BAD APPLES

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Basada en una novela sueca, esta película británica navegando entre el drama social, la comedia negra y el suspense resulta una obra curiosa y bastante disfrutable en donde brilla especialmente la excelente interpretación de Saoirse Ronan, bordando un papel ambiguo y dual, el de una joven maestra de primaria que obsesionada en responder a lo que se espera de ella y tratando de mejorar su imagen y su competencia profesional será capaz de autoencubrirse un terrible (y bizarro) delito: secuestrar al alumno más conflictivo de su clase. La actriz es casi la película por si sola y sin ella esta película hubiese sido diferente, pese a que la originalidad de su planteamiento la hubiese mantenido como un filme a tener en cuenta.

El sueco Jonatan Etzler vuelve a dirigir en inglés y consigue un filme solvente y sorprendente que toca diversos temas candentes como el fracaso escolar, la responsabilidad del profesor ante alumnos conflictivos, la autoexigencia profesional, la cultura del éxito, las carencias del sistema educativo occidental y la presión social por guardar las apariencias. Maria Spencer, una profe en tela de juicio por parte de alumando, padres de alumnos y parte del resto del profesorado se emte en un berenjenal cuando para a priori trtara de defenderse de su agresivo alumno de 10 años Danny (Eddie Waller) le retiene en su domicilio, iniciando inesperadamente una relación de confianza mutua allí que en las aulas no había tenido con el. El filme funciona en su vertiente de parábola con tintes de sátira y sabe hacer que el componente más de thrilller sea percibido como lo que realmente es, una crítica ácida no exenta de drama. Los minutos finales son de lo mejor del conjunto y es allí donde el significado de la película brilla.

CRONOS

 

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Hace años una película española basada en un suceso real del calibre del que cuenta este filme hubiese sido imposible, pero el avance en los efectos especiales – que no son ya un monopolio del cine hollywoodiense- los presupuestos más holgados con los que cuenta el cine español y sobre todo una mayor convicción a la hora de abordar diferentes géneros y temas ha hecho posible que disfrutemos de esta excelente recreación de cuatro días del verano de 2017 que mantuvieron en vilo a Catalunya y España: los atentados yihadistas de Barcelona y Cambrils del 17 de agosto. Una película que combinando el thriller policial, el drama, la intriga, la crónica política y el apunte costubrista-realista triunfa gracias a un impecable trabajo de puesta en escena y un estupendo hacer interpretativo coral. Fernando González Molina (Palmeras en la Nieve, la adaptación de la Trilogía del Baztán) se consolida como un director completo y de gran habilidad en la que es una de las mejores películas españolas de 2026.

La ciudad de Barcelona además de Cambrils y otras localidades son el muy bien captado escenario de la historia y además claros protagonistas de la misma. Los diferentes personajes- mossos de esquadra principalmente, otros cuerpos policiales, ciudadanos árabes afincados en Catalunya, otros civiles y algún político- aparecen en medio de una situación desasosegante e imprevisible que amenaza en la que las fuerzas policiales tiene que dedicarse en cuerpo y alma. La recreación del complejo operativo policial es simplemente magistral y digna del mejor cine policial con el rasgo plus de que se basa fielmente en un suceso real. Un tour de force narrativo en donde el suspense, el drama personal y el conflicto interior e interpersonal- servidos por el conflicto entre lo laboral y lo familiar de una jefa de los Mossos, la especial relación de una sargento con un joven magrebí que podría ser unos de los perpetradores del atentado o la lucha entre representantes del Gobierno Central y el Gobern de Catalunya sobre quien debe colgarse las medallas, lo mismo que las distintas policías- copan un ritmo de relato vertiginoso que no da tregua al espectador y que sin golpes de efecto ni violencia ni acción gratuita entusiasma y engancha al espectador.

El reparto coral, casi exclusivamente catalán, esta de chapeau: Enriq Auquer, Diana Gómez, Pablo Derqui, David Vert, Mónica López, Xavi Sáez o Israel Elejalde hacen papelones y rezuman credibilidad por los cuatro costados. Cine de género a lo grande para el cine español que muestra como por aquí también se han dado historias reales más que interesantes y como se sabe perfectamente como aprovecharlas.

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO (THE DOG STARS)

 

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Si se despoja de su naturaleza de historia postapocalíptica y se disfruta de un argumento que fluctúa entre la aventura, la historia de supervivencia, la ciencia ficción simbólica y el melodrama esta resulta una interesante película que pese a sus irregularidades y sus fallos de ritmo se sigue con interés y pone de manifiesto que pese a su avanzada edad y el más que discutible empeño de continuar dirigiendo filmes a ritmo frenético y la mayoría mediocres, Ridley Scott sigue teniendo tino y por supuesto oficio. The Dog Stars, basada en una novela de Peter Heller se esfuerza en ser en algo más que una cinta futurista ambientada en una Tierra en donde una pandemia de una misteriosa fiebre ha diezmado a la población y trata de ser una historia de amistad, supervivencia y lucha que pese que en algún momento cae en lo tópico logra tener una cierta emoción humana y gracias al hecho de estar ambientada en amplios espacios naturales muy bien fotografiados resulta una buena experiencia de cine aventurero a la antigua usanza donde no faltan toques de western -más concretamente John Ford, claro- y un cierto tono de Americana que no es precisamente lo más destacado pero si confiere al conjunto una cierta originalidad. Eso si, esta no será una película para todos los gustos.

El viaje del héroe es el leiv motiv del filme, y este es Hig (Jacob Elordi), un antiguo mecánico antes del “apocalipsis” que sobrevive en las praderas de Colorado consuciendo un destartalado aeroplano y en compañía de su perro Jasper. Si vida es una extraña búsqueda de mera supervivencia en una existencia nihilista aderezada a veces con la amistad de Bangley (Josh Brolin) otro superviviente obsesionado con las armas y la seguridad que cree vivir en continua amenaza y su ayuda a una ciriosa comunidad de menonitas. Pronto su obsesión será llegar hasta a lo que queda de la localidad de Grand Juction, donde se supone que existe una comunidad de vida humana con ciertas comodidades, emprendiendo un viaje en donde encontrará a un padre y una hija también desnortados (Guy Pearce y Margaret Qualley) y todos tendrán que combatir contra una tribu de jóvenes asilvestrados dispuestos a arrebatarles sus posesiones. Es una pena que la película se arroje a veces al cine de acción flojeando ostensiblemente en esos momentos y por ello los instantes más melodramáticos- servidos por el personaje de Hig y la especial relación con su leal can, que marca la simbología de la historia- resulten tan esparsos. Los instantes en la esperada “tierra prometida” a la que llegan los protagonistas resultan muy curiosos con su aire de ci-fi retro con reminiscencias comiqueras - en contraste con el aire rural y western del resto de la película- que remiten a Westworld, la obra de Moebius e incluso a Blade Runner, aunque el espíritu de la obra maestra de Ridley Scott en realidad no aparezca para nada.

Esta claro que a estas alturas no se le va a exigir a demasiado Scott, un director que por otra parte solo ha realizado grandes películas muy puntualmente a lo largo de su larga y prolífica carera, pero siempre es grato que de vez en cuando aparezcan películas de este tipo que sin grandes pretensiones y muy buen hacer cinematográfico entretienen y convencen.

EL SER QUERIDO

 

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Si, Rodrigo Sorogoyen ya es uno de los mejores directores españoles del momento y uno de los mejores cineastas hispanos en los últimos 25 años. Su filmografía crece en calidad en sentido exponencial y demuestra además un talento innato a la hora de manejar recursos cinematográficos más bien complejos- como en el que se ocupa en este filme, el de cine dentro del cine- y sobre todo se ha revelado como un narrador sugerente, directo y emocional capaz de conmover al espectador de diferentes maneras. El Ser Querido es su mejor filme hasta la fecha y un excelente ejercicio de inusual drama psicológico sustentado por sus dos protagonistas que dan vida a sendos personajes que aunque unidos por lazos paternofiliales se muestran en un crudo conflicto el uno con el otro en un tour de force sentimental y emocional que termina barriendo toda la historia y dejando con la boca abierta al espectador. Javier Bardem realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera- es curioso como su capacidad mejora cuando sale de Hollywood, tal vez sea porque en Europa se encuentra con mejores papeles- dando vida a un hombre con un sufrimiento interno palpable (sobre todo ante la llegada de su hija) y un carácter aparentemente despótico pese a su vitola de triunfador y Victoria Luengo, en el papel de la hija de este, se revela como una formidable actriz que en el futuro puede dar muchas satisfacciones al cine español.

