Rayos C en la oscuridad

Mis 50 discos que te cagas (42): THE SMITHS – THE QUEEN IS DEAD (1986)

2012-01-27T21:56:00.002+01:00

Aunque The Smiths más que un grupo de LPs era un grupo de canciones y singles toda su discografía merece ser reseñada en los anales de la música popular con letras de oro. Y de sus cuatro discos de estudio, The Queen is Dead es el más grande e inspirado, una pequeña obra maestra que demostró que eso del rock alternativo que acababa de surgir con todas las de la ley a mediados de los 80 era algo que merecía ser más que tomado en cuenta por que, básicamente, estaba dinamizando el rock mucho más que los solistas y grupos mainstream. La banda que dirigían Steven Patrick Morrissey (conocido artísticamente solo por su apellido) y Johnny Marr con Mike Joyce y Andy Rourke como talentudos comparsas se había convertido ya en la punta de lanza del pop rock alternativo británico, un estilo (o mejor dicho, una actitud ante el negocio) que se postuló en las segunda mitad de los 80 como la continuación natural del College Rock independiente de la primera mitad de esa década y que en las postrimerías de los 80 llenó el panorama musical de autenticidad, una visión más artística que comercial y una actitud alternativa y diferente ante la industria, todo basado en el arduo trabajo de las compañías independientes y que es algo que seguirá perdurando hasta hoy día en multitud de artistas y sellos discográficos. Estos cuatro chicos de Manchester no duraron mucho (1983-1987) pero legaron un buen puñado de grandes e irrepetibles canciones muchas de ellas editadas en singles no incluidos en LPs (aunque si en recopilatorios y discos de rarezas que iban editando) y momentos de auténtico éxtasis musical por su exquisitez compositiva y su enorme talento en el estudio y en el escenario. Y The Queen is Dead, su tercer disco de estudio, es tal vez la mejor muestra de lo grandes que llegaron a ser The Smiths ,ya que es un disco que no ha dejado de influir a diferentes grupos alternativos de distintas épocas

Cuando el álbum se publicó el cuarteto tenía serios problemas con su discográfica, Rough Trade, una pequeña compañía surgida a partir de una tienda de discos, y pese a completar la grabación del álbum a finales de 1985 no apareció en las tiendas hasta junio de 1986. El cantante, letrista y frontman Morrissey, ególatra y listillo pero carismático y con cierto encanto de locuaz alborotador vocacional con sus declaraciones polémicas sobre la Familia Real inglesa y su defensa a ultranza del vegetarianismo e incluso del celibato (y ya de paso, haciendo guiños a una aún no socialmente aceptada en aquel tiempo homosexualidad y hasta a la pederastia), tenía un carácter demasiado fuerte para llevarse bien con los ejecutivos de las compañías de discos y con managers (de hecho el grupo nunca tuvo representante) y eso le dio pista libre a él y al genial guitarrista y maravilloso compositor de las melodías Johnny Marr para dirigir con insólita libertad las riendas del grupo, que ya en 1986 estaba muy quemado debido a su frenético ritmo de trabajo. The Queen is Dead fue producido por los dos líderes de la banda con la ayuda del ingeniero Stephen Street con un resultado final inmejorable. En los diez cortes del álbum se resumen todos enormes argumentos musicales del grupo: pop rock electroacústico de exuberante textura, melodías marcadas e inspiradas, ecléctica inspiración en ritmos como el rockabilly, la new wave, el postpunk o el pop acústico, letras entre irónicas, paródicas, críticas, poéticas y costumbristas con un poso culto, la voz imprevisible y con personalidad de Morrissey y los preciosos juegos guitarrísticos melódicos (acústicos y eléctricos) de Johnny Marr, uno de los guitarristas con mejor gusto de la historia del rock. El disco comienza con un tema tan rápido y enérgico como el que da título al LP y que no se corresponde con el tono más plácido del mismo, pero es una buena entrada para preparar al oyente para un viaje musical de primera categoría. Y así nos encontramos con maravillas como The Boy With the Thorn in His Side el primer single del álbum, precioso pop electro-acústico de arrebatadora melodía, espectaculares juegos de dibujo de guitarra y arreglos de cuerda además de una original interpretación vocal de Morrissey; y Cemetry Gates, maravilla semi acústica cuyo legado se podrá encontrar en creaciones posteriores de REM, Del Amitri, The Rembrandts o Texas (encantadora letra con “Keats y Yates están a tu lado / mientras Wilde está en el mío”). El marasmo continúa con Bigmouth Strikes Again (casi una autoconfesión de Morrissey), single estrella del LP que demostró como se podía hacer rock de guitarras desde un planteamiento cuasi pop algo bizarro pero sumamente sugerente: un tema de bandera.

I Know it´s Over, medio tiempo con reminiscencias blues, es otro hito vocal de Morrissey con su peculiar voz arropada por una instrumentación efectiva: el grupo en una de sus mejores vertientes, la emocional, sensible y afectada aunque todo visto con el desden marca de la casa. Frankly Mr. Shankly muestra otra de las caras genuinas de The Smiths, la irónica con esta carta de dimisión de un trabajador ante su jefe que era en realidad un ataque encubierto al director de Rough Trade con una esclarecedora línea final (“danos dinero”) en medio de un pop cabaretero genuinamente british. Ya terminando el álbum, There Is a Light That Never Goes Out, uno de los temas más celebres de The Smiths lleva al oyente al séptimo cielo emocional-musical con un pop rock Indie de enorme gusto e inspirado estribillo y majestuosos arreglos de cuerda que sigue entusiasmando al personal año tras año hasta el punto de haberse convertido ya en todo un clásico atemporal. Cerrando, Some Girls are Bigger Than Others, uno de los temas más rítmicos de TQID enaltecido por los hermosos y sincopados punteos guitarrísticos de Marr que además crearon escuela en el rock alternativo y no tan alternativo de los años siguientes: realmente Johnny Marr era un fuera de serie, lástima que después del grupo se prodigase tan poco. Pocos discos resultan tan deliciosos como The Queen is Dead y es que pocos grupos hubo como The Smiths, capaces de crear todo un mundo de perfectos sonidos y canciones sin fisuras paridas por dos luminarias como Morrissey y Johnny Marr y sin apenas videoclips y zarandajas promocionales a parte de las salidas de tono de Morrissey y las vistosas portadas de LPs y singles con fotos de iconos reales de la cultura pop británica y americana. En 1987 con la publicación de Strangeways, Here We Come el cuarteto cerró la persiana y atrás quedaron varios años de fuertes emociones musicales, de las más intensas de la década de los 80 y probablemente de la historia del rock. Cualquier disco de The Smiths resulta maravilloso, pero The Queen is Dead es sencillamente una obra de arte, la obra maestra de un grupo irrepetible.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Pop Rock Alternativo

Publicación: junio 1986

Sello original: Rough Trade

Producción: Morrissey y Johnny Marr

Duración: 37:07

Músicos:

Morrissey: voz, voces (acreditado como Ann Coates)

Johnny Marr: guitarras, harmonium, instrumentos de cuerda sintetizados, arreglos de cuerda y flauta

Andy Rourke: bajo

Mike Joyce: batería

Track listing

1- The Queen is Dead

2- Frankly Mr. Shankly

3- I Know It´s Over

4- Never Had No One Ever

5- Cemetry Gates

6- The Boy with the Thorn in His Side

7- Bigmouth Strikes Again

8- Vicar in a Tutu

9- There is a Light That Never Goes Out

10- Some Girls are Bigger Than Others

El aparatito Limiere MILLENIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (MILLENIUM: THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO)

2012-01-25T19:41:00.000+01:00

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Sigue la imparable tendencia hollywoodiense de hacer remakes de filmes europeos (y de otros países) con éxito de crítica y/o público. Y cada vez se espera menos tiempo, como es el caso de esta nueva versión de la primera parte de la afamada trilogía literaria sueca Milleniu, uno de los fenómenos editoriales mundiales de los últimos años. The Girl With the Dragon Tattoo (yo no se como se traduce el título de la novela en sueco pero desde luego el título inglés no tiene nada que ver con el castellano) será la primera entrega de la segunda trilogía cinematográfica que adapta las tres noveles de Larsson, que en su primera versión autóctona sueca fueron rodadas en 2009 con dos directores diferentes y Naomi Rapace y Michel Nysquit como protagonistas. El ínclito David Fincher (Seven, El Club de la Lucha, Zodicac, La Red Social) parecía el director idóneo para un thriller europeo lleno de crímenes, personajes oscuros, juegos de pistas y tecnología y no ha defraudado a las expectativas. Yo personalmente ni me he leido los libros ni he visto ninguna de las tres películas suecas de la saga y no puedo por ello hacer una comparación de este Los Hombres… con la versión original cinematográfica ni con el libro, pero bien se puede ver que Fincher ha tratado de poner su impronta a medio camino entre el thriller de autor y el cine comercial más efectivo y ha conseguido un más que correcto filme de intriga que se sigue con enorme interés gracias a una narración inmejorable y a una estupenda puesta en escena, algo de lo que no es ajeno su reparto encabezado por el británico Daniel Craig en el papel del persistente periodista de investigación de la revista Millenium Mikael Blomvist y la norteamericana Rooney Mara como la joven y habilidosa hacker, vengadora profesional e implacable justiciera casi ciberpunk Lisbeth Salander, un personaje realmente fascinante.

The Girl With the Dragon Tattoo es una película que no se detiene en detalles sin importancia y va al grano en todo momento conformando una narración ágil y dinámica. Fincher se ah currado una puesta en escena imponente en donde respeta en todo momento el origen sueco de la historia gracias en parte al hecho de seguir ambientando la historia en Suecia, aunque la mayor parte de los actores principales sean anglosajones y todos los textos que vemos escritos estén en inglés. Una atmósfera entre teatral y de pesadilla preside visualmente el devenir de la historia con una excelente fotografía a cargo de Jeff Cronenweth apagada y grisácea y momentos de enorme tensión así como impactantes escenas lindantes con el slasher, algo característico del cine de David Fincher lo mismo que sus impresionantes títulos de crédito. No obstante, que nadie espere un peliculón ni una obra maestra del thriller: esta primera entrega americana de Millenium en realidad no hace más que seguir coordenadas mil veces vistas y no llega a un total climax en ningún momento con un guión interesante pero con relieve de mediano alcance centrado en las pesquisas de los protagonistas - una pareja profesional forzosa y al principio un tanto contrapuesta- por resolver una serie de crímenes ocurridos casi cincuenta años atrás y que de un modo u otro representan para ellos diferentes motivaciones y sentimientos y por que no, recuerdos. Rooney Mara, espléndida como Lisbeth Salander, esta por cierto nominada al Oscar a mejor actriz principal; es cierto que tiene importantes rivales entre el resto de nominadas, pero esta interpretación será sin duda un acicate en su ascendente y prometedora carrera. Un thriller muy interesante que confirma que el a veces difícil maridaje entre el cine europeo y americano a veces puede dar productos más que estimulantes.

RALPH BAKSHI: SEXO, DROGA, FANTASÍA Y DIBUJOS ANIMADOS (y II)

2012-01-23T22:01:00.006+01:00

The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos) (1978), ya está aquí la Tierra Media

Ralph Bakshi pese a la tibia acogida de Wizards seguía firme a finales de los 70 en su propósito de llevar a la pantalla de forma animada The Lord of the Rings, la ya por entonces inmortal obra fantástica de J.R.R Tolkien publicada en tres libros entre 1954 y 1955. Se daba la circunstancia que la novela a finales de los 60 y principios de los de los 70 fue venerada por el colectivo hippy, al cual Bakshi tenía bastantes simpatías (y que era además seguidor de sus filmes), y este hecho junto al amor de Bakshi por el género literario de fantasía épica y por Tolkien en particular hace comprensible que el realizador de animación neoyorquino se pirrase por hacer su propio El Señor de los Anillos. Ya se había intentado llevar la trilogía de 3 novelas a finales de los 50 en una adaptación que iba a mezclar animación, miniaturas y acción real y que contó con el beneplácito del propio Tolkien, pero el proyecto se desmanteló cuando el escritor sudafricano desaprobó el guión. United Artists se hizo con los derechos de la obra en 1969 (siempre se ha rumoreado de un primer proyecto de la compañía con Kubrick y los Beatles) y un año después encargó a John Boorman una adaptación de los tres libros en un solo filme, pero el proyecto progresaba poco aunque ya existía un guión y a mediados de los 70 se encontraba estancado. Bakshi se enteró de la idea y se dirigió a UA para solicitar comprar los derechos de la obra, finalmente adquiridos por el productor independiente Saul Zaentz por petición de Bakshi en 1976. Zaentz, antiguo empresario discográfico (había producido precisamente la BSO de Fritz The Cat), era en realidad un recién llegado en el mundo del cine pero tenía ideas muy claras sobre el negocio cinematográfico como ya demostrara con el filme de Milos Forman Alguien Voló Sobre el nido del Cuco, la película del año en 1975. Zaentz y Bakshi acordaron hacer una superproducción animada de 8 millones de dólares en dos películas: la primera abarcaría el primer libro La Comunidad del Anillo y parte de Las Dos Torres y la segunda parte de este segundo libro y la totalidad del tercero, El Retorno del Rey.

Desde el inicio Ralph Bakshi prometió ser fiel a la novela original y así se lo hizo saber a la hija del escritor, fallecido en 1973. LOTR iba a ser el reto más ambicioso y apasionante de toda su carrera y su intención era clara: hacer una obra maestra del cine de dibujos animados. Toda la producción comenzó a centrarse en la primera parte de la serie de dos películas, cuyo estreno Bakshi quería para verano de 1978, aunque finalmente se retrasó. El cineasta decidió rodar la película combinando animación e imagen real, aunque los personajes animados principales iban a estar enteramente filmados en rotoscopio utilizando actores y figurantes sobre los que iba a dibujar los personajes una vez estos fuesen filmados. Es decir, que básicamente lo que iba a hacer Bakshi era un filme en imagen real aunque en su mayor parte se iba a convertir en “animado” gracias al rotoscopio salvo algunas escenas. También se incorporó alguna secuencia en animación tradicional y varias escenas de imagen fija. El guión (en este caso adaptación) por primera vez no fue escrito por Ralph Bakshi, quien delegó esta tarea en Crish Conkling, cuyo guión fue revisado más tarde por el escritor Peter S. Beagle. Bakshi pretendió que la estética del filme estuviese inspirada en las ilustraciones clásicas de Howard Pyle y N.C Wyeth especialmente en cuanto a los personajes animados: prácticamente todos los personajes principales y con personalidad propia (Frodo, Gandalf, Aragorn, Legolas, Gollum, Saruman y toda la comunidad del anillo) iban a ser de dibujo animado (rotoscopiados sobre actores reales) salvo otros más incidenciales o grandes contingentes de extras (los jinetes de Rohan, los ejércitos de Orcos) que aparecieron directamente en imagen real. Era la primera vez que el rotoscopio se utilizó de manera tan extendida en un largometraje, y desde que el propio Bakshi anunció dicho propósito la expectación por la película, tanto durante su rodaje como a la hora del estreno, fue mayúscula entre la crítica y los aficionados al cine de animación, así como los fans de Tokien también esperaban con emoción esta primera adaptación a la pantalla grande de su totem literario. Bakshi pretendía un realismo acentuado en su adaptación animada y lo consiguió gracias al rotoscopio, ya que los personajes ejecutan movimientos sumamente realistas y sus gestos y expresiones faciales exhibían un nivel de detalle hasta entonces nunca conseguido en una película de dibujos animados. LOTR fue de hecho el primer filme en el cual Bakshi se enfrentaba a un diseño realista de los personajes y la aventura se saldó con éxito ya que tanto la animación como la apariencia de los personajes fueron estéticamente inmejorables (excepcional paleta de colores), aunque con el tiempo aquel display de bellos dibujos no haya envejecido todo lo bien que se hubiese deseado. Por otra parte, el hecho de que gran parte del filme estuviese filmado en acción real redujo los costes de manera notable.

Muchas de las escenas rotoscopiadas o reales se rodaron en parajes naturales, concretamente en España (en La Mancha) en 1977, en donde se reprodujeron las aparatosas batallas entre orcos y guerreros (que en el filme resultaron fascinantes) imposibles en aquel tiempo de ser filmadas de forma cien por cien animada. Algunas de esas secuencias de batalla se rotoscopiaron y otras se dejaron en imagen real pero al igual que las demás de ese último tipo, con una nueva peculiaridad técnica: la imagen fue recoloreada posteriormente (personajes, objetos y fondos) para que no desentonase con el look de la película, dando un efecto realmente vistoso y curioso que sorprendió a propios y extraños, especialmente en las últimas escenas de la película en la batalla del Abismo de Helm. Este tipo de técnica fue vendida en el estreno del filme como una totall innovación en el cine de animación, pero en realidad no fue tal: en 1968 el cineasta de animación español Francisco Macián rodó la escena final del filme pop Dame un Poco de Amoooor dirigido por José María Forqué y protagonizado por el grupo los Bravos y en ella retocó y pintó en psicodélicos tonos filmaciones de imagen real sobreponiéndolas en fondos dibujados e interactuando con algún elemento animado patentando una nueva técnica a la que llamó “M- Tecnofantasy”. Básicamente, Bakshi hizo lo mismo diez años después pero nadie advirtió de tal precedente. Como diferencia, las imágenes reales transformadas en cartoons del filme de Bakshi tenían unas tonalidades más pastel y concretas que las del clip de Macián. Si bien es cierto que Ralph Bakshi no inventó ni el Rotoscopio (creado en los inicios del cine de dibujos animados en los años 10 por Max Fleischer) ni el M-Tecnofantasy, ambas técnicas nunca habían estado tan desarrolladas como lo había hecho Bakshi con esta película. Bakshi además pudo eliminar varios defectos de la filmación en imagen real (se veían cables de la luz en la imagen) y depurar los detalles de cada fotograma en una laboriosa postproducción. Los efectos especiales se hicieron en el set de filmación real y no hubo ninguno directamente animado, para reforzar la sensación de realismo.

Dos ejemplos de imagen real "posterizada"

Aunque la mayoría de los personajes fueron interpretados en cuanto a interpretación corporal por actores y figurantes anónimos a los que después doblaron la voz, varios actores hicieron doblete de “cuerpo” y voz, como en el caso de William Squire (Gandalf) o Anthony Daniels (Legolas). El veterano actor enano Billy Barty prestó su cuerpo a Bilbo Bolsón y a Sam, mientras que la actriz y bailarina Sharon Baird fue el modelo a partir del cual se animó a Frodo, cuya voz fue doblada por Cristopher Guard. El reparto de voces fue fundamentalmente británico y contó con varios intérpretes conocidos como William Squire o Anthony Daniels (el C3PO de la saga Star Wars) además de John Hurt que prestó su voz a Aragorn y fue la estrella de la función aunque aún no era muy conocido fuera del Reino Unido. The Lord of the Rings se estrenó el 15 de noviembre de 1978 en EEUU en medio de cierta expectación- que en realidad había comenzado ya durante su rodaje- tanto entre los seguidores de Tolkien como entre los amantes del cine de animación, deseosos de ver un espectáculo que se presumía novedoso; y como no, entre los fans de Ralph Bakshi, quien por fin estrenaba un filme para todos los públicos. En el momento de su estreno, Bakshi seguía con la idea de rodar la segunda parte, pero la distribuidora United Artists le aconsejó que no añadiese al título la coletilla Primera parte ya que el público no querría ver una película partida por la mitad. Lo cierto es que aunque la película trata de tener un final conclusivo (la épica victoria de la batalla de Helm) es visible que esto no ocurre incluso para quienes no conocen el libro ya que el desarrollo de la historia de los personajes queda interrumpido de cuajo así como el McGuffin de la historia, la destrucción del anillo único, queda sin resolver. En definitiva, los seguidores del libro se quedaron un tanto decepcionados por que la película se trataba de una adaptación de la mitad de la historia (luego se supo de la intención de hacer una segunda parte, finalmente desechada) y los que nunca habían leído la novela no entendieron ese final algo abrupto e incompleto.

La crítica en general alabó la pericia técnica del LOTR de Bakshi y su aspecto visual. Desde el Newsday se afirmaba que la película principalmente era “una experiencia visual incomparable con cualquier otra cosa hecha en otro filme animado hasta el momento”. No obstante también hubo críticas que censuraban lo hermético de una historia que muy posiblemente no dijese nada a quienes no habían leído el libro y de hecho así fue. Las impresionantes escenas de las batallas (rotoscopiadas o en imagen real pintada), las bellas imágenes y el bonito diseño de los personajes fue de lo más comentado por crítica y público. No obstante, los seguidores más acérrimos de la saga, a parte de no perdonar el hecho de desconcertarles con la no aclaración de si se trataba de una primera parte o de una adaptación unitaria de la trilogía, no aprobaron algunos hechos más o menos anecdóticos como la escasa relevancia de las criaturas arbóreas ents, el color rojo de las ropas del malvado hechicero Saruman el Blanco (blancas en la novela) o la caracterización del guerrero Boromir como un bárbaro wagneriano con casco de cuernos. La película, pese a todo, fue considerada por la crítica en líneas generales como la obra maestra de Ralph Bakshi hasta el momento y su recaudación fue bastante buena. Su distribución internacional fue la mayor de un film de Bakshi hasta el momento, aunque llegase con retraso de un año o más a algunos países. En España, estrenada en navidades de 1979, se exhibió de forma bastante reducida para tratarse de una película de dibujos de fechas festivas pero disfrutó de cierto mini éxito y ayudó a popularizar El Señor de los Anillos en España, que había sido traducido y publicado en España solo hacía un año. En general, el filme supuso un acicate para la revalorización y popularización del mundo de Tolkien en los 80

La adaptación de The Lord of the Rings puede ser considerada como la obra maestra de Ralph Bakshi y no ha envejecido del todo mal pese a que todas sus innovaciones técnicas y su estética estén hoy superadas. La imagen de algunos personajes como Gandalf o los hobbits pese a estar inspirada en le trabajo de ilustradores precedentes de la obra Tolkien resultó muy influyente en la imagen que en lo sucesivo se ha tenido de estos personajes. Las escenas los ejércitos de orcos y de la batalla de Helm continúan resultando fascinantes sobre todo por sus audacias cromáticas y además en general se puede decir que la película respeta en todo momento la esencia del libro con su deliciosa estética entre cuento de hadas y filme de aventuras medievales. Por su larga duración para una película animada (más de dos horas) en no pocas ocasiones se hizo bastante aburrida para el público infantil y por ello y por su a veces tono lúgubre y la presencia de aparatosas batallas rodadas en imagen real a decir verdad no se sabe muy bien si se trata en realidad en una película para niños. Se puede decir también que ésta película influyó bastante en el aspecto estético de la magistral y multitaquillera adaptación a imagen real que Peter Jackson realizó con tres películas entre 2001 y 2003 y que ha quedado como la adaptación genuina de la trilogía de El Señor de los Anillos. Bakshi y su equipo se divirtieron bastante rodándola, pero una vez estrenada, el director no se sintió satisfecho especialmente por la decepción de parte del público con una historia inacabada debido a una falta de aclaración (el que se trataba de una primera parte) debida a una decisión impuesta por la distribuidora y con la que Bakshi discrepaba. Tampoco le convencieron muchos de los cambios (mínimos) que tuvo que hacer para acelerar la historia y esto le llevó a al decisión de no rodar la segunda parte y tampoco a adaptar en lo sucesivo obras y trabajos de otros autores en cualquier medio. The Lord of the Rings de Bakshi estuvo nominada a los premios de ciencia ficción y fantasía Hugo y Saturn y al Globo de Oro a al mejor banda sonora para Leonard Rosenman. Hoy en día este filme está considerado como una de las mejores películas de dibujos animados de la historia.

American Pop (1981), un viaje musical

Posteriormente a LOTR, Bakshi quiso embarcarse en un proyecto más personal y decidió volver su mirada al aún impopular cine de animación para adultos pero ya dejando a un lado los excesos de violencia y sexo de los 70. A principios de la década de los 80 se estaba poniendo de moda el cine con banda sonora con multitud de canciones pop y rock (Fame, Quadrophenia, Saturday Night Fever) y el videoclip estaba pegando con fuerza en el mundo audiovisual y musical. Bakshi quiso hacer un filme de animación basada en canciones conocidas preexistentes orientado al público adulto en el que se contase una historia más o menos ilustrada por las canciones. Así nació la idea de American Pop, la historia de cuatro generaciones de una familia de músicos judíos rusos en EEUU desde finales del siglo XIX hasta principios de los 80 del siglo XX todo con música popular americana de diferentes épocas del siglo XX como fondo y casi hilo argumental. El filme fue distribuido por Columbia Pictures y contó con un guión de Ronnie Kern basado en un argumento del propio Bakshi. El cineasta pretendía realizar una pequeña crónica de la historia americana en donde quedase palpable la influencia de la música popular estadounidense (jazz, blues, gospel, pop, rock, country) en el día a día del devenir histórico de EEUU. La historia de los Belinsky, que atravesaba la Gran Guerra, la Depresión, la II Guerra Mundial, el estallido del rock and roll de los 50, los años hippies y así hasta una gran número de acontecimientos es oscura y trágica (muertes varias, desamor, drogas) pero con un mensaje de cierta positividad brindado por la música, auténtica estrella de una película nuevamente ambiciosa

Al igual que en LOTR, Bakshi utilizó extensivamente el rotoscopio rodando toda la película en este sistema pero de una manera aún más perfeccionada que en la adaptación de la obra de JRR Tolkien, ya que los dibujos se hicieron casi “de tiralíneas” respetando todos y cada uno de los perfiles de personas y objetos rodados previamente en imagen real. Un trabajo de chinos que además incluyó escenas con imágenes creadas por ordenador, acuarelas, imágenes en acción real y elementos extraídos de posters, cuadros, fotos o dibujos preexistentes. El reparto de actores rotoscopiados y “dibujados” que además prestaban voz a los personajes era de rostros prácticamente desconocidos destacando Ron Thomson como los rockeros padre e hijo Tony y Pete. American Pop contó con la participación de diseñadores como Barry E. Jackson quienes trataron de dar un look con personalidad a la película. En la banda sonora de este primer intento casi de cine musical de Ralph Bakshi se encontraban grandes temas de los Gershwin, Bob Dylan, Janis Joplin, Jimi Hendrix, The Doors o Lou Reed mientras que la partitura estaba firmada por Lee Holdrige. El estreno del filme tuvo lugar en febrero de 1981 y el filme tuvo en general buenas críticas y fue un éxito en taquilla que demostraba que Ralph Bakshi se encontraba en un buen momento de forma y además logró por fin consolidar comercialmente el subgénero de animación para adultos. American Pop resulta un filme de muy vistosa factura visual y un excelente ejemplo de cómo se pueden hacer excelentes películas de cartoons para adultos. Su cuidada y completísima selección musical en la BSO, como corresponde a un filme en donde las canciones son un elemento central, es un valor añadido. La película sin embargo no obtuvo tanta repercusión en otros países como en EEUU, y muchas veces quedó relegado al circuito de las salas de arte y ensayo debido a que una película de dibujos animados para el público adulto era una cosa aún muy extraña. American Pop es junto con el Señor de los Anillos la mejor película de Ralph Bakshi. Es una pena que por el tema de los derechos de las canciones su distribución en video haya sido tan deficiente

Hey Good Lookin’ (1982), greasers animados

Entre 1977 y 1981, mientras trabajaba en The Lord of the Rings y American Pop, Bakshi trató de ir recuperando el aplazado proyecto de Hey Good Lookin’ el filme sobre pandilleros de los 50 que había concluido sin estrenarse en 1975 y que era uno de los proyectos más personales del cineasta. Bakshi, que había rodado el filme como una mezcla de animación e imagen real, eliminó casi todas las escenas en imagen real y las remplazó por secuencias animadas por lo que Hey Good Lookin’ terminó siendo una película cien por cien de dibujos animados, estrenada finalmente en octubre de 1982. Bakshi echó en falta secuencias de imagen real en las que intervino el grupo New York Dolls y el actor afroamericano Yaphet Kotto y tan solo algunas escenas de imagen real (rotoscopiadas) permanecieron en el montaje final, concretamente unas en las que los miembros de una banda ejecutaban un baile similar al breackdance.

