MIS RETALES FOTOGRÁFICOS (XXIII)

El reflejo verde (2013)

Arboles oscuros (2013)

Montañeros (2013)

Bajo un prisma sin luz (2013)

Leño y Hojas (2012)

Top of the Morning (2013)

El Aparatito Lumiere GRAVITY

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Hay que reconocer que muchas películas tiene justificado su pase en 3D, y Gravity, más que interesante filme del mexicano instalado desde hace ya bastantes años en Hollywood Alfonso Cuarón, cumple todos los requisitos de una película en tres dimensiones con vocación de ser algo más que un mero espectáculo. Es cierto que aquí los efectos especiales son los amos de la función en un filme ambientado (¿a tiempo real?) en el espacio, pero Gravity es sobre todo un felizmente resuelto experimento en donde lo visual y las imágenes priman sobre la acción y los escasos diálogos y soliloquios de tan solo dos actores importantes están perfectamente integrados con la imagen y esta a su vez con la narración en una historia tan mínima como a veces poco creíble pero siempre angustiosa y tensa. El hecho de ser una película con astronautas como protagonistas, con el espacio como único escenario y con varias naves y satélites pululando por ahí no significa, ojo, que estemos ante un filme de ciencia-ficción, ya que lo que se nos cuenta es una historia de astronautas de la NASA más o menos científicamente posible, por lo que muchos medios de comunicación bien podrían haber evitado clasificar en el género de ficción científica a esta película y así evitar despistar a los espectadores.      

Sandra Bullock y George Clooney son los dos astronautas protagonistas de esta desesperada historia de supervivencia; el un veterano a punto de retirarse y ella una médico, novata en esto de la exploración espacial. Una catastrófica casualidad convertirá una rutinaria misión de reparación de un satélite en una situación límite en un entorno tan insólito como indescriptible como es el de la inmensidad del espacio exterior. La doctora Ryan, literalmente perdida-atrapada en el cosmos necesitará de la ayuda y experiencia del astronauta Matt, pero la cosa es realmente complicada y angustiosa. El filme sabe transmitir perfectamente una total sensación de vacío, miedo y “vértigo” al cosmos gracias a que logra ponernos en la piel de Ryan y hacer que compartamos su pánico. Unas espectaculares y poderosas imágenes espaciales consiguen transmitir tanto fascinación como belleza y por que no, horror y desesperación. El soberbio guión que ha firmado Cuarón junto con su hijo Jonás no se anda con tonterías y pese alguna concesión sentimental o propia del efectismo más ramplón, camina con paso firme hasta tal vez los compases finales de la película en la que una serie de situaciones nada creíbles desdibujan un filme que hasta el momento había cumplido con creces. La interpretación de Sandra Bullock es magnífica y muy convincente, componiendo un personaje a la altura de una historia que mezcla magistralmente el estudio psicológico de la angustia con el de la crónica realista de una supervivencia ante situaciones límite. Un filme poco usual que no será plato para todos los gustos pero que resulta enormemente evocador y degustable.       

MASCOTAS COMERCIALES, ESAS OMNIPRESENTES CRIATURAS (y II)

Oso Bimbo

Muy popular en los países de habla hispana, en donde se distribuyen mayormente los productos de esta empresa panificadora mexicana, es el osito vestido de panadero símbolo de Bimbo. La compañía, creada en el país azteca en 1944 como “Super Pan Bimbo” y hoy presente en varios países dio a luz a este oso blanco antropomorfo con delantal, gorro y un pan de molde bajo el brazo en 1945 inspirándose en la tarjeta de felicitación navideña que recibió uno de los fundadores de Bimbo, Jaime Jorba, en la que aparecía un osito vestido de Papá Noel. Le pareció dulce simpática y tierna la imagen al empresario (tal y como debían de ser los panes y bollos de Bimbo) y decidió que la imagen de marca de la empresa fuese un osito “tan blanco como la harina y tan tierno como el pan” esta vez vestido de panadero.  En el diseño original del un tanto moñas plantígrado intervinieron uno de los directivos fundadores de Bimbo, Alfonso Velasco y la esposa de Jaime Sendra, otro de ellos, a quien se le ocurrió lo del delantal, el pan y el gorro (sin estos elementos ya no sería el oso de Bimbo).

La figura del oso panadero andante marcando el paso con su pierna derecha desde los años 40 no cesó de aparecer como logotipo en los envases de los diferentes productos de Bimbo (pan de molde, pastelitos, pan de hamburguesas, bollos, pan rallado…), en anuncios de valla, carteles y prensa y sobre todo en los omnipresentes camiones de distribución que todas las mañanas llegaban a la tienda del barrio. El oso en cuestión, con su sempiterna pinta de osito de peluche y su un tanto cursi pero entrañable estampa infantil durante largo tiempo no modificó un ápice su aspecto, aunque desde finales de los 80 comienza a hacerse más expresivo y elaborado y desde los 2000 ya luce un diseño infográfico y mas de 3D. Asociado siempre a la todo lo que esté hecho de trigo y vaya en envoltorio de plástico (incluidos los legendarios pastelitos Bony, Bucaneros y Tigretón), algo en lo que la empresa Bimbo fue pionera, se hace difícil imaginarse una vida sin este entrañable úrsido andante

Mascotas Kellogg´s

No una sino varias (una legión) son las mascotas que ha tenido/tiene la multinacional norteamericana de cereales Kellogg´s, cada una para casi todos sus famosísimos productos (Smacks, Krispies, Frostis, Corn Flakes, etc.) En EEUU son auténticas instituciones más que iconos pop y han acompañado a generaciones y generaciones de norteamericanos, no siendo menos conocidas en otras partes del mundo. La compañía, creada en Battle Creek, Michigan en 1906 por el singular Will Keith Kellogg ideó su primera mascota para su primer producto, los Corn Flakes, en los años 20 y fue el inmortal gallo verde y rojo Cornelius, que hasta los 2000 no tendrá una forma claramente antropomórfica en contraste con el resto de animales-símbolo de las otras marcas de la compañía, conservando durante largo tiempo su diseño original vintage y curiosamente cubista.        

Los Krispies tienen como “agentes publicitarios” desde los años 30 a sus míticos duendecillos Snap, Crackle y Pop, quienes han protagonizado cómics y merchandising variado en EEUU y son tal vez las mascotas Kellog´s más populares además de ser las más antiguas representadas en dibijo “simpático”. También nos encontramos a Tony el tigre de Frosted Flakes/Frosties (creado en 1951), la rana Dig´em (Me Gustan) de Honey Smacks (1972), o Coco el mono de Choco Krispies, como mascotas con más solera y que aún perduran, aunque en algunos productos hubo otras mascotas antes e incluso tuvieron sustitutos temporales. Protagonistas de multitud de anuncios televisivos en dibujos animados (de los primeros de este tipo que se hicieron en USA) las mascotas de Kellogg´s, símbolos de algo tan americano como los cereales de desayuno que se toman con leche son hijas del American Way of Life y embajadoras involuntarias en todo el mundo de las excelencias USA desde el final de la II Guerra Mundial. No habrá manera de quitárselas del medio, no.     