La película nos muestra la dialéctica entre Esteban Martínez, un director de cine brillante y aclamado con un pasado de excesos que trata de olvidar y que muchos pasan por alto, y su hija Emilia, una actriz de cerca de 30 años al que Esteban elije para un papel estelar en su nueva película, una cara producción de época ambientada en el Sahara español en los años 50. El caso es que padre e hija no se ven desde hace más de diez años con el cineasta divorciado y con una nueva familia y ambos encaran el reencuentro con una mezcla de miedo, escepticismo y esperanza, sobre todo la joven. El carácter de Esteban, las claves pasadas de las relaciones familiares y de padre-hija y el tenso ambiento y los problemas durante un rodaje caótico empezarán a ejercer sobre ambos un incómodo influjo que llevará su relación y lo sentimientos de afecto del uno hacia el otro hasta el límite.

Es una auténtica gozada cinéfila el ver como se recrea un rodaje y como todos los trabajadores del gremio -cámaras, sonido, maquilladores, productores y por supuesto actores- son tratados con sumo cariño en este filme no exento de mirada desmitificadora. Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Nuria Prims y la francesa Marina Foïs son algunas de las caras que complementan un reparto entregado y eficaz ante la compleja tarea de interpretar papeles dobles (los actores y sus personajes) y de recrear un rodaje cinematográfico dentro de otro, recurso que el director y guionista utiliza como un espejo deformante en esta película. Dura psicológicamente pero con curiosos insertos de comedia dentro de su manierismo metacinematográfico, El Ser Querido es una película honesta y muy brillante que se disfruta con la debida paciencia y deja un inmejorable sabor de boca.

PASTORIS

 

*** y 1/2

El cine español sigue creciendo, madurando y evolucionando con películas que hasta hace unos veinte años serían enormemente inusuales. Con una mixtura de géneros -aventura, drama, cine de época y una pizca de cine fantástico- y un marcado componente antropológico, Pastoris, filme rodado en 2024 que llega con retraso, es un curioso ejercicio cinematográfico y narrativo que cuenta una historia de supervivencia, y lucha en la Salamanca rural de principios del siglo XIX recién terminada la Guerra de la Independencia con varios focos temáticos como la siempre conflictiva relación del ser humano con la naturaleza, el poder devastador de la mezquinidad humana, el sentimiento de culpa, el amor por los seres queridos o el instinto de supervivencia. Su protagonista, Domingo (Sergio Cardoso, en un trabajo muy esforzado) es un pastor salmantino que busca redimirse después de reaparecer por sorpresa en su aldea cuando se le daba por muerto en la guerra contra los franceses y cuyo papel en la misma comienza a ser sospechoso por una supuesta cobardía. Decidido a retomar su oficio de pastor de ovejas, este ser aparentemente desaliñado y casi salvaje y prácticamente repudiado por su esposa y su padre- pero no por su hijo pequeño- pero en realidad gran humanidad emprenderá un viaje con su rebaño por los campos salmantinos que será un viaje iniciático en toda regla.

Pablo Moreno, un director cuya interesante filmografía había pasado desapercibida, se muestra ser un realizador muy hábil y completo al que las etiquetas de los géneros no parecen importarle mucho. Rodada en el dialecto asturleonés y con una una total minuciosidad a la hora de mostrar las vestimentas,costumbres, técnicas de pastoreo e incluso la música de los charros salmantinos de principios del XIX , el filme es un prodigio de realismo costumbrista histórico realzado por los hermosos paisajes de la región leonesa que se nos muestran y en donde transcurre toda la historia. Con un reparto de desconocidos -con la excepción de un pequeño papel de Assumpta Serna- que rezuman credibilidad, una excelente banda sonora del propio Sergio Cardoso y Oscar Martín Leanizbarrutia y una suntuosa fotografía de Rubén Ortega y el director del filme, Pastoris es una pequeña sorpresa que marca no debería pasar fugazmente por la cartelera.

VIVIR LA TIERRA (SHENG XI ZHI DI)

 

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Muy interesante esta muestra de cine histórico-social chino que pone su foco en la empobrecida China rural última década del siglo XX con una historia ambientada en 1991 en donde la modernización en la tecnología y los modos de cultivo pese a lo relativamente revolucionaria que pudo ser no trajo cambios sociales de calado en una China profunda alejada de la vida urbana y los grandes centros económicos, y todo ello bajo la mirada infantil, un recurso narrativo en el mundo del cine que suele ser bastante grato y fascinante y así ha sido en este caso, aunque el resultado en el conjunto del filme haya sido discreto pero convincente.

El pequeño Chuang (Shang Wang), de 10 años de edad, vive con sus tíos, primos, abuelos y bisabuela en una aldea ya que sus padres trabajan en la ciudad. La vida familiar es dura con trabajo constante y no pocos sobresaltos (muertes, introducción de maquinaria agrícola e una población acostumbrada a la labranza artesanal , conflictos facsimilares), todo ello influyendo enormemente en el niño y en su proceso de maduración en una China cambiante. Película de evidente tono antropológico que su director, Huo Meng, subraya todo lo que puede consiguiendo curiosos y vistosos frescos que pueden resultar fascinantes para el espectador occidental y todo aquel que no conozca la vida rural china en el siglo XX. Sin una historia distinguible, la película se conforma de diferentes viñetas superpuestas que en su globalidad dicen bastante. Con un Realismo y naturalismo muy marcado e interpretaciones realistas - la cinta casi parece un documental- Vivir la Tierra se postula como una película interesante y muy grata de ver que pone de manifiesto que el cine del lejano oriente siempre es capaz de crear geniales peliculas desde cualquier prisma.

SPIDER-MAN: BRAND NEW DAY

 

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No se descubre nada al decir que Marvel Studios consigue siempre vender bien sus productos y esta nueva entrega de Spider Man no ha sido ninguna excepción en cuanto a taquilla. La filial cinematográfica de la célebre editorial norteamericana de cómics ha conseguido un número de seguidores solo de sus filmes enorme al unir a los fans de toda la vida de los superhéroes Marvel a un nuevo público mas joven que ha descubierto a estos personajes principalmente a través de estas peliculas. Spider- Man, el héroe estrella de la compañía, fue curiosamente de los últimos en sumarse al carro de la productora precisamente por temas de derechos cinematográficos - ya tuvo cinco películas desde comienzos de los 2000 antes de su “regreso” a Marvel Studios- y parece que dentro de este cada vez más rayante y cansino MCU (Marvel Cinematic Universe) la productora está dispuesta a otorgarle por fin un papel dominante. Tom Holland, versátil y completo joven actor que merece pelis de mas fuste, se viste del héroe arácnido por séptima vez en un filme que pese a su buena puesta en escena no deja de ser más de lo mismo en su concepción de cine espectáculo total aunque trate de dar un amago de hondura a su personaje principal. Buen entretenimiento, si, pero de nuevo un guion previsible, poca novedad, y el consabido desfile de héroes y villanos de la casa que solo entusiasma a los más fanáticos seguidores del universo superheróico Marvel.

El director Destin Daniel Cretton e esfuerza e intenta hacer un filme de efectos especiales digno y supuestamente complaciente con el enorme fandom de Spider-Man, pero esto no es suficiente para firmar una buena película y esta nueva entrega es rutinaria, previsible y con bastante deja vu a filmes del MCU anteriores. De nuevo con Zendaya en el reparto como MJ Jones-Watson, la chica de Peter Parker- Spider-Man que al igual que toda la población de Nueva York ha olvidado la existencia del alter ego civil del superhéroe, tal y como se vio al final de la anterior entrega: su presencia y su actuación son de lo más potable del filme, en donde repiten Jacob Batalon como Ned Leeds el mejor amigo de Parker, Mark Ruffalo como David Banner-Hulk, Jon Benrthal como The Punisher o Marisa Tomei como la tía May, uniéndose como personaje significativo Sadie Sink como la mutante psíquica Jean Grey, personaje que anuncia la llegada de los X Men a la fiesta y que en este filme ejerce de villana, añadiendo batiburrillo a una historia bastante poco convincente. Como era de esperar, la película esta siendo de las más taquilleras del año, lo que da que pensar qué es en realidad lo que espera el público del cine.