La película era una surrealista y absurda crónica de cine negro, bandas callejeras, crímenes y rock and roll que remitía a las primeras películas de Bakshi - no en vano la película fue ideada y rodada en su mayor parte en la primera mitad de los 70- aunque eso sí con una mayor corrección política y menor carga de violencia. Bastantes líneas del diálogo fueron improvisadas por los actores Richard Romanus y David Proval, que doblaban a los dos greasers protagonistas, Vinnie y Crazy. La película fue exhibida con muy pcoas copias en EEUU y pasó desapercibida, aunque logró una relativamente buena distribución internacional durante años sucesivos. Pese a que se trata de uno de los filmes más flojos de Ralph Bakshi con un guión pobre y una estética menos cuidada que en otras películas del director, a la larga se ha convertido en un filme de culto admirado incluso por Quentin Tarantino.

Fire and Ice (1983) (Tygra: Hielo y Fuego), conexión Frazetta; espada y guerreros

Pese al fracaso artístico y comercial de Hey Good Lookin’ Ralph Bakshi era aún una autoridad entre los cineastas de animación estadounidenses y sus seguidores esperaban con impaciencia un nuevo trabajo en la onda de The Lord of The Rings o American Pop. En ese sentido, Bakshi también deseaba hacer una nueva superproducción animada y para ello convenció en 1982 a los inversores de American Pop para que le financiasen una nueva película con presupuesto de 1,2 millones de dólares que iba rodar de nuevo con el rotoscopio como estrella absoluta. Bakshi decidió además que era hora de volver al género fantástico y/o aventurero que en 1982 estaba de moda y rompía taquillas con filmes como En Busca del Arca Perdida. Se daba la circunstancia que en aquel año resultaba comercialmente muy atractivo el subgénero fantástico de “sword and sorcery” (espada y brujería), no solamente en cine sino en cómics y en literatura merced sobre todo al éxito de filmes como Conan el Bárbaro (1982) y a la que le salieron varios imitadores todos ellos con guerreros musculados y en taparrabos, áridos y violentos mundos de fantasía de una era antigua imposible, hechiceros malignos, aparatosas espadas, criaturas monstruosas, luchas a tutiplén y nobles reinos con todopoderosos soberanos (en resumidas cuentas, fantasía épica en una especie de edad de bronce inventada). Bakshi decidió apuntarse a la moda del momento y se dirigió a su amigo el gran dibujante Frank Frazetta, especializado en temas de ciencia ficción y de fantasía épica, para trabajar juntos en una película de aventura y espada en eras remotas. Ambos artistas habían mostrado en reiteradas ocasiones el deseo de trabajar juntos y ahora Frazetta iba a tener la oportunidad de coproducir y concebir una película junto con su amigo Ralph Bakshi. Frazetta se iba a encargar del aspecto visual y del diseño de la producción de una película en la que iba a precisar de un especial cuidado en las escenas de imagen real que posteriormente se iban a “animar” ya que iba a ser la película de Bakshi con mayor número de escenas de acción. El guión de Fire and Ice lo firmaron Gerry Conway y Roy Thomas, dos guionistas de Marvel Comics que habían escrito los guiones de algunas historietas de Conan para la mítica editorial

Bakshi de nuevo pretendió hacer un filme para todos los públicos, aunque como en casos anteriores estaba más dirigido a los adolescentes- consumidores principales del género de espada y brujería en aquel tiempo- que a los niños. La historia nos lleva a una era pasada (o futura) en donde Juliana, la reina del hielo pretende congelar toda la tierra y devastar el reino del fuego además de secuestrar a Tygra, la hija del rey del fuego, mientras en su ayuda acudirá el joven Lam. Combates, luchas a espada, romance y filosofía guerrera se dan cita en una película visualmente atrayente pero menos impactante que otros filmes de Bakshi y con un guión flojo y totalmente encorsetado en los tópicos más fáciles de la fantasía épica. La mano de Frank Frazetta se nota eso sí en el acabado final del filme sobre todo en paisajes y en el diseño de los personajes. En Fire and Ice, estrenada en agosto de 1983, intervinieron además artistas e ilustradores de renombre (James Gurney, Peter Chung) cuya impronta se ve en la factura formal del filme. Bakshu y Frazetta utilizaron por una parte modelos y figurantes que encarnaron a los macizos personajes en imagen real (Cynthia Lake prestó su cuerpo como base de la buenorra Tygra embutida en un pequeño bikini en toda la película) y por otra parte otros actores y actrices pusieron sus voces a los personajes en el doblaje. La película, además de ser uno de los filmes más flojos de Bakshi obtuvo no muy buenas críticas y funciono discretamente en taquilla. De todos modos, sería injusto no reconocer lo bien trabajado que está todo lo relacionado con el rotoscopiado de los personajes (especialmente el de Tygra y Lobo Negro) y la realista animación de estos. En los últimos años Tygra: Hielo y Fuego esta siendo objeto de culto por parte de los amantes de lo fantástico y los cómics de Frazetta (su impronta es lo mejor del filme) pero no parece ser uno de los filmes mas queridos por el propio Ralph Bakshi, que años mas tarde se arrepentiría del abusivo uso del rotoscopio en sus películas de finales de los 70 y principios de los 80.

Crisis, parón forzoso y exilio televisivo

En los años inmediatamente siguientes a 1983 Ralph Bakshi intentó llevar a cabo varios proyectos de películas de animación que fracasaron. Realmente era difícil producir largometrajes de dibujos en EEUU teniendo que competir con los todopoderosos estudios Disney. Además, las cosas no iban económicamente bien para los estudios de Bakshi. Entre algunos de los muchos de los proyectos irrealizados entre 1983 y 1986 se encuentran adaptaciones de Miedo y Asco en La Vegas o incluso El guardián entre el centeno, de J.D Salinger que Bakshi pretendía dirigir mayormente en imagen real con algunas secuencias animadas, pero Salinger se negó en rotundo alegando que su novela no podía ser adaptada de ningún modo audiovisual. Nótese como Bakshi se había retractado ya de su intención de no dirigir ninguna adaptación. El cineasta tampoco encontró financiación para materializar un proyecto de película de imagen real que llevaba desarrollando desde su juventud en los 60, la comedia If I Catch Her, I´ll Kill Her. En 1986 sale de su forzado paro para dirigir el videoclip de los Rolling Stones Harlem Shuffle que incluía imagen real y animales antropomórficos animados, un auto homenaje a sus tiempos de Fritz the Cat y Coonski . En este excelente video, que obtuvo bastante buena acogida, intervino como animador John Kricfalusi, futuro creador de Ren & Stimpy y discípulo aventajado de Bakshi. Bakshi y Kricfalusi escribieron en 1987 el guión de una película de animación para adolescentes, Bobby´s Girl, protagonizada por chavales en plena ebullición hormonal (el monotema de las comedias teen de finales de los 80) pero tanto este proyecto como otros de los estudios del cineasta fueron rechazados por las compañías de Hollywood.

Bakshi a finales de los 80, semirretirado, se había convertido en una leyenda de culto pero nadie esperaba que hiciese nada nuevo. Los dibujos animados para adultos ya no interesaban (aún no habían llegado ni The Simpsons ni otros productos similares de los 90) y nadie se tomaba en serio aquello del rotoscopio ni todo el rollo hippy de los gatos drogatas y salidos y las macizas tetudas cartoon. Un aparentemente desahuciado Ralph Bakshi aterriza a principios de 1987 en la CBS con la intención de realizar una nueva serie sobre Mighty Mouse (Super Ratón) personaje cuyos derechos como todos los de Terrytoons pertenecían ahora a la mentada cadena. El primer capítulo de Mighty Mouse: The New Adventures (Las Nuevas Aventuras de Super Ratón) se emitió en septiembre de 1987. John Kricfalusi fue el director supervisor de la serie, producida por Bakshi y emitida hasta octubre de 1988. Bakshi dejó su impronta en el trabajo más orientado al público infantil de los que había hecho hasta la fecha con un Super Ratón de peculiar diseño, pero muchos se preguntaban si el cineasta imprimiría su polémico sello de algún otro modo. Y aunque en la serie no había aparentemente nada inadecuado para el público infantil la polémica no tardó en surgir: en un episodio, Super Ratón “esnifa” una flor y la American Family Assotiation alegó que esa imagen hacía una velada alusión al consumo de cocaína, algo que ya había sido sugerido por algunos ejecutivos de la CBS antes de emitirse el capítulo y que Bakshi desmintió rotundamente. Aunque la polémica estalló meses después de que el capítulo fuese emitido, la controversia hizo cancelar la serie. Esto enturbió las relaciones de Nakshi con CBS que canceló un proyecto de serie inspirado en sus cómics de Junktown, aunque el episodio piloto se emitió en diciembre de 1988 con el título de Chistmas in Tattertown. Poco después, a principios de 1989, estrena un nuevo telefilme animado This ain´t Bebop una crónica de la generación Beat especialmente querida por el propio director. También en 1989 dirigió una adaptación televisiva del Dr. Seuss The Butter Battle Book y un olvidado Hound Town. Pero el ya cincuentón Ralph Bakshi quería volver al cine, la televisión no le resultaba satisfactoria.

Cool World (1992), Kim Bassinger a lapiz

En 1990 Bakshi concibió un guión titulado Cool World para una película de terror en donde se iban a mezclar dibujos animados y animación real. La historia se iba a centrar en un inquietante y vengativo híbrido femenino humano-toon fruto de la relación entre un hombre y una mujer de dibujos animados. Paramount Pictues dio luz verde en 1991 a un proyecto que iba a suponer el regreso de Ralph Bakshi a la gran pantalla después de casi diez años. Pero mientras se preparaba la producción, la productora encargo en secreto a los guionistas Michael Grais y Mark Victor reescribir el guión y estos lo cambiaron radicalmente convirtiendo una original película de terror en una comedia. Bakshi tuvo que aceptar a regañadientes la nueva historia y la decisión de Paramount de contratar a una estrella taquillera para dar vida al personaje de una sex symbol que a ratos es una mujer de carne y hueso y a ratos es un cartoon: Kim Bassinger. No obstante conforme avanzaba el rodaje, Bakshi puso todo su empeño en que esa inédita mezcla entre dibujos e imagen real con tono sexy y de cine negro fuese una película exitosa. Los diferentes animadores que trabajaron en la película tuvieron libertad absoluta para concebir y dar vida a sus personajes y no se les entregó guión alguno. Ralph Bakshi prometía un filme alocado y tronchante en donde surrealistas, alocados y manieristas personajes animados inspirados en las creaciones de Max Fleischer o Terrytoons viajaban desde un universo paralelo de dibujos animados hasta el mundo real poniendo en aprietos a los seres de carne y hueso. Kim Bassinger, que encarnó a la rubia mitad dibujo-mitad humana Holly Would iba a ser el principal reclamo de una película en donde también intervenía Gabriel Bryne y un joven y desconocido Brad Pitt.

Cool World (Cool World, Una Rubia Entre Dos Mundos) se estrenó en EEUU en julio de 1992 con una gran expectación por parte de los fans de Bakshi. El cineasta prometió que iba a hacer un filme bastante más políticamente correcto que su producción de los 70, pero no exento de sus dosis de sexo y erotismo. Sin embargo, la sombra de Quien Engañó a Roger Rabbit (1988) dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg era bastante alargada ya que aquel filme ofrecía algunas similitudes con Cool World pese a tratarse de un filme familiar: un mundo paralelo de dibujos animados, un personaje femenino sexy cartoon, una leve trama policial parodia del cine negro. Se publicitó erróneamente a Cool World como una versión adulta de Roger Rabbit y esto influyó de forma negativa en la recepción de la película. La historia nos presenta a Jack, un dibujante de cómics (Gabriel Bryne) que accede un buen día al surrealista Cool World un mundo de dibujos animados en donde se encuentra a Holly (Kim Bassinger) una curvilínea rubia que él había creado en sus cómics que quiere viajar al mundo real. Jack transgrede la prohibición del sexo entre humanos y toons y tras tener relaciones con Holly esta se convierte en humana y viajan al mundo real perseguidos por el detective Frank Harris (Brad Pitt), un humano que quedó atrapado en Cool World en los 40, y un pintoresco grupo de personajes animados. La película contó con un elaborado diseño de producción animado y unas escenas reales con una estética toon en los escorados consiguiendo un acabado visual bastante vistoso. No obstante, el guión es rutinario y flojo y el humor demasiado previsible y sin sentido sobre todo cuando se entremezclan las situaciones animadas y la imagen real. Eso si, el diseño de la Kim Bassinger animada realmente “mejoró” a la de carne y hueso (además de rejuvenecerla) y Holly Would se convirtió en uno de los personajes dibujados más sexys de cuantos habían existido.

Cool World fracasó en taquilla y recibió malas críticas por su escasez argumental, sus pobres interpretaciones y su torpeza a la hora de ofrecer un filme de animación para adultos convincente. No obstante, hubo unanimidad en reconocer que en las secuencias animadas Ralph Bakshi había conseguido un importante hito al conjuntar perfectamente animación e imagen real. La banda sonora, que incluía temas de Moby, Ministry o incluso una canción nueva de David Bowie (Real Cool World) que fue el tema central de la película además de la partitura de Mark Isham, eso si, era de enorme calidad.

El genio retirado

El fracaso de Cool World provocó un alejamiento de Ralph Bakshi del mundo del cine y a mediados de los 90 se dedicará en cuerpo y alma a la pintura con trabajos audiovisuales esporádicos. En 1994 regresa para dirigir su primer trabajo cien por cien en imagen real Cool and the Crazy, telefilme inspirado en su ya viejo guión de If I Catch Her, I´ll Kill Her, un drama juvenil ambientado en los 50 con unos desconocidos Alicia Silverstone y Jared Leto. En 1995 dirigió dos cortos de animación para el programa What a Cartoon! que se emitieron en televisión con bastantes cortes por parte de la productora Hanna Barbera y en 1997 en plena efervescencia de las series de dibujos animados irreverentes (South Park) crea Spicy City serie de capítulos independientes ambientada en un sucio y violento mundo futuro que fue la primera serie de dibujos exclusivamente dirigida al público adulto. Solo se hizo una temporada con seis capítulos que obtuvo una tibia acogida.

Desde finales de los 90 Ralph Bakshi se encuentra prácticamente retirado con ocupaciones como profesor de animación de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York . En 2000 llevó a cabo un intento de regreso con un filme inacabado, Last Days of Coney Island, una historia de cine negro descrita por Bakshi como su filme más personal; Bakshi nunca ha podido acabarlo. En la década de 2000, numerosos libros, retrospectivas, ediciones en DVD de sus películas y homenajes tratan de hacer justicia al legado de Ralph Bakshi, el hombre que anticipó cosas como Family Guy o South Park y ofreció un gran número de momentos memorables e innovaciones técncias en la historia del cine de animación. Un genio iconoclasta y maldito que demostró que los dibujos animados podían ser una cosa no solo de niños.

FILMOGRAFÍA (LARGOMETRAJES)

Fritz the Cat (El Gato caliente) (1972)

Heavy Traffic (1973)

Coonskin (1975)

Wizards (Los Hechiceros de la Guerra) (1977)

The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos) (1978)

American Pop (1981)

Hey Good Lookin’ (1982)

Fire and Ice (Tygra, Hielo y Fuego) (1983)

Christmas in Tattertown (1988) (TV)

This Ain´t Bebop (1989) (TV)

The Butter Battle Book (1989) (TV)

Cool World (Cool World, Una Rubia Entre Dos Mundos) (1992)

Cool and the Crazy (1994) (TV)

EL APARATITO LUMIERE PRESENTA…EL RANKING DE PELÍCULAS DE 2011

2012-01-17T20:33:00.000+01:00

Como viene siendo habitual todos los años en rayos c en la oscuridad os ofrecemos el ranking de películas vistas en el año que ha terminado y que han recibido su correspondiente crítica en la sección El aparatito Lumiere, con la clasificación establecida en función de las “estrellitas” otorgadas en cada uno de los artículos y la opinión sobre calidad del menda dentro de las películas que recibieron la misma puntuación (se ha redondeado cuando había puntuaciones “y medias”).

51 pelis estrenadas en 2011 han sido vistas por rayosc en 2011, siendo la mejor del año según el criterio de este blog la francesa The Artist, una de las tres películas clasificadas con las cinco estrellas de obra maestra este año junto con las norteamericanas El Arbol de la Vida y Cisne Negro. Aunque no se puede decir que haya sido un mal año en cuanto a calidad ha habido años mejores, especialmente en lo que al cine español se refiere (de ellos hablaremos luego). No obstante, entre las mejores películas ha habido una gran variedad de temas, estilos y lenguajes cinematográficos lo cual es una señal estimulante: es significativo que la mejor película del año para rayosc sea un curioso y feliz experimento producido en Europa como The Artist y que Terrence Mallick demuestre ser aún uno de los mejores cineastas vivos con otro atípico filme de fascinante poesía visual como es El Arbol de la Vida, y sin olvidar el atípico carácter de la inquietante y alucinante Cisne Negro. No nos olvidamos de la emocionante Principantes y del nuevo acierto de Polanski con Un Dios Salvaje que completan la terna de las cinco mejores películas del año.

Además de tener la mejor película del año, el cine europeo aporta otras tres cintas en el top 10 del año, junto con la coproducción entre cuatro paises Un Dios Salvaje , la británica El Topo y la mejor película española del año, También la Lluvia . La mejor película ni europea ni norteamericana ha sido la argentina El Hombre de al lado. La verdad es que resulta significativo e insólito que este año solo haya visto cuatro películas con mayoría de producción española sin contar las coproducciones Un Dios Salvaje y Midnight in Paris, la más que interesante aventurilla franco-española del incombustible Woody Allen. Es que el cine español este año ha andado según mi opinión muy torpe: Almodovar no ah convencido con La Piel que Habito y lo que debía ser uno de los estrenos españoles del año, El Capitán Trueno…pues, en fin.

Aquí tenéis la lista. Muy cinéfilos saludos

1- THE ARTIST *****

2- EL ARBOL DE LA VIDA *****

3- CISNE NEGRO *****

4- PRINCIPIANTES ****

5- UN DIOS SALVAJE ****

6- EL TOPO ****

7- LA DEUDA ****

8- LAS AVENTURAS DE TINTIN: EL SECRETO DEL UNICORNIO ****

9- EL HOMBRE DE AL LADO ****

10- TAMBIÉN LA LLUVIA ****

11- MICMACS ****

12- DRIVE ****

13- VALOR DE LEY ****

14- MEDIANOCHE EN PARÍS ****

15- HANNAH ****

16- LA CONSPIRACIÓN ****

17- MÁS ALLÁ DE LA VIDA ****

18- UNA MUJER EN AFRICA ****

19- THE FIGHTER ***

20- SOMEWHERE ***

21- PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA ***

22- NI HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS ***

23- EL NIÑO DE LA BICICLETA ***

24- 127 HORAS ***

25- EL CASO FAREWELL ****

26- CAMINO A LA LIBERTAD ***

27- WINTER´S BONE ***

28- UN CUENTO CHINO ***

29- SUPER 8 ***

30- LA VIDA SEGUN BARNEY ***

31- BEBES ***

32- CODIGO FUENTE ***

33- NUNCA ME ABANDONES ***

34- X MEN: PRIMERA GENERACIÓN ***

35- AGUA PARA ELEFANTES ***

36- EN EL CENTRO DE LA TORMENTA ***

37- IN TIME ***

38- GIANNI Y SUS MUJERES **

39- THE COMPANY MEN **

40- LA PIEL QUE HABITO **

41- UN MÉTODO PELIGROSO **

42- EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS **

43- ANONYMOUS **

44- MONSTERS **

46- LOS CHICOS ESTAN BIEN **

46- EN TIEMPO DE BRUJAS **

47- THOR **

48- CAPITÁN AMERICA, EL PRIMER VENGADOR *

49- COWBOYS & ALIENS *

50- EL CAPITÁN TRUENO Y EL SANTO GRIAL *

51- BAD TEACHER *

El aparatito Lumiere LA DAMA DE HIERRO (THE IRON LADY)

2012-01-15T14:24:00.001+01:00

***

Esperado con impaciencia y expectación el biopic de Margaret Tatcher (1926), Primera Ministra del Reino Unido entre 1979 y 1990 y una de las figuras políticas internacionales mas significativas del siglo XX. Pese a que ya de por si el personaje biografiado podía despertar todo el interés del mundo, el hecho de que sea un todo peso pesado de la interpretación como Meryl Streep quien encarne a la Dama de Hierro ha sido el principal reclamo de cara al público de esta película, ya que el reto se antojaba apasionante: una actriz norteamericana de increíble versatilidad y carisma interpretando a una política de raza y cien por cien british cuyo carisma - más allá de cualquier filia o fobia- estuvo siempre fuera de toda duda. Y lo cierto es que Mrs. Streep es dueña y señora absoluta de la película con una de las mejores interpretaciones en su ya larga carrera. Pero sería injusto supeditar las virtudes de esta inteligente película al descomunal trabajo interpretativo de la actriz ya que The Iron Lady se postulo como un biopic no convencional y sin concisiones ni clichés propios del género de biografías cinematográficas y eso ya es una enorme virtud en una película que acometa la siempre abrumadora tarea de retratar a un personaje digamos que casi casi “mítico”. No obstante, a pesar de interesante y nada pedante, el filme resulta a veces un tanto irregular tal vez por su afán de ser una especie de ejercicio de biografía “deconstruida” y por un poco creíble enfoque humanista partiendo de una premisa tan dudosamente convincente como el de estructurar toda la historia en dos planos casi con el mismo peso: desde la crónica de la Margaret Tatcher actual, convaleciente de demencia senil a sus 85 años y la propia biografía propiamente dicha. Eso si, el trabajo de la directora Phylida Lloyd poco puede reprocharse ya que la maestría narrativa ante tan ambiciosa empresa es de recibo (la puesta ene scena es impresionante) aunque hay que admitir algún que otro error de bulto.

La película como hemos dicho antes, cuenta con dos planos narrativos (la biografía y el supuesto momento actual): Margaret Tatcher, anciana ex Premier recluida en su domicilio a causa de su estado de salud mental recuerda toda su vida y trayectoria política mientras asistimos a los delirios propios de su situación (todos de alguna manera conectados con su vida y actividad pública pasada) y a las conversaciones con su esposo Dennis (Jim Broadbent) en realidad fallecido. Su trayectoria se nos cuenta de manera muy rápida, escueta y sin mucha parafernalia utilizando muy pocos recursos dramáticos propios del género biográfico, es decir, yendo al grano aunque sin caer en el documentalismo. Parece evidente que la intención del filme era mostrar las claves de la personalidad de la Tatcher (autoritaria, intransigente, egoísta) y como influyeron en su actividad política y en la toma de sus decisiones. No se puede decir que sea un retrato amable de un personaje abanderado del neoliberalismo más furibundo que por lo general nunca despertó muchas simpatías dentro y fuera de su país y en ese sentido la película toma un comprensible cariz anti tacherista aunque más centrado en los aspecto humanos y personales de Tatcher como persona que en lo políticos (que también los hay y se presentan como consecuencias de el carácter de la Primera Ministra) y desde luego que sin ningún carácter de cine-denuncia. Se echa en falta como consecuencia de todo esto una mayor descripción de los acontecimientos históricos y los momentos clave del personaje que en bastantes ocasiones se pasan de puntillas debido al rapidísimo ritmo narrativo de la parte biográfica, aunque haya momentos como el de la Guerra de las Malvinas que están muy bien reflejados. También resulta oportuno el enfoque simbólico y metafórico de muchas imágenes y momentos que viene a romper con la convencionalidad de una biografía al uso.

Lo que no resulta tan convincente es todo lo relacionado con la Margaret Tatcher del momento actual que muchas veces cae en lo malamente melodramático y enmaraña innecesariamente el ritmo narrativo. En ocasiones, parece como si la película diese más importancia a la anciana Tatcher que a cualquier otra cosa en esta historia, funcionando casi como si de otra película se tratase. Otro pero es que los personajes secundarios reales más allá de lo propia política y su marido sean meros comparsas, pero las propias características de esta película (Tatcher por todos los lados) parece que así lo obligan. El tour de force actoral de Meryl Streep, eso si, se ha saldado con indudable éxito: una caracterización impecable (y con diferentes aspectos para diferentes épocas) y un evidente cuidado estudio del personaje consuguen una “Maggie Iron” completamente creíble. También es estupenda la interpretación de Jim Broadbent como Dennis Tatcher, el hombre que estuvo detrás de ella en todo momento y de Alexandra Roach como la joven Margaret (Roberts, de soltera). Una correcta crónica histórica, que aunque a veces irregular y tramposa, nos ofrece un fiel retrato de uno de los personajes clave para entender la historia reciente.

Mis 50 discos que te cagas (41): BRUCE SPRINGSTEEN – BORN IN THE USA (1984)

2012-01-09T20:34:00.002+01:00

Bruce Springsteen tocó el cielo en 1984 y se convirtió en el solista blanco masculino americano de la década de los 80. Culpable, uno de los discos que mejor ejemplifican el muchas veces difícil equilibrio entre calidad y comercialidad: Born in the USA. Mencionado infinidad de veces en la terna de discos favoritos de músicos y aficionados a la música, Born in the USA supuso el triunfo del Boss como comunicador y heraldo oficial del rock norteamericano en los 80 y consiguió convertir al de Freehold en un ídolo de masas ampliando enormemente su público. Springsteen dejó ligeramente a un lado el pesimismo y la crónica amarga de Nebraska (1982) y se entregó en el nuevo disco a un repertorio en su mayor parte vitalista y lleno de esperanza y optimismo que de alguna manera quería reflejar los sueños de felicidad forjados a base de tesón del americano de clase trabajadora en los opulentos años ochenta, así como musicalmente volvió a los sonidos eléctricos tras el paréntesis acústico del álbum anterior ejecutados de la manera más cálida (y accesible) que jamás había hecho y arrimándose de eso modo al pop rock y los sonidos sintéticos. Pero la experiencia pasó factura: no era fácil en plena Era Reagan hacer una obra popular, exuberante y optimista sin que fuese utilizada por los poderes fácticos neoliberales yankis como una ejemplificación del sueño americano desde su vertiente más conservadora. Ese naturalmente no era el propósito de Bruce con Born in the USA y entre artículos y comentarios sobre el significado y la idoneidad o no de canciones como la que da título al disco, la utilización de esta en la campaña presidencial de Ronald Reagan aquel año, la larguísima gira del álbum que término en 1985 y los millones y millones de beneficios del LP (84 semanas consecutivas en el top 10 USA, disco más vendido en EEUU en 1985 y en definitiva el disco más vendido de Springsteen en toda su carrera), Bruce Springsteen terminó 1985 abrumado y quemado. Por fortuna, en los años posteriores no bajó el pistón habitual y continuó haciendo discos y temas magistrales, siendo hasta día de hoy una de las principales referencias del mundo del rock con cada nuevo lanzamiento, aunque, eso si, Born in the USA es su última obra maestra.