Capitán Iglo/Frudesa

Aunque son muchas las mascotas publicitarias “humanas” que se han utilizado desde hace años y años, pocas al final han quedado en el recuerdo. Una de ellas, de fama internacional, es la de este viejo lobo de mar creado por la empresa de alimentación congelada norteamericana Birds Eye y adoptado más tarde por la anglo-holandesa Unilever para anunciar sus productos de rebozado de pescado dirigidos al consumidor infantil (barritas de pescado principalmente). Precisamente para despertar la atención de la chavalería se creó a este venerable marino: aunque actualmente asociado a las marcas de alimentos congelados de la multinacional Unilever (Iglo, con sede en Alemania y distribución en Europa continental) Birds Eye fue la madre del personaje escogiendo a un viejo y estereotipado capitán de barco de barba blanca, gorra de plato y traje azul marino como mascota de sus productos de pescado inaugurando la línea “Captain Birdseye”, cuya jeta sonriente aparecía en el logo de la marca dentro de la inevitable ventana redonda naval. Eso fue en 1967 y pronto se rodaron spots televisivos con el capitán comandando un barco con leal tripulación infantil al tiempo que narraba las excelencias del sus productos de pescado. El actor británico John Hewer dio vida al capitán Birdseye en varios anuncios de 1971 a 1998 que se vieron en todos los países donde se distribuía la marca Iglo rebautizando al personaje con el nombre de la marca en lugar de Birdseye; en España llegó en un primer momento como el Capitán Iglo para después ser denominado Capitán Frudesa cuando la empresa española de congelados pasó a producir muchos de los productos de Iglo.   

Hubo un intento en los 90 de cambiar la imagen del viejo capitán por un marino más joven, apuesto y atlético al estilo del Corto Maltés del cómic, pero tras algunos spots con el nuevo capitán Birdseye/Iglo/Frudesa/Findus (en Italia) se vio que la cosa no convencía y se volvió al entrañable barbudo. En España la empresa de alimentación de pescado gallega Pescanova creó al Capitán Pescanova, un personaje similar al joven Capitán Frudesa y esto originó una pintoresca demanda judicial por parte de Unilever (cuando ya se había vuelto al viejo capitán) por supuesto plagio que finalmente se resolvió declarando que ambos personajes eran diferentes. Ahora un poco demodé y un tanto olvidado, ¿podrá el Capitán Iglo con la crisis seguir surcando los mares

Snuggle Bear/Oso Mimosín

Los osos dan mucho juego como símbolos comerciales -los ositos, mejor dicho- por aquello del mito de la adorabilidad del osito de felpa/peluche, como ya lo vimos con el oso Bimbo, cuando se trata de vender un producto cuya principal cualidad sea la blandura, la suavidad o la dulzura. Y si hemos de referirnos a un ejemplo paradigmático del osito bonito con finalidad publicitaria y comercial, ahí tenemos el oso de Snuggle, conocido en España como el oso de Mimosín, que desde hace 30 años nos viene pregonando con su cursi vocecilla en anuncios televisivos las cualidades de este suavizante de ropa creado en EEUU. Aunque el producto nació unos años antes, hasta 1983 no se creó la mascota del suavizante Snuggle, un osito de peluche blanco que pretendía ser mono además claro está de ser tan suave como la ropa lavada con el producto en cuestión. La mascota, ampliamente conocida en todo el mundo (en España su seguimiento siempre ha sido casi de fenómeno de fans, en serio) ha terminado por ser el claro ejemplo de mascota ñoña, infantil e insufrible hasta la nausea (teniendo en cuenta claro está de que el muñeco en cuestión ha resultado enormemente atractivo para le público infantil, siempre deseoso de que su osito de peluche hablase y cobrase vida al igual que el Oso Mimosín pero sin hacer publicidad)

Snuggle o Mimosín (tal y como se conoce al producto multinacional en España) fue creado no solo para aparecer en la etiqueta del suavizante sino para protagonizar anuncios televisivos en imagen real; a tal efecto se encargó al mítico marionetista Kermit Love, colaborador de Jim Henson, crear un oso de peluche-marioneta. Aquel primer anuncio fue un éxito internacional en los diferentes paises donde se emitió (en España popularizó el “¡Hola, soy yo, Mimosín!”, con la voz de la dobladora Ángela González) y el insoportable osito blanco será objeto de varias campañas televisivas en los años sucesivos y hasta la fecha actual. Su imagen se ha modificado y perfeccionado varias veces y desde los 90 se ha prescindido de muñecos y marionetas para dar vida tridimensional al oso recurriendo a la animación por ordenador. Su popularidad ha sido tan grande que hasta la empresa ha sacado varias veces  mechandising relacionado con el personaje en forma de muñecos de peluche, llaveros, posters, etc. Imparable el muñequito, oiga.  

El Apartito Lumiere LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI

 

*** y 1/2

Dentro del últimamente cada vez más limitado cine español (entiéndase la limitación como económica y/o creativa) cualquier producto hecho con ganas, profesionalidad y cierto sentido del riesgo se agradece y mucho independientemente de que se trate o no de una gran película, tal es el caso de la última película de Alex de la Iglesia con la que el realizador bilbaino trata de regresar a sus orígenes (si es que alguna vez los dejó del todo) con una comedia disparatada y pirotécnica con elementos fantásticos al modo de Acción Mutante (1992) o El Día de la Bestia (1995). Claro que a estas alturas ya nadie puede esperar una película sencillamente gamberra o una combinación de gags y efectos especiales sino algo más elaborado siguiendo la estela de las mejores películas de De la Iglesia, que a mi juicio son La Comunidad (2000), 800 Balas (2002), Balada Triste de Trompeta (2010) y por que no El Día de la Bestia. En ese sentido, Las Brujas de Zugarramurdi, se queda algo por debajo de estos cuatro títulos y es una pena porque el director ha sabido manejar muy convincentemente un material goloso e interesante aunque tratado de una manera un tanto caótica para ofrecer un filme divertido y espectacular con cierta hibridación de géneros y subgéneros -pero siempre con la comedia alocada de tintes ibéricos y el género fantástico como catalizadores- que divierte, emociona y arranca la sonrisa en todo momento. Un guión mejorable y una mala articulación de los diferentes retazos y “homenajes” que inspiran la historia por el contrario lastran los logros de una película que podía haber dado algo más aunque tal y como queda el resultado es más que convincente. Siguiendo la tendencia de sus últimas películas, de nuevo nos encontramos con un Alex de la Iglesia dispuesto a hacer ácida crítica social desde la ironía, el sarcasmo y el esperpento  utilizando el cine de acción y el espectáculo salido de madre (esta vez con un claro elemento fantástico y terrorífico) como telón de fondo aunque de manera no tan atinada como en la deliciosa Balada Triste de Trompeta ya que el aspecto formal no ha salido tan redondo como otras veces.    

Utilizando como premisa la historia real-legendaria de las famosas brujas de las cuevas de Zugarramurdi en el valle del Baztán (Navarra) que en el siglo XVII fueron acusadas de brujería y juzgadas y quemadas por el Santo Oficio en Logroño, el bilbaino traza una historia muy diferente ambientada en la actualidad y en donde unas contemporáneas brujas vasconavarras descendientes de aquellas míticas sorgiñas planean la venganza definitiva de su estirpe hacia la humanidad. La crónica de las brujas de Zugarramurdi ya fue contada por Pedro Olea en su Akelarre (1983) pero en esta revisión satírica se ha querido dar un punto original a la premisa desvinculando a las hechiceras con el satanismo y relacionándolas con el culto a la Diosa y a la Madre Tierra dejando así clara la intención del film que es la de mostrar algo así como la cruenta batalla final entre la guerra de sexos entre el hombre y la mujer. Aquí las brujas  aparecen como una especie de quintaesencia maligna de la mujer, dispuestas a vengarse con su poder mágico del patriarcado utilizando como vehículo el mal más absoluto. Y es que Las Brujas…  es la peculiar, irónica y un tanto provocadora visión de ciertos defectos, estereotipos y comportamientos típicos de las mujeres y de su lucha enconada por “dominar” a los hombres, todo tratado con sorna, mala uva y sana risa y con los hombres tampoco saliendo muy bien parados. La película arranca con el robo de un contingente de alianzas matrimoniales de oro en una tienda de “Compro Oro” de Madrid por parte de Jose (Hugo Silva), un padre de familia divorciado desesperado y Tony (Mario Casas) un cani poligonero desempleado y cabezahueca, acompañados del hijo de Jose, Sergio (Gabriel Delgado). Huyendo a Francia con el botín en taxi junto al taxista Manuel (Jaime Ordoñez)  y un rehén  (Manuel Tafallé) el azar les lleva a detenerse en Zugarramurdi donde su destino se cruza con el de una familia de brujas formada por Gracia Barrenetxea (Carmen Maura) una dominante e intrigante mujer de unos 60 años, su madre Maritxu (Terele Pavez) una inquietante y extravagante anciana y su hija Eva (Carolina Bang) una bella joven de estética gótico-punk, rodeadas de las extrañas mujeres de la localidad. Tras los fugitivos corren dos incompetentes inspectores de policía (Pepón Nieto y Secun de la Rosa) y la ex de Jose, Silvia (Macarena Gómez) dispuesta a recuperar a su retoño. A partir de aquí toda una pléyade de situaciones delirantes se suceden trufadas de gore paródico, humor negro y retazos de cine de terror y de suspense además de bastantes momentos de cine de acción y aventuras con mayúsculas en un espectáculo tan (inteligentemente) adrenalinítico y desternillante como a veces excesivo.

