques
culturales y sociales vividos por ambas generaciones y por otro la vivencia de
los menores chinos adoptados por familias occidentales. En este <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Chinas</i> dos historias de cada una de
estas realidades convergen bajo la perspectiva de dos niñas de nueve años residentes
en el madrileño barrio de Usera: Lucía (Daniela Shiman Yang) hija de
comerciantes chinos propietarios de un bazar totalmente volcados con su negocio
(como suele ser habitual en esta comunidad) y <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Xiang (Elia Qiu), hija adoptiva de un matrimonio
madrileño que matricula a la pequeña en el mismo colegio que Lucía. Xiang se siente
rara por su situación, recibe atención psicológica y le cuesta encajar en cualquier
contexto en general, mientras que Lucía, más extrovertida, en realidad tampoco
se siente como los demás niños <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ya que sus
padres apenas la atienden, están todo el día trabajando y casi no hablen
castellano: ella desea ser como los otros niños de su cole y sus familias. Claudia
(Xinyi Ye) la hermana de 17 años de Lucía, por su parte, quiere también vivir una
adolescencia como la de los jóvenes de su edad <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>pero su situación familiar se lo impide, agravada
por el hecho de que sus progenitores desean concertarla un matrimonio con otro
joven de origen chino: Claudia tratará de rebelase contra todo eso. <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">La opción de canalizar la historia a través de una
inocente mirada infantil es un recurso acertado que es explotado con mucha
habilidad combinando con la visión adolescente de Claudia y con la perspectiva
adulta tanto de los padres de Xiang (Leonor Watling y Pablo Molinero), como de
los padres de Lucía y Claudia (Quinfei Zu y Yeju Ji) o la de Amaya (Carolina
Yuste) clienta habitual del establecimiento de la familia de Lucía y que hace buenas
migas con ella. El problema es casi siempre el mismo: la integración y la búsqueda
de al identidad, algo que en edades tempranas se antoja fundamental. La película
huye de la moralina y se adentra en los inocentes mundos mentales de sus jóvenes
protagonistas con todo lo que esto conlleva y respetando sobre todo la psicología
y el universo infantil. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Los intérpretes
de origen chino, todos ellos actores aficionados, están espléndidos y
realizando un enorme esfuerzo interpretativo, en especial las pequeñas Qiu y
Yang, almas de la película, como también la joven Xinyi Ye realiza un trabajo muy
destacable. La directora ha sabido como canalizar excelentemente el
costumbrismo más realista dentro del drama y esto lo ha conseguido con un tratamiento
respetuoso y realista de la compleja situación una minoría étnica <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en España de la que se podría hablar largo y
tendido debido a sus numerosos y aún no muy conocidos matices. Cine social con
label ibérico hecho con honestidad y sin tonterías. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-34083387.post-66971340505152154732023-10-15T13:25:00.002+02:002023-10-15T13:25:08.053+02:00EL EXORCISTA: CREYENTES (THE EXORCIST:BELIEVER) <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUoSJ8D6OXAWCZz4BeKtZeffSU4wjUhgCP0mzt45zPKmFSKsmuX7xPTbLNiXmrcjTYPIilM59YAkHAyKaqU4gpw_YcAaTQ2hRlXJF669SZlMdBlnDIPiO6_8zYSniOhkBjib4VBZp6oVxshTWMJuVj-Ib70XFeCY_pbB08j_gIncZPLEeaC8IF/s567/the-exorcist-believer-sequel-gets-title-and-2025-release-date-after-new-trailer_64c01382950c7-840x400.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="270" data-original-width="567" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUoSJ8D6OXAWCZz4BeKtZeffSU4wjUhgCP0mzt45zPKmFSKsmuX7xPTbLNiXmrcjTYPIilM59YAkHAyKaqU4gpw_YcAaTQ2hRlXJF669SZlMdBlnDIPiO6_8zYSniOhkBjib4VBZp6oVxshTWMJuVj-Ib70XFeCY_pbB08j_gIncZPLEeaC8IF/s16000/the-exorcist-believer-sequel-gets-title-and-2025-release-date-after-new-trailer_64c01382950c7-840x400.jpeg" /></a></div><br /><!--[if gte mso 9]><xml>
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<p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">** <br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">Los intentos por resucitar la saga <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Exorcist</i> (si es que alguna vez debió