Hablar de Born in the USA es recordar a Bruce con camiseta sin mangas, cinta en la cabeza y “mazado” moviéndose por el escenario como nunca lo había hecho antes ante auténticas multitudes enfervorizadas que lo elevaron literalmente a los altares. Una imagen iconográfica que con la ayuda de los magníficos videos de los temas de este álbum que firmaron gente como John Sayles o Brian De Palma dio la vuelta al mundo en pleno apogeo de la era MTV y cuando las listas mainstream americanas eran por primera vez un rico conglomerado de ritmos y artistas blancos y negros y un cruce-cambalache de estilos musicales en artistas de diversas pretensiones iniciales. Born in the Usa fue el álbum rockero por excelencia de aquellos mediados de los 80 cuando parecía que cualquier cosa hecha con eclecticismo, buen gusto y visión comercial podía triunfar sin duda alguna. Y así era este LP, lo más vendible que Bruce había hecho hasta la fecha y destinado a una audiencia más amplia que la que el músico tradicionalmente tenía. Compuesto, grabado y pulido durante largo tiempo entre 1982 y 1984, era evidente que Bruce quería un LP que a la estela del multimillonario y fenómeno social Thriller de Michael Jackson fuese un Blockbuster de similar calibre y para ello acicaló su rock urbano Heartland de toda la vida con abundancia de ritmos cercanos al pop e incluso semibailables en algunos pasajes y convenció a Roy Bittan para que la E Street Band incluyese sintetizador; y todo salió de puta madre. La vitalista belleza de Born in the USA se puede apreciar en los sugerentes paisajes nocturnos de temas bien diferentes entre ellos como Downbund Train, I´m on Fire o Dancing in the Dark o en el épico aliento de stadium rock de No Surrender o I´m Goin’ Down. Hay de todo en un disco que pese a tener ni más ni menos que siete singles top 10 siempre será recordado por el tema que lo da título, Born in the USA, una canción denuncia sobre la confusión vital de los veteranos de la guerra de Vietnam que muchos en EEUU (conservadores o no) malinterpretaron como un himno patriótico lo que le trajo al boss filias indeseadas y fobias inmerecidas. Su vibrante e inconfundible introducción de batería y teclado siempre quedarán como uno de los momentos más emocionantes que cualquier amante de la música puede llegar a vivir por no hablar de la increíble fuerza “levanta estadios” del tema que lo convirtieron de inmediato en la canción más emblemática e incluso más conocida de Springsteen. Pero naturalmente, el LP es algo más que ese tema: la delicadeza de la balada My Hometown remite a la nostalgia de la infancia y adolescencia del artista en su New Jersey natal con ecos James Taylor o de Joni Mitchell y sigue poniendo la carne de gallina con su afectada interpretación vocal. Como también resulta emocionante la rítmica poderosa y pasional de I´m Goin’ Down y su letra sobre el deterioro de las relaciones amorosas, y, por que no, el pegadizo pop rock con reminiscencias folk y de la América profunda de Glory Days típico tema que en directo demostraba la camaradería y profesionalidad de la E Street Band, otro de los temas mas conocidos del álbum.

Realmente, cualquier tema de Born in the USA pudo ser single y en ese sentido canciones tan espectaculares como No Surrender no tuvieron esa suerte pese a ser uno de los momentos álgidos del álbum con su poderosa fuerza de hard rock para todos los públicos y su vibrante letra con un claro mensaje: Porque hicimos una promesa que juramos que siempre recordaríamos, ya no hay marcha atrás, nena, no nos vamos a rendir. Pero el single de mayor éxito del LP fue el descomunal Dancing in the Dark, una brillante aproximación de Bruce al synthpop bailable de la época con fascinante poso rockero y cuidado atractivo nocturno que resulta una auténtica delicia año tras año y todo un acontecimiento cuando suena en directo (el precioso dibujo de sintetizador de Bittan y el sensual saxo final de Clarence Clemons son realmente impagables). Como también resulta sexy y sugerente I´m on Fire, pequeño gran medio tiempo sintesista con una sugerente voz de Bruce contando una curiosa historia de juvenil lujuria urbana barnizada con envolventes teclados. Y si quieres una más, aquí tienes taza y media: la pegadiza y potente Cover Me, la emocionante y amarga historia de Downbown Train, el ritmo arrebatador de Darlington County… todo una pasada. Bruce Springsteen llegó a ser dios con este LP en donde todo funciona como un reloj y en verdad el Boss y su E Street Band se merecían un suceso de tales dimensiones. Hoy en dai Born in teh USA sigue siendo uno de los discos de más agradable escucha de cuantos existen (no hace falta ser un seguido acérrimo de Springsteen para disfrutarlo) y todo un tótem cultural del siglo XX. ¿Qué no lo tienes? Cómpralo y ya, echando chiribitas.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Rock Urbano, Pop Rock

Publicación: junio 1984

Sello original: Columbia

Producción: Bruce Springsteen, Jon Landau, Chuck Plotkin y Steve Van Zandt

Duración: 46:57

Músicos:

Bruce Springsteen: voz, guitarra eléctrica y acústica

Steve Van Zandt: guitarra acústica, mandolina, armonías vocales

Clarence Clemons: saxo, percusión, coros

Roy Bittan: sintetizador, piano, coros

Garry Tallent: bajo

Danny Federici: órgano, xilófono, piano

Max Weimberg: batería, coros

Richie “La Bamba “ Rosemberg: coros en Cover Me y No Surrender

Ruth Davies: coros en My Hometown

Track listing

1- Born in the USA

2- Cover Me

3- Darlington County

4- Working on The Highway

5- Downbound Train

6- I´m on Fire

7- No Surrender

8- Bobby Jean

9- I´m Goin’ Down

10- Glory Days

11- Dancing in The Dark

12- My Hometown

El aparatito Lumiere EL TOPO (TINKER TAILOR SOLDIER SPY)

2012-01-06T13:16:00.000+01:00

****

Una estupenda adaptación de un clásico de la novela de espionaje como es El Topo (Tinker Tailor Soldier Spy,1974) salida de la pluma del prolífico maestro del género John Le Carré que pese a ser una de sus obras mas célebres nunca antes había sido llevada al cine. La espera ha merecido la pena aunque ya todo el asunto de la guerra fría, las maquinaciones de EEUU y URSS, el telón de acero y la época dorada del MI6 británico hayan quedado un poco en el recuerdo histórico. Pero siempre es un placer disfrutar con una historia sólida e intrigante que en esta película, dirigida con maestría y buen gusto por el sueco Tomas Alfredson, resulta poderosa y fascinante. El realizador que hace 3 años sorprendió a propios y extraños con su historia de vampiros con contenido social Déjame entrar ha sabido inculcar en este filme coproducido entre el Reino Unido, Alemania y Francia un regusto estético y narrativo sobrio y pulcro al más puro estilo nórdico bebiendo del maestro Ingmar Bergman a un relato puramente británico aunque con el consabido regusto cosmopolita de las crónicas de espionaje. Un nutrido reparto enormemente eficaz hace que la película se deslice como un guante de seda fina desde el principio hasta el final.

Ambientada a principios de los 70, El Topo muestra la investigación dentro del Servicio de Inteligencia británica sobre la existencia de un topo de los soviéticos dentro de la mismísima cúpula del Servicio. George Smiley (Gary Oldman) el héroe de muchas de las novelas de Le Carré y agente retirado en esta historia volverá para dirigir una investigación que desde el primer momento se muestra peligrosa y desconcertante a más no poder. Smiley tendrá que lidiar con un juego de datos desconcertantes, pistas que aparecen y desaparecen y la perenne sospecha de que la cúpula del Circo sabe mucho más de lo que aparenta. En su cometido, el joven agente Peter Gillam (Benedict Cumberbatch) aportará un sentido del deber y una impetuosidad visceral de las que Smiley, curtido en mil batallas y algo desengañado, carece ya por completo. La verdad es que el elenco actoral funciona a las mil maravillas capitaneado por un Oldman sencillamente magistral secundado de actores británicos de la talla de Colin Firth, Mark Strong, Ciarán Hinds, Toby Jones o John Hurt además de jóvenes valores como Cumberbatch o Stephen Graham. Para todos un sobresaliente. Las más de dos horas que dura el filme se pasan volando gracias a una narración ágil y creíble y una puesta en escena deudora del mejor Hitchcock y de obras maestras del cine negro y de espionaje. Si que es cierto que la abundancia de personajes y pistas puede resultar un poco compleja de seguir, por ello el espectador ha de estar con los cinco sentidos durante toda la película pero al final el esfuerzo merece la pena. Como también merece la pena gastarse siete euros en ver esta película.

RALPH BAKSHI: SEXO, DROGA, FANTASÍA Y DIBUJOS ANIMADOS (I)

2012-01-05T20:10:00.004+01:00

En la historia del cine de dibujos animados hay una figura que brilla con una singular luz propia, un cineasta rebelde, crítico, anticonvencional y con espíritu underground dentro de un mundo, el del cine de animación, que si de una cosa se caracteriza es por su rígido encorsetamiento en su discurso y estilo, fruto de su condición preferente de objeto de consumo infantil. Es Ralph Bakshi (1938), director de cine de animación norteamericano nacido en Israel cuya carrera gozó de culto, aclamación crítica e incluso cierta popularidad entre 1972 y 1985 con ocho largometrajes de animación que hoy en día son auténticos filmes de culto, amén de sus trabajos posteriores a esos años tanto para cine como para televisión y que nunca han gozado de la fama de la filmografía de su primera etapa. Bakshi tiene entre sus patentes los dibujos animados dirigidos al público adulto, principalmente (también al adolescente), y dentro del cine de animación el empleo de tacos y palabras mal sonantes, la aparición de sexo y de desnudos y ya desde el punto de vista técnico un revolucionario empleo de la combinación entre imagen real y dibujos animados muchas veces mediante la técnica del rotoscopio o la pintura a mano sobre imagen real. Estas innovaciones que Ralph Bakshi llevó a cabo fundamentalmente a lo largo de la década de los 70 supusieron una total innovación en los códigos tanto estilísticos como discursivos del cine de dibujos animados y en cierto modo Ralph Bakshi fue el equivalente dentro el campo de la animación de aquella generación de cineastas norteamericanos que en los 70 trataron de revolucionar Hollywood ejerciendo un estricto control creativo sobre sus propias películas y que se conoce como la generación de los “Easy Riders-Ranging Bulls” (Moteros Tranquilos-Toros Salvajes) la cual incluye a Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Michael Cimino, Warren Beautty, Hal Ashby, Dennis Hopper…todos hijos de los cambios de EEUU a finales de los 60 y que el propio Ralph Bakshi vivió más intensamente que muchos de ellos: Bakshi fue un ejemplo de cineasta de la era hippy y más concretamente de su vertiente mas underground, un mundo que trasladó fielmente a su filmografía en los años 70. Resulta además imposible separar todo el espíritu más iconoclasta de finales de los 60 y de los 70 de la obra de Ralph Bakshi en cuanto que todos aquellos nuevos aires que se respiraban en la cultura occidental (liberalización de las costumbres, revolución sexual, consumo de drogas, lucha contra las injusticias sociales y contra la segregación racial) se palpan en los filmes setenteros de Bakshi, en los cuales además el uso de la violencia estaba omnipresente al igual que en el cine de acción real más exitoso y rompedor de la época, poblado de gángsters, mafiosos, asesinos a sueldo y camellos (Malas Calles, El Padrino, Perros de Paja , Taxi Driver…) y en las películas más salvajes y burras del género denominado Blaxploitation, películas destinadas exclusivamente al público afroamericano.

Cartel de Heavy Traffic (1973)

En el legado de Ralph Bakshi se encuentran algunas pequeñas obras maestras del cine de dibujos animados, como es el caso de Fritz The Cat (1972) (primera película de dibujos animados en recibir una clasificación X), Heavy Traffic (1973) o The Lord of the Rings (1978), pero incluso en su filmes menos brillantes o conocidos hay importantes hallazgos estilísticos y conceptuales que junto a sus mejores filmes ayudaron a innovar el género de animación. No obstante, Ralph Bakshi siempre ha sido un cineasta maldito e incomprendido por el hecho de cultivar el impopular campo de la animación para adultos o adolescentes y por cometer para muchos la osadía de profanar el impoluto género de los cartoons con sexo y violencia: el que la animación haya sido tradicionalmente un género infantil tiene mucha culpa de ello y dada la sempiterna asociación entre los dibujos animados y el cine para niños y la fina línea que une/separa a ambos mundos, siempre se ha visto con recelo por parte de un sector de la crítica y el público que alguien intente “pervertir” la animación. Aunque algo injustamente caído en el olvido, Ralph Bakshi, el anti Disney, goza no obstante hoy en día de un culto bastante elevado entre amantes del cine de animación, seguidores del cine independiente, estudiosos y admiradores de de la cultura underground americana de los 70 y fanáticos de la fantasía épica, género que comenzó a cultivar a finales de los 70 cuando su cine se hizo más mainstream y familiar tratando de quitarse la vitola de autor de “peliculas de dibujos guarras”.La carrera y el legado de este visionario y gran innovador de los dibujos animados merecen ser revisados y homenajeados cuando en 2012 se cumplen 40 años del estreno de su primer largometraje.

Los comienzos televisivos

Coonskin (1975)

Ralph Bakshi, de etnia judía, nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, hoy en Israel pero en aquel entonces pertenecía al Mandato británico de Palestina. Un año después su familia se traslada en EEUU y Bakshi vivirá su infancia en Brooklin (hasta los 8 años) y a partir de 1947 en Washington DC. Los Bakshi pasaron la mayor parte de aquellos años con bastantes penurias económicas de las que el joven Ralph trataba de evadirse con una de sus principales aficiones: la lectura de cómics. Bakshi vivió en Washington hasta 1952 y pasó aquellos años en el barrio negro de Froggy Bottom, pese a que los Bakshi eran los únicos vecinos blancos del vecindario. De hecho, Bakshi asistió a la escuela primaria del barrio en donde todo el alumnado era negro salvo él mismo, ya que en los años 40 la población negra aún continuaba segregada en EEUU. Este hecho le reportó a él y su familia algún que otro problemilla con la justicia, pero propició que el joven Ralph entendiese y conociese a fondo a la población afroamericana, en aquel entonces aún bastante despreciada y maltratada por los blancos. Casi todos los amigos de la infancia de Bakshi eran negros y el se sentía como un negro más: la cultura afroamericana influirá poderosamente en la obra de Ralph Bakshi. En 1952 los Bakshi vuelven a Brooklin y Ralph es matriculado en el Instituto Thomas Jefferson donde hizo gala de un malísimo comportamiento y una falta de interés por los estudios salvo en asignaturas como el dibujo. En 1953 el quinceañero Ralph comenzó a interesarse en serio por el dibujo de cómics cuando cayó en sus manos un ejemplar- que robó de la biblioteca de Brooklin- de la Complete Guide of Cartooning, un curso de dibujo caricaturesco de Gene Byrnes. Bakshi hacia continuas piras a clase y no hacía mas que pelarse con sus compañeros, debido a esto y su fanática afición por el dibujo, el director del instituto convenció a sus padres de que tenia mayor porvenir en una escuela artística y en 1954 se matricula en la Escuela de Arte industrial de Manhattan en al que se gradúa dos años mas tarde. Tras dejar los estudios secundarios a los 18 años, Ralph deseaba colocarse como dibujante de cómics pero no parecía nada fácil en una ciudad con tanta competencia como Nueva York. Un amigo del instituto también caricaturista, Cosmo Anzilotti, le animó a que se presentara con él a los estudios de animación Terrytoons ya que según él los dibujos animados eran una salida muy golosa para los dibujantes debido a la enorme cantidad de personas que se precisaban para las películas o cortos de dibujos animados. Bakshi no estaba especialmente interesado en la animación pero su percepción cambió una vez fue contratado.

Terrytoons era una histórica productora de cortometrajes dibujos animados que a finales de los 50 no vivía sus mejores años asfixiada por el monopolio de la Disney y el ascenso de lal televisión como nuevo vehículo para los cortos animados. Precisamnte era el campo de la televisión en el cual la productora- creadora de personajes de dibujos tan populares como Mighty Mouse (Super Ratón) o Heckle and Jeckle (Las Urracas Parlanchinas)- quería introducirse. Bakshi fue contratado como limpiador de los acetatos empleados para las películas pero poco después fue ascendido a pintor de estos. Ralph se fue aficionando a la animación hasta el punto de practicar el por su cuenta secuencias animadas en horas libres en el estudio con acetatos y dibujos en los que él trabajaba. Frank Schudde, jefe de producción de Terrytoons advirtió el interés de Bakshi por las técnicas de animación y en 1958 le ascendió a animador y creador de pruebas de diseño. No obstante, hasta 1959 no pudo trabajar con el resto de animadores y sus diseños, demasiado modernos, no eran del gusto del estudio. Aquel año Ralph se casó a los 21 años con Elaine y su hijo Mark nacería en 1960. El escaso sueldo que cobraba como animador y mas tarde como artista de fondos no era suficiente para mantener a su nueva familia y además de su trabajo en Terrytoons Bakshi se colocó como dibujante de historietas firmando algunas tiras en periódicos locales a principios de los 60 como Dum Dum and Dee Dee (sobre una joven pareja con problemas, como lo eran el y su mujer en aquel entonces) o Junktown. Pese a que estos cómics apenas tuvieron repercusión, Ralph Bakshi estaba mostrando ya su preocupación por los temas sociales y de actualidad. En 1963 Bakshi es nombrado director debutando con la serie Sad Cat sobre la cual no tenía ninguna responsabilidad creativa. Bakshi no se sentía satisfecho en su función de director en aquel estudio y en 1966 presentó a CBS (propietaria ahora de unos cada vez más en declive Terrytoons) un proyecto de nueva serie para la productora que no dudaron en aceptar. Se trataba de The Mighty Heroes, una parodia sobre los superhéroes que podemos considerar el primer trabajo propiamente dicho de Ralph Bakshi ya que además de director fue guionista y responsable creativo. No obstante, cuando la producción empezó, las nuevas condiciones laborales de Bakshi no mejoraron sustancialmente (finalmente no tuvo total control creativo sobre la serie) y la animación no era todo lo buena que él hubiese deseado. Se hicieron dos temporadas de The Mighty Heroes hasta 1967, año en el que Bakshi, que se había divorciado años antes, decide dejar Terrytoons. Estaba decidido a fundar su propia compañía de dibujos animados. La cosa estaba difícil y entonces Ralph se presentó en Paramount Pictures para ocupar el puesto del anterior jefe de la división de animación que había sido despedido. Fue contratado, aunque ya era consciente que el futuro de Paramount en el campo de la animación no era muy halagüeño.

Wizards (1977)

En busca de los cartoons para adultos

Bakshi quería hacer en Paramount lo que nadie había hecho, un cortometraje de dibujos animados para adultos. Fascinado por el mundo del hippismo y del cómic underground que daba sus primeros pasos con gente como Robert Crumb o Gilbert Shelton, contrató a un buen numero de dibujantes de cómics para adultos para que tomasen parte en la faceta artística de su proyecto; así gente como Harvey Kurtzman, Archie Goodwin o Jim Steranko fueron contratados por la Paramount. Ralph y sus nuevos colaboradores no se metieron en los proyectos de Bakshi hasta que este terminó algunos cortos que había empezado su predecesor, y a finales de 1967 dirige una serie de cinco cortos independientes los cuales no fueron del gusto de la productora. Todos ellos trataban de ser cartoons hippis y pelín lisérgicos aunque no explícitamente dirigidos al público adulto, pero en uno de ellos, Marvin Digs, fue criticado pos su feísmo y su orientación poco adecuada para los niños. Bakshi quería que Marvin Digs tuviese escenas de sexo y tacos, pero Paramount se lo impidió. Los cinco cortos tuvieran escasa o casi nula distribución en cines, debido a que ya los cortos de dibujo no estaban de moda en las salas de cine y que la división de animación de la Paramount andaba hecha unos zorros y de hecho en diciembre de 1967 se cerró definitivamente. A principios de 1968 Ralph viaja a Canadá para trabajar en la serie de televisión animada del productor Steve Kranz Rocket Robin Hood, una adaptación futurista de las aventuras de Robin Hood en la cual Bakshi no era mas que un director asalariado. Sin embargo, su experiencia “alimenticia” canadiense le dio el dinero necesario para fundar a finales de 1968 junto con Steve Kranz su propia productora, Bakshi Productions en Manhattan. Allí prosiguió la parte animada de Rocket Robin Hood que le encargaban desde Canadá además de otro proyecto televisivo de la productora canadiense, la adaptación del cómic Spider-Man, la cual tuvo enorme éxito entre 1968 y 1970 cuando pasó a ser producida desde Bakshi Productions. En 1968, Ralph se casó por segunda vez con Liz.

Fritz the Cat (1972), un gato hippy clasificado X

Entre los proyectos de la nueva productora estaba dar el salto al largometraje, pero primero había que crecer y la Bakshi Productions comenzó los 70 haciendo anuncios de dibujos animados y continuó una serie educativa que Kranz comenzó a producir en Canadá, Max, el ratón de 2000 años. Bakshi comenzó hacia 1970 a desarrollar el concepto y argumento de una película de animación para adultos ambientada en el mundo suburbial neoyorquino, que tiempo después se convertiría en Heavy Traffic, pero el proyecto parecía inviable ya que ninguna compañía querría distribuir un largometraje de dibujos animados plagado de violencia y desnudos. Bakshi descubrió poco después un comic book de Fritz the Cat (Fritz el Gato) un personaje creado por Robert Crumb en 1965 que era la sensación de la contracultura California y por ende estadounidense: un gato antropomórfico artista del engaño, mujeriego, obsesionado por el sexo, juerguista y consumidor de marihuana que vivía en un sórdido mundo de animales humanizados. Bakshi pensó que si un cómic así funcionaba, ¿Por qué no una peli de dibujos animados? El cineasta se reunió con Robert Crumb para presentarle bocetos y diseños para la película que trataban de respetar el peculiar y perfeccionista estilo gráfico del dibujante, que ya era uno de los más admirados y reconocidos de la historieta norteamericana. Crumb dio el visto bueno para que se realizase una película basada en su personaje bandera, el cual tenía una buena legión de seguidores entre los jóvenes americanos más contraculturales y hippis. No obstante, aunque la producción empezó, Crumb, un personaje realmente contradictorio y desconcertante, se resistía a firmar el contrato para ceder sus derechos y eso dejaba a la producción en figurillas. Finalmente, desistió de firmarlo, pero su esposa Dana que era además su abogada firmó los derechos por él sin que tuviese Crumb conocimiento alguno de esto y Fritz the Cat, el primer largometraje de animación norteamericano para adultos podía ponerse en marcha pero necesitaba el apoyo económico de una major.

Warner Bros se interesó en financiar Fritz the Cat, pero tras ver una primera secuencia de 15 minutos de demostración con Fritz fumando porros exigió quitar cualquier alusión a la droga o al sexo. Bakshi y Steve Kranz se negaron y la WB se retiró del proyecto, momento en el cual ambos productores llegaron a un acuerdo con Cinemation Industries, una productora especializada en películas explotaition (películas semi underground totalmente centradas en un tema concreto generalmente controvertido o bizarro, como puede ser el terror de casquería (slasher), la cultura motera, el canibalismo, la cáceles de mujeres o la subcultura afroamericana (blaxploitation) ) Fritz the Cat debía ser concebido como un film underground destinado a un público minoritario, pero un largo de animación precisaba de un amplio presupuesto del que la productora de Bakshi carecía. El filme se hizo deprisa y corriendo a principios de 1971, pero la premura de tiempo paradójicamente acarreó el empleo de sugerentes innovaciones estilísticas en el campo de la animación como fondos de fotos de imagen real sobre los que se pintó con acuarela o se siluetearon con rotring consiguiendo una entonces innovadora sensación de realismo pese a ser los personajes y la mayoría de los elementos del filme caricaturescos. Bakshi y sus colaboradores grabaron en la calle conversaciones de gente que incluyeron como diálogos de fondo en la película. En mayo de 1971, con la película aún en producción, el estudio se trasladó a Los Angeles donde Bakshi contrató a nuevos animadores. Los estudios de Bakshi se caracterizaron en los 70 por dar empleo a gran número de animadores afroamericanos y a mujeres, algo inusual en al producción de dibujos animados de entonces. Fritz the Cat se estrenó tras muchos esfuerzos el 12 de abril de 1972 con una calificación X: era la primera vez que un filme de animación recibía semejante clasificación y eso suscitó sobremanera el interés de la crítica y el público. Exhibida inicialmente en los circuitos de cine grindhouse pronto el boca a boca se hizo inevitable y mucha gente acudió en masa a ver aquella inusual película de dibujos tan guarra, pasando a proyectarse en cines “normales”. La película cuenta las rocambolescas andanzas del gato Fritz, dispuesto fingir ser un guía espiritual delante de un grupo de perritas y gatitas para tirárselas en su apartamento, y después meterse en turbios negocios con los cuervos (negros) de Harlem con marihuana y sexo por medio para finalmente decidir hacer la “revolución” en California tratando de hacer explotar un gasolinera no sin antes violar en grupo a una muchacha. Un contenido de tal calibre no se libró de la polémica en la conservadora sociedad americana y los ataques de diversos colectivos no se hicieron esperar, pero no hicieron sino aumentar el éxito de taquilla del filme que sigue siendo el lago de dibujos animados independiente más taquillero de todos los tiempos aunque tardase en estrenarse fuera de EEUU. Era además el primer filme comercial de dibujos animados que mostraba escenas de sexo y de desnudo, en especial son memorables los enormes pechos de la cuerva “Big Mama Bertha” (parodia de las orondas afroamericanas) y la escena de Fritz con las tres chicas en el cuarto de baño.

Las críticas a Fritz the Cat fueron además mayormente positivas, alabando sobre todo la audacia del filme, su carácter temáticamente innovador y revolucionario y su irónico retrato de la sociedad americana y en particular de la subcultura pop juvenil. El crítico John Grant afirmó años después que fue “la película rompedora que abrió nuevos horizontes al animador comercial en Estados Unidos” El hecho de ser fiel al cómic de Robert Crumb fue también muy valorado por la crítica más vanguardista y por los seguidores del personaje aunque el propio autor no fuese de esa opinión. Sin embargo, otros críticos despreciaron su sentido del humor grosero y su radical mensaje político (que en realidad en la película es meramente paródico). El hecho si calificar o no como “porno” a esta cinta animada fue algo que trajo de cabeza a muchos críticos y distribuidores, pero todas estas reacciones negativas no impidieron el éxito comercial de al cinta. Desde el punto de vista técnico, Fritz the Cat fascinó por el realismo de sus fondos y sus diálogos (Bakshi empleó a gente anónima de la calle para doblar a algunos personajes secundarios además de las grabaciones “ambientales” de conversaciones), algunas escenas filmadas con “ojo de pez” (uso novedoso en los cartoons) y el realismo de sus efectos sonoros, no en vano estaban grabados en la calle o en bares, como las escenas de los clubs se Harlem. La voz de Fritz corrió a cargo del cómico Skip Hinnant y la banda sonora fue compuesta por Ed Bogas y Ray Shanklin e incluía temas de Bo Diddley o Billie Holliday Pese a todo, varios colectivos izquierdistas radicales criticaron el simplista mensaje revolucionario del minino y también se puso en tela de juicio el estereotipado tratamiento a la población negra, que en el filme aparece mayormente representado por hampones de Harlem y camellos, aunque Bakshi siempre ha destacado que en sus filmes pretende reflejar la realidad de los afroamericanos de las zonas suburbiales, que él siempre conoció a la perfección. Con el tiempo Fritz the Cat se ha convertido en un filme de culto y en un clásico de la animación, aunque a algunos países como España llegó tarde por motivos obvios (no se estrenó hasta 1978 con el título de El Gato Caliente y clasificada S) Esta película marcó el patrón de futuras producciones de Ralph Bakshi y puso el nombre del director en el mundillo del cine alternativo y exploitation. Hay que decir que al idiosincrásico Robert Crumb, el creador del personaje, no le gustó nada la película por su, según él, tratamiento simplista del personaje y su mundo y decidió que ya no se hiciesen adaptaciones cinematográficas de sus cómics. A Ralph Bakshi, nunca le cayó bien Robert Crumb.