La película no trata de detener en ningún momento el surrealismo y la caricatura ya que se trata principalmente de narrar una historia que parodiando de manera bastante esquemática (posiblemente intencionada) el cine de género terrorífico trata de mostrar y desmontar ciertos topicazos de la relación entre hombres y mujeres y todos los disgustos y frustraciones que pueden conllevar y no de una manera muy sutil precisamente. No obstante, resulta mucho más sugerente el ciertamente macabro e inquietante ambiente que se consigue como película fanataterrorífica con un brillante clímax rodado en las cuevas de Zugarramurdi como colofón. En ese sentido la explotación del “reverso tenebroso” de símbolos de la cultura vasca como los cabezudos de Pamplona, el Gargantua de Bilbao, el Ziripot de Lantz, los Joaldunak de Ituren y Zubieta o la canción Baga Buiga Higa de Mikel Laboa resulta un hallazgo realmente genial, así como también se antoja brillante la revisión de algunos mitos ancestrales vascos como lo es sin ir más lejos el matriarcado de la etxekoandre. Con referencias a El Exorcista, Un Hombre Lobo Americano en Londres, Indiana Jones en el Templo Maldito o Las Colinas Tienen Ojos (entre otras muchas) la película resulta además un interesante festín cinéfilo, pero la morosidad de su guión en donde hay fallos de diálogo bastantes chirriantes y una desidia nada convincente en el desarrollo de la historia no hacen que sea una película perfectamente disfrutable. Nada se puede reprochar sin embargo a un voluntarioso y en forma Alex de la Iglesia y a unas interpretaciones muy buenas en especial Terele Pávez (toda una vieja y terrorífica bruja), Macarena Gómez (genial su registro inquietante, a lo Barbara Steele - mítica actriz de terror con la que guarda mucho parecido-), Mario Casas (el personaje más desternillante de la película) y los descacharrantes personajes de las señoras Miren y Kontxi, interpretadas por Santiago Segura y Carlos Areces; además de unos efectos especiales realmente buenos. Una película que sin ser redonda cumple su función de evasión-sátira más que con creces.  

El Apartito Lumiere RUSH

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La fiebre del automovilismo esta llegando al cine y lo hace de la mejor manera posible, contando una de las muchas interesantes historias reales que a lo largo de la historia de este deporte se han sucedido, como ya lo hizo  el relativamente reciente film documental Senna (2010). Pero esta vez se trata de un filme de ficción, un vehículo (valga el chiste fácil) poco explotado a la hora de narrar historias verídicas del deporte del automóvil y que desde luego puede funcionar magníficamente y en este caso así ha sido. Rush cuenta una de las historias más conocidas y apasionantes del mundo de la Fórmula 1, la rivalidad a mediados de los 70 entre el británico James Hunt (interpretado por Chris Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) componiendo un drama biográfico muy bien estructurado y honesto que interesará a todo tipo de público y no solamente a los aficionados al automovilismo. Es esta además una de las mejores películas del ya veterano Ron Howard, un director irregular de prolífica y conocida filmografía tendente a lo comercial que esta vez se ha vuelto a agenciar de la labor del hábil guionista y dramaturgo Peter Morgan, con quien ya colaboró en Frost contra Nixon (2008), otro importante acierto dentro de su irregular filmografía, para dar un empaque más bien indy y verista a una historia real compleja que requería de un enfoque realista y audaz en lugar de comercial. En ese sentido, se nota bastante que Howard y Morgan han tomado como referencia al cine de los 70 de la generación de directores norteamericanos llamada Easy Riders Ranging Bulls (Scorsese, Ashby, Malick, Lucas, Coppola, Cimino…) con bastante acierto mediante una puesta en escena casi casual, una fotografía imperfecta, televisiva y retro y un montaje adrenalinítico (tal y como requería la ocasión, claro) Como resultado, una impecable recreación de los años setenta (la película se desarrolla entre 1970 y 1977) con selecta BSO de la época incluida (Jimmy Cliff, Slade, Spencer Davis Group) y una estupenda recreación de varias de las carreras de Grandes Premios que disputaron ambas leyendas del motor – aunque la mayor parte de las imágenes de las competiciones procedan de material de archivo real- incluida una minuciosa recreación de los vehículos e indumentaria de los pilotos en aquella década.

La película va mas allá del apunte biográfico y del cine de gestas deportivas, pretende ser un homenaje a los pilotos de Fórmula 1 de los 70 en una época en que por las aún existentes imperfecciones en los coches y en los circuitos la muerte estaba más al acecho que en la actualidad; en ese sentido dos campeones mundiales como Hunt y Lauda personificaron -como plasma la película- dos modos antagónicos de entender las carreras de automóviles, el británico, un carismático bon vivant juerguista y mujeriego, como un divertimento antes de la llegada de una muerte inminente (añadido esto a una vida disoluta de sexo, alcohol y excesos), y el austriaco perfeccionista, cuadriculado y metódico, como un intento de realización personal en busca de la excelencia. Ambas personalidades no tardaron en chocar a medida que se levantaba su reinado en la Fórmula 1 estableciéndose entre ambos una relación de amor-odio en la que los dos se necesitaban mutuamente para competir con su Némesis absoluta. Este último aspecto psicológico de la historia se encuentra muy bien presentado gracias al recurso de estar más o menos centrado en la óptica mas sensata de Niki Lauda, un personaje cuya historia de superación daría para una película exclusivamente enfocada en él aunque este no ha sido el propósito de esta cinta. Al final, el desgraciado accidente de Lauda en agosto de 1976 dará un inesperado giro a la relación y a la carrera de los dos pilotos, momento cumbre este que en la película esta bastante logrado. Buenas interpretaciones del australiano Hemsworth y del germano-catalán Brühl, especialmente del segundo que es clavadito a Niki Lauda e incluso el parecido aumenta con la caracterización del actor del Lauda desfigurado post accidente.  Sin ser una gran película, una opción más que aceptable para una tarde de cine         

MASCOTAS COMERCIALES, ESAS OMNIPRESENTES CRIATURAS (I)