LA ÚLTIMA RONDA EN VENECIA (LA CITTÁ DE PIANURA)

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La película más premiada en los últimos David di Donatello es una obra curiosa y dentro de su aparente sencillez muy jugosa que pone de manifiesto como la comedia bien hecha no tiene por que seguir los mismos patrones ni transitar por terrenos tópicos. Esta tragicomedia italiana dirigida por el joven y talentoso Franceso Sossai, es un trabajo ágil y estimulante que careciendo de historia en el sentido estricto de la palabra y con dos antihéroes maduros, simples, borrachuzos y sin más perspectiva que emborracharse una noche cuenta un relato de pérdida y esperanza con cierto poso amargo que a su manera resulta peculiarmente encantadora. Con estructura de road movie con Venecia y la región del Véneto como escenario y ecos de Jim Jarmusch y algún elemento de la comedia tradicional italiana, este filme mantiene en todo momento el interés del espectador gracias al más que eficaz trabajo de su trió protagonista.

Carlobianchi (Sergio Romano) y Doriano (Pierpaolo Capdovila) son dos hombres en horas bajas por sus problemas personales, desorientados y ambos con no demasiadas luces y no comprenden la desdicha que parece perseguirles en diferentes planos de la vida; como los Vladimir y Estragon de Esperando a Godot (muy buena esta conexión de Beckett con esta película), echan en falta a un tercer amigo cuyo destino parece incierto. En la Venecia donde residen emprenden una noche de ingesta de alcohol y decadente juerga, pero el encuentro con un joven y responsable estudiante de arquitectura, Giulio (Filippo Scotti) al que no dudan en hacer que se una a la pequeña comitiva, cambiará el discurrir de la jornada que se prolongará un día más en el tiempo y ya fuera de la capital, con el muchacho ya integrado en el grupito pese a su reticencia inicial. Los momentos cómicos contados a veces de manera un tanto amarga se combinan muy bien con otros más emotivos y al final llegamos a describir la verdadera personalidad de los personajes, menos estereotipados de lo que parecía al principio. En verano también se pueden ver buenas películas fuera de lo más estrictamente comercial y prueba de ello es esta película.

OBSESSION

 

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Ha sido la sensación en cuanto a últimos estrenos y la sorpresa en la taquilla de medio mundo. Esta pequeña producción independiente de terror que comienza psicológico y sobrenatural y deviene en típica película de sustos aunque con bastante más fundamento que las últimas producciones de este tipo esta dirigida por Curry Barker, un jovencísimo director (26 años) que debuta como director de largometrajes en celuloide tras haberse estrenado en youtube con Milk & Serial otro trabajo de terror más o menos juvenil- como la película que nos ocupa- cuya existencia es ya significativa de por donde andan las preferencias creativas y de formato de los nuevos creadores audiovisuales; el muchacho demuestra cualidades pero el peligro de encasillamiento en géneros y temáticas esta ahí. De esta Obsession se han hecho muchas alabanzas y quizás de una manera una tanto exagerada ya que el filme, bien rodado y con unas interpretaciones alucinantemente buenas de su joven pareja protagonista, se muestra irregular, más propenso a la sangre y al efectismo barato que a una trama psicológica inteligente- y mira que la premisa era interesante-, a veces ridículamente histriónica -tendencia demasiado frecuente en el terror actual- y poco estimulante para un público que quiera algo más de un filme de terror, incluidos seguidores acérrimos de este género. La trama, eso si, se sigue con sumo interés y el suspense se maneja con bastante maestría sobrando eso si bastantes tópicos del horror visual. Su mensaje de “cuidado con lo que deseas” esta bastante trillado, pero su curiosa advertencia del peligro de la obsesión en las relaciones (tóxicas) y la metáfora un tanto desquiciada que hace en el argumento de esta película es con mucho su aportación más original 

Un veinteañero reservado pero honesto y decidido, Bear (Michael Johnston) adquiere una rama de sauce mágica que al romperla puede formular un deseo, y su deseo es que su amiga y compañera de trabajo Nikki (Inde Navarrete) se enamore perdidamente de el. Su deseo se concede pero Nikki se convierte en un ser obsesivo, psicopático y violento que convierte la vida de Bear en un infierno. Hay demesiada sangre y gore innecesario en un filme que aunque con tono bizarro y semicaricaturesco en su vertiente de comedia (que la tiene y es de lo mejor del filme) consigue su propósito en cuanto establecer un mensaje sobre las relaciones. Sus momentos finales son de los más flojo del filme y al final lo que se prometía muy original termina cayendo en lo tópico. Dicen que se puede convertir en película de culto, pero tal vez se exagera bastante.

LA ODISEA (THE ODYSSEY)

 

*** y 1/2

Se esperaba mucho esta superproducción firmada por Cristopher Nolan, director que suele aunar éxito comercial y seguimiento del gran público con cierto estatus de culto casi siempre desde el cine de género, con buenas películas aunque lo que se dice obras maestras, nunca haya hecho. Esta adaptación de la célebre obra de la Grecia clásica parecía tener un planteamiento que podría aportar alguna novedad al relato, pero esto solo ha sido principalmente desde el punto de vista formal y estético: una re-narración en clave más o menos introspectiva con Ulises - llamado aquí de nuevo Odiseo recuperando su nombre griego original en lugar del latino, históricamente más conocido en en la Europa mediterránea- más héroe trágico que nunca cubriendo desde una perspectiva contemporánea el drama de su regreso a Itaca tras una larga ausencia de años con la guerra de Troya y la odisea por medio como un ser perdido y desposeído dispuesto a recuperar a su mujer pretendida por varios hombres, su hijo, su vida y su trono en isla, todo ello con alguna ínfula de drama psicológico medianamente llevado aunque aquí lo que prima es evidentemente el espectáculo visual, la acción y la espectacularidad formal en una historia, no olvidemos, principalmente fantástica por su filiación mitológica.

Su larga duración es uno de los handicaps que pueden debilitar el interés de esta película, cuya narración no es lineal y toma de referencia los días previos al regreso de Odiseo a Itaca con flashbacks- tampoco dispuestos en estricto sentido cronológico- que narran el final de la guerra de Troya (el final de la Iliada, con el caballo de Troya incluido) y diversos conocidos pasajes de la Odisea. La historia esta contada con un estilo entre la épica fantástica de El Señor de los Anillos, un tono que trata de ser tosco y de “barro en las botas”, una violencia bélica y guerrera a veces truculenta y otras curiosamente estilizada- cuando esto ocurre es de lo más interesante del filme-, y cierto tono dramático sheakespeariano cuando toca todo lo concerniente al regreso de Ulises, las aspiraciones y ansias por conocer el verdadero destino de su padre del joven Telémaco y toda la historia que rodea a una empoderada y decidida Penélope, alojándose del modelo tradicional. Esta claro que todo se cuenta desde una perspectiva a veces demasiado contemporánea en donde se trata de hacer atractiva la historia al espectador del siglo XXI ofreciéndole las dosis de cine de acción e intrigas palaciegas que triunfan en el espectador medio, pero además de metraje sobra autopompa y un cierto tono pedante sobre todo cuando la película trata de ser un drama, algo que no logra por lo menos al cien por cien. Es una buena película de aventuras con cierto tono dramático, pero el tomarse demasiado en serio le ha restado credibilidad y aquí Mr. Nolan no ha andado fino y eso que ha sabido dar muy buenos momentos al filme.