serlo) en los últimos años, tanto en la televisión como ahora en el cine, simplemente
caen en el terreno del marketing y reducen a uno de los mejores títulos del
cine de terror de la historia del séptimo arte en una gallina de los huevos de
oro en donde se trata más de explotar la película como artefacto pop que
cualquier otra cosa. La película de 1973 dirigida por William Friedkin basada
en una novela de William Peter Blatty que el mismo adaptó ha sobrevivido y envejecido
más o menos bien pese a su premeditado efectismo, cosa que no se puede decir de
las que habían sido sus dos secuelas hasta el momento <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y de las dos precuelas paralelas, filmadas con
el mismo afán mitómano-rentabilizador que esta nueva secuela. Producida por
Blum House, empresa responsable del reboot de la saga Hallloween- otro título mítico
del terror de finales del siglo XX- , <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Exorcist Believer</i> aunque se esfuerza por respetar el espíritu del filme original
con la aparición estelar de personajes de aquella como Chris McNeill, la inolvidable
y sufrida madre de la pequeña poseída Regan -de nuevo interpretada por la
nonagenaria pero todavía estupenda actriz Ellen Burstyn- y con una adaptación actualizada
algunas veces acertada y otras no tanto de aquellas terroríficas innovaciones formales
(imágenes subliminales, movimientos salvajes de cámara, maquillajes
truculentos, efectos sonoros turbadores), termina naufragando por su falta de
personalidad, su supeditación a los postulados más fáciles del terror efectista
actual y en definitiva por un desbarajuste global al querer contentar al mismo
tiempo a los seguidores de al película clásica como a los consumidores del
fantaterrorífico de hoy. Esta nueva entrega medio siglo después del filme
original, sin obviar buenos momentos y un guión con su intríngulis (en donde el
demonio poseedor ya no es Pazuzu), resulta estéril y nada novedosa. La dirección
de David Gordon Green, eso si es esforzada y voluntariosa tratando de hacer un
producto más o menos digno cuando se llegue a comparar con la fuente original, pero
a<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>todas luces este nuevo Exorcista no
deja de ser un refrito de manual.<span style="mso-spacerun: yes;"> <br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: 310.5pt; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: 11pt;">De nuevo nos encontramos con posesión diabólica a
menores de edad, con al novedad que en este caso se trata de el endemoniamiento
simultáneo de dos niñas, Angela Fielding (Lidya Jewett) hija de un padre viudo,
Victor (Leslie Odom Jr.) educada agnósticamente y traumatizada por al ausencia
de su madre fallecida al nacer ella, y su amiga Katherine (Olivia O´Neill) hija
de un matrimonio de firmes creyentes baptistas: las dos jóvenes actrices
realizan un estupendo (e inquietante, por supuesto) trabajo muy en la estela
del que realizó en su momento Linda Blair e incluso con menos golpes de efecto,
mientras que los intérpretes adultos se limitan a cumplir el expediente salvo
tal vez una Ellen Burstyn que es la única que aporta clase y credibilidad a la
historia con su conexión con la historia original. La matriarca McNeill ayudará
a los padres de las criaturas a organizar un complejo exorcismo que incluirá
ritos y exorcistas de diferentes religiones y que en la película trata de
figurar como el su elemento culminante sin que al margen de lo previsible
aporte nada épico ni memorable. Excelentes efectos visuales, si, momentos
terroríficos bien conseguidos por la utilización de la sugestión más que de los
explícito, también (esa si es una virtud del primer film bien asumida), pero da
la perenne sensación de que estamos más bien ante un remake que una secuela en
donde por supuesto no falta una recreación de los inolvidables pentagramas de
los primeros compases de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tubular Bells</i>
de Mike Oldfield. Se anuncian dos secuelas posteriores más pero muy posiblemente
no aportarán mucho más. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
Roberto Mierhttp://www.blogger.com/profile/02162501272145416064noreply@blogger.com0