Desde que la publicidad y el marketing hicieron acto de presencia a mediados del siglo XIX, la humanidad se ha ido acostumbrando a que muchas marcas comerciales, productos en venta y empresas nos presenten en anuncios y en sus logotipos a diversos personajes dibujados que ejercen de “embajadores”, de agentes publicitarios y en definitiva de símbolo de la marca en cuestión: son las entrañables mascotas publicitarias, algunas mundialmente conocidas a lo largo de años y años. Hay muchos famosos ejemplos de mascotas de empresas y marcas de todo tipo de productos, siendo los más conocidos los de las mas veteranas -generalmente de compañías multinacionales- que han resistido contra viento y marea los embates del tiempo. Animales antropomorfos, personas humanas, seres de fantasía se han ido asociando irreversiblemente a determinadas marcas e incluso han logrado trascenderlas al llegar a convertirse en auténticos iconos pop y tótems de la cultura popular superando las fronteras de la publicidad. Aquí tenemos ocho ejemplos de conocidas mascotas publicitarias, siete de sabor internacional y conocidas mundialmente y una genuinamente ibérica pero merecedora de encontrarse en cualquier antología de esta peculiar fauna. No son todas las que son, pero ejemplifican perfectamente el mundo de las mascotas publicitarias

Bibendum (Michelin)

Sin duda alguna una de las mascotas publicitarias más famosas de cuantas existen. Nos estamos refiriendo claro está a la famosa figura antropomórfica hecha de neumáticos blancos de la empresa francesa de neumáticos Michelin, todo un icono mundial omnipresente a lo largo y ancho del orbe. Bibendum, un rechoncho (aunque desde hace unos años ya no tanto) y risueño ser es una figura entrañable y enormemente conocida por varias generaciones hasta el punto de que su imagen- dibujada o tridimensional- se puede encontrar en cualquier lado: vallas publicitarias talleres, concesionarios, publicidad en prensa, en televisión y como no en las famosas guías y mapas Michelin. Conocido también como el “hombre de Michelín” o en España como “el muñeco de Michelin”, en realidad poca gente sabe que su verdadero nombre es el termino latino Bibendum, el cual tiene una curiosa génesis que relataremos.

Bibendum es además una de las mascotas comerciales más antiguas de cuantas existen en la actualidad ya que su primera aparición data de 1898 (diez años después de que se fundara la empresa Michelin)  y fue en un cartel publicitario. La idea de que “un hombre de neumáticos” apareciese en un cartel en un mundo el de la publicidad que por entonces estaba en pañales fue de los propios fundadores de la compañía, los hermanos Edouard y André Michelin cuando vieron en 1894 un montón de neumáticos apilados que asemejaban a un hombre sin brazos. Cuatro años después André Michelin conoció al dibujante Marius Rossillon O´Galup que había creado un dibujo publicitario para una cervecera alemana que representaba a un hombre a punto de beberse una jarra de cerveza citando solemnemente al poeta latino Horacio: Nunc est bibendum (nunca es tarde para beber). A los Michelin les gustó la idea y propusieron a O´Galup crear un cartel para su compañía con el mismo lema y con un personaje antropomorfo hecho de neumáticos de bicicleta como protagonista. Así nació el hombre de neumáticos, que en su primer anuncio de 1898 aparecía con un aspecto bastante diferente al que tiene en la actualidad, levantando una copa con clavos y cristales (en referencia a los neumáticos como “consumidores” de objetos punzantes que pueden deshincharlos en la carretera) con el Nunc est bibendum como slogan del anuncio en cuestión. El anuncio gustó tanto que la empresa siguió contando con O´Galup y su personaje para sucesivos carteles que eran en realidad una variación del original y pronto la un tanto grotesca criatura de caucho se convirtió en el emblema publicitario más conocido de Francia, bautizándose popularmente como Bibendum en referencia a aquella prominente palabra en latín del slogan. La propia compañía bautizará “oficialmente” a su mascota con ese nombre ante el entusiasmo popular. Tras la II Guerra Mundial hará su entrada en el resto de Europa y del mundo, con su aspecto evolucionado a medida que las tendencias del diseño iban cambiando. Bibendum, en la primera mitad del siglo XX llegó a representarse fumando puros y hasta finales del siglo XX ha lucido gafas, pero ahora es una figura más dinámica y atlética que en sus orígenes y en gran parte de su vida como mascota, aunque siempre ha sido en la cultura occidental un ejemplo popular de la obesidad (en castellano se le debe un término, michelín). Sonriente y blanco impoluto (como muchas mascotas publicitarias) Bibendum siempre será para muchos el logo publicitario antropomorfo por antonomasia.       

Nipper, el perro de HMV

Otra pionera mascota con solera y bastante vista, aunque en los últimos años algo caída en el olvido. La imagen del perro escuchando un gramófono ha dado la vuelta al mundo desde su irrupción en 1900 y lo más curioso y característico de ella es que a lo largo de más casi 115 años se ha asociado no a una sino a varias marcas y compañías de discos y de electrónica: His Master´s Voice (la original) y sus tiendas HMV, RCA, Victor, EMI, etc. y diversas filiales, desmembraciones y fusiones (es un jaleo). Este logotipo de empresa, más que una mascota, representa a un perro terrier cruzado blanco escuchando atentamente un gramófono de finales del siglo XIX, una imagen evidentemente con sabor a antigüedad, a batallitas del abuelo y a épocas pasadas que pese al paso del tiempo ha sobrevivido como logo con relativamente buena salud y sin experimentar apenas cambios salvo cierta estilización en algunos logotipos de alguna de las múltiples compañías discográficas o electrónicas que aún lo utilizan hoy en día. Su supervivencia, un homenaje a los orígenes de la música grabada en los últimos años del XIX, muestra lo atemporal de un icono que ya está asociado desde hace tiempo con el mundo del disco. Un can de existencia real llamado Nipper es el protagonista de esta transtemporal historia.

El verdadero Nipper, para muchos el perro de His Master´s Voice (La Voz de su Amo, como se conoció en España a la compañía), vivió en Bristol, Inglaterra entre 1884 y 1895 y fue propiedad del escenográfo del Prince Theatre de Bristol Mark Henry Barraud hasta su muerte en 1887, año en que pasó a tener de dueños a los hermanos de Barraud. En 1898, Philip Barraud, su último dueño, pintó un cuadro del fallecido can blanco con orejas negras junto con fonógrafo de cilindros Edison-Bell y un año después Philip pensó que su pintura podía interesar como imagen de marca a la incipiente en el mundo de los sonidos grabados Edison-Bell (lo de la imagen de marca también era algo que daba sus primeros pasos) pero la empresa norteamericana rechazó el grabado cuando les fue presentado. The Grampohone Company (la futura His Master´s Voice) se interesó por el cuadro pero pidió que el fonógrafo de cilindros fuese remplazado por un gramófono Berliner y la empresa adquirió el cuadro por 100 libras para usarlo como símbolo publicitario y de marca con el famoso eslogan de “La voz de su amo”, que mas tarde se convertiría en el nombre de la compañía. Pronto el chucho dio la vuelta al mundo al ser utilizado como mascota en las subsidiarias de Grampohone Deutsche Grampohon en Alemania y Victor en EEUU. Nipper y su gramófono han aparecido no solo en los logos y en publicidad sino en esculturas y objetos promocionales y su imagen generalmente tridimensional puede verse en diversos edificios relacionados con HMV o RCA. En la actualidad la imagen de Nipper es utilizada por las tiendas HMV y por la discográfica RCA en algunos países. Un perro inmortal que demuestra que los animales (sin necesidad de ser antropomorfizados) pueden ser las mejores mascotas comerciales.

Mono Anís del Mono

Una de las mascotas comerciales españolas más conocidas (y antiguas) es el “mono” de la marca Anís del Mono, cuyo origen se remonta a ni más ni menos a 1870, año en que se creó esta empresa anisera en Badalona (Barcelona). La imagen del mono con cabeza más bien humana agarrando una botella de anís con su brazo izquierda y en la derecha sosteniendo un pergamino con la curiosa frase-slogan “Es el mejor. La ciencia lo dijo y yo no miento”  ha permanecido inamovible y sin cambio de diseño alguno en la etiqueta de una de las marcas de anís españolas más conocidas (es conveniente señalar que en las etiquetas de licores españoles la tradición pesa más que nada y pocas veces experimentan estas evolución en el tiempo conservando las mas antiguas un aspecto vintage o incluso museístico). Muy popular entre españolitos de varias generaciones e inmortalizado por artistas y escritores, el mico del anís (como la marca de anís en sí) es todo un icono ibérico y todo un estándar de la educación sentimental española con más de 140 años de antigüedad (tiene hasta un monumento en Badalona), con el toro de Osborne como única mascota comercial “animal” española que le supere en popularidad. 