Heavy Traffic (1973), las calles de NYC no son para dibujos

A finales de 1972 Ralph Bakshi comienza a preparar su siguiente película rescatando la idea del filme sobre los bajos fondos neoyorquinos que caviló antes de Fritz y que bautizó como Heavy Traffic..La producción estuvo marcada por el deterioro en las relaciones de Ralph con su socio Stve Kranz hasta el punto que estuvieron en un tris de romper su relación profesional pero la mediación del legendario productor de serie B Samuel Z. Arkoff, que se iba a hacer cargo de la producción de Heavy Traffic, junto con Kranz. La película se estrenó en agosto de 1973 y fue un nuevo éxito de crítica y público ahora además que el género de los “dibujos animados porno” ya existía gracias a Fritz el Gato y los fans de aquella película esperaban con impaciencia una nueva sorpresa de Bakshi. En Heavy Traffic el director decidió incorporar bastante material en imagen real conformado fundamentalmente por imágenes de archivo y fotografías fijas que ejercían de fondo además de volver a utilizar la técnica de la grabación de sonidos de ambiente y voces en vivo para después incorporarlas al filme. La película cuenta la surrealista vida de un joven dibujante de 22 años neoyorquino, Michael Corleone (nada que ver con el protagonista de El Padrino) aficionado a los pinball y que frecuenta un garito de mala muerte repleto de personajes grotescos mientras trata de ignorar los turbios negocios de su padre, un mafioso ítaloamericano y las sangrientas y surrealistas discusiones de este con su madre con sus cómics y su amistad con la camarera afroamericana Carole. Cuando esta decide fingir una relación con Michael para evitar su violento y sádico pretendiente Shorty, Michael, loco por perder la virginidad y tremendamente inocente, le sigue el juego y ambos se meten en un lío al irritar a Shorty y al racista padre mafioso de Michael. Utilizando la metáfora del juego del flipper (la vida te lleva de “aquí p’allá”), la película ofrece un buen muestrario de imágenes rápidas y casi psicodélicas y un peculiar diseño de muchos de los personajes en los que se cae en el feísmo más grotesco. El filme mejoró técnicamente a Fritz the Cat y convenció a la crítica con su estética bizarra y su imaginería simbólica sobre el mundo suburbial norteamericano, en donde el universo de las mafias esta totalmente presentes (la película se hizo, no olvidemos, en la época de El Padrino). El uso de imagen real como fondo de dibujos animados fue aplaudido como un elemento revolucionario en la animación así como también resultó sugerente la utilización de otro tipo de material en imagen real. Otro de los elementos más singulares de la película fue el doblaje, que en muchos casos se hizo improvisando por parte de los actores por orden de Bakshi para dar mayor realismo. Al igual que Fritz, Heavy Traffic tampoco se libró de calificación X en EEUU principalmente por sus escenas de sexo, aunque Bakshi y Kranz hicieron diferentes versiones y cambiaron escenas para que el filme fuera solo clasificado R.

Heavy Traffic es considerada otro de los highlights de Ralph Bashki y gozó de distribución en Europa aunque en países como España (aún bajo el régimen Franquista) no se estrenase en video hasta principios de los 80. Otro filme clásico de la historia del cine de animación, Havy Traffic supera en calidad a Fritz the Cat y hasta la fecha fue el mejor filme de Ralph Bashki. Su humor negro, su visión paródica del género pornográfico y su sana burla del mundo de las minorías ítaloamericana, negra y judía resultaron una transgresora delicia que hoy día sigue resultando esperpénticamente fascinante. La crítica no se cansó de resaltar su alta comicidad y su carácter inteligentemente “impactante, ofensivo e incoherente” Desde The Hollywood Reporter ya se empezaba a considerar a Bakshi como el animador más creativo desde Walt Disney y la verdad es que razones no faltaban para tal distinción, de hecho Ralph Bashki con este filme fue junto con Disney el único cineasta de animación que consiguió dos éxitos de taquilla consecutivos.

Coonskin (1975), animalitos blaxploitation

Ralph Bashki era ya un director no solo de culto sino de éxito y para su próximo proyecto, que iba a reincidir en la temática adulta de sus dos filmes precedentes, contó la ayuda del prestigioso productor canadiense Albert S. Ruddy que había producido The Godfather. Mientras preparaba Heavy Traffic, a Ralph se el ocurrió realizar una adaptación actualizada y en su línea de los relatos folklóricos americanos narrados por el ficticio esclavo negro “Tio Remus”, recopilados a finales del siglo XIX por Joel Chandler Harris y que de alguna manera recogían la vida y la filosofía (idealizadas) de los esclavos de las plantaciones. Protagonizados por animales antropomorfos, estos cuentos ya tuvieron una adaptación Disney en 1946 con Song of the South (La Canción del Sur) pero Bakshi pretendió reinventar su visión esclavista, paternalista y racista de la población afroamericana en una crónica de gangsterismo y delincuencia ambientada en Harlem y que de alguna manera lucharía contra cualquier prejuicio racial contra la población afroamericana. Inicialmente el filme se iba a llamar Harlem Nights, pero terminó titulándose Coonskin y en el tenían protagonismo unos irreverentes trasuntos de los tres personajes animales principales de los relatos de Harris: el Hermano Conejo, el Hermano Oso y el Hermano Zorro, convertidos en “animales afroamericanos” que viajan desde el Sur hasta Harlem y allí se involucran en la mafia negra del distrito en un mundo de humanos en los que ellos son los únicos animales. Bakshi, que al igual que en las tres películas anteriores escribió el guión, planteó Coonskin como una versión animada de las películas Blaxplotaition que a mediados de los 70 estaban muy de moda entre la población negra americana especialmente de las zonas desfavorecidas: filmes como Foxy Brown, Drácula Negro, Shaft o las películas de Melvin Van Peebles fueron pequeños clásicos de culto en los 70 que difundieron además cierta imagen estereotipada de los afroamericanos a veces negativa, como timadores o aficionados a meterse en turbios asuntos. No obstante lo que Bakshi le fascinaba de la cultura negra americana de los 70 era el modo de vida liberal los negros de barrios de población preeminentemente afroamericana como Harlem y toda la subcultura musical y estética que se movía alrededor de ellos con manifestaciones como el jazz, el blues, el graffiti, el funky y la incipiente cultura hip hop. Además, el director quiso incluir un recordatorio-crítica a aquello que a principios del siglo XX en EEUU se denominó “Minstrel Shows”, espectáculos teatrales generalmente musicales con actores y cantantes blancos pintados de negro que imitaban a estos efectuando ridículos estereotipos racistas sobre los “niggers” y Coonskin en cierto modo y a pesar de tratar de ser un homenaje de Bakshi a la población negra con la que se crío en muchos aspectos fue tomado por un pastiche de una Minstrel Comedy.

Para Coonskin, cuya producción hechó a andar a mediados de 1973, Bakshi contrató a un número de animadores afroamericanos e ideó varias secuencias de imagen real con estrellas negras afamadas como Scatman Crothers, Barry White, Philip Michael Thomas (el futuro detective Tubbs de Miami Vice) y Michael Gordone que protagonizaban segmentos de otra historia diferente que daba entrada narrativa a las aventuras animadas de Brother Rabbit y compañía, además de dar voces a los personajes toons principales. Una vez terminada de realizar, la película tuvo problemas de distribución por su contenido y no pudo ser estrenada hasta agosto de 1975. Coonskin era la película mas violenta de Bakshi hasta la fecha pese a que tenía una presencia casi residual de sexo, pero fueron otros los motivos de controversia. El filme trataba de parodiar no solo la Blaxploitation sino los filmes de mafia o policiales tipo Harry el Sucio en donde los tiros y los asesinatos estaban a la orden del día. Brother Rabbtr, el personaje central de la historia es un conejo negro sureño que toma fortuitamente el mando del crimen organizado de Harlem y acto seguido debe de demostrar su poder actuando contra los blancos más indeseables para los negros: un policía Wasp pseudofascista y un capo de la mafia. El elemento caricaturesco y estereotipado es claro en todos los colectivos que aparecen: mafiosos italoamericanos, negros, judíos, homosexuales pero sin ningún afán racista ni clasista sino más bien paródico: esto no fue comprendido por el Congreso de Igualdad Racial y por diversos grupos negros hasta el punto de que cuando se trató se estrenar la película a finales de 1974, se tachó al filme de racista y de irrespetuoso con la población negra. Esto estalló en la premier neoyorquina de la película en el MOMA en donde Bakshi y el resto de responsables de la película se encontraron con piquetes que rodeaban el edificio del museo para impedir que la gente la viese. La polémica siguió a principios de 1975 y Paramount, que inicialmente iba a distribuirla, vendió los derechos de distribución a Brynston Distribution Company y hasta agosto de aquel año no se pudo estrenar comercialmente de manera normalizada

En el guión se utilizaron bastantes pasajes adaptados de los cuentos del Tio Remus como el del célebre “muñeco de alquitrán” que en la adaptación Disney La canción del Sur era uno de los momentos cumbre, pero todo ellos desde la perspectiva gangsteril y de cine negro del filme. Estéticamente Coonskin parece menos cuidada que las películas anteriores de Ralph Bakshi con unos personajes más simplistas que en otras ocasiones e histriónicamente caricaturescos. La trama es casi de sketches e historietas independientes cuyo transcurso es a veces complicado seguir ya que no hay apenas hilo conductor y si bien es cierto que es uno de los filmes mas divertidos de Bakshi, también fue su filme más flojo hasta la fecha. Sin embargo haciendo justicia se trata de un buen filme de animación, divertido y tan irreverente como Fritz el Gato o Heavy Traffic aunque su tono histriónico y sinuoso parece si no una revisión malamente moderna de Tex Avery y técnicamente no resulta tan fascinante como Heavy Traffic. La polémica siguió acompañado a Coonskin durante su vida comercial con la población negra en realidad dividida ante el filme. Las críticas fueron mezcladas; por un lado se alabó su intento de sátira de la violencia callejera americana y del mundo del crimen organizado y por el otro se puso en tela de juicio su carácter de bartiburrillo conceptual. Con todo Coonskin fue un fracaso en taquilla y reestrenos posteriores con el título de Bustin’ Out pasaron desapercibidos. Con el tiempo se ha convertido en una película de culta admirada por gente como Quentin Tarantino, Richard Pryor o Spike Lee. Bashki considera, tal vez de manera un tanto exagerada, que se trata de su mejor película. Coonskin tuvo una distribución internacional un tanto con cuentagotas. Publicada por primera vez en video en 1987, en su reedición videográfica de los 90 se retituló Street Fight.

Wizards (1977), fantasía épica a lo bestia

Ralph Bakshi no quería encasillarse como un director de temática violenta y paralelamente a Coonskin estuvo desarrollando el proyecto de otro filme (también para adultos) ambientado en el mundo pandillero de los años 50, Hey Good Lookin que concibió como una mezcla total entre imagen real y dibujos animados. La película se terminó a principios de 1975 y un trailer fue estrenado en el Festival de Cannes de aquel año anunciándose su estreno para navidad, pero este fue pospuesto a verano de 1976 y después a 1977 debido de nuevo a problemas de distribución. Las compañías distribuidoras no terminaban de ver factible una película que mezclaba equitativamente animación y acción real y además la polémica suscitada por Conskin aún estaba presente. Bakshi decidió aplazar el estreno indefinidamente, pero ya antes se había puesto manos a la obra con otro proyecto, Wizards y estaba pensando en una empresa realmente ambiciosa, llevar a las pantallas la obra de Tolkien The Lord of The Rings (El Señor de los Anillos). Bakshi después de Coonskin tenía claro que los dibujos animados “callejeros, guarros y violentos” ya no daban más de si y que los dibujos animados para adultos, al igual que el cómic para adultos, tenía otras temáticas por explotar. Con Fritz the Cat, Heavy Traffic y Coonskin había firmado una trilogía realmente rompedora en el mundo de la animación (en el que ya era considerado un nombre sagrado) pero era necesario reinventarse. Al cineasta neoyorquino le encantaban los cómics y libros de fantasía y ciencia ficción y se acordó de un proyecto de serie de televisión en los años sesenta de esa temática que le rechazaron en la CBS, Tee-Witt, del que iba partir el nuevo largometraje. Revisó los dibujos de temática fantástica que había hecho en su adolescencia y se inspiró en el mundo de la Tierra Media de Tolkien para crear un mundo fantástico en donde ambientar War Wizards, un filme concebido como “familiar” y dentro del género de Fantasía Épica aunque con elementos de ciencia ficción. War Wizards, posteriormente rebautizado definitivamente como Wizards (Los Hechiceros de la Guerra) aspiraba a ser el primer filme para toda la familia de Ralph Bakshi.

El nuevo proyecto encontró por fin apoyo de una major, la 20th Century Fox cuando lo presentó a principios de 1976, y con el propio Bakshi por primera vez como productor iba a contar con un presupuesto elevado que la compañía no quiso aumentar cuando los costes se dispararon, lo cual evitó que el resultado final no fuese tan espectacular como Bakshi preveía teniendo que terminar el filme con el dinero de su productora, aunque, eso sí, el cineasta y su compañía se aseguraban los derechos de merchandising (Star Wars, que en esos años se estaba produciendo también en la Fox, tuvo una situación parecida). En relación con aquel Blockbuster, Alan Ladd Jr., presidente de 20th Century Fox aconsejó quitar la palabra War del título para evitar confusiones con Star Wars. Bakshi contó en Wizards con la colaboración artística del ilustrador británico de fantasía Ian Miller y el dibujante de cómics Mike Ploog. Una vez más, los problemas de presupuesto permitieron interesantes innovaciones tecnológicas en el campo de la animación: al no tener dinero suficiente para rodar aparatosas batallas en animación, Bakshi y su equipo utilizaron imágenes de luchas a espada y lanzas de diferentes películas antiguas como Alexander Nevsky de Eisenstein, El Cid o Zulú, que pasaron a la técnica conocida como rotoscopio, consistente en dibujar sobre imágenes reales en movimiento fotograma a fotograma dando una sensación de total de realismo a los movimientos de los dibujos animados. Wizards se estrenó en febrero de 1977 pero tuvo una exhibición muy limitada ya que su calificación PG (no recomendada a menores de 13 años) evitaba que fuese exhibida como un filme de animación convencional para todos los públicos pero también la hacía inadecuada para las exhibiciones en plan grindhouse o como película de adultos. Los exhibidores y distribuidores, no sabiendo que hacer con la primera película de dibujos animados para adolescentes, optaron por exhibirla reducidamente ante un público que según los estudios de mercado no tenía especial interés en los dibujos animados. El caso es que la ligera violencia de las imágenes, el erotismo sugerido y sobre todo el vocabulario empelado evitaron que Wizards fuera la primera película de Bakshi para todos los públicos.

Wizards combinaba acción, aventura, fantasía y humor en una historia ambientada en una tierra posnuclear en donde los fantásticos como hadas o elfos habían regresado a la humanidad para habitar en el reino paradisiaco de Montagar, la antítesis de las tierras baldías radioactivas en donde moran humanos mutantes. Dos hermanos magos hijos de la reina de las hadas se enfrentarán cuando Blackwolf, el malvado, pretenda dominar el reino y todo el planeta tierra con la ayuda de los mutantes y el bondadoso Avatar quiera impedírselo. Una guerra estalla entre los seres mágicos y Blackwolf y sus mutantes, en donde el siniestro mago emplea un método destructivo e infalible: un proyector que exhibe con imágenes de la II Guerra Mundial y de propaganda nazi y que envalentona a sus tropas. Avatar, pequeño y torpe pero heroico y sus amigos la bella hada Elinore, el valeroso duendecillo Weehawk y el robot rojo reprogramado Peace tratarán de hacer frente al totalitarismo de Blackhawk. La historia estaba claramente inspirada en El Señor de los Anillos (que será la próxima película de Bakshi) y en el universo Tolkien en general, pero su estética y tratamiento eran principalmente caricaturescos. Los fondos eso si, son realistas y muy bellos (francamente la temática fantástica estaba resultando un filón para las ambiciones artísticas de Bakshi, mucho mayor que la ambientación urbana) y el efecto cromático en muchas imágenes como colores chillones resulta muy sugerente dentro de una estética poderosamente llamativa. El sexy diseño de personajes como el hada Elinore y su escueto traje transparente indicaban que Los Hechiceros de la Guerra no era aún la peli para todos los públicos que Bakshi pretendía. La acertada combinación de humor surrealista y aventura heroica y magia y tecnología hacen de esta película una pequeña delicia apta para tanto para amantes de la fantasía, de la ciencia ficción o de los dibus adultos e irónicos marca de la casa Bakshi. Resulta especialmente tronchante la secuencia en la que Avatar hace ante su pérfido hermano su peculiar e inesperado “truco final”. El mensaje de lucha del bien contra el mal estaba muy bien presentado en el empleo de la parafernalia nazi (en la película extraída de imágenes reales) para representar las fuerzas oscuras, algo que no pasó inadvertido para la crítica que en general trató bien al filme salvo excepciones. Aunque la película se estrenó en escasa salas de EEUU llenó estas y permaneció tiempo en cartelera convirtiéndose en la típica película de “boca a boca” y convirtiéndose una vez más en un filme de culto para Bashki, estatus que conserva en la actualidad principalmente entre amantes de temáticas fantásticas. Wizards tuvo una buena distribución internacional aunque en años sucesivos (a España llegaría en 1982). Otro acierto de Bakshi, no tan conocido como obras anteriores, pero que sin duda estaba demostrando que era un director con bastantes registros y que además dominaba el campo de la animación magistralmente.

CONTINUARÁ

FILMOGRAFÍA (LARGOMETRAJES)

Fritz the Cat (El Gato caliente) (1972)

Heavy Traffic (1973)

Coonskin (1975)

Wizards (Los Hechiceros de la Guerra) (1977)

The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos) (1978)

American Pop (1981)

Hey Good Lookin’ (1982)

Fire and Ice (Tigra, Hielo y Fuego) (1983)

Christmas in Tattertown (1988) (TV)

This Ain´t Bebop (1989) (TV)

The Butter Battle Book (1989) (TV)

Cool World (Cool World, Una Rubia Entre Dos Mundos) (1992)

Cool and the Crazy (1994) (TV)

EL PRIMER POST DE 2012

2012-01-01T19:45:00.000+01:00

EL PRIMER POST DE 2012...RAYOS C INAUGURANDO EL AÑO

El aparatito Lumiere DRIVE

2011-12-31T14:01:00.000+01:00

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Una pequeña gran película que demuestra como el thriller puede ser un género con muchos matices y sin tan siquiera de salirse de cánones más o menos tradicionales. Y Drive, producción independiente americana, no se queda solo en la crónica negra sino que introduce de una manera muy sutil y sui generis elementos de drama psicológico y melodrama que subyacen más que se manifiestan en la película, así como el factor del cine de acción es como un “algo” que parece que va a aparecer en cualquier momento pero que solo lo hace de manera muy rápida y anecdótica. Que nadie piense, pese al título y al argumento, que se trata de una película de acción y coches puesto que se llevarán un buen chasco. Drive es en realidad un thriller realista, oscuro y sórdido no exento de momentos de cierta elegancia de cine negro y algunas pinceladas de western en su estructura, pero siempre con un tono dramático y un ritmo lento acorde a tal género; un conjunto que en definitiva constituye una delicia aunque no sea palto de todos los gustos.

La historia gira en torno al personaje principal de un especialista de cine especializado (valga la redundancia) en conducir coches temerariamente del que poca cosa sabemos (ni tan siquiera su nombre) salvo que lleva una doble vida como “taxista” de delincuentes y atracadores en los golpes de estos. Un intento de asentar la cabeza con un suculento negocio dentro de la legalidad (aparentemente) y con la incipiente relación con una joven a la que conoce se verá truncado por un inesperado hecho relacionado con una nueva acción en su faceta como “transportador”. Dudando entre bastantes dilemas morales, nuestro protagonista lucha por su propia supervivencia y por proteger los albores de una nueva vida con uñas y dientes utilizando su coche como caballo de batalla. Momentos crudos y de enorme fuerza dramática ensalzan un filme realista y honesto hecho sin tener en cuenta las taquillas y con curiosos trampantojos como el de utilizar una estética pretendidamente ochentera (no se sabe muy bien en que época esta ambientada esta película) incluida banda sonora de canciones a la manera de los ochenta (pero que son originales) ejecutadas con los vetustos sintetizadores fairlight. Así mismo, hay que advertir que la violencia extrema, la sangre y las escenas desagradables y duras estan omnipresentes en este filme de violencia compulsiva e irracional pero que en ningún momento resulta insoportable. Un filme brillante y estimulante que gustará a los amantes del thriller inteligente, el western contemporáneo y el drama Indie.

Mis 50 discos que te cagas (40): U2 – WAR (1983)

2011-12-24T14:00:00.001+01:00

War de U2 fue un ejemplo de que las cosas en la música estaban cambiando en 1983. Años atrás nadie sería capaz de imaginar que un grupo irlandés que grababa en una compañía independiente, con textos comprometidos en sus canciones, que cultivaba una música alejada de los circuitos comerciales y que apenas hacía promoción de sus álbumes conseguiría no solo un LP de total influencia generacional sino un éxito comercial tanto en el RU como en EEUU. U2, por entonces joven banda de hijos de San Patricio con edades oscilantes entre los 21 y los 23 años cuando publicaron el álbum – y eso que era ya el tercero- consiguió con War consagrar a la generación de bandas curtidas en el College Rock y del Postpunk, grupos de mozalbetes que ayudados por la absoluta proliferación de sellos independientes, emisoras de radio idem y de conciertos en pequeños locales y universidades conseguían atraer por el boca a boca a multitud de jóvenes seguidores (preferentemente universitarios) deseoso de vibrar con un sonido inmediato, visceral y a veces crudo pero con letras inteligentes y cultas que partía de ciertas premisas punk y que en el Reino unido suponía una alternativa más auténtica a la New Wave, los Nuevos Románticos y el Tecno Pop: era la primerísima generación rock alternativo británico, junto a U2 estaba gente con planteamientos diversos como Joy Division y sus herederos New Order, The Cure, Simple Minds o Echo and The Bunnymen. La banda de Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen ya tenía un pequeño pero fiel grupo de fans tanto el RU y en Irlanda como en alguna menor medida en EEUU desde sus dos primeros álbumes Boy (1980) y October (1981), incendiarios manuales de pop rock postpunk de increíble y apasionante octanaje emocional que señalaba que aquellos cuatro chavales de Dublín eran unos auténticos cracks. Pero con War se convirtieron en una realidad, un grupo sorprendente capaz de llevar al oyente a estadios de disfrute musical con mayúsculas gracias a su inmediato y pasional sonido guitarrero y su habilidad para crear y ejecutar melodías envolventes, enganchadoras y épicas.

U2, honestos como ellos solos (al menos en sus años juveniles), lograron además con este LP ser portavoces de la juventud desengañada y escéptica ante problemas de la época como la guerra fría y la política armamentística de las grandes potencias, a parte de mojarse políticamente con un discurso izquierdista de cierta inspiración católica (y es que U2 siempre han sido muy religiosos). War tuvo la culpa, un disco enérgico y apasionante como pocos ejecutado por un grupo a punto de explotar pero que aún andaba puliendo sus aristas. En War hay canciones tan totales como el primer single de éxito internacional del grupo, New Year´s Day (aún uno de los temas mas conocidos de U2), sobre el sindicato Solidaridad de Polonia que sin duda fascinó con su piano, su atmósfera nocturna propia del rock siniestro y la torrencial afectación vocal de Bono, que se estaba destapando como un vocalista de garganta prodigiosa. Al igual que New Year´s Day otro clásico de los directos de U2 año tras año es Sunday Bloody Sunday épico pop rock de combate y de estadio exaltador de emociones sobre el Domingo Sangriento de Belfast de 1972: U2 se estaban postulando como los mesías músico-político-sociales de finales del siglo XX con este enérgico y apasionante tema de aire marcial (servido por la batería de Larry Mullen) y estribillo coreable a grito pelado. El mismo aire de rock postpunk afectado y vehemente pero esta vez con temática psicológica y autorreferencial se respira en Like a Song… de lo más guitarrero y casi hard que han hecho nunca U2; como también entra en lo apasionado y enérgico The Refugee, aunque con aire más pop y cuasi étnico y alucinante solo de batería de Mullen (realmente, en este LP el U2 silencioso tuvo uno de sus mayores protagonismos).

Los irlandeses demostraron su versatilidad con baladas de bella afectación rockista y aires célticos como Drowning Man que sin duda marcará el patrón de futuros temas lentos del grupo y de no pocas baladas de grupos de rock alternativo británicos posteriores: aquí una vez más un Bono de 22 años dejó patente lo buen cantante que podía ser. Two Herts Beat as One es de nuevo pop rock de estadios aunque esta vez miraba a America anticipando la revolución sonora del grupo que se inició con The Unforggettable Fire (1984). Y en fin, Surrender, melódica y rítmicamente rico tema con interesante cobertura vocal demostraba la habilidad de U2 para crear ambientes sugerentes, en este LP con la ayuda en la producción del diligente Steve Lillywhite. Y es que en War U2 demostraron que podían ser el grupo del futuro.

Revolución en el concepto de un grupo de éxito: el triunfo de la gira del álbum y lo apabullante de sus conciertos ayudaron a engrandecer la leyenda del grupo que no se dejaba ver mucho pero que mucha gente conocía y que parecía huir de los grandes mecanismos de distribución…por el momento. Lo cierto es que la imagen de Bono en el escenario bandera blanca en ristre interpretando Sunday Bloody Sunday ante una multitud enfervorecida empezó a dar la vuelta al mundo y la gente que no había oido a antes al grupo pronto sintió curiosidad. War llegó al número 1 en el RU y consiguió llegar al 12 en EEUU con la crítica entregada en ambos países. Un triunfo inusual para un grupo de estas características, aunque en otros países les estaba costando un poquito llegar al público. U2 aún tenían – y ellos lo sabían – margen de mejora y aún no eran los ídolos universales de masas que serían a partir de The Joshua Tree (1987), pero en War The Edge ya demostraba su increíble habilidad guitarrística y Adam Clayton fascinó con su potente bajo, elementos esenciales junto a la voz multicromada de Bono y la versátil batería de Larry Mullen de la leyenda de U2. Lo mejor estaba aún por venir, pero War continua siendo un LP de muchos kilates.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Postpunk, Pop Rock Alternativo

Publicación: febrero 1983

Sello original: Island

Producción: Steve Lillywhite y Bill Whellan

Duración: 42:03

Músicos:

Bono: voz, guitarra

The Edge: guitarra, piano, lap steel, coros, bajo, voz en Seconds

Adam Clayton: bajo, guitarra

Larry Mullen: batería, percusión

Steve Wickham: violín eléctrico en Sunday Bloody Sunday y Drowning Man

Kenny Fradley: trompeta en Red Light

Cheryl Poirier, Adriana Kaegi, Tarin Hagey, Jessica Felton (The Cocoanuts): coros

Track listing

1- Sunday Bloody Sunday

2- Seconds

3- New Year´s Day

4- Like a Song…

5- Drowning Man

6- The Refugee

7- Two Hearts Beat as One

8- Red Light

9- Surrender

10- “40”

RAYOSC OS DESEA.....

2011-12-22T22:16:00.001+01:00

UNA FELIZ NAVIDAD....

Y UN PROSPERO 2012!

(ser todos felices, juer, que tampoco es tan dificil!)