Tenemos ante nosotros famosos episodios de la Odisea (la maga Circe, las sirenas, el cíclope Polifemo...) contados de una manera desigual: mientras el segmento del Cíclope resulta algo simple y previsible y despojado de algún elemento clave de la obra original, el de Circe esta tratado de una manera bastante curiosa con elementos de body horror. Rodada en espacios naturales Marruecos, Sahara, Grecia, Italia, Islandia, Escocia y USA la película sabe aprovechar la suntuosidad y grandeza de esos escenarios mientras que los muy convincentes efectos especiales consiguen hacer creíble la clásica epopeya de Homero. En líneas generales, muy eficiente reparto multitudinario estelar con un convincente Matt Damon como Ulises, una fascinante Anne Hathaway como Penélope y un cada vez mejor actor Tom Holland como un valiente Telémaco, y junto a ellos Robert Pattinson (Antino), Charlize Theron (Calypso), Lupita Nyong’o (Helena de Troya y su hermana Clitemnestra), Jon Benthal (Menelao), John Legizamo (Eumeo), Samantha Morton (Circe), Zendaya (Atenea) o Elliot Page (Sinón) entre otros con papales de mayor o menor tamaño. Al final, mas cine de evasión de verano que otra cosa pero con cierto elemento estilístico que logra engrandecerlo.

OMAHA

 

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Pequeña estupenda película ademas de ser de esas que demuestra que el cine estadounidense no solo es el cine de los grandes estudios. Y es que esta pequeña producción independiente además de mostrar -como muchas otras de su pelaje- el lado turbio del sueño americano resulta una obra sensible, bien planteada y altamente emocional que pese a mostrar en realidad una historia terrible y bastantee cruel no pierde en ningún momento ese octanaje de senibilidad y humanismo que hace de este relato algo que da que pensar y eriza el vello. El Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance avala la modesta grandeza de esta road movie dramática muy bien dirigida por Cole Webley,

La denuncia social es la base de la que parte la historia, en una doble vertiente: por un lado la crisis mundial de la vivienda y el drama del desahucio y por el otro la mala interpretación de leyes norteamericanas que lleva a situaciones estrambóticas sobre todo en circunstancias tan desesperadas como las que viven los protagonistas. Un joven padre de familia viudo (John Magaro), parte con sus dos hijos Ella (Molly Belle Wright), de 9 años y Charlie (Wyat Solis) de 6, a un largo viaje en coche hasta Omaha, Nebraska, tras haber perdido su vivienda. Lo que parece al principio para los niños un viaje casi de recreo pronto se revelará ante ellos como una especie de huida a una situación mejor que ellos parecen aceptar, aunque las estrecheces económicas del padre mostrarán que la supervivencia será el objetivo principal de la familia hasta llegar a un inesperado desenlace.

El trío protagonista está impecable cada uno en sus roles: un padre entregado a sus hijos que ve con desesperación como es incapaz de hacerse cargo de ellos por su situación pero que los quiere con locura y unos críos que lo aceptan todo con su inocencia- saben que su padre no les fallará- pero que ven como las cosas están cambiando a peor. Lo dos actores infantiles están simplemente sensacionales y muy creíbles. El recurso a escenas anecdóticas, la utilización de diálogos casuales y el hecho de que los tres protagonistas son prácticamente los únicos personajes importantes realzan la pequeña grandeza de este filme, una joyita que no debe pasar desapercibida.

UN TAXI EN TOKIO (TOKYOタクシー )

 

*** y 1/2

Cada vez hay más cineastas cineastas que en una muy avanzada edad se resisten a retirarse (Clint Eastwood, Woody Allen) y Yôji Yamada (1931) con 95 años es uno de ellos. El nonagenario director nipón, con una trayectoria de 91 largometrajes desde 1961 entre los que se encuentra la longeva serie de filmes de Tora-san y que en los últimos años ha sido también bastante prolífico, nos regala una deliciosa comedia con tintes dramáticos con estructura de Road Movie por diversas ciudades de Japón en donde entre otras cosas se pone de manifiesto la influencia de la historia y de la sociedad tradicional del Japón de la segunda mitad del siglo XX (después de la II Guerra Mundial) en las personas que crecieron y vivieron ene esa época en contraposición con las circunstancias de los japoneses actuales. Obviamente, dos personajes de generaciones diferentes son los que llevan a cabo esa dialéctica: por una parte Koji Usami (Takuya Kimura) un taxista de mediana edad en apuros económicos puntuales ya que su hija adolescente se ha matriculado en caro colegio privado y por el otro su pasajera Sumire Takano (Chieko Baisho), una anciana de 85 años que desea hacer un largo viaje desde Tokio a una residencia de mayores en la ciudad de Hayama. Aunque al principio la relación de la locuaz y vital pese a su edad señora con el reservado y atribulado taxista parece difícil, pronto se establecerá entre ellos una relación de amistad intergeneracional que desembocará en casi una relación maternofililial, al tiempo que Sumire le narra a Koji la historia de su difícil periplo vital, marcada por los maltratos de su marido, las dificultades para criar a su único hijo y un hecho concreto que cambió su existencia para siempre, todo en el marco de un Japón que pese a modernizarse aún tenía unos vestigios sociales bastante tradicionalistas y arcaicos, especialmente en lo tocante a la situación de la mujer.

Con ternura, mucho sentido del humor y con un buen manejo del flashback donde vemos la historia de la joven Sumire (Yu Aoi), este filme se ve de manera muy agradable sobre todo por el muy buen manejo del componente emocional y de como la relación entre los dos protagonistas va evolucionando. Los minutos finales son emotivos y conseguidos aunque el final ya se intuya. Japón, lugar de grandes cineastas y películas, sigue dando grandes satisfacciones cinéfilas incluso por parte de directores que han elegido seguir haciendo cine para narrar hermosas historias.

LA MUERTE DE ROBIN HOOD (THE DEATH OF ROBIN HOOD)

 

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Una pena que un ejercicio de revisión de un personaje tan significativo en la historia de la ficción occidental como Robin de Locksey, es decir, Robin Hood, haya salido tan irregular y deficiente pese a su más que interesante premisa -un Robin maduro, decadente y desposeido, retirado ya de sus andanzas que se presenta aquí como un antiguo asesino sin escrúpulos, que sufre internamente arrepentido de sus fechorías- y su muy llamativa factura visual que funde lo etnográfico con el naturalismo histórico y en definitiva una visión nada glamourosa y si totalmente desmitificadora. Michael Sarnoski, director y guionista que intenta abrirse camino como autor (Pig (2021), Un lugar tranquilo (2024)) si que presenta buenas credenciales en este filme y un buen hacer como creador de escenas, algo a lo que ayuda la excelente fotografía de este filme, pero sin embargo se muestra irregular y un tanto pretencioso como narrador llevando a esta revisión a los límites del sopor. Hugh Jackman como un barbudo y canosos Robin Hood si que se puede decir que está más que eficaz, pero su excelente trabajo interpretativo por desgracia no logra levantar todo la película

Gran parte de la narración la lleva el personaje de Robin con el de la Hermana Brigid (Jodie Comer), una joven y misterios abadesa residente en una iglesia casi en ruinas que cuida a un herido Hood tras un violento enfrentamiento: un personaje curioso pero insuficientemente explotado. Tambien aparece el fiel Little John, desencadenante de este último combate del forajido de Sherwood, interpretado por un cumplidor Bill Skarsgard, mientras que otros personajes van apareciendo sin provocar escesivo impacto. Pese a todo, resulta muy interesante toda la reflexión del personaje sobre su pasado, su figura y su leyenda- recordemos que en realidad Robin Hood fue una figura de ficción cuya historia fue adornada y embellecida sucesivamente por diferentes autores y tradiciones- otorgando buenos momentos con Huch Jackman como absoluto protagonista. El ya clásico Robin y Marian (1976) de Richard Lester sigue siendo la mejor visión de un Robin de Locksey crepuscular. Aunque no habría que restarle méritos a este filme, su resultado se antoja algo decepcionante e insuficiente.