Los orígenes de este mono y de su extraña apariencia pseudohumana son inciertos, además de ignorarse quien fue el artista que diseñó la imagen. Se cree que Vicente Bosch, el fundador de la empresa, quiso aprovechar el impacto y la polémica a todos los niveles que en la segunda mitad del siglo XIX aún se vivía por las teorías evolutivas de Charles Darwin (su El Orígen de las Especies se publicó en 1859) y escogió un “polémico” mono como nombre y símbolo del anís que iba a fabricar. La frase del pergamino, tal vez haga referencia al conflicto ciencia-religión que las teorías de Darwin suscitaron (España era además un país ultracatólico) y quizás fuese ideado con cierta sorna ridiculizadora hacia la teoría que emparentaba por primera vez al hombre con el mono. El hecho que el primate sea de una raza de monos indeterminada y tenga la cabeza de un hombre calvo con decimonónica barba a lo Lincoln (con algún rasgo de simio) ha sido explicado por varias teorías: muchos han querido ver al mismo Charles Darwin caricaturizado, pero la verdad es que la cara del mono no se asemeja a al del naturalista británico; también se ha dicho que la cara es una caricatura del propio Vicente Bosch y así se asegura casi oficialmente, pero no ha quedado ningún retrato del empresario catalán para poder confirmar este extremo; e incluso se ha dicho que la inspiración vino de un mono traído en barco desde América por el propio Bosch, que al parecer era también armador. Sea como fuere el origen del singular mono del anís, lo cierto es que su inmortalidad es evidente.       

Mr. Clean /Don Limpio /Mr.Proper

Otra famosísima mascota-logo que entraría en la categoría de “seres humanos”. El fortachón calvo y con pendiente cruzando los brazos de los productos de limpieza del hogar asociados a la marca de origen norteamericano Mr. Clean (conocidos con diversos nombres en diferentes países como Mr. Proper y Don Limpio en España) es uno de los personajes publicitarios más famosos en todo el mundo. La culpa de todo la tuvo la empresa norteamericana de productos de consumo Procter & Gamble, quien lanzó el limpiador desinfectante Mr. Clean (Sr. Limpio) en 1958, inicialmente creado para la limpieza de barcos pero extensible en su comercialización a todo el hogar, con el dibujo  en la etiqueta de un fornido calvorota (¿un marinero, a juzgar por su pendiente?) con expresión sonriente y que llevaba el nombre del producto. Sus creadores fueron los diseñadores publicitarios Harry Branhart (idea) y Ernie Allen (dibujo) quienes al parecer se inspiraron en un marinero de Pensacola, algo acorde con el origen naval del producto. El personaje cayó simpático desde el principio en EEUU y pronto fue una estrella de la publicidad al aparecer en diversos anuncios en prensa y spots publicitarios, muchas veces en dibujo animado e incluso interpretado por actores de carne y hueso y siempre demostrando las excelencias del limpiador limpiando cosas a la velocidad de la luz.      

Convertido desde los 60 en un icono pop en USA, la mascota se expandió internacionalmente a partir de los 70 en la medida que Mr. Clean se convirtió en un producto multinacional. Desde entonces, en todos los países en donde se produce la solución limpiadora (una de las mas vendidas en todo el mundo a lo largo de la historia), el personaje de Mr.Clean con otros nombres ha obtenido fama internacional: Meister Proper en Alemania, Monsieur Prope en Francia, Mastro lindo en Italia, Maestro Limpio en Mexico y Puerto Rico, Mister Proper en gran parte de Europa del Este…en España, la marca y su mascota utilizó desde los setenta este último nombre inspirado en la denominación alemana, pero a principios de los 90 se cambió a Don Limpio debido a que un estudio de mercado señaló que después de quince años el comprador aún no identificaba el nombre de Mister Proper con un producto de limpieza. Como Don Limpio o como Mr. Proper, la mascota continúa siendo uno de los símbolos comerciales más populares en España como lo es en todo el mundo. Concursos de dobles de Mr. Clean en EEUU; referencias en cine, televisión, música,prensa y literatura; parodias de todo tipo…Mr. Clean se resiste a salir de la vida de la civilización occidental.

CONTINUARÁ

El Aparatito Lumiere MUD

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Intenciones modestas y resultado genial para una pequeña producción que con cierto sabor añejo al cine de John Cassavettes o al primer Dennis Hopper y con una clara y confesa inspiración en los atemporales mitos infantiles sureños de Mark Twain ofrece una sencilla y sugerente historia filmada y narrada con convicción y sin tontería. Una vez más, nos encontramos con el eterno relato del fin fortuito de la inocencia en la primera etapa de la adolescencia a causa de un hecho fortuito pero esta vez narrado con un sobrio estilo realista y con bastantes (fugaces) referencias estilísticas que van desde Truffaut hasta el cine independiente de americano de los 90 pasando por el western. Al final, una estupenda película que deja un más que grato sabor de boca.

 Enmarcada en un pueblo del sur estadounidense, dos muchachos de 14 años Ellis (Tye Sheridan) y Neckbone (Jacob Lofland) ven como su vida se entrecruza casi casualmente con la de Mud (Matthew McConaughey), un misterioso forastero que resulta ser un fugitivo huido por haber matado a un hombre con aparentemente una razón amorosa de por medio. Tampoco aquí se cuenta nada nuevo (las películas con niños o adolescentes que tratan de proteger más o menos inocentemente a delincuentes o convictos son numerosas), pero su tono nada mitificador y poco dado a la sensiblería consigue ofrecernos una película perfectamente creíble y muy bien trazada como drama. El mensaje de que la mentira es capaz de pervertir hasta los sentimientos más puros y que la más mínima infamia es capaz de acabar con las intenciones y los fines más nobles, es lo que interiorizan los jóvenes protagonistas de la película, dos chavales con complicada situación familiar (especialmente su protagonista Ellis) que terminan fracasando al tratar de encontrar redención en el hecho de prestar ayuda a Mud, un semidios para ellos pero con pies de barro. Eso sí, la película deja un mensaje final de esperanza que de alguna manera endereza lo que ya parecía perdido y la reafirma los anhelos de los protagonistas.     

Con el río Missisipi como un protagonista más y una querencia por los escenarios naturales que es de agradecer, la película se sigue con interés gracias a los súbitos cambios de registro (a veces intimista, a veces violenta, otras veces con pinceladas de drama social) y el buen hacer de sus intérpretes, entre quienes se encuentran además Reese Witherspoon y el veterano y polifacético Sam Sephard. Diálogos soberbios y lograda factura final para una película que anuncia un director a tener en cuenta en lo sucesivo, Jeff Nichols.     