El aparatito Lumiere THE ARTIST

2011-12-19T22:39:00.000+01:00

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Una enorme voluntad de asumir riesgo en pos de ofrecer algo bello, original y diferente, un planteamiento cuidado, efectivo e inteligente, un calculado perfeccionismo, un sentido estético de altos vuelos y sobre todo un enorme amor al cine es lo que hace de esta inusual The Artist una irresistible obra maestra. En una industria cinematográfica donde la comercialidad y la taquilla rápida siguen imperando año tras año ofreciendo preferentemente cine espectáculo muchas veces simple y tontorrón, el que exista una película de estas características y además sea de lo mejorcito de este año que termina, es más que una buena noticia. The Artist, filme franco-estadounidense rodado en blanco y negro y presentado como una película muda sin sonidos y sin voces, con música de fondo y con los entrañables y caducos carteles de letras blancas sobre fondo negro, es un sentido homenaje al mundo del cine y a su historia, narrado a manera muy sencilla y falsamente ingenua e incluso infantil, casi como de cuento de hadas moderno se tratase, con una historia tragicómica y entrañable que remite a la inocencia de los felices años 20 -en los que se ambienta la mayor parte de la película- y a todo el candor que impregnó dicha alegría naïf en el mundo del espectáculo cuyo fiel reflejo fue el ya resplandeciente Hollywood primigenio de las películas mudas con Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Rodolfo Valentino, Mae West o cómicos como Charles Chaplin o Buster Keaton. Una película que además pertenece al siempre estimulante género del “cine dentro del cine” y que se propone con este homenaje retro a las “silent movies” narrar una fábula sobre la importancia de adaptarse a los cambios y al transcurrir del tiempo, vistos aquí como fuerzas irrefrenables que si nos recibidas de al manera adecuada pueden acabar con uno: el paso del cine mudo al cine sonoro en 1929 es el ejemplo ilustrativo sobre esto al que recurre magistralmente esta película.

Resulta significativo que una película en donde la mayor parte del dinero es francés, lo mismo que su director y guionista Michel Hazanavicius, haya sido capaz de captar de manera magistral el espíritu del Hollywood en pañales de los años 20 y 30. Rodada en EEUU y con un reparto principalmente norteamericano salvo sus dos protagonistas franceses Jean Durjain y Bérénice Bejo (espectaculares, fantásticos), esta producción esta claro que rompe los prejuicios de que solo Hollywood es capaz de representarse fielmente así mismo o que los norteamericanos son los únicos que pueden contar su propia historia: bienvenida sea la globalidad en el cine. The Artist nos muestra la historia de George Valentin (Jean Durjain), un famoso galán de cine de fino bigote y blanca sonrisa que triunfa en los años 20. En un momento de su carrera conoce a la joven y bella aspirante a actriz Peppy Miller (Bérénice Bejo) a la cual aconseja y protege inicialmente y que con el tiempo se convierte en una estrella. Pero llega 1929 y con el cine sonoro además del crack de la bolsa y en definitiva toda una época de cambios (los años 30), auque el nuevo invento del cine hablado no convence a nuestro carismático y altivo divo protagonista y este se atrinchera en sus convicciones e insiste en seguir con el cine mudo cueste lo que cueste. La intensa relación personal entre George y Peppy y los cambios y evolución que experimentan ambos personajes a lo largo del filme marca el pulso narrativo de este en donde la crónica-homenaje, la comedia slapstick y el melodrama Hollywood a la vieja usanza se dan cita para ofrecer una historia cautivadora reforzada por el impagable espectáculo visual de sus imágenes en blanco y negro y su reconstrucción mas que fiel de los clichés del cine mudo, ofrecidos con cariño y trabajada delicadeza.

Resulta muy convincente la intencionadamente idealizada ambientación en los años 20 y 30 aunque parezca un tanto irreal a veces: no hay que olvidar que estamos ante un ejercicio de estilo hiperbólicamente manierista y todas esas licencias se entienden y en cierto modo, resultan incluso oportunas. El reparto norteamericano, a parte de los protagonistas, funciona muy bien con unos estupendos John Goodman, James Cronwell y Penélope Ann Miller. Todo el elenco artístico da la impresión de haber comprendido a la perfección la importancia en este filme del lenguaje corporal y ene se sentido el trabajo actoral es enorme. También es de mencionar la hermosa fotografía de Ludovic Bource y la música de Guillaume Schiffman, totalmente fiel a los cánones de las partituras del cine mudo. Una película divertida, disfrutable, a veces triste, a veces trágica, otras cómica pero siempre entrañable y con un mensaje final de optimismo y esperanza siempre dentro de sus parámetros de relato pretendidamente inocente. Un canto al amor, a la vida y al cine, un filme precioso que supone el mejor acierto para ir al cine estas navidades

CHARLES BABBAGE, EL VICTORIANO QUE INVENTÓ EL ORDENADOR

2011-12-18T15:41:00.001+01:00

A principios del siglo XIX un singular matemático y filósofo inglés ideó algo que sin duda alguna iba a cambiar la historia de la humanidad: el primer aparato capaz de hacer cálculos matemáticos automáticamente. Era la máquina diferencial que más tarde tendría una versión mejorada con la máquina analítica. Los primeros ordenadores de la historia. Ninguno de estos dos artilugios se pudo terminar por la dificultad del proyecto para la época, pero Charles Babbage (1791-1871) siempre quedará en los anales como el hombre que teorizó y creó el concepto moderno de la informática más de cien años antes de que se inventasen los primeros ordenadores. Un excéntrico genio visionario cuya aportación obviamente ha sido enorme.

“Nadie pudo sospechar a comienzos del siglo XIX que en algún lugar de Inglaterra una mente infinitamente superior a la nuestra estaba estudiando la posibilidad de que una máquina pudiese calcular y así librar a la humanidad de la pesada función de hacer complicadas operaciones matemáticas. Estudiando todo minuciosamente y paso por paso, lenta, pero inexorablemente aquel hombre estaba concibiendo una máquina prodigiosa que iba a resultar una de las mayores invenciones de la humanidad”. Así hubiese descrito H.G Wells el comienzo de la historia de la máquina diferencial y de Charles Babbage, un hombre cuya vida y obra bien parece estar sacada de una novela de ciencia ficción del siglo XIX o de una fantasía que actualmente denominaríamos steampunk, pero fue cierta. Charles Babbage matemático, ingeniero, inventor y pensador británico inventó el primer ordenador, aunque jamás pudiese terminar sus dos prototipos diferentes creados por él. Una enorme mente privilegiada en el cuerpo de un genio excéntrico que fue capaz de ver el futuro y que es considerado hoy día el padre teórico de la informática. Escasamente conocida tanto su figura como su obra, es de justicia el recordar su singular e importantísima aportación a la historia de la humanidad así como su curiosa trayectoria científica con diversos inventos.

Charles Babbage nació el 26 de diciembre de 1791 en Londres en el seno de una familia acomodada. Su padre, banquero, tenía varios negocios y propiedades y esto le permitió ofrecer una esmerada educación al joven Charles, que asistió a varios colegios primarios debido a que tenía que interrumpir frecuentemente su curso escolar debido a su delicada salud. No obstante, tuvo también varios tutores particulares. Babbage siempre consideró que sus enfermedades infantiles le permitieron alcanzar sesudos razonamientos a una edad temprana. Hacia los diez años, Babbage asistió a una pequeña academia en el condado de Devon tras abandonar la escuela Rey Eduardo VI en la localidad de Totnes, al sur de Devon donde había una nutrida biblioteca en donde el joven charles tuvo acceso a varias lecturas, en especial a tratados matemáticos que cimentaron su amor por los números. Tras abandonar dicha academia tuvo dos tutores privados que se encargaron de su educación secundaria, el segundo un tutor de Oxford que le enseñó filosofía y pensamiento y literatura clásica (Babbage ya era un genio de las matemáticas). Para entonces los Babbage se habían trasladado a la localidad de Teignmouth, Devon.

En 1810 con 19 años Charles Babbage ingresó en Cambridge para estudiar ciencias exactas en el Trinity College, pero no le gustó nada lo que allí se enseñaba. Él y otros alumnos estaban profundamente influidos por el pensamiento del matemático y filósofo alemán Gottfried Leibniz (1646-1716) y en 1812 fundó en Cambridge la Sociedad Analítica junto con John Herschel, George Peacock y otros para promover y defender el cálculo analítico de Leibniz, que era el que se enseñaba en Europa continental en oposición al cálculo newtoniano, que era el predominante en Gran Bretaña. Babbage se graduó en 1812 aunque sin honores; dos años más tarde obtendría una titulación honorífica sin examen. Tras casarse en 1814 con Georgiana Withmore se trasladó a la mansión de Dudmaston hall, propiedad de la familia de su esposa y poco después a Londres.

La idea del cálculo mecánico, en los albores de la revolución industrial donde muchas cosas se empezaban a hacer con pesadas máquinas, surgió en los días de Cambridge. Se cuenta que en 1812 Babbage se encontraba en la sede de la sociedad Analítica revisando unas tablas de logaritmos y advirtió que estas contaban con bastantes errores, entonces se preguntó ¿por qué el cálculo de logaritmos no podrías ser hecho por una máquina, como estas hacen otras cosas? Al parecer, Babbage conocía una experiencia previa en Francia en donde el gobierno galo editó tablas de logaritmos calculadas por una serie de matemáticos que se encargaban de las primeras fases de las operaciones mientras que el cálculo restante (suma y resta) era realizado por ochenta máquinas que podían hacer esas operaciones. En aquel entonces cualquier tabla numérica o matemática era calculada por personas (matemáticos) que recibían el nombre de “computadores”, aunque esto acarrease que dichas tablas contuviesen errores humanos. Babbage creía que con los adelantos de la ciencia a comienzos del siglo XIX era posible hacer grandes cálculos mecánicos más allá de las sumas y restas y que era posible construir máquinas para tal efecto que además reducirían o anularían el margen de error. De hecho, ya a principios del siglo XVII Blaise Pascal inventó la primera calculadora mecánica que sumaba y restaba, la Pascalina, y a finales de dicho siglo Leibniz creó la Máquina de Leibniz, que además de sumar y restar podía multiplicar y dividir. Solo era cuestión de crear unas máquinas de calcular más perfectas y potentes. De ese modo, Babbage consiguió fabricar máquinas calculadoras a vapor que funcionaban correctamente y que en cierto modo funcionaban como una computadora moderna con una memoria, unas instrucciones operativas y un funcionamiento basado en el lenguaje binario desarrollado por Leibzn. Sin embargo, se requería de una empresa más ambiciosa: poder calcular funciones polinómicas de manera automática, ya que las máquinas anteriores creadas por Babbage solo podían hacer las operaciones básicas.

Reconstrucción de la máquina diferencial

En 1822 comenzó a trabajar en una máquina para tal función basándose el método de las diferencias finitas. Previamente, el ingeniero y matemático se documentó in situ de los procesos industriales de fabricación de piezas para construir las partes de esta máquina en un taller improvisado en su casa con varios operarios. Se inició entonces la construcción del primer prototipo del artilugio al que llamó máquina diferencial, que jamás logró terminar pese ha haber recibido una generosa financiación del gobierno de Gran Bretaña. Ya en 1827, extenuado por el esfuerzo y deprimido por la muerte de su esposa y de uno de sus hijos, interrumpió su construcción y se dedicó a viajar por Europa para aprender nuevos procesos de manofacturación. En 1828 regresó a Inglaterra trató de retomar el proyecto aunque el recelo del gobierno británico era mayúsculo. La financiación prosiguió hasta principios de 1830 pero no se consiguió casi ningún adelanto en parte debido a los problemas con el supervisor de las obras, Joseph Clemens, que no recibía adecuadamente su paga. Las ayudas oficiales cesaron y en 1834 se canceló definitivamente el proyecto de la primera máquina diferencial. De haberse concluido, hubiese pesado 15 toneladas y hubiese medido más de 2 metros de altura. Hoy día los fragmentos de la primera máquina diferencial están en el Museo de Historia de la Ciencia de Oxford, mientras que una reconstrucción a partir de los diseños de Babbage se halla en el Science Museum de Londres.

Pese a los sinsabores, Babbage no se rindió y tras el fracaso de la máquina diferencial (que hubiese sido revolucionaria de haberse concluido) comenzó a pensar en seguida en una nueva máquina mejorada con respecto al proyecto anterior. La máquina analítica, como la comenzó a llamar su creador, sería una máquina para cálculos complejos cuya principal diferencia con respecto a la máquina diferencial sería que podía ser programada previamente por una persona mediante tarjetas de cartón perforadas que contuviesen las órdenes dadas en lenguaje binario. Estas tarjetas se colocaban en al máquina y ella solo hacía el cálculo ordenado en el programa. En otras palabras, Babbage estaba inventando la programación informática. El sistema de las tarjetas perforadas fue creado en 1801 por Joseph Marie Jacquard para el telar de su invención: mediante tarjetas con filas de agujeros en donde cada fila (dispuesta de manera diferente) correspondía una fila de un diseño para textil un telar podía realizar diferentes patrones según el programa de tarjetas perforadas que se le colocase. En el caso de la máquina analítica, las tarjetas contendrían los resultados de operaciones previamente computadas. Esta máquina podría hacer cualquier tipo de cálculo y no solo polinómico. En 1835 concluyó el diseño de la máquina analítica, que resulto un armatoste aún mayor que al máquina diferencial. Babbage, al igual que con el anterior aparato jamás llegó a terminar su nuevo ingenio, tanto por falta de financiación como por conflictos con su ingeniero supervisor.

Ada Lovelace, la primera programadora

Durante los años 830 y principios de los 840, Charles Babbage intentó hacer modificaciones y mejoras en su proyecto y fabricar piezas del mismo, pero los avances eran escasos. En 1842 entra en escena Ada Lovelace (1815-1852), una joven intelectual y escritora con un talento genial para las matemáticas, hija ilegítima de Lord Byron (nacida Augusta Ada Byron, más tarde conocida como Augusta Ada King, condesa de Lovelace). Lady Lovelace desde su adolescencia en los años 830 admiraba el trabajo y obra de Babbage y mantenía correspondencia con él. Su maestro sentía también admiración por ella y su extraordinaria mente, sus habilidades como escritora y sobre todo por sus increíbles dotes matemáticas, llegándola a otorgar el sobrenombre de “la encantadora de los números”. Lovelace tradujo del francés una memoria del matemático italiano futuro primer ministro de Italia Luigi Menabrea sobre una conferencia que Babbage dio en Turín sobre la máquina analítica a la que añadió varias notas y comentarios propios que resultaron más largos que la propia memoria. En ellos incluyó, además de una compelta descripción sobre el funcionamiento y capacidades de la máquina, un método algorítmico para calcular una secuencia de números Bernoulli con la máquina que puede ser considerado el primer programa para una máquina así como el escrito de Lady Lovelace anticipó el concepto teórico del software. Obviamente este primer programa jamás se pudo aplicar al no haberse podido concluir la máquina analítica, pero de haber existido la máquina, el programa funcionaría correctamente.

Entre 1846 y 1849, Babbage trató de diseñar una versión mejorada de la máquina diferencial, pero jamás inició su construcción debido a la total falta de fondos. En 1991 el Science Museum de Londres construyó dos prototipos de la segunda máquina diferencial (uno se encuentra en dicho museo y el otro en el Computer History Museum de California) siguiendo los planos originales y con materiales de principios del siglo XIX. Estos modelos fueron probados y llegaron a funcionar realizando cálculos con resultados de 31 dígitos. Con la cancelación del proyecto de la segunda máquina diferencial concluyen los intentos y experimentos de Babbage con la primitiva informática. Hay que decir que gran parte de su pensamiento y concepciones sobre la computación y la primitiva informática estaban influenciadas por su peculiar idea religiosa de Dios como “programador” de leyes divinas atemporales y universales.

Reconstrucción de la máquina analítica

A parte de su trabajo e investigación con la máquina diferencial y la máquina analítica, Charles Babbage se interesó por campos como la astronomía creando una máquina capaz de calcular tablas astronómicas y matemáticas. Este trabajo le reportó en 1824 la Medalla de Oro de la Royal Astronomical Society. Entre 1828 y 1839 ejerció de profesor de matemáticas en Cambridge y fue muy activo en la vida investigadora de la Universidad, publicando varios artículos en revistas científicas y fundando allí las Sociedades Astronómica y Estadística. También cultivó la criptografía creando un sistema que fue utilizado durante un tiempo por el ejército británico. Entre sus invenciones también destacan el “cow-catcher” (1838), el armazón de metal situado en la parte frontal de las locomotoras para alejar los obstáculos, y un prototipo de oftalmoscopio (1847) cuatro años antes de que fuese patentado el primer modelo de Helmholtz y que jamás vio la luz. En el campo de la economía estableció el llamado “principio de Babbage” en el cual afirmaba las bondades de la división de trabajo en donde los trabajos mas cualificados debían ser ejecutados por los trabajadores más aptos ya que según él muchos trabajadores cualificados hacían trabajos por debajo de sus capacidades, y que por consiguiente debían recibir mucho mejor salario que los trabajos realizados por trabajadores con menos habilidades. Este principio inspiró el taylorismo y fue duramente criticado por Marx influyendo la antítesis de esta idea poderosamente en el pensamiento de Marx. Babbage también se embarcó en pintorescas andanzas como la realización de un estudio matemático sobre las causas de la ruptura de los cristales de una fábrica (rotos en su mayoría por “borrachos, niños y mujeres”) o en la campaña contra los aros de los niños que según el rompían las piernas de los caballos.

De los cuatro hijos supervivientes de Babbage (llegó a tener hasta ocho) destacó como figura pública Benjamin Herschel (1815-1878) ingeniero, político, científico y explorado. Charles Babbage falleció en Londres el 18 de junio de 1871 a los 79 años. La mitad de su cerebro se encuentra conservada en el Real Colegio de Cirujanos de Londres y la otra mitad en el Sciencie Museum. Charles Babbage, padre teórico de la informática, creador de los conceptos de memoria, programa, la estructura del Hardware, cálculo informático y programación (esto último en colaboración con Ada Lovelace) fue sin duda el hombre que lo empezó todo en el mundo de la informática. Un adelantado a su tiempo que pudo cambiar el mundo en plena época victoriana pero al que el faltó dinero y fortuna para culminar sus invenciones, los primeros ordenadores de la historia. No se sabe que hubiese ocurrido en el mundo científico de haber culminado sus invenciones en el siglo XIX, pero posiblemente la historia hubiese avanzado por otro camino y hoy en día quien sabe a donde hubiésemos llegado.

El aparatito Lumiere IN TIME

2011-12-13T20:41:00.001+01:00

** y 1/2

Otra oportunidad desaprovechada de hacer una buena y sugerente película de ciencia ficción. Aunque la premisa de esta película en sí es bastante jugosa, como solo ser habitual en los últimos años en el género la cosa se queda muy a medias. Andrew Niccol, director y guionista especialista en rocambolescas historias con bastantes juegos de apariencias y ocultación de la verdad (Gattaca (1997), El Señor de la Guerra (2005) o guionista de El Show de Truman (1998) ) quiere y no puede ofrecer un filme de ciencia-política-ficción de calidad y con ideas claras y mensaje rotundo y en su lugar firma una historia interesante pero con muchos altibajos y con un fallido mensaje sociopolítico (muy oportuno en estos tiempos de crisis) que alerta sobre los intereses de los poderosos y su falta de moral a la hora de utilizar, engañar y manipular a la población para conseguir sus fines. In Time presenta una distópica sociedad futura en un siglo indeterminado (aunque muy parecido al siglo XXI) en donde el ser humano deja de envejecer a los 25 años y tiene que conseguir tiempo adicional (horas, días, meses, años) para seguir viviendo -sin envejecer-; por ello no existe el dinero como tal y las personas pagan con tiempo, que es la posesión más preciada de los nuevos habitantes de este planeta. Existen ladrones de tiempo, bancos de tiempo, magnates del tiempo en una sociedad dividida en dos clases: los que controlan la distribución tiempo y los que no. En medio de este alucinante orden social surgen los consabidos rebeldes, en esta ocasión un joven marcado por la muerte por “agotamiento de tiempo” de su madre y que por ello decide rebelarse contra un sistema que cree injusto. Pero por desgracia, lo que podía ser una historia que bien explotada y contada sería una película fascinante se queda en un filme del montón que con estructura de thriller satinado con alguna reflexión filosófico-humanista y un mensaje inocentemente rebelde no logra despegar a la hora de ofrecer un relato atrayente y sólido. Una pena porque mimbres había en la historia.

Uno de los principales errores de In Time es no explicar muchas claves de la inquietante sociedad futura que nos presenta: ¿Cómo se origino realmente?, ¿Qué es lo que cambió en el mundo para que el dinero ya no tuviese valor?, ¿Cómo es la estructura política de esta nueva sociedad? Aquí Niccol decide pasar por alto cualquier explicación consiguiendo que la película muchas veces plantee interrogantes que no tienen respuesta y por lo tanto frecuentemente haya momentos que no haya por donde agarrarlos. Parece que en lugar de adentrarse en los cánones de escritores de ciencia ficción como Philip K. Dick o William Gibson que hubiesen hecho con este planteamiento obras sublimes, se ha optado por tomar y revisar temáticas existentes en fuentes tan dispares como Momo o La Fuga de Logan con un barniz de crónica de rebelión bastante inofensiva que no consiguen levantar el inconsistente interés de la película. Una estética que trata de resultar original mezclando elementos pseudoapocalípticos con modernidades de los 2000-2010 y alguna “antigüedad” de siglos anteriores resulta tan vistosa en algunos momentos como tremendamente cansina y opaca cuanto más avanza la película. El protagonista, el cada vez mas omnipresente Justin Timberlake no muestra el necesario carisma para interpretar a un creíble héroe anti sistema y lo mismo se puede decir de Amanda Seyfried, que interpreta a una niña rica del nuevo orden que se une a Will en su batalla contra la clase gobernante. En el momento en que vemos a Will y Sylvia convertidos en unos Bonny and Clyde futuristas con connotaciones tarantinianas la película, que hasta el momento se había mantenido en niveles en ocasiones bastante aceptables, cae a pique. No obstante, sería injusto no reconocer que los mensajes del filme (las injusticias se pueden combatir por muy poderoso que sea quien las produzca; la inmortalidad puede ser un don anhelado pero también la más terrible condena) no son moco de pavo, pero dentro de una película irregular dicen muy poco.

Mis 50 discos que te cagas (39): MICHAEL JACKSON – THRILLER (1982)

2011-12-11T22:53:00.000+01:00

Siempre que se habla de Thriller de Michael Jackson (1958-2009) resulta obligatorio decir que es el LP más vendido de la historia: unos 65 millones de copias en todo el mundo desde su publicación en noviembre de 1982 así lo atestiguan. De todos es sabido además lo que supuso este álbum en la carrera de Michael Jackson y en la historia de la música popular, en cuanto que su irrupción en pleno nacimiento de la era MTV y en el apogeo de la cultura del éxito y la explosión del reinado del marketing demostró lo rentable que podías ser la industria musical. El menor de los Jackson, con una carrera profesional desde los 6 años en las filas de Jackson 5 y un talento que - quedó demostrado en Thriller- rozaba la genialidad, se convirtió en la encarnación del sueño americano en la era Reagan con un status de ídolo solo comparable al que en otras épocas habían logrado los Beatles. No obstante, poco a poco el monstruo de la fama desmedida y el peculiar carácter peterpanesco del personaje introducirán a Jackson en un mundo de extravagancias, reclusiones casi ermitañas y escándalos que pusieron a su carrera musical en un estado de intermitencia donde aún se esperaban grandes aciertos pero que en todo caso, quedó eclipsada por el propio espectáculo de su vida.

Pero vayamos a lo que nos interesa.Thriller, sexto álbum de Jackson en solitario aunque el segundo en el sello Epic y en su vida adulta (los cuatro primeros registrados en la Motown los grabó siendo menor de edad) fue realmente un álbum que produjo cambios sustanciales en la industria del disco en cuanto que se vio la importancia de una producción de lujo para conseguir un disco perfecto: porque más allá de las horas y horas del genial productor Quincy Jones con Michael en el estudio y la cuidada estrategia de estos para concebir un LP que gustase al mayor número de público posible, Thriller es un trabajo exultante, elegante y cautivador. Gracias a Thriller la música negra alcanzo cotas impensables (los músicos afroamericanos se convirtieron a mediados de los 80 en los grandes animadores y renovadores de la música pop estadounidense) y renovó con acierto la música de las pistas de baile creando un nuevo género, la Dance Music o Dance Pop, que superó el manido cliché de la música Disco de finales de los 70 para ofrecer un sonido bailable apto para público tanto blanco como negro con retales tanto de funk como de soul, electropop, R&B, synthpop e incluso guitarreos rockistas. El debate si es este LP o el anterior Off The Wall (1979) el mejor trabajo de Michael Jackson sigue ahí: es posible que Off The Wall sea mejor, pero no cabe duda que Thriller es mucho más comercial, completo y variado. Siete singles de las nueve canciones del álbum - los siete top 10 en USA- , un año entero en el Billboard, dos años (1983 y 1984)como disco más vendido en EEUU y ocho premios Grammy avalan uno de los discos más inteligentemente comerciales de la historia.