DREAMS

 

** y1/2

Michel Franco se esfuerza por es el más internacional de los directores mexicanos surgidos en este siglo, pero en sus últimas películas, rodadas en inglés y con repartos internacionales, no se le ve tan cómodo y este último filme suyo, Dreams, que trata de ser una denuncia a la política migratoria de EEUU en clave de melodrama psicológico, no termina de ser convincente pese a sus buenas intenciones argumentales y su fuerza dramática servida principalmente por la estrella de la función, Jessica Chastain, que repite con el cineasta tras la interesante Memory. Rondada en USA y en México,la película presenta la relación imposible entre una rica empresaria y filántropa de san Francisco, Jennifer (Chastain) y Fernando (Isaac Rodríguez) un joven bailarín mexicano que vuelve a EEUU ilegalmente tras haber sido deportado años atrás y devuelto a Mexico, reencontrándose con Jessica. Una estadounidense rica y con aspiraciones de un aún mayor ascenso social y un latinoamericano pobre, sin apenas recursos pero que desea triunfar en lo suyo, la danza, buscando también a su manera ascenso social parecen y realmente son dos personas contrapuestas, pero la extraña relación entre ellos, más pasional y sexual que amorosa, parece querer derribar todas las barreras, pero el asunto no llega a ser como parece: Obviamente Jennifer no se encuentra cómoda ayudando y dando cobijo al emigrante ilegal Fernando por todos los problemas que puede causarla y por mantener su estatus dentro de la América del MAGA y ciertos acontecimientos no tardarán en producirse.

Aunque la película plantea bien el dilema moral de un personaje como el de Jennifer dentro de un universo mental bastante caótico en lo que a su relación con Fernando se refiere, y en esto ayuda el estupendo trabajo de una Jessica Chastain que demuestra que sabe hacer suyos los papeles de mujeres desconcertantes y contradictorias, el estilo narrativo es muy poco claro y parsimonioso haciendo imposible que lleguemos a captar el verdadero drama de su protagonistas, en especial el del bailarín, que pase al buen trabajo de Isaac Rodríguez podemos decir que el personaje no se encuntra aprovechado al cien por cien. El drama migratorio en EEUU aparece también de manera muy esquemática pero clara en su denuncia, aunque aquí en realidad importe más el drama personal que una historia con tinte social. Con bastante sexo más o menos explícito y unos momentos finales que parecen querer meterse en el thriller de una manera muy poco convincente, el filme termina siendo en ocasiones una pequeña mezcla no muy bien llevada de géneros. Una ocasión desaprovechada para hacer una buena película sobre un tema candente.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (DISCLOSURE DAY)

 

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De nuevo, expectación ante un filme de Steven Spielberg. El ya casi octogenario director, desde hace tiempo sin nada que demostrar ya, tenía un renovado punto de interés en esta su nueva película, y no era otro que su regreso al cine d extraterrestres, algo que remite irremediablemente a clásicos inmortales suyos como Encuentros en la Tercera Fase (1977) o E.T el Extraterrestre (1982). Es el primer filme el que a priori tiene mayor conexión con Disclosure Day con el tema de los avistamientos de ovnis, el contacto con seres extraterrestres, las maquinaciones gubernamentales por ocultar archivos ovni y un trabajo de documentación real tanto en archivos desclasificados, noticias, testimonios, imágenes y también algunas teorías; pero si en aquella irrepetible ocasión Spielberg salió triunfante y mucho con su grito de “no estamos solos” y su mensaje de concordia y entendimiento (también entre diferentes planetas) en una época en la que estas temáticas y su interés estaban casi en pañales, esta vez en plena era de internet, IA, redes sociales y teorías conspiratorias varias y sobre todo después que haya habido miles y miles de obras similares (en cine, literatura, televisión) en el terreno de la ficción y también en el documental, la cosa se percibe de una manera diferente: menos sorprendente y casi reiterativa en algunos aspectos. Así, este filme solo llega a ser una correcta obra de ciencia ficción -con su mensaje- que se sigue con interés y que atesora algún muy buen momento pero que en general no llega a ser ningún filme memorable ni tan siquiera equiparable en cuanto a calidad a algunos de los últimos Spielberg, como podría ser Los Fabelman, el remake de West Side Story, Los Papeles del Pentágono o El Puente de los Espías. Eso si, se nota la mano m,maestra de un gran director veterano que aún conserva ideas, vigor cinematográfico y sigue siendo un eminente narrador.

El guion que firma el un tanto sobrevalorado David Koepp a partir de un argumento del propio Spielberg, es interesante pero sin verdaderas aristas; en realidad se apuesta más por el thriller y el cine de espionaje que por la ci-fi y esto a veces ayuda al filme a la hora de mantener tensión y pulso narrativo pero otras veces resulta predecible y escaso. No hay nada que reprochar a la puesta en escena -grandiosa en el más puro Spielberg-, a lo bien invertido que está el presupuesto o a los efectos especiales, pero hay una sensación constante de no llegar a cotas más convincentes. Dos personajes centrales, Margaret Fairchild (Emily Blunt) una periodista y mujer del tiempo televisiva que repentinamente obtiene el don de leer el pensamiento, entender cualquier idioma y que sin ser ella consciente transmite un buen día ante las cámaras el mensaje de seres extraterrestres en su extraño idioma y Daniel Kelner (Josh O´Connor) un experto en ciberseguridad que trabaja secretamente para una misteriosa organización que trata de descubrir y rebelar archivos secretos sobre encuentros con alienígenas, son los que levan el peso de una historia en donde hay artefactos extraños que contiene información privilegiada, animales que transmiten habilidades a los humanos, una corporación secreta del gobierno USA poseedora de evidencias de vistas y contactos con seres extraterrestres- y de la que se ha escindido otra rebelde y aún más secreta- y un mensaje de que la humanidad tiene derecho a saber ciertas cosas y que muchos opinan que aún no estamos preparados. Y bueno, además algunas escenas de acción y persecuciones que no aportan nada aunque están muy bien rodadas e incluso remiten al auto homenaje de la serie Indiana Jones. Los momentos finales son tal vez los mas logrados e interesantes del filme y allí si que nos encontramos con aquel espíritu de cine evasión pero con sustancia del Steven Spielberg de los 80, aunque al final al veterano cineasta se le va la mano con sus a veces un tanto edulcorados golpes de efecto.

Disclosure Day no pasará a los anales de las mejores películas de Spielberg, pero es muy grato este regreso del director a una de las temáticas que tan buenos resultados le han dado. Todo lo que ha hecho hasta ahora, tanto como director como productor, algún día se pondrá mas en valor y su kegado se podrá apreciar aún más si cabe.

IVAN & HADOUM

 

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Una más que prometedora ópera prima que muestra como el cine español aún puede deparar pequeñas sorpresas. Ian de la Rosa, realizador andaluz, debuta en el largo con este drama social con algún tinte autobiográfico del propio cineasta que consiguió el Premio especial y la Biznaga de Plata al mejor guion en el Festival de Málaga. Una historia ambientada en la árida Almería y protagonizada por jóvenes trabajadores de un invernadero industrial en donde las aspiraciones de cambio en un entorno modesto y hostil, la lealtad, las relaciones familiares y una historia de amor más o menos difícil que va aglutinando todo el relato, son los elementos esenciales del filme. Si a ello sumamos el insólito trasfondo de la relación entre los dos protagonistas, Iván (Silver Chicón), un muchacho trans, y Hadoum (Herminia Loh), una joven hispano-marroquí, tenemos una historia que a priori resulta muy interesante y de hecho sabe aprovechar todas sus de bazas. Entre Ken Loach y un spagetti western (es que estamos en Almería, claro) con algún elemento, por que no, sheakespeariano - Iván y Hadoum serían unos contemporáneos Romeo y Julieta- el filme sabe ser interesante, conmover y hacer pensar con un muy logrado estilo narrativo, una excelente dirección de (desconocidos) actores, un elaborado estilo realista y casi documental - los diálogos fueron casi improvisados- y una total credibilidad para contar una historia cotidiana pero no exenta de elemento epopéyico, amargo y dramático. Un debut más que interesante el de de la Rosa.