El Aparatito Lumiere KICK- ASS 2. CON UN PAR (KICK- ASS 2)

 

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Hace tres años, Kick-Ass, dirigida por Matthew Vaughn y basada en el cómic de Mark Millar y John Romita Jr. se convirtió en una agradable y gamberra sorpresa que hizo las delicias de los amantes de las parodias, la comedia salida de madre pero inteligente, el cine de acción y los superhéroes de cómic. Una segunda parte del cómic original ha sido lógicamente suficiente para generar una secuela de aquella película, esta vez dirigida también con acierto por Jeff Wadlow, en donde nos volvemos a encontrar a esos “superhéroes” de saldo que son Kick-Ass/Dave Lizewsky (Aaron Taylor-Johnson) y Hit Girl/Mindy McCready (Chloë Grace Moretz) dispuestos de nuevo a defender a los débiles y luchar contra el crimen con sus mallas de neopreno barato y sus aparatosas técnicas de combate e intentando como pueden combinar su vida pública como héroes y su vida privada como estudiantes de secundaria. Dave sigue siendo el chaval friki y torpe pero idealista de siempre solo que esta vez mejor entrenado y convertido en una celebridad, dispuesto a formar un peculiar grupo de héroes enmascarados de la ciudad, mientras que la pequeña Mindy, que es ahora una adolescente, es ahora más belicosa y sanguinaria que antes (más si cabe), pero duda en si es mejor vivir como una quinceañera más o como una luchadora justiciera. La gran amenaza del “cachorro” mafioso Chris D´Amico (Cristopher Mintz-Plasse) -tan torpe y papanatas como Kick-Ass- quien desea vengarse de Dave por la muerte de su padre en el film anterior, llevará a Kick-Ass y su nueva y pintoresca banda de superhéroes caseros a una lucha sin cuartel tan violenta como desternillante     

Esta secuela aunque realizada con más medios que la primera parte, no resulta tan fresca ni afilada como aquella ya que el elemento de crítica social actual si bien sigue estando presente (esta vez la toma con la celebridad conseguida gracias a la absurda  presencia viral por internet) esta es de menos alcance, así como aquel espíritu quijotesco de la primera entrega (en donde Kick-Ass era una especie de revisión moderna del inmortal personaje cervantino) aparece en muy pocos momentos en pos de un estilo aún más tarantiniano que en la primera parte y en la puesta por la acción desatada y casi caricaturesca para efectos comediáticos. Persiste el colorista tono de la parodia de los superhéroes del tebeo y la humanización jocosa de los héroes en mallas en lo que es una especie de versión bufa de Watchmen, pero la inclusión de elementos más dramáticos en una historia en donde el drama no es necesario hace un flaco favor a una película que en donde mejor luce es en su tono de sátira. Por lo demás, la omnipresencia de una violencia desatada y casi gore (tratada como una coreografía) a veces se hace algo indigesta no por lo desagradable de algunas imágenes (no obstante algunas secuencias de acción son estéticamente espectaculares) sino por que muchas veces casan bastante mal con ese tono de comedia inteligente que preside la mayor parte de al función gracias a ingeniosos y chispeantes diálogos y ocurrentes gags, algunos escatológicos, eso sí. Jim Carrey, que interpreta al patriótico y bocazas Coronel Barras y Estrellas con su cansino histrionismo habitual, no ha querido participar en la promoción de la cinta por su a su juicio  excesiva violencia. Aunque no sea plato para todos los gustos, los que disfrutaron con la primera película y los amantes de los divertimentos gamberros e inteligentes llenos de mala uva, disfrutarán de lo lindo con este divertido “tebeo” trufado de personajes y situaciones bizarras (el nuevo alter ego de D´Amico, el supervillano El Hijoputa y su “ejercito del mal”, la lucha entre los grupos de superhéroes y supervillanos) y ganas de entretener y divertir al espectador  

EL GOLPE DE ESTADO DE CHILE: DIARIO DE UNA TRAGEDIA

 El 11 de septiembre de 1973 es una fecha negra en la historia de la humanidad. Fue el día enque los militares llevaron a cabo un violento golpe de estado en Chile que terminó con el gobierno del presidente socialista Salvador Allende (y con su vida) y que llevó al poder a una junta militar encabezada por el general Augusto Pinochet, que gobernó el país de forma dictatorial mediante represión con miles de víctimas mortales y desapariciones en aquellos que eran considerados disidentes y enemigos del régimen. Se cumplen 40 años del triunfo de una siniestra conspiración que acabó con un gobierno democrático legitimadamente elegido y que arrasó a su paso y ya solo en sus primeros momentos todo derecho humano y cualquier conato de racionalidad en una orgía de barbarie y destrucción. Con EEUU y la CIA como colaboradores, el golpe de estado de Chile de 1973 ha pasado a la historia como uno de  los momentos más dolorosos de la historia contemporánea, ejemplarizando que es lo que ocurre cuando el fanatismo, la intolerancia y la manipulación campan a sus anchas y a gran escala en la sociedad. 40 años después resulta casi obligado realizar un somero repaso de aquellos días infaustos en la historia de Chile y que llevaron a una dictadura cruel de más de 15 años en donde el respeto por la vida y los derechos fundamentales no existió. Que no ocurra nunca más   

 La llegada al poder de Salvador Allende

4 de Septiembre 1970:

Se celebran las elecciones presidenciales en Chile. Pugnan por el sillón de la presidencia Radomiro Tomic (Partido Demócrata Cristiano, centro-derecha, hasta el momento de las elecciones ostentador del poder en la persona de Eduardo Frei), Jorge Alessandri (Partido Nacional, derecha) y Salvador Allende (coalición Unión Popular, izquierda). Unión Popular, coalición formada por prácticamente todos los partidos de izquierda chilenos entre ellos el Partido Socialista de Chile (el partido de Allende) y el Partido Comunista, consigue el mayor porcentaje de sufragios (36,6%) pero al no obtener mayoría absoluta el Congreso Nacional debe de votar al presidente entre los tres candidatos. Allende, marxista convencido, presentaba un programa más comunista que socialista que entre otros aspectos pretendía nacionalizar la industria mineral y redistribuir las tierras.     

EEUU, en plena guerra fría, teme que si Allende es elegido presidente Chile se convierta en un país comunista. La CIA y el ejército empiezan a movilizarse en secreto.

9 de septiembre 1970:

Salvador Allende

Con la renuncia de Alessandri, todo indica que Salvador Allende Gossens (1908-1973) será elegido por mayoría absoluta del Congreso presidente de Chile, siendo la primera vez que un socialista de corte marxista va a conseguir llegar al poder en Latinoamérica de forma democrática (en uno de los países latinoamericanos con mayor cultura democrática). Muchos chilenos conservadores temen la instauración de un régimen marxista al tiempo que EEUU con Richard Nixon en la presidencia tratan de impedir la elección de Allende como presidente intentando comprar al Congreso chileno, financiando protestas y tratando de  que se celebrasen unas nuevas elecciones en las que Allende no sería candidato. Pese al fracaso de esa primera tentativa, EEUU mediante la CIA seguirá hostigando y conspirando contra el gobierno de Allende.

Septiembre 1970:

La CIA comienza su segundo plan para derrocar al ya oficiosamente elegido Salvador Allende mediante propaganda dirigida al pueblo chilenos sobre las “maldades” del nuevo gobierno izquierdista y tratando de crear un clima irrespirable de crisis que envalentone al ejército de Chile (como todos los ejércitos de finales del siglo XX en Latinoamérica, esta tenía gran poder) y ponga en contra de Allende. Se financia a los oponentes políticos de Allende y se funda el diario conservador El Mercurio que se convierte en el azote del gobierno, al tiempo que la ITT se convierte en propietaria de la mayor parte de las acciones de las principales compañías chilenas de telecomunicaciones. Así mismo, EEUU retira la ayuda militar a Chile “hasta que el ejército chileno se levante contra Allende y active un golpe de estado”

Intervención secreta de EEUU, oposición a Allende y primeras conspiraciones golpistas

16 -25 octubre 1970:

René Schneider

La CIA organiza dos grupos de militares anti Allende encabezados respectivamente por el General Viaux (retirado) y el General Valenzuela con el fin de asesinar al general contrario a la intervención militar René Schneider. Con la ayuda del grupo de extrema derecha Patria y Libertad se lleva a cabo un secuestro frustrado el 16 de octubre y un primer atentado fallido el día 19. El 22 de octubre Viaux y sus hombres la emprende a tiros a Schneider en un nuevo intento de secuestro, falleciendo tres días mas tarde. Viaux y Valenzuela son juzgados por intento de secuestro, asesinato e intento de golpe de estado. No pudo ser probado que recibiesen ayuda de la CIA como el tribunal sospechaba. El General Carlos Prats, también leal a Allende,  sucede a Schneider como general comandante en jefe

24 octubre 1970

Salvador Allende es elegido presidente de Chile tras votación en el Congreso Nacional.