Thriller siempre destacará por contener las dos mejores canciones de Michael Jackson: Billie Jean y Beat It, ambas compuestos por el propio Jackson en un disco donde otros compositores firmaron más de la mitad de los temas. Billie Jean, el segundo single, es probablemente la obra maestra de Michael Jackson en cuanto a temas; pieza seminal del pop funky de los 80 su irresistible rítmica en un contexto de pop casi melódico le convierte en un tema exquisito y sugerente que sin duda fue una tarjeta de presentación más fiel de la esencia del álbum que el primer single de octubre de 1982, The Girl is Mine un resultón dueto con su por entonces amigo Paul McCartney (poco después la compra de los derechos de las canciones de los Beatles por parte de Michael rompería esa amistad) que antes de la publicación del disco suscitó recelos entre los amantes de la música negra por su carácter de balada de synthpop blanco convencional y en el público en general por su almibarada textura: no obstante, The Girl is Mine (otra de las cuatro composiciones de Michael en este disco) fue el primer hit de un LP ecléctico como pocos (el speech dialogado entre ambos artistas al final de la canción discutiendo sobre la chica en cuestión es todo un momento kirsch) . Por contra, Beat It es funk rock desatado con enérgico y pegadizo estribillo y antológico solo de guitarra heavy del guitarrista del momento, Eddie Van Halen,”ensamblado” a partir de tropecientas tomas diferentes aunque parezca mentira

Aunque McCartney y Van Halen fueron los músicos invitados más conocidos de Thriller, Quincy Jones consiguió agenciarse la mejor tropa de músicos de estudio de USA: Dean Parks en la guitarra, Paulinho Da Costa en las percusiones, Rod Temperton como teclista y compositor de algunos temas, Greg Phillinganes en los teclados y el sintetizador o casi todo Toto (Steve Lukather, David Paich y los hermanos Steve y Jeff Porcaro). Precisamente el teclista Steve Porcaro fue coautor de Human Nature, espléndida balada con una sentida interpretación de Michael que con el tiempo ha pasado a convertirse en otro de los temas más conocidos de Thriller y que de alguna manera sentaba las bases de las baladas soul pop ochenteras de gente como Madonna. La canción que abre el disco, Wanna Be Startin´Something es otro clásico dance pop con su frenético ritmo funk, como también resulta arrebatadora P.Y.T con sus reminiscencias jazzies. El tema que da título al álbum merece consideración aparte: no se trata del mejor tema del mismo, pero sin duda es el más recordado; culpable: el revolucionario videoclip de casi un cuarto de ora dirigido por John Landis que inspiró y fascinó a toda una generación que vio bailar entre zombies a aquel muchachito de la cazadora roja. La era del video había comenzado y Thriller y Michael Jackson tuvieron mucho que ver. El tema, compuesto por Rod Temperton y último single, no es más que pop bailable de mediano alcance, pero de alguna manera lo tenía todo para triunfar: ritmo memorizable y pegadizo, un video antológico homenaje al cine de terror serie B y el inolvidable recitado final con la profunda e inquietante voz del gran Vincent Price con risa diabólica incluida

Michael Jackson se convirtió en el artista negro que mas alto había llegado en la historia y durante un tiempo fue todo un ejemplo para su comunidad, aunque sus operaciones de cambio de rasgos negros por otros caucasianos en el periodo 1983-85 (justificado por unas quemaduras sufridas durante el rodaje de un spot en 1984) y el extraño blanqueamiento progresivo de su piel indicaban que el chico prefería cuanto menos tener otro aspecto. Niño mimado por el show bussiness americano a mediados de los 80, comenzó a llevar trajes extravagantes, a decir cosas raras sobre su persona y a hacerse el longuis en la publicación de un nuevo LP en solitario tras la reunión musical con sus hermanos The Jacksons en 1984 con el disco Victory y su posterior gira americana; y hasta 1987 un blanquísimo MJ no publicaría Bad. Más allá de sus tribulaciones, problemas personales, majaderadas varias e incluso denuncias por acoso de menores, Michael Jackson demostró en Thriller que podía haber sido la gran estrella musical de finales del siglo XX. Si uno deja los prejuicios aparte, la escucha de este disco sigue siendo una delicia.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Dance Pop, Pop Negro, Funk, Soul Pop, Pop Rock, Synthpop

Publicación: noviembre 1982

Sello original: Epic

Producción: Quincy Jones y Michael Jackson

Duración: 42:19

Músicos:

Michel Jackson: voz, percusión

David Paich: teclados, sintetizadores, programaciones

Dean Parks: guitarra

Steve Lukather: guitarra, bajo

Steve Porcaro: teclados, sintetizadores, programaciones

Louis Johnson: bajo

Rod Temperton: teclados, sintetizadores

Greg Phillinganes: teclados, sintetizadores, programaciones

Jeff Porcaro: batería, arreglos de viento y cuerda

Paul McCartney: voz en The Girl is Mine

David Foster: teclados, sintetizadores

Brian Banks: teclados, sintetizadores, programaciones

Eddie Van Halen: solo de guitarra en Beat It

Larry Williams: saxo y flauta

Paulinho Da Costa: percusión

Gary Grant: trompeta y trompa

Bill Reichenbach: trombón

David Williams: guitarra

N´Dugu Chancler: batería

Michael Boddicker: teclados, sintetizadores

Bill Wolfer: teclados, sintetizadores

Anthonny Marinelli: programaciones

Greg Smith: sintetizadores

Latoya Jackson, Janet Jackson: coros en PYT

Vincent Price: recitado en Thriller

Track listing

1- Wanna Be Startin´ Something

2- Baby Be Mine

3- The Girl is Mine

4- Thriller

5- Beat It

6- Billie Jean

7- Human Nature

8- P.Y.T (Pretty Young Thing)

9- The Lady in My Life

El aparatito Lumiere LA CONSPIRACIÓN (THE CONSPIRATOR)

2011-12-05T23:08:00.000+01:00

*** y 1/2

Regreso de Robert Redford a la dirección y de nuevo con una buena película, esta vez enmarcada en la crónica de la historia de EEUU y con uno de sus episodios más significativos: el juicio por el asesinato a Abraham Lincoln en 1865, aunque centrado en un segmento concreto de este como es el enjuiciamiento a la madre de John Surrat, uno de los cómplices de John Wilkes Booth el asesino del presidente de Estados Unidos. Es evidente que Redford ha aprovechado la revisión de este caso histórico para mostrar al público del siglo XXI la chapuza que supuso este juicio en el plano de que ante el primer magnicidio de la historia USA los derechos individuales y la legalidad penal vigente entonces se saltaron a la torera prevaleciendo la venganza sobre la justicia. Podía ser extrapolable esto a no pocos casos actuales en muchas partes del mundo y en ese sentido es evidente que Redford vuelve a sacar su afán moralista ya de sobra conocido en una película eficaz e inteligente.

The Conspirator tiene como ventaja de que en ningún momento se va por las ramas (no añade subtramas de relleno absurdas, cosa algo habitual en el cine basado en acontecimientos reales) y es muy directo a la hora de mostrar el relato de la lucha de un joven abogado, Frederick Aiken (James McAvoy) para que su cliente, Mary Surrat (Robin Wright), acusada de complicidad en la conspiración del asesinato de Lincoln, obtenga una condena justa, pero la misión será complicada ante un tribunal militar de carácter excepcional y en un país donde las rencillas y heridas de al guerra civil aún persistían. La película apuesta por el humanismo y los sentimientos en una puesta en escena escueta y sobria pero excepcionalmente ambientada en el Washington de mediados del XIX y con un gran realismo en sus imágenes y escenografía, logro al que no es ajeno la curiosa fotografía granulosa y Vintage de Newton Thomas Siegel. No obstante, el ligero escoramiento del guión al repetitivo género del cine de juicios muchas veces ralentiza el ritmo del filme y produce cierto hastío: puede que sea inevitable que una historia de estas características caiga en el cine judicial, pero podrían haberse ahorrado algunos minutos de tribunales. Con todo, The Conspirator, pese a su ritmo irregular y algún tópico de la crónica histórica, cumple estupendamente su función de filme-denuncia transtemporal y resulta ciertamente interesente sobre todo en sus compases finales. Interpretes adecuados, excepcional puesta en escena u un guión sólido que hacen de esta película una buena opción para estas navidades en lo que a películas no familiares se refiere.

Mis 50 discos que te cagas (38): BRUCE SPRINGSTEEN – NEBRASKA (1982)

2011-12-04T14:24:00.003+01:00

Fue una decisión de alto riesgo, pero finalmente la cosa no pudo salir mejor. A muy pocos músicos de éxito se les ocurriría sacar un álbum acústico de voz, guitarra, teclados y armónica mayormente más otros instrumentos episódicos, garbado con una grabadora de cuatro pistas en la cocina de un domicilio particular con un presupuesto de cuatro perras pero Bruce Springsteen lo hizo en un momento dulce de su carrera - tras el éxito de The River (1980)- y lo que parecía todo un salto al vacío musical en términos comerciales se saldó con un enorme éxito de ventas (Springsteen ya era todo un músico de referencia en el mundo del rock) y lo que es más importante, en un precioso, exuberante, oscuro y entrañable álbum que pese a lo crudo de su producción y lo desnudo de sus temas de folk rock acústico con raíces ha terminado por cotizarse como uno de los mejores LPs de Bruce Springsteen de cuantos ha hecho. Un receso en su ascendente trayectoria como rockero visceral, callejero y con poso poético-romántico, hecho a base de una improvisada mutación en cantautor acústico al más puro estilo americano y con claras influencias en la obra de Woody Guthrie, Leadbelly, Pete Seeger, Phil Ochs y otros legendarios folksters contestatarios estadounidenses. No obstante, en lugar de la canción puramente protesta de sus maestros, en Nebraska el Boss prefirió desviarse por la vertiente de la crónica social- también cultivada por estos- amarga, costumbrista e hiperrealista. En realidad, nada nuevo en la temática anterior y posterior de Springsteen, solo que esta vez todo aparecía sublimado y por lo tanto más trágico, oscuro y dramático con el plus de que muchas de las historias contadas en los diez temas del álbum eran reales: crónicas de asesinos, policías despechados, relaciones familiares difíciles, convictos de la justicia…o simplemente chico de clase baja encuentra a chica ídem en medio de una América decadente y empobrecida. La crónica de la otra América a principios de los años 80, que en cierto modo no difería demasiado de lo que los bardos estadounidenses de los 50 o 60 narraban.

Bruce en realidad concibió las canciones de este álbum para un nuevo disco con la E Street Band de temática social y naturalista y escorado a la canción de autor, pero las maquetas que él solito iba grabando en la cocina de su casa junto al ingeniero de sonido Mike Batlin resultaban unas grabaciones con un sonido acústico y desnudo (la base instrumental de este álbum es la guitarra acústica) enormemente adecuado a la naturaleza del proyecto, que quedaba ideal como un LP folk rock y así fue como nació Nebraska. Aunque el tono de balada o medio tiempo es el que predomina en el álbum también hay temas de inspiración en el rock and roll clásico ejecutados de manera acústica y sin rítmica (en todo el disco no hay ni batería, ni bajo, ni instrumentos eléctricos); así mismo el tono dramático y oscuro de los temas más lentos se combina con la temática algo más optimista de piezas como Open All Night aunque también hay amarga ironía en temas como Johnny 99, en el que una suerte de rockabilly acústico da cobertura a la estrafalaria historia de un convicto por homicidio que prefiere ser ejecutado a pasar los 99 años de la condena a la que había sido sentenciado. Los fuera de la ley vistos desde una perspectiva de introspección abundan en todo el disco, como en el tema que le da título, sobra la historia real de una pareja de asesinos adolescentes de los años 50 o Atlantic City, el tema más célebre del álbum. Mientras que la estremecedora canción Nebraska muestra cierta influencia del folk histórico americano onda Guthrie con algún ramalazo Dylaniano (al fin de cuentas es un trema de guitarra y armónica), Atlantic City, no menos vibrante, evidencia una génesis eléctrica (no en vano Sprinsteen la ha interpretado con toda la E Street en varias giras posteriores) con su ritmo marcado, su estribillo poderoso y afectado y esos robustos juegos de guitarra acústica y mandolina cubriendo el solo de armónica; uno de los mejores temas del Boss de siempre.

Highway Patrolman es otro de los temas más emotivos del álbum, la historia de dos hermanos cada uno en diferentes lados de la ley que llevan el amor fraternal a sus últimas consecuencias, con un tono melódico y emocionante. Como también es emocionante Mansion on the Hill, otro de los temas del álbum mas interpretados en directo por Bruce, un canto nostálgico de delicada fuerza folkster. State Trooper es otro de los temas con cadencia más rockista (entre sureña y blues rock) con crescendos melodramáticos y Reason to Believe, la canción que cierra el disco, sube el ritmo en un tema de amarga ironía. Bruce Springsteen jamás fue tan cantautor, directo y pesimista como en Nebraska pero que duda cabe que este álbum contribuyó decisivamente a la maduración musical, temática y personal del de New Jersey. Los temas de Nebraska, pese a no ser tan populares como los de otros de sus álbumes, continuaron figurando en bastantes de sus conciertos, ya bien en su formato original acústico como en revisiones eléctricas (el caso de Atlantic City, el más notable). La revalorización del disco desde la década de los 90 propició el autorredescubrimeinto del propio Springsteen en su faceta de cantautor americano y así vieron la luz trabajos más que interesantes en una onda similar de “trovador acústico del otro lado del sueño americano” como The Ghost of Tom Joad (1995) o de un tono más discreto como Diamonds & Dust (2005). No obstante, inmediatamente después de Nebraska, Bruce volvió por sus fueros rockistas más visceral que nunca y tocó el cielo con Born in The USA (1984), pero ya contaremos próximamente esa historia.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Cantautor, Folk Rock

Publicación: septiembre 1982

Sello original: Columbia

Producción: Bruce Springsteen (no acreditado)

Duración: 40:50

Músicos:

Bruce Springsteen: voz, guitarra, harmónica, mandolina, xilófono, órgano, percusión

Track listing

1- Nebraska

2- Atlantic City

3- Mansion on the Hill

4- Johnny 99

5- Highway Patrolman

6- State Trooper

7- Used Cars

8- Open All Night

9- My Father´s House

10- Reason to Believe

LAS SIETE MARAVILLAS DEL MUNDO ANTIGÜO: LA PRIMERA GUIA TURÍSTICA

2011-12-03T11:14:00.001+01:00

Parece evidente que el primer compendio de lugares espectaculares, singulares, maravillosos y admirables de todo el mundo (es decir, la primera guía turística) se hizo en una época tan remota como fue el siglo II AC por parte de algunos autores griegos en pleno periodo Helenístico. Era básicamente una lista de siete monumentos o maravillas arquitectónicas que en aquella época se encontraban repartidas por la cuenca mediterránea o lo que es lo mismo todo el mundo entonces conocido. Llamadas desde prácticamente el primer momento las “Siete Maravillas del Mundo”, a excepción de una todas han desaparecido ya, pero las detalladas descripciones que de ellas se hicieron ha posibilitado a lo largo de la historia hacerse una idea de cómo eran, además del hecho de que múltiples pinturas, grabados e ilustraciones posteriores han tratado de plasmar la supuesta imagen de esos monumentos.

Los primeros autores griegos que se ocuparon de las maravillas llamaron a estos siete monumentos inicialmente con el epíteto de “cosas dignas de ver”, dando a entender que, efectivamente, merecían ser vistas por todos y cada uno de los mortales al menos una vez en la vida. Se atribuye a Antípatro de Tesalónica la paternidad de la lista de las Siete Maravillas que ha quedado para la posteridad que data del 140 AC y que es conocida actualmente como la lista de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo, aunque en siglos anteriores otros autores como Heródoto también realizaron alguna lista que en gran medida concordaba con la de Antípatro.

Esta guía turística de la antigüedad comprendía los siete monumentos que vamos a citar ahora, los cuales no coincidieron en el tiempo más de sesenta años. Y como todo destino turístico que se precie, deben de ser presentadas lo más atractivamente posible para viajeros, aventureros, comerciantes y navegantes de todo el mundo. Eso si, permitiéndonos licencias anacrónicas y, por que no, humorísticas.

Coloso de Rodas (280-226 AC; Rodas, Grecia)

Allí, en la entrada puerto de la Isla de Rodas se alza la estatua más grande que existe: El Coloso, representación del titán Helios, erigido como conmemoración de la victoria de los rodenses sobre la flota de Antígono I de Chipre en el 304 AC comandada por Demetrio Poliorcetes. Más de 30 metros de altura, con estructura de hierro recubierta de bronce y pedestal de mármol.

El escultor Cares de Lindos, discípulo del gran Lisipo fue su constructor, invirtiendo 12 años hasta terminar la colosal estatua. Su visión desde barco por mar, resulta un espectáculo impresionante, pudiéndose apreciar la estatua en una distancia de varios kilómetros. El símbolo de Rodas y un símbolo del legado del poder de Alejandro.

El terremoto de Rodas del 226 AC se cargó a una de las estatuas de mayor tamaño que han existido jamás. Clara inspiración para al Estatua de la Libertad y otras estatuas humanas alegóricas de colosal tamaño, hoy en día se sabe que sus piernas nos e encontraban en dos márgenes del puerto o en pedestales separados por el mar, como se creyó durante varios siglos de la era cristiana. No existe ninguna ilustración o representación pictórica contemporánea del monumento pero si varias (incompletas) descripciones a partir de las cuales se llevaron a cabo algunos grabados en la edad media o el renacimiento. Se desconoce exactamente que pasó con sus restos tras el terremoto, salvo que permanecieron esparcidos por la isla durante casi 8 siglos e incluso aún continuaban siendo “atracción turística” para numeroso viajeros y forasteros que se quedaban boquiabiertos ante dedos gigantescos y orejas titánicas, y que tras la invasión árabe de 624 DC desaparecieron sin dejar rastro. Muy posiblemente fueran vendidos o fundidos por los árabes.

Gran Pirámide de Giza (S. XXVI AC-actualidad; Necrópolis de Giza, Egipto)

La más antigua y misteriosa de las Maravillas del Mundo domina todo el enorme número de pirámides que se encuentra en Egipto. Erigida para albergar los restos del faraón Keops (IV Dinastía), esta mole de piedra triangular con sus 146 metros fue más de 3800 años la construcción más alta del mundo. Originalmente estuvo revestida de placas de piedra y mármol, pero aún habiéndolas perdido aún conserva su porte mayestático y su impresionante estampa.

Junto a la Gran Pirámide se encuentra un complejo de edificaciones que incluye varios templos, pequeñas pirámides subsidiarias (las pirámides de la Reina) y las pirámides de Keops, Kefren y Mikerinos. El interior de la pirámide, se mantiene intacto con sus largos pasajes ascendentes y descendentes.

La maravilla del mundo antiguo superviviente. Aún se puede visitar la Gran Pirámide de Giza y todo su complejo adyacente. Los detalles sobre su construcción continúan siendo un misterio, aunque se sabe que se tardó más de 20 años. Con sus 146 metros de altura y sus 2 millones y medio de metros cúbicos resulta una construcción impresionante que nos recuerda la increíble e irrepetible genialidad arquitectónica de los antiguos egipcios. Que siga existiendo por muchos siglos.

Jardines Colgantes de Babilonia (S. VII AC-S. II AC; Babilonia (cerca de All Hillah, en el actual Irak) )

Un auténtico festín de sensualidad y belleza, un regalo para los ojos es lo que ofrecen los jardines colgantes de Babilonia. Esta estructura arquitectónica cuadrangular de cien pies de largo y otros cien de ancho que se encuentra cerca de la ribera del Eufrates es famosa por la belleza de los jardines de diferentes y variadas especies de plantas y flores y los árboles que se aprecian desde los diferentes arcos y galerías que conforman los diferentes pisos de la construcción. Cada piso esta cubierto de tierra en donde se plantaran los jardines, dando la impresión de que “cuelgan” de las paredes de edificio.

En la parte más superior se encuentra la terraza, a la que se llega mediante una escalera. Un sistema de manivelas que se encuentra cerca de las escaleras bombea el agua del Eufrates hasta los jardines. Los techos galerías del edificio están construidos de piedra y revestidos con cemento, y sobre este, una capa de tierra en donde se encuentran creciendo las plantas.

Una cucada, vamos, pero ¿existieron realmente los Jardines Colgantes de Babilonia?- ¿Fueron una invención del primer cronista de este edificio, un sacerdote babilonio? Es muy posible que los historiadores griegos como Estrabón que hicieron una descripción posterior de los jardines (y que ni tan si quiera los conocieron) aportasen a esta descripción elementos de su invención. Vete a saber. Supuestamente se destruyeron por la acción de tormentas de arena

Faro de Alejandría (280 AC- principios Siglo XIV; Alejandría, Imperio Macedonio/Egipto)

Cerca del puerto de de Alejandría, erigido en la isla de Pharos se encuentra con sus más de 400 pies (mas de 130 metros de altura) la maravilla arquitectónica macedónica de mayor fama mundial, el gran Faro de Alejandría, que se comenzó a erigir en el 305 AC reinando Ptolomeo II. Esta gigantesca torre de bloques de piedra, cuya función es iluminar el mar por la noche a los barcos que entran en Alejandría, decidió construirse ante el problema que suponía la falta de visibilidad nocturna a la entrada del puerto y que casi siempre terminaba con los barcos encallados en la isla de Pharos.

La base de la construcción es una plataforma cuadrada 21 pies de alto (6 metros y medio) y 28 pies de ancho. Para subir a lo alto del faro hay que ascender por una rampa en espiral de un total de 183 metros, sustentada por arcos en el interior de la torre del faro. El interior de la torre además cuenta con tres pisos-estancias que atraviesan la ascensión de la rampa: el piso inferior, de planta cuadrada, el mediano octogonal, y el superior de forma circular, en medio del cual se encuentra el fuego que produce la luz del faro, solo encendido por la noche, y junto a él el enorme espejo que refleja la luz del sol durante el día.

Fue el primer faro de la historia y según las crónicas pudo llegar a medir 450 metros tras algunas reconstrucciones a lo largo de sus más de 1600 años de historia. Su luz (producida de manera natural) llegaba a iluminar casi 50 km. a la redonda. Construido en la singular ciudad egipcia de Alejandría durante la época de expansión helenística, sobrevivió a la caída del Helenismo y el imperio Macedonio, al fin del Imperio Romano y a los persas. Hasta finales del siglo XIII, época en que Egipto se hallaba bajo dominio musulmán, se encontraba en buen estado pese haber sido dañada por un terremoto a mediados del siglo X DC (había dejado de funcionar a finales del siglo VII con la llegada de los musulmanes) pero sendos terremotos en 1303 y 1323 terminaron por dañar gravemente al faro dejándole en ruina. En 1480 sus restos fueron retirados por el sultán de Egipto para construir una fortaleza en Pharos. Hoy en día se encuentran restos del faro por aquí y por allí, pero esta gran construcción helénica sigue en el recuerdo.

Templo de Artemisa en Efeso (550 AC- 268 DC; Efeso (hoy Selçuk), Turquía)

El Templo de artemisa es la más espectacular construcción religiosa de cuentas se pueden admirar en el mundo. El más bello ejemplo de la arquitectura clásica, el templo fue diseñado en el 550 AC por los arquitectos Cresifrón y Metagenes, padre e hijo y fue el primer templo construido mayormente con mármol. Inicialmente, el templo concebido por estos arquitectos era más pequeño, pero tras el incendio del infame Heróstrato, tuvo que ser reconstruida en el 323 AC respetando su concepto original pero engrandeciéndolo. Su planta mide en la actualidad 450 pies de largo y 225 de ancho y sus 130 columnas llegan a los 60 pies. Atravesando el ancho pasaje entre las columnas se accede a la espectacular estatua de la diosa Artemisa, obra del escultor Endoios, situada en el fondo y a la que esta dedicado este templo.

Tampoco hay que dejar de admirar los ricos bajorrelieves de muchas de las columnas, los relieves y estatuas del altar mayor, la ornamentación de las columnas y las pinturas del techo. Escultores de fama como Fidias o Polícleto son los autores de gran parte de las esculturas. El friso frontal en el exterior del edificio también es digno de emnción.

Una auténtica maravilla a la que los godos pusieron fin en 268 DC con su saqueo, terminando con la existencia de un monumento que sobrevivió en la era cristiana cuando Éfeso estaba bajo dominio romano después de haber pertenecido a Grecia. Pese a que fue quemado, algunas estatuas y columnas lograron sobrevivir y fueron añadidas a otros edificios. Una expedición entre 1869 y 1874 patrocinada por el British Museum consiguió hallar numerosos restos del templo y otra posterior entre 1904 y 1906 consiguió hallar varias esculturas y relieves que hoy se encuentran en el museo londinense.

Gran Estatua de Zeus (432 AC – S.V DC; Olimpia, Grecia)

En el interior del Templo de Zeus en Olimpia se encuentra la obra maestra de Fidias y una de las más espectaculares estatuas de cuantas existen: la estatua de Zeus. Esta colosal estatua de 12 metros de atura. Se trata de la estatua de marfil y oro (en realidad bronce revestido) más grande del mundo. La obra maestra de la escultura criselefantina representa a Zeus sentado en un trono esculpido en ébano, marfil y oro y adornado con piedras preciosas. El cuerpo sedente de Zeus esta esculpido en marfil y sus vestimentas son de bronce recubierto de palcas de oro. En su mano izquierda esta sujetando un báculo de oro y en la derecha una estatuilla criselefantina de Niké. A la izquierda de Zeus hay un águila con las alas desplegadas.

El realismo de esta estatua es enorme y prueba de ello son las palabras del gran Estrabón cuando afirmó que la magnífica escultura de Fidias parecía que de un momento a otro se iba a levantar.

Aunque en al actualidad no hay ni una reproducción exacta de esta imponente estatua, nos han llegado detalladísimas descripciones por parte de algunos autores griegos o romanos y algunas imágenes en bajorrelieves o monedas. No se sabe exactamente cuando fue destruida esta estatua, pero se piensa que fue en el ocaso del Imperio Romano en el siglo V DC.

Mausoleo de Halicarnaso (351 AC – 1451 DC; Halicarnaso, Asia Menor/Turquía)

El magnífico mausoleo es sin duda la principal atracción de Halicarnaso, y dicho sea de paso, muestra el amor del que fuera gobernante de varios territorios de Asia Menor Mausolo, por el arte y la cultura griega. El mausoleo fue concebido para albergar los restos de Mausolo y de su esposa Artemisia, quien sucedió a su marido en el gobierno de la región tras su muerte, durante el siglo IV AC. El edificio fue promovido por Artemisia como sede de la tumba de su esposo, al que solo sobrevivió dos años. Arquitectos y artistas procedentes de Grecia se afanaron en la construcción del edificio funerario, con Scopas como supervisor. Se eligió erigir el mausoleo sobre una colina para que fuese el elemento más destacado del paisaje de la ciudad de Halicarnaso.

La estructura guarda similitud con los templos griegos debido sobre todo al empleo de columnas. El piso inferior, no obstante, consiste en un patio cerrado coronado por varias estatuas de dioses, mientras que en las esquinas se encuentran esculturas ecuestres de guerreros que “custodian” el enorme habitáculo en cuyo interior se encuentra la tumba conjunta de Mausolo y Artemisia y que constituye el cuerpo principal del edificio. Esta estancia cuadrada cuenta con 148 pies (45 metros) de alto y esta decorada con hermosos bajorrelieves en su exterior. 36 columnas que emergen desde la parte superior de la estancia-tumba rodean un segundo piso y sobre él la cubierta en forma de pirámide truncada, en cuyo alto de encuentra una escultura de una cuadriga con representaciones de Mausolo y Artemisia.

No se sabe a ciencia cierta cuando dejo de existir o arruinarse el Mausoleo, pero lo cierto es que a finales del siglo XV de nuestra era ya no existía. Es muy posible que su construcción no se culminase hasta bastantes años después de la muerte de Artemisia. Sobre sus medidas no hay mucha certeza, si bien el historiador romano Plinio fue quien ofreció la información más detallada. En la actualidad sobreviven algunos de sus cimientos así como algunas esculturas y fragmentos que se encuentran en diversos museos. Fue la típica obra megalómana de un gobernante idem, pero por las descripciones y representaciones debió ser espectacularmente bella.

El aparatito de Lumiere - UN MÉTODO PELIGROSO (A DANGEROUS METHOD)

2011-11-29T20:36:00.001+01:00

No esta mal del todo que haya en nuestra cartelera filmes con personajes tan insignes y significativos en la historia de la ciencia moderno como Sigmund Freud o Carl Jüng, padres de la psiquiatría moderna y sobre todo cuando nos cuentan de manera esforzada y pretendidamente amena un pequeño retazo de la historia de esta disciplina de la medicina, junto con la propia historia humana y cotidiana de dichos personajes históricos. Eso es lo que se ha propuesto el veterano director canadiense David Cronemberg (La Mosca, Inseparables) en una bien rodada y planteada coproducción británico-suiza-germano-canadiense con el personaje de Carl Jüng, interpretado por Michael Fessbender, como sujeto central de la historia enfrentado a su colega Freud (con los rasgos de Viggo Mortensen, últimamente actor fetiche de Cronemberg) y con la joven doctora Sabina Spielrein (Keira Knightley) como elemento de unión y conexión de ambos. El problema es que la película no tarda en caer en el discurso denso e intelectual y eso puede abirir y desorientar a no pocos espectadores. Efectivamente, A Dangerous Method se trata de la crónica del nacimiento de la psiquiatría mediante la síntesis de las teorías de Jüng y de Freud y como telón de fondo las ideas de personajes tan complejos y fascinantes como Spielrein o el excéntrico Otto Gross, interpretado por Vincent Cassel. Diálogos y más diálogos y discursos y más discursos en una película tan elegante y bien ambientada (excelente fotografía de Peter Suschitzky) como farragosa y compleja.

Ciertamente hay buenos momentos en este filme especialmente cuando dirige su mirada a la peculiar relación entre Jüng y Sabina Spielrein - primero como médico y paciente, después como colegas y mas tarde como algo más complejo- y como influyó en el pensamiento del médico suizo. Pero en sí la película es gélida, desapasionada y muy poco atractiva, puede resultar muy interesante para psicólogos, psiquiatras ya admiradores de estos autores pero al resto de la gente les dirá muy poco. Un buen trabajo interpretativo del más que interesante plantel estelar (especialmente de Kiera Knightley) y poco tino a la hora de centrar un mensaje clave del filme que es el de la conveniencia o no de negar los impulsos y el deseo. Compleja y un tanto aburrida, pero puede tener su público.