La experiencia del propio director como almeriense, de familia modesta y también persona trans se ha antojado fundamental a la hora de dotar a este film de su impronta naturalista y honesta. Los dilemas de Iván, que de carretillero se convierte por fin en encargado de planta para así obtener más ingresos para su familia - vive junto con su madre viuda, su hermana, y sus sobrinos en una modesta vivienda- al iniciar una relación con la trabajadora Hadoum en un momento en que ella y otras compañeras pueden perder su empleo, empiezan a pesarle decisivamente hasta hacerle reflexionar sobre si realmente se está convirtiendo en la persona que quería ser y que en parte tanto le había costado. La historia amorosa, cargada de sensualidad, exploración de una nueva sexualidad, intensidad y fidelidad – las escenas de amor y de sexo, muy bien rodados, son claves y simbólicas- , también irá moldeando la situación personal de los dos protagonistas en un trasfondo de rechazo e incomprensión desde varias instancias. Hay que mencionar también que los múltiples matices de esta historia no hubiesen sido posible sin la labor de todo el reparto, que rezuma naturalidad y espontaneidad por los cuatro costados, en especial sus dos primerizos actores protagonistas. El nuevo cine español sigue dando buenas noticias.

EL DRAMA (THE DRAMA)

 

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Comedia ácida y algo negra, The Drama trata de ser una película ligeramente diferente con su propuesta aparentemente transgresora pero en realidad sin salirse mucho de las coordenadas de una comedia romántica convencional -incluyendo el protagonismo de dos jóvenes interpretes bien conocidos- y con ello intentando captar el más amplio público posible. Con cierta crítica social y un componente psicológico muy logrado y con una sana e irónica mala uva, todo tocando tangencialmente ciertos aspectos de la vida moderna y de las relaciones de pareja, este filme divierte, a ratos se sigue con mucho interés pero a fin de cuentas tampoco supone ninguna obra maestra ni una pieza demasiado valiente ni atrevida, y es que en realidad no es cine indie, pero intenta parecer serlo. Más bien una comedia de actores, el principal acierto es un reparto eficaz donde brillan una de las actrices del momento, Zedaya, en un papel diferente a lo que ha hecho hasta el momento, un woodyallenesco Robert Pattinson, una muy convincente Alana Haim (la inolvidable coprotagonista de Licorice Pizza) y la revelación de Mamoudou Athie.

Una pareja a punto de casarse -tras mostrarnos la película el momento en que se conocieron y ciertos aspectos de su pasado- se encuentra en una delicada situación cuando un aspecto secreto de la adolescencia de ella, Emma (Zedaya), una joven aparentemente dulce, responsable y culta, sale a la luz ante la incredulidad de su prometido, Charlie (Pattinson) y sus amigos. Es entonces cuando Charlie comienza a ver a Emma con otros ojos sin saber a que carta quedarse y luchando con sus sentimientos , mientras que Emma intenta llevar la situación lo mejor posible hasta el día de la boda, pero ¿será posible que esto se mantenga durante un largo tiempo?. La película atesora buenos diálogos, momentos muy ingeniosos y lúcidos, pero otros instantes se antojan tediosos y rutinarios. Su condición de comedia urbana y de crítica costumbrista, eso si, juegan en favor de este filme y los instantes finales son de lo mejor del metraje. No arriesga como comedia negra ni tampoco mucho como película fuera de lo más estrictamente comercial, pero sin embargo se deja ver y divierte bastante, lo cual es un logro.

REBUILDING

 

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El cine independiente estadounidense sigue encontrando un filón inagotable en la temática llamada Americana, una exploración de la cultura, la historia, el lore y la geografía estadounidense que muchas veces- y sobre todo en el cine- converge con el western y hace inevitable no solo la cita a John Ford sino a John Steinbeck, Walt Withman, Mark Twain, Bob Dylan o Bruce Springsteen. La Norteamérica profunda tiende también a aparecer mostrando el lado oscuro del sueño americano, tal y como ocurre con este magnífico filme dirigido por Max Walker-Silverman, un realizador al que habrá que tener en cuenta, y que recurriendo a los elementos antes citados logra narrar un pequeña epopeya de la clase baja estadounidense en forma de drama trabajado y honesto que convence y conmueve. Un canto a la esperanza, la reinvención, la lucha, los seres queridos, la amistad y las relaciones familiares que triunfa en todos sus propósitos y que deja un más que positivo sabor de boca pese a todos los infortunios que muestra.

Dusty (Josh O´Connor) un vaquero divorciado con un hija pequeña sufre la pérdida de su granja y de su rancho tras un pavoroso incendio forestal que también afecta a otros vecinos. Con una relación difícil con su exmujer Ruby (Meghann Fahy) y dispuesto a reconquistar a su hija, la pequeña Callie-Rose (Lily LaTorre). Dusty trata de superar su extrema situación trasladándose a un asentamiento de caravanas junto con otras personas que han tenido su misma mala suerte. Volver a empezar desde el principio, sin nada, es algo muy amargo pero el protagonista no se rendirá pese a los numeroso obstáculos con que él y su gente se encontrarán. Una historia muy bien contada enaltecida por una brillante fotografía al aire libre con un crepuscular oeste americano en todo su (decadente) esplendor y unos personajes entrañables en sus roles de perdedores con esperanzas. Josh O´Connor, actor británico de moda, esta muy creíble en su rol de norteamericano rural (en VO se nota su enorme esfuerzo en calcar el acento del west americano) y logra una interpretación emocionante y muy matizada, bien secundado por un reparto que hacen suyos sus papeles de hijos olvidados del American Dream, mencionando especialmente a la joven Lily LaTorre), una muestra de la inocencia de la infancia y la esperanza como muro de contención ante las situaciones más negativas y la veterana y últimamente redescubierta Amy Madigan, como la suegra del protagonista, el elemento de serenidad y experiencia que la historia requería. Un filme sensible, grandioso en su sencillez y muy efectivo que entusiasmará tanto a los aficionados al cine clásico como a los degustadores de películas con mensaje.

CORREDORA

 

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Tocando temas duros e incómodos, esta película es consciente de ello y de que tiene algo que contar y lanzar un mensaje y en ese sentido cumple con creces su propósito. Laura García Alonso, joven directora catalana, ha debutado con muy buen tino con este filme que desde el cine deportivo se adentra en drama psicológico en una inmersión muy certera y sincera sobre la salud mental de los deportistas de élite y la fragilidad de estos. La protagonista, Cristina (una excelente Alba Sáez), una chica de 20 años atleta velocista de brillante trayectoria y prometedor futuro llega al brote psicótico a causa de su autoexigencia y de su meticulosidad, hecho que parece en principio cambiar la percepción de si misma y de su carrera deportiva, pero en su propia cabeza las cosas no funcionan de manera tan sencilla y sus propios fantasmas amenazarán con volver a aparecer. Una personalidad muy compleja la de la protagonista, marcada por su deseo de ser siempre la mejor, la difícil relación por diversos motivos con su familia, y posiblemente algún oscuro aspecto que no el espectador no logra saber del todo pero que puede intuirse.

En su vertiente de drama sin concesiones, es muy interesante como se plantea la relación de Cristina con su familia: aunque tanto su padre viudo y casado en segundas nupcias (Alex Brendemühl) como su hermana (Marina Salas) tratan de ayudarla, siempre hay algún impedimento y elemento discordante, causado por Cristina generalmente, que hace que la tarea no sea fácil, con una sensación de impotencia muy bien captada en el filme. El mito de la autosuperación en el deporte aparece en esta historia en su lado más cruel en un filme que casi se acerca al terror psicológico y que diferentes escenas aparentemente catárquicas atenúan en un buen ejercicio narrativo. Muy recomendable para el público joven, de nuevo nos encontramos con un debut honesto y prometedor.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO (NUJUM ALÁMAL W AL’AMAL)

 

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Una muestra de cine hecho en países árabes, concretamente en Líbano, zona en donde con voluntad y talento se esta desarrollando cierta industria cinematográfica que ya ha dado algún título memorable en el los últimos años (Cafarnaum, 2019) y que con este estupendo nuevo filme esta reclamando un sitio en el panorama internacional: un drama con una curiosa historia de amor como telón de fondo, historia esta que transcurre en un largo periodo temporal y que está condicionada por la realidad de Líbano y sus circunstancias bélicas, económicas y sociales, siempre con un tono lírico y simbolista de corte intimista que hace del relato una crónica universal fuera de cualquier coordenado espaciotemporal. Premiada en Venecia con el Premio del público, esta película logra ser un trabajo sólido y muy agradable de ver dirigido con tino por el debutante en el largo Cyril Aris, un cineasta que apunta muchas maneras.