3 noviembre 1970

Allende asume la presidencia y firma el Estatuto de Garantías Constitucionales mediante el cual se compromete a cumplir y respetar la constitución.  Gracias a esta firma se gana el apoyo del Partido Demócrata Cristiano. 

1971-1972:

Las políticas económicas del gobierno Allende provocan un importante aumento de la inflación así como aparece un  considerable mercado negro contra el cual Allende combate. La situación económica de esos años genera un enorme malestar.

Por otra parte, EEUU trata por todos los medios de acogotar la economía chilena retirando la ayuda económica y congelando créditos y prestamos con la ayuda del Banco Mundial. Agentes de la CIA se encuentran secretamente en Chile para crear una fuerte oposición contra Allende.

Agosto 1972:

La Armada de Chile, ante el clima político, económico y social y de nuevo instigada por la CIA, planea un golpe de estado, que es secundada por el ejército de tierra y el de Aire; pese a todo hay aún militares contrarios al derrocamiento militar de Salvador Allende como los generales Cesar Ruiz y Carlos Prats, que de un modo u otro se irán retirando de la primera plana del ejército en los meses sucesivos. Los economistas democratacristianos trazan un plan económico aplicable al futuro golpe.

Octubre 1972:

Primera huelga de 24 horas por la mala situación económica del país, apoyada por pequeños empresarios, varios sindicatos y grupos estudiantiles. En un clima de crisis se nombra al General Prats, conservador pero leal a Allende, ministro de interior.

Marzo 1973:

Unidad Popular recibe el 43% de los votos en las elecciones parlamentarias, lo que demuestra que pese a todo, la mayor parte del pueblo chileno esta con Allende. El Partido Demócrata Cristiano deja de apoyar a Allende y junto con el Partido Nacional forma la Confederación Democrática (CODE), bastión de la oposición contra el presidente. La CIA comienza a financiar a la CODE y a otros grupos de oposición para forzar el derrocamiento de Salvador Allende. La sombra amenazante de un golpe de estado pende sobre la opinión pública. 

Manifestación popular en favor del gobierno de Allende

Crisis político social y preparación del golpe

Mayo-junio 1973:

Explosión de violencia en las calles: grupos pro Allende de extrema izquierda (MIR, Movimiento de Izquierda Revolucionaria) y de extrema derecha contrarios al presidente socialista (Patria y Libertad, con el apoyo de la CIA) se enzarzan en una serie de luchas callejeras que provocan una enorme fractura social en Chile entre partidarios y detractores de Allende además de producir víctimas mortales. Estos grupos comienzan a recurrir al terrorismo con atentados, asaltos y asesinatos en medio de un clima social que cada vez se va haciendo más irrespirable. La Armada, aún con disidencias en su seno e intentos de pararlo, sigue planeando un futuro golpe de estado.

26 mayo 1973:

El Tribunal Supremo acusa al gobierno de Salvador Allende de incumplimiento de la legalidad de la nación al impedir que la policía ejecute resoluciones judiciales contrarias a las medidas del gobierno.

29 junio 1973:

Primer intento de serio de golpe de Estado conocido como El Tanquetazo: el Teniente Coronel Roberto Souper se dirige con una columna de tanques y soldados hasta el palacio presidencial de La Moneda. A las 9 de la mañana comienzan a disparar dentro del edificio dejando 16 personas heridas y una muerta. A las 9.30 el presidente hace un llamamiento al pueblo para defender la constitución, especialmente a los trabajadores. El General Prats se hace cargo de la operación para detener la intentona golpista con ayuda de buena parte de los efectivos militares chilenos disponibles y el apoyo de los altos cargos militares lealistas. Tras una arriesgada y aparatosa operación con profusión de tiroteos, los golpistas se rinden sobre las 11.30.    

27 julio 1973:

Patria y Libertad asesina del edecán naval de Allende Arturo Araya. Los autores quedan libres.

Agosto 1973:

Nuevos desencuentros del Tribunal Supremo de Chile con el gobierno, esta vez en relación con la ley de la tierra. El 9 de agosto, Prats es nombrado ministro de defensa con el fin de asegurarse el gobierno el apoyo de las altas instancias militares ante la sospecha que el ejército cada vez esta menos con Allende y ante la eventualidad de un nuevo golpe de estado. La opinión pública cada vez está más dividida en contra o a favor de Allende. Los carabineros (policía chilena) lanzan gas contra de 100.000 mujeres que se  manifestaban por la subida de los precios de los alimentos. La crisis de gobierno es total. 

22 de agosto 1973:

En medio de un clima enrarecido, la cámara de los diputados (con mayoría de la oposición, democristiana y del Partido Nacional) aprueba un texto acusando al gobierno de Allende de quebrantamiento del orden constitucional y legal de la República y exhortando al ejército a garantizar el cumplimiento constitucional. Se acusa al gobierno de intentar implantar un gobierno totalitario, de violar la constitución, de no separar los poderes ejecutivo, legislativo y judicial y de crear grupos armados protegidos por el gobierno además de usar a la policía y el ejército para sus propios fines partidistas. Otras acusaciones hablaban sobre un modus operandi propio de un régimen totalitario (gobierno por decreto, represión brutal de manifestaciones, control de los medios de comunicación)

24 agosto 1973:

Allende con Pinochet (¿le era leal?)

El presidente Allende responde a la resolución de la cámara: según él, esta destinada a dañar el prestigio del país y crear confusión interna, además de envalentonar las intenciones de ciertos sectores, especialmente el ejército, quien no se podía levantar contra un gobierno elegido democráticamente. Allende aseguró que su gobierno cumplía el orden constitucional y acusó a ciertos sectores de promover un golpe de estado y al Congreso de paralizar e intentar destruir el Estado.

Prats dimite como ministro de defensa y comandante en jefe del ejército como consecuencia de violentas manifestaciones contra su persona y especialmente por el incidente de Alejandrina Cox, en el que Prats disparó desde su coche a una mujer que lo increpaba desde el suyo. El General Augusto Pinochet (1915-2006) se convierte en el nuevo comandante en jefe.

El día decisivo (y maldito)

7-10 septiembre 1973:

Tras la caída de Prats y sus colaboradores (último bastión de defensa a Allende desde el ejército), la mayor parte de la plana militar chilena cree que es el momento de llevar a cabo el golpe de estado. El día 7 de septiembre se fija el día 11 como el día D. La Armada de Estados Unidos presta su apoyo a un golpe gestado principalmente desde el estamento naval aportando buques para la toma vía marítima de las principales ciudades chilenas.

11 septiembre 1973:

A las siete de la mañana, Valparaíso, la tercera ciudad más poblada de Chile, es tomada por la Marina: se cierran emisoras de radio y televisión y las tropas se colocan estratégicamente. Informado sobre esto, el presidente Allende acude al palacio de La Moneda junto con su cuerpo de guardaespaldas, pero hacia las ocho de la mañana el ejército ya se encuentra en Santiago de Chile clausurando y bombardeando emisoras.

Allende, creyendo que la mayor parte del ejército aún le es leal, trata de contactar sin éxito con el responsable de la Marina, el Almirante Montero, militar leal al presidente al que los golpistas le habían cortado la comunicación (el hombre que ahora estaba al mando de la armada que había tomado Valparaíso era José Toribio Merino). También trata de contactar con el General Pinochet (tierra) y con el General Leigh (aire), sin saber que ambos estaban involucrados en el golpe junto con el director general de la Policía Nacional César Mendoza.      