MIS RETALES FOTOGRÁFICOS (XIII)

2011-11-28T20:42:00.000+01:00

Camino sobre el rio (2011)

La vaca que mira (2011)

Cantábrico (2011)

El balcón (2011)

Gaztelugatxeko begirada (2011)

El aparatito Lumiere UN DIOS SALVAJE (CARNAGE)

2011-11-21T22:05:00.001+01:00

****

Roman Polanski sigue demostrando ser un director fuera de serie incluso en películas de modesto presupuesto y cortitas como esta estupenda adaptación de la obra de teatro Un Dios Salvaje de la francesa Yasmina Reza, un éxito internacional en los escenarios que hace años llegó a España. Con prácticamente solo una localización y cuatro únicos actores, el legendario director franco-polaco demuestra que el medio teatral puede ser perfectamente adaptable al cine si quien está detrás de la cámara es un cineasta tan habilidoso y excepcional como él. Otro director posiblemente la hubiese cagado de una u otra forma, pero Polanski, como ya demostró con La Muerte y la Doncella (1994) sabe hacer creíble una historia totalmente encorsetada en el espacio-tiempo y sin aburrir al público poco habituado a este tipo de adaptaciones. Lo cierto es que los 76 minutos que dura el filme dan mucho de si y son una buena muestra de una dirección de actores de enorme calidad, además del propio enorme talento de los cuatro intérpretes.

La historia es la batalla dialéctica, verbal, sentimental, social y cultural de dos matrimonios bien distintos que se ven forzados a tratar entre ellos- sin conocerse previamente- por un desagradable hecho fortuito como es la agresión del hijo de una de las parejas al hijo de la otra, ambos de 11 años. Lo que al principio era una reunión de conciliación para aclarar lo sucedido y redactar un documento conjuntamente se convierte poco a poco en una batalla campal en donde ambos matrimonios terminan enfrentándose por sus diferencias de ver no ya solo el caso sino la vida misma, con un brutal desprecio mutuo del sistema de valores de cada una de las parejas. Y no solo la refriega es entre los dos matrimonios, sin darse cuenta entre los mismos cónyuges empezará a establecerse un estado de recelo, desconfianza y en definitiva de rivalidad. Por un lado Michael (John C. Reilly) y Penelope (Jodie Foster), una pareja de clase media, él un comerciante con pocas aspiraciones y ella una mujer de profesión liberal que trata de salir de la mediocridad; y por el otro Alan (Cristoph Waltz) y Nancy (Kate Winslet), un matrimonio de clase alta estirado y distante, él un importante abogado de una compañía farmacéutica cínico, distante y obsesionado con su trabajo y ella una obsesiva neurótica con un peculiar sentido de la justicia. La sombra de Quien teme a Virginia Woolf planea sobre esta historia, pero su inclinación a la ironía, el humor negro, y en definitiva, la comedia, sitúan a Un Dios Salvaje en unas coordenadas bien distintas en donde en todo momento se busca la complicidad del espectador, quien permanece con la sonrisa en la boca en mas de la mitad del metraje.

Resulta abrumador el descomunal trabajo de los actores en todos los sentidos por dotar de total credibilidad a esta historia que no es más que un reflejo de la hipocresía de la sociedad actual y de muchas convenciones sociales. La opinión y la relación recíproca de cada uno de los personajes, tras una inicial farsa de bienquedismo y jijijí jajajá empieza a salir pronto a la superficie y toda la vida, opiniones y creencias de los cuatro parecen saltar por los aires con un inevitable y fortuito choque entre ellas. Detalles muy cómicos e incluso escatológicos refuerzan lo hilarante de un conjunto que muestra lo patéticos que podemos llegar a ser los seres humanos en ciertas situaciones. Cien por cien recomendable

UNAS ELECCIONES DE MIERDA

2011-11-18T16:52:00.000+01:00

En una época de crisis ecónimica extrema y acojonamiento total de las gentes nos tocan elecciones generales en España. Estaba claro que la cada vez más inepta clase política de este país iba a convertir estos comicios en un espectáculo lamentable en su campaña electoral, y así ha sido.

El domingo dia 20 de noviembre toca votar y parece que cada vez más gente ya no confía en los políticos. Normal, viendo lo que se ve y oyendo lo que se oye. En fin, que pase lo que pase y gane quien gane, la cosa ira igual o peor. Nadie nos salvará de la crisis, pero lo que es peor, nadie nos salvará de un panorama político deplorable y de unas políticas públicas en las que no habrá ni una sola solución convincente.

Pase lo que pase el domingo...todo será una mierda

El aparatito Lumiere ANONYMOUS

2011-11-14T19:53:00.002+01:00

No resulta convincente esta película de historia-ficción pese a su interesante premisa: elucubrar sobre la verdadera autoría de las obras de William Shakespeare, sosteniendo la teoría existente del que el verdadero autor de toda la obra de Shakespeare era el oscuro conde de Oxford Edward de Vere, ya que el escritor de Stratford era en realidad un actor de familia humilde y sin apenas estudios (y a parte que poco se conoce de su vida incluso hoy en día). Pero lo que podía ser una película apasionante e ingenioso se queda en un mediocre pastiche de thriller de época en donde el asunto de la autoría de la obra del supuesto genio de las letras inglesas cae en un segundo plano ante la prominencia de una intriga política- también algo fantaseada- bastante de andar por casa. Al final un batiburrillo de personajes y situaciones no muy bien resueltas en medio de un conjunto muy irregular

El principal problema es que esta película cuenta con un director totalmente inadecuado como es el alemán afincado en EEUU Roland Emmerich, especializado en superproducciones comerciales de catástrofes y desmanes varios y que con este filme trata de demostrar que tiene otras registros y que le puede salir bien la cosa: pues no, Anonymous, tiene un look de principios del siglo XVII impostado, manierista y artificial (la mayor parte de los escenarios se nota que están hechos en la postproducción por ordenador) y se ponen más énfasis en recursos del thriller tradicional contemporáneo que en los de la intriga histórica. Los actores británicos que intervienen (Rys Ifans como de Vere, Rafe Spall como Shakespeare o Joely Richadson como la Reina Isabel de joven) no son los adecuados salvo tal vez el un tanto forzado David Thewllis como el pérfido Lord Cecil y la gran Vanessa Redgrave como la Reina Isabel II en su madurez. Hay personajes por un tubo y la superposición de diferentes historias e intrigas muchas veces puede despistar al espectador. La película, tras un comienzo realmente soporífero empieza a adquirir interés ya en los compases finales que preludian el desenlace, pero al final resulta ser una falsa alarma. Puede resultar interesante eso sí la recreación de las representaciones del teatro Globe en donde se nota un cierto esfuerzo por presentar fielmente la esencia del teatro isabelino y todo lo que le rodeaba (actores, atrezzo, espectadores) además de mostrar varios fragmentos de obras de Shakespeare, aunque aparezcan estos espectáculos casi como si de conciertos de rock se tratasen. Un consejo: que nadie espere ver en esta película una especie de Shakespeare in Love, porque no es nada de eso. En unas manos mas adecuadas y con un enfoque más trabajado, esta podía haber sido una muy buena película, pero…

Mis 50 discos que te cagas (37): BRUCE SPRINGSTEEN – THE RIVER (1980)

2011-11-11T18:56:00.000+01:00

Un ejercicio de grandeza y poderío musical fue lo que Bruce Springsteen consiguió con su quinto álbum The River , hoy considerado todo un clásico de la música popular. Obra de un cantante y compositor en estado de gracia, The River es un doble LP de vocación ecléctica pero sin salirse de las coordenadas del rock urbano visceral y potente que The Boss dominaba, aunque eso sí, resultó un disco no solo más variado que su glorioso predecesor Darkness on the Edge of Town (1978) sino también más espontáneo, visceral e incluso desenfadado que aquel. Al final, logró superarlo en cuanto calidad y Springsteen vio aumentado su prestigio y se convirtió en un ídolo musical en EEUU (en el resto del mundo la cosa iba algo más despacito) con su disco más vendido hasta la fecha. 20 canciones prácticamente redondas y pensadas para arrasar en directo ejecutadas en cuerpo y alma por Springsteen y su cada vez más perfecta y compenetrada E Street Band.

Inicialmente, Bruce pretendió que la mayor parte del material se incluyese en un LP de formato sencillo que se iba a publicar a finales de 1979 y que iba a llevar por título The Ties That Bind, pero más temas surgieron y al final se dio cuerpo a un doble álbum en donde se combinaban temas más rockeros, eléctricos y alegres con otros acústicos y más introspectivos. No obstante, en todos la temática y el espíritu era común: la crónica del americano medio de clase trabajadora, agobiado y atrapado por una realidad asfixiante (precariedad económica, desempleo, matrimonios fallidos, problemas amorosos varios) pero con una enorme voluntad y un carácter de perdedor rebelde y desafiante que dejaba un halo de esperanza. En resumidas cuentas, un atractivo y oportuno balance entre la negatividad y la esperanza que hace de este disco pura delicatessen emocional. El primer LP/CD del formato doble tiene un carácter más rápido, inmediato y de canciones mas cortas, mientras que el segundo es más complejo e intenso tanto lírica como musicalmente y tendente a la balada, aunque los temas en ambos serían perfectamente intercambiables en uno y en otro. Hay de todo no obstante; rock and roll directo y emocional como The Ties That Bind con su lograda melodía o la velocidad de crucero de You Can Look (But You Better Not Touch) o Two Hearts, que se convertirá en un tema habitual en el directo del Boss; conexiones soul, ya bien con reminiscencias R&B como la pegadiza e irresistible Sherry Darling (grabada con efectos de un falso directo) o con un ramalazo más purista como la ya clásica Hungry Heart con el entrañable piano de Roy Bittan (este tema iba a ser cedido inicialmente a Ramones); espíritu folkster con la sombra de Dylan, Pete Seeger y Woody Guthrie con I Wanna Marry You o Fade Away y su delicada fuerza melódica; y emocionante singer-sonwriter (apuntando a su futuro LP Nebraska, 1982) con baladas acústicas del calibre de Independence Day, Wreck on the Highway y sobre todo la maravillosa The River , una de las canciones más celebradas de Springsteen y una de las canciones de amor más emotivas de todos los tiempos: basada en la amarga historia real de su hermana y su cuñado, realmente humedece los ojos aún habiéndola oída una y otra vez, un tema sencillamente atemporal e inmortal.

El Bruce Springsteen más proleta y callejero de Born in The USA se vislumbra en el pop rock casi AOR de Out in The Street, otro must del de Freehold en directo y en baladas más eléctricas y estándar como la solemne y sombría Solen Car. Cadillac Ranch es puro rock americano de irresistible tempo con característica letra de amor a los coches (y a las estrellas de cine), mientras que The Price You Pay marcará el patrón de los medios tiempos rockistas de Springsteen en el futuro. En todas las canciones, un Bruce apasionado y entregado cada vez más entero y con más registros como intérprete vocal (la inflexión vocal de Hungry Heart le hacía casi irreconocible) y una E Street Band absolutamente enorme en donde Steve Van Zandt y Clarence Clemons cada vez tenían mayor protagonismo. Springsteen se marchó de gira mundial en 1980-81 con este disco y arrasó allá por donde pasó y no es para menos, la leyenda de Bruce Springsteen estaba naciendo y en ello The River tiene mucha culpa. Un disco idea para no iniciados en la obra del músico y una absoluta gozada para los oídos de principio a fin: la obra maestra de uno de los más grandes.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Rock Urbano, Rock and Roll, Rock Americano, Folk Rock, Soul Rock

Publicación: octubre 1980

Sello original: Columbia

Producción: Bruce Springsteen, Jon Landau y Steve Van Zandt

Duración: 83:47 (Doble LP)

Músicos:

Bruce Springsteen: voz, guitarra, harmónica, piano en Drive All Night

Steve Van Zandt: guitarras, armonías vocales, coros

Clarence Clemons: saxo, percusión, coros

Roy Bittan: piano, órgano en I´m a Rocker y Drive All Night, coros

Garry Tallent: bajo

Danny Federici: órgano, xilófono

Max Weimberg: batería

Flo & Eddie: armonías vocales en Hungry Heart

Track listing

1- The Ties That Bind

2- Sherry Darling

3- Jackson Cage

4- Two Hearts

5- Independence Day

6- Hungry Heart

7- Out in the Street

8- Crush on You

9- You Can Look (But You Better Not Touch)

10- I Wanna Marry You

11- The River

12- Point Blank

13- Cadillac Ranch

14- I´m a Rocker

15- Fade Away

16- Stolen Car

17- Ramrod

18- The Price You Pay

19- Drive All Night

20- Wreck on the Highway

RAYOSC YA ESTÁ EN FACEBOOK!

2011-11-10T20:14:00.000+01:00

Ahora, Rayos C en la Oscuridad brillará en Facebook

http://www.facebook.com/profile.php?id=1456724301#!/pages/Rayos-C-en-la-Oscuridad/262663310447055?sk=wall

Os esperamos!

El aparatito Lumiere - EL NIÑO DE LA BICICLETA (LE GAVIN AU VÉLO)

2011-11-07T20:58:00.000+01:00

***

Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne son dos cineastas belgas que han firmado en comandita una filmografía de gran calidad desde los años 80 tocando temas sociales e inmediatos pero al mismo tiempo narrando interesantes ya trayentes historias sin nada de panfletario ni demagógico. Dos de sus películas anteriores, Rosetta (1999) y El silencio de Lorna (2008), tuvieron muy buena acogida internacional y ahora vuelven a dar en el clavo que esta su nueva película, una película tan realista, creíble, árida y amarga como lo eran los dos filmes anteriores aunque en esta ocasión se deja un pequeño poso para la esperanza. Porque los Dardenne no son unos cineastas artificiosos y ni tan siquiera gustan de utilizar recursos narrativos intrincados, sino que son unos narradores, claros, concisos y sin ambages capaces de presentar personajes con un trasfondo muy simple y concreto pero con una enorme fuerza dramática gracias al humanismo con que los presenta, claramente reconocible peor su realismo y por al habilidad de estos directores en mostrar retazos naturalistas de la vida misma. Aunque en esta ocasión no han andado tan atinados como con El silencio de Lorna, lo cierto es que han hecho una pequeña y más que interesante película que desde luego da que pensar. Un Gran Premio del jurado en Cannes es el galardón que exhibe orgulloso esta película.

La infancia desprotegida es en lo que en esta ocasión fijan su mirada los hermanos directores, con un tono bastante crudo en el que el pequeño protagonista, Cyril, un crío de 12 años que ansía huir del centro de menores donde su padre -un hombre sin recursos - le ha internado contra su voluntad trata de encontrar su lugar en el mundo y de alcanzar una felicidad esquiva que para él representa una bicicleta que su padre le prometió y que tuvo que vender sin poder entregársela. La consecución de la bici irá pareja al ansia por salir del centro y por encontrar un referente adulto que su padre no le puede dar y que hallará en Samantha, una joven peluquera a la que conoce por casualidad. Pero con o sin bici, nada será fácil, y la propia inocencia del chaval le pondrá en más de un apuro. Una reflexión de la situación de desamparo en la que se encuentra la infancia cuando es malamente descontextualizada y extraída de su propio mundo y de una vida familiar aceptable que en esta película adquiere un tono agridulce. Un guión bien planteado y una parquedad descriptiva sobre los personajes muy oportuna refuerza el total realismo de la propuesta sin que la cosa resulte aburrida o desagradable de ver, al contrario. Unas buenas interpretaciones (especialmente del pequeño Thomas Doret) y puesta en escena sugerente y robusta culminan un filme que sin ser nada del otro jueves merece la pena verlo.

LAS RAICES DE LOS SUPERHÉROES

2011-11-06T15:27:00.003+01:00

Luchadores contra el crimen con facultades sobrehumanas y extraordinarias que les convierten en casi invencibles y en ultraeficaces en sus propósitos justicieros. Enmascarados esquivos que ocultan su verdadera identidad a la sociedad y actúan casi de incógnito. Con curiosos atuendos y a veces increíbles y sofisticadas armas, vehículos e inventos. Esos son los superhéroes, caracteres arquetípicos del mundo de la ficción de enorme aceptación popular en los siglos XX y XXI en el mundo del cine, la televisión y sobre todo el cómic. Aunque popularmente se cree que Superman, creado como personaje de cómic en 1938, fue el primer superhéroe, esto no es cierto. Desde principios del siglo XX e incluso antes algunos escritores crearon los primeros héroes (a veces rudimentariamente) superdotados. Esta fue a grandes rasgos la prehistoria de los superhéroes.

Humanos prodigiosos, justicieros románticos

El personaje del superhéroe (o la superhéroina) siempre se asocia con creaciones genuinas y características de la segunda mitad del siglo XX, para el medio del cómic, de la literatura de evasión o del cine y con el género de la ciencia ficción debido a que muchas veces el origen de las habilidades extraordinarias (superpoderes) de estos héroes (o de ellos mismos) procede de avances imposibles o desconocidos de al ciencia o directamente de otros mundos o planetas, todo siempre desde la perspectiva científico-cultural de finales siglo XX. Pero héroes super extraordinarios y con no pocas atribuciones que recuerdan a los superhéroes de segunda mitad del siglo XX y siglo XXI ha habido en el mundo de la ficción desde épocas muy antiguas. Antes del boom del cómic en USA en los años 40 y que popularizó el concepto de superhéroe, nacieron los primeros superhéroes y personajes heroicos cuyas atribuciones dieron origen a los modernos justicieros prodigiosos. Y es que en realidad el concepto de superhéroe, como constructo y fabulación, es casi tan antiguo como el hombre.

Robin Hood, el primer justiciero clandestino

Remontándonos muy atrás en el tiempo, en la edad antigua, seres humanos con capacidades prodigiosas y por así decirlo, semidivinas, podían ser los héroes de la antigua Grecia: Hércules, Perseo, Aquiles y todos aquellos personajes mitológicos griegos concebidos como hijos de mortales y dioses. También Superhéroes de la antigüedad (en su vertiente bíblica) podían ser Sansón, o el germánico Sigfrido y más tarde en la edad media no pocos caballeros andantes y héroes tenían sus atribuciones prodigiosas: Arturo y sus caballeros, Amadís de Gaula, Palmerín de Inglaterra, o algunos héroes tan inmortales como Robin Hood, que pese a que no tuviese ninguna cualidad sobrehumana, su concepción de héroe inmaculado y perfecto, sus características de “honrado forajido” escondido desde su “base secreta” (el bosque de Sherwood) y su condición de luchador contra el mal por “cuenta propia” guardan no pocas similitudes el concepto de héroe justiciero de muchos personajes de ficción posteriores, así como su caracterización romántica en su lucha contra el mal y en defensa de los débiles (compartida con la de los caballeros andantes) es inspiradora de la motivación de muchos héroes enmascarados o de incógnito.

Precisamente el actuar en pos de la justicia oculto de la vida civil y preferentemente en momentos determinados cuando la necesidad lo requiera (auxiliando a los indefensos, luchando contra las amenazas de los villanos) es no solo una característica de héroes forajidos como Robin Hood sino de los contemporáneos superhéroes. Por otra parte, el personaje del honrado bandido teóricamente al margen de una justicia oficial que se encuentra en realidad corrompida será a partir del personaje del mítico arquero surgido del folklore popular inglés –cuyos primeros poemas escritos sobre él datan del siglo XV- bastante común en el imaginario colectivo occidental, primero en la cultura anglosajona y después en todo el mundo; piénsese por ejemplo en Dick Turpin, salteador de caminos real del siglo XVIII del que en el siglo XIX se escribieron novelas en donde se le retrataba como un valeroso, romántico y heroico Robin Hood dieciochesco cuando en realidad fue un asesino, o en el Dr. Syn, del que hablaremos luego. El Dick Turpin literario -nacido a mediados del XIX- y su banda de forajidos fueron además unos de los primeros personajes heroicos de ficción que lucían antifaz para no ser reconocidos (algo propio en los bandidos reales de aquella época) rasgo muy característico de los superhéroes del siglo XX (Batman, Spider-Man, La Visión, Iron Man, Daredevil y un sin fin).

El mundo necesita héroes

La Pimpinela Escarlata

La imaginación de las gentes siempre ha buscado héroes y los relatos populares y la literatura dispensaron de héroes de ficción a la humanidad durante siglos. Los ejemplos en la literatura y tradición popular ya los hemos visto: en definitiva, modelos éticos y morales de comportamiento dispuestos a arriesgar su vida a favor de la justicia, el bien y el prójimo. Ya les había intachables y cuasi invencibles, a veces con aura casi divina heredera del relato mitológico de dioses y héroes de la antigüedad, especialmente de la antigua Grecia. El modelo del héroe con un poder sobrenatural (fuerza descomunal, enorme velocidad, capacidad de alterar las leyes de la naturaleza) propio de épocas paganas pronto se recuperaría en gran número de héroes de ficción surgidos a partir del siglo XIX. Las andanzas de Lancelot, Tristán u otros caballeros de Arturo no siempre eran bien vistas por el estamento eclesial por su carácter altamente fantasioso y por incluir elementos de magia pagana provenientes de la época precristiana y lo mismo pasaba con los libros de caballería españoles del siglo XVI como el Amadís. Personajes como los ya citados Robin Hood y Dick Turpin se aproximaban más a una concepción más realista del héroe y durante siglos se prefirió el héroe o aventurero mundano a cualquier Hércules o Jasón. En ese sentido, otros héroes griegos como Ulises, desprovistos de aptitudes prodigiosos aunque viviesen aventuras fantasiosas y extraordinarias, tuvieron más aceptación durante siglos tanto entre intelectuales y estudiosos como entre el pueblo llano que los semidioses de la mitología helena clásica. Con todo, el prototipo del héroe aventurero justiciero nacido en los romances y en la literatura de caballería de la edad media pronto se fusionaría con el modelo del héroe superdotado de la mitología pagana. ¿La razón? Podría ser resumida simplemente como un anhelo de dotar a los héroes de características omnipotentes y casi divinas, por que ¿Quién no ha querido ser nunca un dios?

Spring_Heeleed jack

Se dice que el primer superhéroe concebido como un personaje heroico con características extraordinarias fue el británico Spring-Heeled Jack, que en 1840 protagonizó la novela Spring-heeled Jack, the terror of London de John Thomas Haines, a la que siguieron diversos folletines de aventuras en las décadas de 1860 y 1870 que gozaron de gran éxito en el Reino Unido. Lo más significativo es que las historias de Spring-Heeled Jack estaban basadas en unos acontecimientos acaecidos entre 1837 y 1838 en diversos puntos de Inglaterra y Escocia y que dieron origen a la leyenda del personaje: una serie de personas aseguraron ver a una especie de demonio con garras y ojos en llamas que daba espectaculares saltos. El bautizado por la prensa como Spring-heeled Jack se convirtió pronto en una leyenda popular y hoy en día su existencia real es un enigma; en los folletines y novelas apareció primero como un bandido disfrazado con una sobrenatural habilidad para el salto y después como un luchador justiciero que en realidad era un noble que poseía una guarida secreta y era capaz de inventar artilugios para desplazarse a enorme velocidad y dar enormes saltos. En resumidas cuentas, un claro antecedente de Batman y precursor del concepto de la doble identidad, totalmente extendido en el mundo de los superhéroes. Pero hasta 1903 no nacería el que puede ser considerado como el en muchos aspectos modelo del superhéroe moderno: The Scarlet Pimpernel (La Pimpinela Escarlata), creado por la Baronesa Emma Orczy, escritora y noble británica de origen húngaro quien concibió a este personaje como héroe protagonista de una obra teatral epónima convertida en novela por la propia autora en 1905. Posteriormente escribiría 10 secuelas más hasta 1940, debido al gran éxito del personaje en todo el mundo. La Pimpinela Escarlata y sus continuaciones eran unas novelas de aventuras de capa y espada ambientadas mayormente en Francia en la época de la Revolución cuyo protagonista, Sir Percy Blakeney, es un aparentemente petimetre rico inglés que bajo la misteriosa identidad de la Pimpinela Escarlata comanda una sociedad secreta formada por notables ingleses que se dedican a liberar a los condenados a muerte en la guillotina. Nadie en Inglaterra ni en Francia sabe quien es ese misterio personaje que firma sus cartas con un dibujo de una pimpinela escarlata y que con su inteligencia y habilidad para urdir planes y liberar prisioneros desafía a la justicia revolucionaria francesa. La Pimpinela tomó de Spring-heeled Jack el copiado hasta la saciedad concepto de la identidad privada del héroe justiciero misterioso, ofreciendo también por primera vez la antítesis radical entre la personalidad heroica y la personalidad cotidiana: por ejemplo, en el caso de la Pimpinela Sir Parcy en su vida privada se comporta como un artificioso, presuntuoso y snob noble del siglo XVIII para no dar ninguna pista sobre su “máscara” justiciera.

Los enmascarados en novelas de aventuras

El Zorro

El modelo del “héroe clandestino” se consolidó con la Pimpinela Escarlata al mismo tiempo que se estaba demostrando que las aventuras de este tipo de personajes en los primeros compases del siglo XX tenían un muy adecuado soporte en novelas baratas o folletines, géneros literario-editoriales muy populares que se dedicaban fundamentalmente a entretener al lector con aventuras exóticas, historias fantásticas, crónicas del oeste americano, historias de época, narraciones detectivescas y nuevos géneros como la ciencia ficción. En EEUU nacieron las “pulp fictions”, revistas o librillos de pequeño formato y con papel barato con historias policíacas o de aventuras que hacían las delicias de miles de lectores especialmente adolescentes y jóvenes adultos. En las páginas de los pulp americanos, además de otros personajes, se crearon varios proto super héroes como El Zorro. El Zorro nació en 1919 creado por el escritor nortemericano Johnston McCulley en las páginas de la revista pulp All story-Weekly; se trataba de un espadachín y jinete enmascarado mexicano que actuaba en la California española de principios del siglo XIX defendiendo a los débiles y oprimidos de las injusticias y de los abusos de los poderosos y de las clases dirigentes corruptas. En definitiva, una enésima variación del mito de Robin Hood solo que esta vez se introducían elementos de la aventura de capa y espada (El Zorro era un consumado maestro del florete) y del Far West. El Zorro (llamado así en español en todas sus publicaciones en inglés) era la personalidad secreta del noble hispano-mexicano Don Diego de la Vega, quien en su vida fuera de su personalidad como el Zorro fingía ser un hombre cobarde, holgazán y poco amigo de las aventuras (clara inspiración para el Clark Kent de Superman). La indumentaria del personaje inspiraría a no pocos superhéroes: traje negro con capa y antifaz, para evitar que nadie supiese que el Zorro era Don Alejandro. La Z que el personaje trazaba con su espada en las ropas de sus enemigos o en otras superficies puede ser considerado como el primer símbolo super heróico, anticipándose a al S de Superman, la araña de Spider-Man, el relámpago del Capitán Marvel o la X de los X Men. McCulley escribió más relatos sobre el Zorro hasta su muerte y pronto el éxito del personaje le hizo protagonista de numerosas películas, series de televisión, cómics y seriales radiofónicos. Hoy en día este personaje sigue siendo uno de los héroes de ficción más conocidos de todos los tiempos. No obstante, en 1915 ya había nacido en el Reino Unido un héroe justiciero similar, el Doctor Syn aka The Scarecrow (El Espantapájaros), otro bandido honrado enmascarado, creado por Russell Thorndike en una serie de novelas. Cristopher Syn es un hombre culto de la Inglaterra del siglo XVIII (concretamente el condado de Kent) al que el sentimiento de venganza le hace convertirse en un pirata y más tarde en un jinete forajido bajo el siniestro disfraz de un espantapájaros viviente, mientras que en su vida “civil” es un apacible vicario. De nuevo, el héroe enmascarado luchando por los oprimidos ante las injusticias de los poderosos. Y no habría que olvidarse que Tarzán, creado en 1912 por el escritor Edgar Rice Borroughs, con su increíble capacidad física podría ser otro antecedente de los superhéroes.