Nino (Hassan Akil) y Yasmina (Mounia Aki) son la pareja protagonista, dos jóvenes representantes del nuevo Líbano, ella una ejecutiva brillante pero al mismo tiempo una mujer sensible y decidida que trata de ascender en un país que también trata de buscar su desarrollo en un contexto hostil, y él un pequeño empresario hostelero que busca salir de la semipobreza pero también un ser ansioso de encontrar la felicidad en algo más que al rutina diaria. Ambos están marcados por sucesos traumáticos de su infancia de alguna manera relacionados con el sino histórico del Líbano y aunque se conocieron de pequeños en su edad escolar y llegaron a compartir curiosos secretos, perideron después el contacto y un hecho fortuito y absurdo provocará su reencuentro y las esperanzas de una vida en común. Con una combinación de momentos delicados, costumbrismo, imágenes poéticas y melodrama, la película logra en todo momento mantener con interés al espectador y hacerle partícipe de una historia que por momentos no parece ser tan feliz como sus protagonistas esperaban, pero que siempre resulta grata. La universalidad del mensaje logra hacer un filme que borra cualquier barrera cultural- aunque las circunstancias actuales de Líbano la han convertido en una sociedad muy occidentalizada, para bien y para mal- y que se alza como un trabajo sugerente y muy recomendable.

LA ISLA DE AMRUM (AMRUM)

 

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Esta sugerente y en muchos momentos fascinante producción germana muestra como el poder de las imágenes puede contar una historia, aunque esta se trate de una crónica de sentimientos y emociones y la percepción de la vida a los ojos de un niño de 12 años. Con un trasfondo histórico tan significativo como es el del fin de la II Guerra Mundial en el contexto espacial del país provocador de le guerra y perdedor de la contienda; Alemania, la historia a priori podía dar mucho de si y efectivamente así ha sido. Basada en la infancia del guionista, cineasta, dramaturgo y actor Hark Bohn, quien falleció a finales de 2025 y al que va dedicado el filme, Amrum es una película que combinando el costumbrismo, la poesía visual, la crónica sociohistórica, el intimismo, el naturalismo y el melodrama consigue ser un trabajo cinematográfico de muchos kilates. Fatih Akin, director alemán de origen turco dirige la película con clase apoyado en una suntuosa fotografía, una puesta en escena calculada y muy meticulosa y un guion honesto y que dice mucho con una historia clara y mínima.

La isla de Amrum, el el archipiélago de las islas de Frisias Orientales, al norte de Alemania, es un escenario gélido, aislado e indómito además de rural, salvaje, primigenio e inocente, un lugar proclive para una historia en donde las fuerzas de la naturaleza campan a sus anchas influyendo a todos los personajes sobre todo en una situación de total cambio e incertidumbre. El pequeño Nanning (Jasper Billerberck, muy meritorio su trabajo) que en 1945 vive los últimos dias de la guerra en la pequeña granja de su madre y su tía junto a sus hermanos menores con un padre ausente que se encuentra en el frente, se encuentra de golpe y porrazo con una situación cambiante en donde conseguir alimentos básicos es una odisea, lel dinero en marcos ya no vale, el hambre y al pobreza acechan a su familia, llegan refugiados polacos a la isla, y muchos vecinos y conocidos, simpatizantes de los nazis, ven cambiar su estatus y su situación de la noche a la mañana: algo incomprensible para un miembro de las Juventudes Hitlerianas como él quien confiaba que su fe en el régimen Nacionalsocialista le iba a ayudar a ser alguien fuerte y poderoso. Nanning no obstante intentará luchar por su familia aunque tenga que rebasar los límites naturales de su isla, un entorno tan aislado del resto del país que hace todo aún más extraño e incompresible para él.

Con abundancia de imágenes de la naturaleza- incluyendo varias escenas con animales- y silencios muy sugerentes, Amrum consigue ser una película muy emotiva sin necesidad de artificiosidad sentimental y una muy convincente crónica sobre la pérdida de la inocencia, todo ello con estilo documentalista, naturalista y antropológico. Muy recomendable sobre todo para espectadores exigentes y degustadores de cine europeo de calidad. 

YO NO MORIRÉ DE AMOR

 

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Una nueva muestra de honestidad cinematográfica y de buen hacer en todos los sentidos, desde la directora debutante, Marta Matute, hasta un reparto que echa el resto y está totalmente metido hasta el fondo y comprometido con trasmitir la gravedad del tema que el filme trata: el drama de convivir con alguien querido - un familiar- con alzhéimer y como esto afecta a todo. Basándose en la propia experiencia de la directora con su medre, el personaje central es Claudia, la menor de las dos hijas, que desde los 18 años a los 23 esta joven, individualista, poco apegada a la vida familiar y un tanto egoísta, va experimentando un cambio en su comportamiento, en su autopercepción y en la visión de todo lo que le rodea, siendo cada vez más consciente del problema de su madre, de su familia y de ella misma. Júlia Mascort hace una desgarrada e intensa interpretación como Claudia, una chica que al principio no se hace querer por el espectador pero que poco o poco mostrará una evolución a la medida de que no solo la enfermedad de su madre se agrava, sino que ella misma a fuerza de sinsabores, compromisos y obligaciones que tiene que adquirir anteponiéndolos a su propios intereses, se convertirá en una persona más madura, siempre con el drama de la nueva convivencia familiar de fondo y el hecho de que als relaciones familiares van cambiando también. Un psicodrama naturalista y verista muy bien ensamblado que anuncia una gran directora y que dentro de su crudeza y dramatismo resulta convincente, poderoso y desgarrador. Como buen filme realista, se juega con la anécdota, las notas al pie de página, las pinceladas cotidianas y personajes secundarios fugaces pero significativos de una manera muy convincente. Su estructura narrativa con varios saltos en el tiempo elípticos que hace dividir el filme en varios actos o segmentos durante los cinco años y medio en los que transcurre la historia es un recurso muy oportuno que otorga ciertos silencios que mostrados de una forma más continuo o explícita hubieran resultado tediosos.

No solo Julia Máscot está de diez, Sonia Almarcha, que da vida a la madre, esta impresionante como una mujer aquejada por al enfermedad con momentos y escenas impresionantes, Laura Weissmahr como la hermana mayor treintañera y más responsable logra un contrapunto perfecto con Máscot y Tomás del Estal como el padre superado totalmente también resulta conmovedor e intenso. Una película sincera, directa y sin cortapisas que muestra que el cine español sigue generando más que prometedores nuevos directores (y directoras) y operas primas que resultan grandes películas.

EL SONIDO DE LA CAÍDA (IN DIE SONNE SCHAUEN)

 

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No resulta excesivamente fácil el visionado de este drama alemán, no ya solo por lo abultado de su metraje, sino por lo muchas veces confuso de su argumento y lo poco explicativas que son algunas situaciones presentadas, aunque su mensaje parece claro: el pasado muchas veces se impregna y afecta a las generaciones sucesivas que van habitando en un mismo espacio físico. Con pinceladas de realismo mágico, formas y fondos bergmanianos y un impacto visual absorbente e hipnótico con ciertas reminiscencias a David Lynch, esta película tal vez precise de una segunda visión para poder captar en plenitud todas sus virtudes, que son muchas, pero que a primera instancia resulta un trabajo un tanto frío pero sin embargo cautivador. El premio del Jurado en el festival de Cannes de 2025 avalan a esta película dirigida con clase y ambición por Marsha Schilinski.