El ejército controla ya todo Santiago y arresta al ministro de defensa Orlando Letelier cuando este se dirigía al ministerio. A La Moneda han llegado altos cargos de la policía a requerimiento de Allende.

A las 8.30 las fuerzas armadas declaran que todo Chile está bajo su control y que Salvador Allende ha sido depuesto. Allende se da cuenta entonces de que prácticamente todo el ejército le ha traicionado y que todo esta perdido, aunque se niega a dimitir. El ejército amenaza con bombardear La Moneda si el presidente no entrega su cargo a una nueva junta de gobierno formada por los cuatro cabecillas del golpe. Allende rechaza huir a San Joaquín, al sur de Chile, para organizar un contragolpe tal y como le propone el Partido Socialista y se niega a dimitir tras entrevistarse con los líderes golpistas.

El presidente, en una situación desesperada

Tras el fracaso de las “negociaciones” los militares golpistas recurren a la fuerza: el General Pinochet manda una línea de infantería contra La Moneda pero la guardia personal del presidente, los GAP (Grupo de Amigos Personales) los reciben con tiros desde el tejado del palacio presidencial. Mientras tanto, Allende ofrece su famoso y emotivo discurso de despedida emitido radiofónicamente en Radio Magallanes a las 10.15  en donde deja clara su negativa a dejar la presidencia ante un golpe de estado y ser usado por los traidores a la patria. Helicópteros armados irrumpen como refuerzos abriendo fuego desde el cielo y bombardeando el palacio. Hacia las 2.30 los ocupantes de La Moneda se rinden y Allende, tras oponer una última resistencia, según la nota oficial, se quita la vida con un AK 47 que le regaló Fidel Castro. Esta versión, silenciada por colaboradores de Allende que fueron testigos de aquella para no manchar el honor del presidente (que se comportó en general con gran valor) no fue creída durante largo tiempo por la oposición al régimen de Pinochet, pero recientemente se ha sabido que es cierta.      

El golpe se saldó con cerca de 60 personas muertas, pero los combates siguieron en el día siguientes con la participación del MIR y acrecentaron la cifra. Al parecer 46 de las víctimas mortales en los enfrentamientos eran pertenecientes a los GAP. Entre las víctimas civiles, además de  Allende, falleció el periodista Augusto Olivares, mientras que los miembros de la oficina del presidente Antonio Aguirre y Osvaldo Ramos, que habían sido heridos, fueron secuestrados del hospital en el que se encontraban y hechos desaparecer. Unos 34 militares golpistas fallecieron en el combate del día 11, pero cerca de 15 murieron los días siguientes. Las cifras de muertos y heridos fueron (y siguen siendo) un baile constante debido a las informaciones y contrainformaciones dadas durante esas fechas y a lo largo del tiempo.

El Palacio de La Moneda bombardeado

 13 septiembre 1973:

Dos días después del triunfo del golpe de estado, se establece una Junta Militar formada por el general Augusto Pinochet, el general Gustavo Leigh, el almirante José Toribio Merino y el director general de la Policia Nacional (carabineros) César Mendoza. Se procede a la disolución del Congreso, se suspende la constitución, se impone la censura previa y se declaran ilegales los partidos de la coalición Unidad Popular. Se termina suspendiendo además toda actividad política exterior al nuevo gobierno instaurando de ese modo una dictadura militar en la que la democracia queda suprimida.

Los cuatro ejecutores del golpe se rotarán en la jefatura de la Junta aunque Pinochet, que fue el que primero la asumió, terminará siendo el jefe permanente de la Junta a partir de 1974.

Comienza la dictadura

Septiembre-octubre 1973:

La Junta Militar se venga del izquierdismo de cualquier signo y de los partidarios de Salvador Allende, no importándoles que sean población civil, indefensa, mujeres o personas ancianas y sin ningún delito salvo votar o ser simpatizantes de Unidad Popular, militar en sindicatos o asociaciones profesionales, organizaciones reivindicativas o de estudiantes o haber participado en actividades “sospechosas” a ojos del nuevo régimen. Y si solo existía la sospecha, no importaba: durante los primeros meses de gobierno de la Junta, el gobierno detuvo y encarceló en el Estadio Nacional de Chile en Santiago a 40.000 personas, varios cientos de ellos a los que torturó, mató o hizo desaparecer, entre ellos los periodistas norteamericanos Charles Horman y Frank Teruggi, cuyos casos dieron la vuelta al mundo. El mismo día 11 se tenía orden de arrestar a cualquier persona (mujeres y niños incluidos) que se encontrase en las calles.     

Estadio Nacional: el teatro del horror

Se estima que en total cerca de 50.000 personas fueron arrestadas tan solo en los meses siguientes al golpe, y muchas de ellas torturadas y asesinadas: En los años 90  se confirmó que en esta fecha unos 3.000 ciudadanos fueron asesinados, muchos de ellos mediante tortura. Además, la Caravana de la Muerte, un escuadrón especial del ejército, se encargó de buscar y asesinar a unas 70 personas, entre ellas el conocido cantautor Víctor Jara. El terror ha comenzado

Y lo que vino después

Pinochet fue proclamado Presidente de Chile en diciembre de 1974 y permaneció en el poder hasta marzo de 1990, tras un tímido proceso de apertura a la democracia (legalización de partidos en 1987) fruto de la creciente oposición.  

En el periodo 1973-1976 el régimen de Pinochet arrestó a 130.000 personas, “haciendo desaparecer” a muchas de ellas. En los años siguientes, pese a que el número de muertos y detenidos por el régimen disminuiría la represión y la persecución no cejó hasta el regreso pleno de la democracia en 1990. Se estima al menos 3.197 personas fueron asesinadas durante el régimen de Pinochet y unas 29.000 fueron torturadas. Crímenes políticos, Caravanas de la Muerte, detenciones masivas, conculcaciones de derechos humanos, torturas, producción y tráfico de drogas y todo bajo un clima totalitario, fue el legado de los 17 años de dictadura del General Pinochet. 200.000 personas fueron obligadas a exiliarse.

A partir de los 80, varios movimientos opositores (tanto izquierdistas como conservadores) comenzaron a revelarse tímidamente contra la dictadura del general y cada vez más Pinochet iba perdiendo la calle. El 5 de octubre de 1988, un referéndum mediante el cual debía elegirse si Pinochet permanecía en la presidencia otros ocho años (voto “si”) o si por el contrarío deberían celebrarse elecciones libres (voto “no”) fue la tumba del sanguinario dictador con la victoria del no. Tras la victoria en las elecciones del democristiano Patricio Aylwin y la salida de Pinochet de la presidencia el 22 de marzo de 1990, este permaneció como general y comandante en jefe del ejército hasta 1998. Nunca fue juzgado por sus crímenes pese numerosos intentos y la condena de la comunidad internacional, incluyendo un arresto domiciliario en el Reino Unido de 1998 a 2000 que nunca terminó en juicio. Falleció el 10 de diciembre de 2006, totalmente impune.   

La historia ha juzgado al golpe de Augusto Pinochet como uno de los más cruentos y abominables episodios de la historia contemporánea teniendo en cuenta además los años de barbarie e injusticia que a continuación se instauraron en Chile. 40 años después, no conviene olvidar estos hechos que sin duda ilustraron hasta que punto el fanatismo y la intolerancia puede destruir cualquier atisbo de cordura. Un pasaje incierto de la historia de Chile que terminó abruptamente por medio de la más salvaje fuerza ha servido al menos para aleccionar a las generaciones siguientes en el respeto y la tolerancia con la esperanza de que jamás en ninguna parte deba repetirse esta triste crónica, aunque este deseo sea tan solo una utopía.