El Espantapájaros

Personajes extraordinarios por el ancho mundo

Fantômas

No solo se crearon héroes enmascarados en los primeros compases del siglo XX en el ámbito anglosajón, en Francia antes de 1930 nacieron varios personajes que anticiparon el concepto moderno de superhéroes con mayor precisión que las creaciones anglosajonas antes mencionadas. De hecho, estos primeros superhéroes galos vivían aventuras más cercanas a la ciencia ficción de entonces, género estrechamente relacionado con las modernas aventuras de estos personajes especialmente en lo tocante a explicar el origen de sus poderes extraordinarios. Fantômas, en realidad un supervillano, fue creado en 1911 por Marcel Allain y Pierre Souvestre para una serie de novelas que lograron gran éxito en todo el mundo. Fantômas es un genio del mal con no pocas características de muchos superhéroes y supervillanos posteriores del mundo del cómic, un hombre capaz de idear complicadísimos robos, macabras trampas y retorcidos planes para llevar a cabo asesinatos, un villano megalómano que además es un maestro del disfraz capaz de asumir un millar de identidades y que resulta totalmente de imposible de detener, lo que trae de cabeza a la justicia. En las ilustraciones de los primeros libros (se llegaron a publicar 32 solo entre 1911 y 1913) Fantômas aparece como un hombre vestido con frac, chistera y antifaz negro. Este personaje además fue el primer “enmascarado” literario que tuvo adaptación cinematográfica en cinco seriales rodados entre 1913 y 1914. También en 1911 nació el primer superhéroe francés, Nyctalope, creado por el escritor Jean de la Hire, un hombre que combate el crimen con sus extraños poderes en aventuras adscritas dentro del género de la ficción científica y la fantasía. Podemos considerar a Nyctalope como el primer superhéroe dentro del sentido estricto de la palabra (un héroe con poderes sobrehumanos), aunque no tuvo apenas repercusión fuera de Francia y no se puede decir que influyese en la creación de personajes como Superman, aunque si que contenía elementos claramente tomados del Spring-heeled Jack literario quien en realidad no tenía superpoderes como Nyctalope sino gadgets y artilugios fantásticos. En Francia también nació la primera heroína enmascarada de la historia (en realidad más bien villana) y el primer héroe superdotado nacido directamente del cine, Irma Vep, la protagonista del serial Los Vampiros de Louis Feulliade. Irma Vep era una miembro destacado de la organización criminal “Los Vampiros”, planeaba la mayor parte de los golpes y los ejecutaba con suma maestría muchas veces embutida en un ceñido traje-maillot negro con capucha (en los años 10 se creó y se puso de moda ese tipo de prenda). La fascinante actriz Jeanne Roques, conocida con el sobrenombre de Musidora interpretó a la intrépida Irma Vep y convirtió a ese personaje en un icono popular francés en los años 10. El peculiar atuendo de Vep es un claro antecedente de las mallas y leotardos de los futuros superhéroes del cómic, siendo notoria inspiración además del traje de The Phantom, personaje creado en 1936 y que fue el primer héroe del cómic en lucir lo que muchos editores y periodistas llamaron con sorna “calzoncillos largos”.

Musidora como Irma Vep

Años 30: Justicia clandestina y héroes perfectos

The Shadow

Hasta los años 30 los superhéroes no tomarían su ámbito natural, el cómic; eso fue debido a que el género de aventuras con dibujo realista no hizo su aparición en el noveno arte hasta finales de los años 20 (el cómic nació a finales del siglo XIX) y por lo tanto no hubo sitio durante mucho tiempo a este tipo de personajes heroicos en un mundo de la viñeta en donde solo se hacían historietas humorísticas con dibujo caricaturesco. Muchos dicen, y con razón, que el primer superhéroe del cómic fue Popeye, creado en 1929, pese a ser un personaje caricaturesco y al principio con poco de héroe. Su superatribición era (y lo fue durante toda su larga vida como personaje de ficción) su descomunal fuerza obtenida por la ingestión de espinacas. Tendrían que pasar varios años hasta que surgiese el primer superhéroe de tebeo realista. Por otra parte, en 1930 en EEUU nació como personaje de serial radiofónico uno de los modelos más avanzados del superhéroe moderno que se habían hecho hasta entonces, The Shadow (La Sombra), creado por Walter B. Gibson e inspirado en personajes como Fantômas, La Sombra era un veterano de la I Guerra Mundial que decide fingir su muerte y luchar contra el crimen asumiendo varias identidades civiles para pasar desapercibido. La Sombra es capaz de volverse cuasi invisible y de hacer algo parecido a la teletransportación, ataviado con gabardina, sobrero de ala ancha, capa y una bufanda que oculta parcialmente su rostro. Casi inmediatamente, las aventuras del personaje pasaron al pulp, donde tuvieron enorme éxito y a partir de 1938 al cómic. Por su introducción del elemento claramente fantástico -que ya aparecía en Nyctalope y en algunos aspectos de Fantômas- se puede considerar a The Shadow como el primer modelo prototípico de la ficción de superhéroes como es entendida actualmente. Otro personaje norteamericano que es un claro antecedente del superhéroe moderno es otro clásico del pulp, Doc Savage. Creado en 1933 por los editores Henry Nalston y John L. Nanovic y el escritor Lester Dent, Doc Savage era un aventurero sin poderes extraordinarios pero eso sí con una enorme fuerza, inteligencia y agilidad gracias a que fue educado por su padre, un insigne científico, pera obtener un “humano perfecto”, con habilidades en diferentes campos como la medicina, la física, la detección, las ciencias exactas, las actividades atléticas o la música. Inspirado en personajes de la mitología antigua como Hércules o Sansón, esto de la fuerza descomunal de los superhéroes será una constante a partir de este momento y se puede considerar a Doc Savage como el antecedente de Superman y de otros héroes con superfuerza, además de ofrecer no poca inspiración a otros personajes como James Bond, ya que Doc Savage contaba con la ayuda de inventos y artilugios revolucionarios para los años 30, y a Indiana Jones. Las aventuras de Savage eran una mezcla de aventura exótica, ciencia-ficción, fantasía y género policíaco que hicieron las delicias de miles de lectores en USA y convirtieron al personaje en una celebridad. Las novelas originales de Doc Savage se publicaron entre 1933 y 1949 y fueron reeditadas con gran éxito para una nueva generación de lectores en los años 60. El personaje también tuvo su adaptación en serial radiofónico, cómic y cine. También es de justicia mencionar que en 1930 nació en Japón un personaje de ficción que puede ser considerado un protosuperhéroe, Ogon Bat.

Doc Savage

Nacen los superhéroes de tinta china

Mientras nacían los primeros héroes de ficción superperfectos en los años 30, los héroes enmascarados seguían estando de moda en aquella época. En el campo del teatro radiofónico surgieron nuevos antecedentes del superhéroes, The Lone Ranger (El Llanero Solitario, 1933) y The Green Hornet (El Avispón Verde, 1936) el primero un cowboy ranger de Texas que decide llevar a cabo una cruzada contra el crimen por su cuenta y el segundo un justiciero free-lance envuelto en asuntos policíacos y de serie negra. Rasgo común de ambos, su máscara-antifaz, a parte de su condición de cruzados independientes contra el crimen. Pero fue en 1934 cuando nació el primer superhéroe original de cómic, Mandrake el Mago de la pluma del gran Lee Falk, prácticamente el padre del superhéroe de tebeo. Mandrake, cuyo “poder” es la hipnosis (algo en realidad nada extraordinario), se convirtió pronto en un personaje muy popular con sus fantasiosas historietas en donde este mago con bigote, capa y chistera acompañado de su fiel ayudante africano Lothar se las veía lo mismo con gángsters que con extraterrestres o supervillanos. Y dos años más tarde, el propio Falk dio vida al que será el modelo estético del superhéroe de cómic: The Phantom (conocido en las traducciones españolas como El Hombre Enmascarado o El Fantasma). El Fantasma de los cómics de Falk y sus continuadores (sus aventuras se siguen publicando en la actualidad) es en realidad el miembro actual de una estirpe sucesoria de justicieros enmascarados que se remonta al siglo XV y cuyo fin es combatir el crimen, la delincuencia y la injusticia. La mayor parte de los villanos y del pueblo llano desconoce que ha existido una saga de Fantasmas y piensa que el justiciero es inmortal. The Phantom opera desde su base-refugio de la Cueva de la Calavera situada en una imposible jungla con elementos africanos y asiáticos y al igual que El Zorro, tiene su símbolo-señal de castigo: una calavera que se encuentra en su cinturón y su anillo (con este último marca el riostro de sus enemigos). Las historietas de El Fantasma combinan la aventura exótica y policial y están claramente influidas por El Zorro, Tarzán, Mandrake, Doc Savage, El Llanero Solitario y los seriales cinematográficos. Una novedad importante y que iba a suponer una antes y un después en la concepción de los superhéroes a partir de ese momento es la indumentaria del personaje, ya que será el primer personaje de cómic en adoptar la vestimenta elástica (entonces denominada maillot o leotardos) y adaptada al cuerpo haciendo resaltar la musculatura del héroe en cuestión. El Fantasma concretamente vestía un traje elástico (rojo o morado según que historieta) con una capucha que el cubría el cuero cabelludo, además del consabido antifaz y unas altas botas negras. Este atuendo estaba inspirado como dijimos en el que lucía la actriz francesa Musidora en el Filme Los Vampiros. La verdad es que las mallas parecían una prenda cómoda para luchar contra el crimen y moverse de aquí para allá y así lo entendieron los dibujantes y guionistas que a partir de ese momento crearon superhéroes, así como el rostro enmascarado también fue comúnmente recurrente. Por otra parte, El Fantasma continuaba además con el recurso dramático de la “doble personalidad”.

The Phantom

Nuevos héroes de cómic enmascarados como The Clock proseguirán con la tendencia del bravo luchador contra el crimen por cuenta propia, pero con el nacimiento en 1938 de Superman, creado por jerry Siegel y Joe Schuster en las páginas de Action Comics se certifica por fin el nacimiento del superhéroe moderno: justiciero con poderes casi omnímodos (fuerza sobrehumana, vuelo, visión de rayos X, supervelocidad), personalidad civil contrapuesta a la heroica, indumentaria elástica, base secreta de operaciones, símbolo definitorio (en este caso en el traje). Superman, que lucía capa como El Zorro, The Shadow y no pocos héroes de capa y espada, no solo será el modelo en el cual se miren los siguientes superhéroes creados en el mundo de la ficción (Batman, Doll Man, Flash, Wonder Woman, Capitán Marvel, Capitán América, Los 4 Fantásticos, etc), sino que sigue siendo aún el paradigma del superhéroe por antonomasia.

El aparatito Lumiere LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO (ADVENTURES OF TINTIN)

2011-11-02T21:50:00.001+01:00

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Por fin llegó. Mucho se ha estado hablando en los últimos años de la esperada adaptación de Tintín al celuloide por parte de Steven Spielberg y Peter Jackson y se esperaba con ansiedad esta traslación realizada en formato animación digital con la técnica motion capture, tanto por parte de seguidores acérrimos del personaje de cómic creado por el gran Georges Remi Hergé en 1929 como por amantes del cine de aventuras y de evasión, de los cómics en general, y como no, de los fans de la obra del eterno rey midas del séptimo arte, Steven Spielberg y de los de su aventajado discípulo, el neozelandes Peter Jackson (saga El Señor de los Anillos, King Kong). Un maridaje artístico interesante el de Spielberg y Jackson (director y productor de este filme, respectivamente) ya que salvando las distancias Peter Jackson podría ser considerado en muchos aspectos el sucesor de Spielberg. Y Tintín, uno de los personajes más leídos y míticos del noveno arte comiquero y todo un icono cultural europeo se merecía un tándem profesional de ese calibre y una adaptación al cine tan digna como la que estos dos cineastas nos ofrecen: más de 100 minutos de cine de evasión al cien por cien con acción, aventura y humor para dar y tomar respetando y homenajeando además todo el universo del inmortal personaje de tinta china. Los fans irredentos y estudiosos de Tintín (denominados “tintinólogos”) pocas pegas o ninguna encontrarán a esta adaptación que -aunque tomándose algunas licencias hollywoodienses y comerciales- resulta bastante fiel a los álbumes de Tintín y su espíritu entre épico, naïf, irónico, cosmopolita, exótico y repleto de enseñanzas morales y éticas en un contexto de aventura “de toda la vida”: ha sido un acierto hacer una adaptación animada 3D infográfica en lugar de una con actores de carne y hueso permanentemente en la pantalla (los hay en esta película, pero prestando solo sus movimientos y voz a los personajes), tanto acción, personajes y escenarios ofrecen un espectáculo visual de primer orden que con métodos tradicionales no hubiese hecho justicia al cómic original. Es cierto que una animación 3D puede resultar chocante para adaptar un tebeo de la escuela europea llamada “Línea Clara”, basada en trazos muy marcados y concretos y volúmenes y colores simples, pero el resultado final no chirría en ningún momento. Unas imágenes muy bellas en definitiva con un diseño de personajes que combinan magistralmente el realismo con lo caricaturesco respetando al máximo posible la apariencia de los personajes en las viñetas (Tintín es en esta película precisamente el personaje con rostro más realista)

Spielberg tenía los derechos cinematográficos sobre el personaje desde 1983, pero debido a al dificultad del proyecto lo fue apartando en años sucesivos hasta convencerse que había llegado el momento principalmente debido a los avances tecnológicos en el mundo del celuloide. Tal y como al parecer dijo el propio Hergé tras ver En busca del Arca Perdida, Steven Spielberg era el director ideal para llevar a Tintín la cine y así ha sido. El adolescente reportero belga ya había tenido dos olvidables adaptaciones francesas en carne y hueso en los sesenta no basadas en ninguna aventura del personaje, un par de series de animación para televisión, dos pelis de dibujos animados para la pantalla grande y hasta una casi perdida película con muñecos stop motion en los años 40, pero se puede decir que su momento cinematográfico ha llegado por fin de la mano de este filme, el primero de una trilogía planeada por Spielberg y Jackson y de la que evidentemente penderá siempre la sombra de la serie Indiana Jones, que guarda no pocas similitudes con las aventuras de Tintín. Para esta supuesta primera película de una nueva serie, se ha optado por adaptar tres de los mejores álbumes de Tintín: El Secreto del Unicornio (1943) (sobre el que esta basado el grueso argumental del filme), El Tesoro de Rackhman el Rojo (1944) (solo el principio), y El cangrejo de las Pinzas de Oro (1941) (que sirve para incluir el primer encuentro entre Tintín y el borracho e incorregible Capitán Haddock), una buena introducción ya que dichos álbumes concentran gran parte del espíritu tintinesco: búsqueda de algo valioso, localizaciones exóticas, villanos de opereta, situaciones al límite y un sin fin de aventuras y desventuras. El guión que firman Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish ha sabido conciliar el concepto actual del cine de evasión con la aventura tintinesca y resultará atractivo para cualquier público, independientemente de que haya leído o no cómics del personaje y siempre que tenga un espíritu infantil-adolescente (como es recomendable tener ante este tipo de cine) y este desprovisto de prejuicios. Resulta una delicia seguir al siempre avispado y marisabidillo Tintín junto con el descacharrante Capitán Haddock (que en este filme no olvida sus inmortales y rebuscados insultos ni su afición por el whisky) en su búsqueda de los pergaminos que contienen las pistas para hallar un fabuloso tesoro hundido en un barco del siglo XVII cuyo capitán era un bravo antepasado del perdedor y desmañado Haddock, con el pérfido Sakharine al acecho, los patosos policías Hernández y Fernández haciendo el canelo y el perrito Milú sacando a los protagonistas de apuros como de costumbre. Spielberg demuestra haberse adaptado magistralmente al Motion Capture y ofrece unos personajes cuidadosamente presentados y con enorme realismo infográfico y unos escenarios currados hasta el más mínimo detalle: como muestra, el espectacular realismo de la ciudad marroquí de Bagghar, las dunas del Sahara o la travesía oceánica del Karaboudjan. Y en cuanto a escenas, es de mencionar la super adrenalina que desprenden los espectacularmente vertiginosos planos-secuencia de la persecución en Bagghar o la deslumbrante batalla naval en el flashback de la historia de Francisco de Haddocke contra el temible Rackhman el Rojo: colosal. Y eso, solo por citar algunos ejemplos.

Una buena parte de lo bien que funciona el filme no sería posible sin las interpretaciones (con sensores de movimiento) de Jamie Bell, como un más que convincente Tintín, Andy Serkis (el Gollum de El Señor de los Anillos) como el capitán Haddock -increíble, ¡Haddock vive y es Andy Serkis!- Daniel Craig como Ivan Ivanovich Sakharine y Simon Pegg y Nick Frost como Hernández y Fernández. En la peli también aparecen personajes tan significativos en el universo de Tintín como el carterista Aristides Silk (Toby Jones), el jeque Omar Ben Salaad (Gad Elmaleh) y la cómicamente altiva diva operística Bianca Castafiore (Kim Stengel) quien tiene un momento crucial en el filme. Habrá que esperar a las próximas entregas para ver al Profesor Tornasol y al malvado Rastapopoulos. Momentos dados extraídos de varias aventuras de Tintín, guiños fugaces a álbumes míticos del personaje, un directo homenaje a Hergé al principio del filme, autorreferencias spielberganias y unos excelentes títulos de crédito iniciales ponen de manifiesto que esta película quiere no solo ser una adaptación al cine sino un más que merecido homenaje a Tintín y al mundo del cómic con mayúsculas. Una muestra de cómo se puede hacer una gran película desde el entretenimiento y con un máximo aprovechamiento de las nuevas tecnologías.

Mis 50 discos que te cagas (36): DAVID BOWIE – SCARY MONSTERS (1980)

2011-11-01T19:18:00.000+01:00

Una nueva década empezaba para David Bowie en 1980 y también empezaba para él una nueva etapa, de nuevo en el Reino Unido tras tres años en Alemania en los cuales alumbró la llamada trilogía berlinesa tres innovadores e influyentes álbumes de pop rock electrónico y ambient experimental (Low, 1977; Heroes, 1977 y Lodger, 1979) que sentaron las bases del tecno pop y el electro de muchos grupos y artistas en los años siguientes. Sin Brian Eno, coartífice musical y co-compositor de muchos temas de la magistral triada, pero aún con el co productor (y amigo) Tony Visconti y algunos de los músicos que participaron en aquellos álbumes, el ya considerado camaleón del rock y una de las principales estrellas musicales del momento por derecho propio quiso hacer un LP más accesible que los de la etapa de Berlín pero sin renunciar al tono vanguardista y experimental de aquellos. El resultado fue un álbum espectacular, sobrecogedor y verdaderamente fascinante que demostró que David Bowie era sencillamente el músico con mayor capacidad de adaptación de cuantos existían en el mundillo del pop rock, capaz de avanzar y a su manera diseñar y crear sonidos y ritmos (aunque, eso sí, en base a ideas previas que él tomaba generosamente prestadas de otros músicos de distinto pelaje) que en poco tiempo serán asumidos por otros artistas y bandas incluso más jóvenes que él. Esto fue lo que ocurrió con Scary Monsters con un Bowie que seguía con su afán de sorprender musical y estéticamente creando una obra inscrita dentro de los parámetros de la nueva ola musical pero en su vertiente más avanzada e innovadora ahora que empezaba a emerger una rama de la new wave, estilizada, posmoderna, cultureta y gualdrapas que idolatraba a Bowie por encima de todas las cosas y que el Delgado Duque Blanco no tardará en adoptar estilística y conceptualmente: los new romantics. Rock vanguardista de primera calidad pero asequible que aumentó aún más el prestigio del polifacético David Bowie y lo convirtió aún más si cabe en estrella. Número uno en las listas británicas de LPs después de 6 años (Diamond Dogs de 1974 fue el último) y con singles en lo más alto de las radiofórmulas, Scary Monsters además de un éxito comercial fue la última obra maestra de Bowie. Se acabaron a partir de este disco los álbumes con cinco estrellas, pero no eso importa

Bowie estaba convencido de que había que enterrar los cocainómanos años de Berlín (en los cuales se le iba la olla con frecuencia con declaraciones en las que llegaba a elogiar a Hitler, fruto de posiblemente de sus sobredosis con los polvos blancos) al menos desde su vertiente estética y en la carpeta del disco Bowie nos presenta a su nuevo personaje, un inquietante clown blanco postmoderno que explotará en el vídeo del primer single Ashes to Ashes. Precisamente este magnífico tema es el mejor y el más emblemático de Scary Monsters, un siniestro himno de pop electrónico en el cual recuperó al mítico Comandante Tom, el protagonista de su Space Oddity, en donde se dejaba clara la simbología del comandante y de aquella canción: “sabemos que el Comandante Tom es un yonki”. Una curiosa desmitificación de la idolatría pop y del propio universo de Bowie ofrecida en un suntuoso envoltorio de sonidos electrónicos servidos principalmente por el sintetizador de guitarra de Chuck Hammer y su inolvidable y fascinante riff electrónico minimalista que realmente creó escuela en el tecno y el synth pop de los primeros ochenta. Un espectacular y delicioso tema que además de llegar al nº 1 en listas se considera ya como una de las mejores canciones del David Bowie, por no hablar de su fascinante y revolucionario video rodado con imagen solarizada y con la participación de algunos de los primeros “discípulos” de Bowie new romantics, entre ellos Steve Strange, el futuro líder de Visage.

El disco en su totalidad en realidad es variado en cuanto a estilos y propuestas, aunque siempre con ese barniz vanguardista-experimental servido principalmente por los sintetizadores de Chuck Hammer y Andy Clarck y la guitarra afilada e imprevisible del omnipresente Robert Fripp, fundamental en temas como Fashion, Scary Monsters (and Super Creeps) y It´s No Game. Roy Bittan, pianista de la E Street Band de Springsteen y Pete Townshend de The Who, también se asoman con acierto a este álbum. Hay heavy electrónico-experimental como It´s No Game (Nº 1) con un Bowie forzando su garganta al máximo -el Nº2, el último corte del disco contiene la mismamelodía con un tempo más de pop rock nuevaolero y una interpretación vocal más contenida-; piezas aptas para pistas de baile pero con un tono excéntrico y vanguardista como Fashion (otro single de éxito) y sus curiosos juegos guitarreros y de coros; pop rock épico y efectivo como Because You´re Young o arrebatador pop liviano electro-acústico como Up the Hill Backwards con una rica covertura vocal en donde David comparte protagonismo con Tony Visconti y los coristas Lynn Maitland y Chris Porter. Scary Monsters (and Super Creeps) pone una nota hard y afectada con la voz de Bowie cuasi distorsionada en medio de un atrayente y veloz marasmo rítmico. Hasta una versión como Kingdom Come de Tom Verlaine, líder de la banda punk neoyoquina Television suena como un genuino tema Bowie y recordando mucho además a la épica de Heroes.

Como venía siendo habitual, al voz de David Bowie sonaba tan versátil, variada e impresionante como siempre, teniendo en este disco sus puntos álgidos en Ashes to Ashes, las dos It´s no Game, Kingdom Come, Scary Monsters y Teenage Wildlife. David Bowie seguía demostrando que era de los más grandes, pero por desgracia este álbum marcará un antes y un después: jamás volvería ha vuelto a hacer un disco excelente. Pese a que con Let´s Dance (1983) venderá más discos que nunca y ampliará notablemente su público, David Bowie jamás volverá a ser el mismo, aunque hasta el momento actual será capaz de hacer una mayoría de discos aceptables. Tras la gira de Scary Monsters, Bowie vio aumentados sus problemas con las drogas y no publicará un nuevo LP hasta 3 años después. Pero tribulaciones y líos a parte, Scary Monsters merece una consideración de obra maestra que la crítica a menudo le niega. Su influencia en el pop new romantic, el tecno pop y algunas vanguardias musicales posteriores fue decisiva.

FICHA TÉCNICA

Géneros: Art Rock, Pop-Rock de Vanguardia, New Wave, Pop Electrónico, Rock Experimental,

Publicación: septiembre 1980

Sello original: RCA

Producción: David Bowie y Tony Visconti

Duración: 45:08

Músicos:

David Bowie: voz, teclados, saxo

Carlos Alomar: guitarras

Robert Fripp: guitarra

George Murray: bajo

Dennis Davies: percusión

Andy Clarck: sintetizador

Roy Bittan: piano en Teenage Wildlife, Ashes to Ashes y Up the Hill Backwards

Chuck Hammer: sintetizador de guitarra en Ashes to Ashes y Teenage Wildlife

Pete Townshend: guitarra en Because You´re Young

Tony Visconti: guitarra acústica en Up the Hill Backwards y Scary Monsters, coros

Lynn Maitland, Chris Porter: coros

Michi Kirota: recitado en japones en It´s No Game (Nº1)

Track listing

1- It´s No Game (Nº1)

2- Up the Hill Backwards

3- Scary Monsters (and Super Creeps)

4- Ashes to Ashes

5- Fashion

6- Teenage Wildlife

7- Scream Like a Baby

8- Kingdom Come

9- Because You´re Ypung

10- It´s No Game (Nº2)

El aparatito Lumiere NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

2011-10-26T19:22:00.000+02:00

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Un nuevo e interesante thriller del bilbaino Enrique Urbizu, que se ha convertido en todo un especialista hispano en el género desde que con La caja 507 (2002) lograra sorprender a propios y extraños y consiguiese enderezar una trayectoria que hasta ese momentos se había mostrado errática e irregular pese a unos comienzos prometedores. De nuevo con el versátil José Coronado como actor protagonista, No habrá paz para los malvados es una película muy interesante de seguir y estructurada como un western (hasta el título parece propio del género, en su vertiente spaggetti) en donde las acciones de un solo personaje mueven toda la trama de la película, la cual parece tiene bastantes trasfondos y subtramas pero que al final no resultan ser tan importantes ya que la historia es en realidad un juego de falsas apariencias. Santos Trinidad, un inspector de policía alcohólico, desaliñado, violento, en horas bajas profesionales y personales y con muchos aspectos turbios en su expediente se en envuelto en una oscuro caso que se inicia con un tiroteo en el que mueren varias personas. A partir de allí, una espada de Damocles parece cernirse sobre su cabeza desde el mismo momento en que un una ambiciosa y avispada jueza (Helena Miguel) y un intachable inspector antiguo compañero de Trinidad (Juanjo Artero) comienzan una investigación en donde se concitan varios turbios asuntos y en donde desfilan todo tipo de personajes (policías, comisarios, soplones, empresarios de la noche, narcotraficantes) cada uno de ellos con extraña ambigüedad moral: hay mucho que ocultar.

El guión escrito por Urbizu y Michel Gaztambide esta genialmente logrado por la razón de que no se nos da apenas información sobre los entresijos de la trama y ni sobre el personaje de Santos Trinidad y pese a ser así desde el principio hasta el final de la película, todo queda explicado por los hechos y por el interesante desenlace del filme. Un personaje realmente bombón el de Trinidad al que José Coronado da vida con convicción y entrega: una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha (¿para el Goya, quizás?). No hay excesiva violencia (la justa) y no se abusa de tópicos y recursos fáciles del género policial, resultando por ello bastante creíble. Su mensaje final de “homenaje al antihéroe” tiene su aquel y da que pensar especialmente en lo concerniente al tema de la importancia de los prejuicios. Una muestra de cómo planteando inteligentemente una película el resultado es casi siempre bueno.