Son cuatro historias las que se nos cuentan- de manera no lineal- en esta cinta, todas con la mirada infantil y adolescente como nexo de unión y el trasfondo de la historia (o mejor dicho, la intrahistoria) de Alemania en el siglo XX y siempre con una vieja casa rural en un paraje campestre en la frontera entre las antiguas RDA y RFA como escenario. Allí, en los comienzos de la Gran Guerra, la pequeña Alma, la menor de varias hermanas y un hermano con una familia marcada por la pobreza, la superstición y obsesionada con evitar que el único hermano varón vaya a la guerra, descubre la relación entre la vida y la muerte llegándose a obsesionar con dicho tema. La historia del tullido Fritz, el hermano de Alma, sigue en la época de la II Guerra Mundial con su sobrina Erika y el descubrimiento de su incipiente sexualidad, mientras que en los años 80 Angelika, sobrina de Erika, también descubre su madurez en un entorno extraño y viciado del cual desea salir para buscar su libertad, hasta llegar a los 2020 en los que la adolescente Lenka y su familia, son los ocupantes de la ya destartalada casa campestre de la familia anterior, la cual pretenden arreglar aunque parece que el edificio de alguna manera esta influyendo en la sensible muchacha.

Los recuerdos, los fantasmas del pasado y todos los momentos que reviven- en esta historia casi todos desagradables- es algo de lo que se ocupa este filme de una manera un tanto gélida y con una estilización un tanto onírica e inquietante que puede que no sea del gusto de todo el público. Casi utilizando recursos de cine de terror (atmósfera perturbadora, juegos de efectos de sonido) la película sin embargo sabe moderar el drama y atesora varios momentos muy valiosos mientras que en otros se hace tediosa y, por que no, algo pretenciosa. No obstante, resulta un filme interesante y original cuya premisa por increíble que parezca muchas veces es cierta.

MICHAEL

 

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Era evidente que algún día tenía que hacerse y se hizo: la biografía cinematográfica de Michael Jackson. El denominado Rey del Pop (1958-2009) fue un figura clave en la historia de la música popular y su repercusión también desde el plano sociológico, cultural y dentro de la industria del entretenimiento mundial fue enorme, pero también es cierto que su peculiar personalidad y sus extravagancias -muy acentuadas desde mediados de los 80 una vez alcanzó el cenit de su fama- le convirtieron en un personaje muy polémico, algo que se acentúo desde la década de los 90 con las acusaciones vertidas hacia su persona. Una biografía audiovisual con pretensiones de definitiva sobre Michael Jackson- tal y como se presenta este esforzado y muy interesante filme que pese a todo no convencerá a todo el mundo- estaba claro que iba a pasar por alto los aspectos mas oscuros sobre el personaje y así ha sido, gracias al hecho de que este biopic llega solamente hasta 1988, pero no sería justo desdeñar por ello el hecho de que este filme consigue lo que se propone: ser un homenaje a Michael Jackson, a su música y a su legado captando claves de su extraña y compleja personalidad, sus tormentosas relaciones familiares -familia y trabajo-negocio fueron lo mismo para los Jackson- y su manera de vivir el éxito. Dirigida de manera efectiva por un fan confeso como Antoine Fuqua, muchas veces parece que la abundancia de canciones y recreaciones de actuaciones resten ritmo al filme, pero los momentos narrativos propiamente dichos están muy buen dispuestos pese a que la acción cronológicamente avanza demasiado rápido. Eso si, se echan en falta momentos ilustrativos de la historia de Michael y de la familia Jackson y la ausencia de tres de sus ocho hermanos - totalmente ignorados en el guion- así como un enfoque más crítico que al parecer llegó a plantearse en este filme, aun así el resultado es satisfactorio aunque, claro está, los fans de Jackson disfrutarán los que más con esta película.

El hecho de que varios de los Jackson estén involucrados en este proyecto -como ya lo estuvieron es una miniserie biográfica sobre la familia en los años 90- añade al resultado una cierta honestidad que tampoco debería ignorarse, pero si de colaboración familiar hablamos la más notable en este filme este filme es indudablemente la de su actor protagonista, sobrino del propio Jackson, Jaffar Jackson: el hijo de Jermaine se sumerge en la personalidad de su tio, en su voz (recomendable ver en VO para apreciar como Jaffar imita a la perfección el peculiar timbre de Michael), sus gestos, su forma de bailar, e incluso los diferentes aspectos de una personalidad perfeccionista, inmadura, excéntrica y hasta cierto punto imprevisible. Y por si fuera poco en casi toda la película está prácticamente clavado. También es digna de mención la interpretación del pequeño Juliano Krue Valdi como Michael niño y el excelente papel de Colman Domingo como el patriarca y primer manager de Jackson 5 Joseph Jackson, mostrando la personalidad egocéntrica, ambiciosa y déspota con la que este hombre pasó a la historia: su relación con sus hijos y sobre todo con el benjamín Michael aparece muy bien reflejada en esta película explicando muchos porque de las peculiaridades del cantante. Nia Long como la madre Katherine Jackson también aporta lo suyo pero su personaje podría tener más peso específico en esta película, como también el resto de hermanos de Jackson.

Muy buenas recreaciones de las diferentes épocas- años 60, 70,80- y de diferentes actuaciones, videoclips y conciertos ( en especial los de 1984 y 1988) para un bonito y vistoso espectáculo cinematográfico y musical que puede que no lo cuente todo pro que termina siendo una película atractiva y vitalizante.

INCONTROLABLE (I SWEAR)

 

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La historial real que se narra en este filme británico resulta tan cautivadora como sorprendente para muchos por lo relativamente poco conocido de su temática. Se nos cuenta la historia real de John Davidson (1971) un británico que se convirtió en celebridad por su activismo para visibilizar el síndrome de Tourette, una rara enfermedad neurológica que provoca severos tics y movimientos compulsivos y tics verbales y vocales que incluyen tacos e insultos involuntarios, mal que él mismo padeció y que lógicamente condicionó su adolescencia y juventud. Su historia de superación es bastante conocida en el Reino Unido - como él, que ya a los 17 años fue objeto del documental John´s Not Mad (1989)- y esta película, honesta y excelentemente narrada- le hace justicia. Con retazos de cine social british - incluyendo pequeña sombra de Ken Loach- y un optimista planteamiento que juega con la Feel Good movie, el melodrama y la comedia (en este caso involuntaria y servida por las consecuencias del síndrome que parece el protagonista), I Swear es una película amable, didáctica, emotiva y hecha con buen cine, muy bien dirigida por Kirk Jones y excelentemente interpretada por Robert Aramayo -premiado con el BAFTA a mejor actor 2026- un formidable actor llamado a darnos en el futuro muy buenos momentos interpretativos que se preparó el papel conviviendo con el auténtico Davidson durante unos meses: su interpretación es memorable y elaboradísima tratando de reflejar con total fidelidad los síntomas del Tourette hasta el punto de que realmente se piense que estamos ante una persona con dicha enfermedad. Por supuesto, también resulta excepcional el trabajo del actor que interpreta a John en su adolescencia, Scott Ellis Watson, una revelación.

La historia de este joven escocés, pese a que posee algunos momentos no muy agradables principalmente por sus problemas familiares- su familia se rompió a consecuencia de su enfermedad- por su sensación de desdicha una vez aparecieron los primeros síntomas a los 13 años y por cuando ya veinteañero le costó encontrar un hueco en la sociedad y conseguir un trabajo, resulta como hemos dicho muy reconfortante y esperanzadora conforme las situaciones se suceden y cambian y el propio John evoluciona y asume que su mal no puede suponerle ninguna barrera y puede conseguir lo que quiere pese a que siempre sus movimientos compulsivos, sus repentinos gritos, insultos y tacos en el momento más inoportuno o su tendencia a escupir al comer a primera vista resultan para todos algo improcedente y desagradable. La aparición en la vida de John Davidson de los Achenbach, la familia de su amigo Murray, será clave para su situación y su felicidad, encontrando en ellos una verdadera familia y en la matriarca, Dottie (una genial Maxine Peake) una verdadera madre. Momentos emotivos e intimistas conviven con pasajes más o menos graciosos (y entrañables) que hacen del visionado del filme una delicia. No debe pasar desapercibida esta película por la cartelera.