martes, enero 25, 2011

El aparatito de Lumiere - MÁS ALLÁ DE LA VIDA (HEREAFTER)




*** y 1/2

En los últimos años, un estreno de Clint Eastwood se convierte en todo un acontecimiento entre cinéfilos. Con un ritmo de rodaje endiablado, del viejo director y actor (semirretirado en esta última faceta) ya no cabe duda de que vive en su madurez su mejor momento como realizador con obras maestras del calibre de Mistic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o Gran Torino (2008) y es por ello que cada nueva película suya estrenada cause expectación. En esta ocasión, Eastwood vuelve a estar ayudado por el ínclito Steven Spielberg en calidad de productor, como ya lo hiciera en su díptico sobre la II Guerra Mundial Banderas de nuestros padres-Cartas desde Iwo Jima y los millones del presupuesto se hacen notar en una película muy interesante aunque por debajo del nivel exhibido por el director en sus mejores películas de la década de 2000. En esta ocasión, Clint Eastwood filma una superproducción de corte más o menos fantástico -aunque el drama se impone en todo momento- que de primeras plantea algo tan sugerente y atractivo como el vislumbrar que hay más allá de la vida, es decir, el más allá. Pero al igual que ocurriese con Million Dollar Baby al final la premisa argumental es tan solo un despiste y la película versa principalmente sobre otros temas y termina yéndose por otros derroteros. Este efecto no esta tan bien conseguido como en la película antes citada, y lo que durante todo el metraje va presentándose como una historia sólida, arrebatadora y muy bien contada termina de manera rápida e inadecuada aunque el final no puede ser más acertado a al hora de mostrar el mensaje real de la película. Verdaderamente, Eastwood sabe tratar grandes tremas humanos y en esta película vuelve a demostrarlo aunque tal vez la resolución final tenga deficiencias, y sabe como engañar inteligentemente al espectador y ofrecerle momentos temáticos variadísimos dentro de una misma historia, que en este caso son tres que se entrecruzan. Sin su guionista habitual en los últimos tiempos Paul Haggis, ahora es Peter Morgan quien filma el logrado guión de este filme.

Más allá de la vida se desarrolla en tres países diferentes y con tres personajes principales que viven en cada uno de ellos y tres historias diferentes que convergen finalmente, con el tema de la comunicación con el después de la muerte como nexo común. Por una parte, Marie (Cécile De France) una joven y famosa periodista francesa que tras vivir en carne viva el pavoroso tsunami del Índico de 2004, experimenta un contacto con el más allá al estar unos instantes clínicamente muerta, Marcus (los gemelos Frankie y George McClaren), un niño británico de extracción social baja que desea comunicarse con Jason, su hermano gemelo recientemente muerto (los gemelos Frankie y George McClaren, otra vez), y finalmente George Lonegan (Matt Damon), un americano con la facultad de poder comunicarse con difuntos una vez entra en contacto físico con sus familiares. La obsesión de Marie por plasmar su experiencia en un libro y su afán por conocer todo lo relacionado con la vida después de la muerte y la obsesión del pequeño Marcus por hablar con su hermano muerto contrastan con la frustración de Lonnegan con su don, del que una vez vivió y ahora solo quiere desprenderse de él y vivir su propia vida. Más allá (valga la redundancia) de el McGuffin  del tema de lo que se encuentra después de la muerte y de algunos tímidos coqueteos con la resolución final del enigma planteado (que no llega a producirse en ningún momento) mediante fugaces imágenes turbadoras, esta claro que Estawood ha pretendido dirigir un drama entre existencial y cotidiano que de alguna manera ilustra la preocupación del ser humano de cualquier edad, sexo, país, religión y clase social con la muerte, y que se resuelve de manera amable y lógica, aunque el devenir final del filme pueda resultar impostado e incluso algo pasteloso. Ese es el gran fallo de la película, el resolverse de una manera un tanto obvia y que puede no ser correctamente interpretada, ya que se nota que el mensaje final trata de ser definitivo y claro, y un servidor no ve que esto se haya cumplido de manera nítida.  

Por otra parte, que vamos a decir a estas alturas de las habilidades de Clint Eastwood como director: que clase, versatilidad en registros, habilidad con el trabajo de actores, gusto, y dominio del lenguaje cinematográfico, además de mostrarse como un narrador fuera de serie. Las escenas iniciales del tsunami son verosímiles y totalmente sobrecogedoras, con un muy buen uso de los efectos especiales informáticos. Tal vez, de lo mejor de la película. Una película que sin ser una obra maestra, tiene clase de sobra para gustar al espectador más exigente.  

lunes, enero 24, 2011

Mis 50 discos que te cagas (17): JANIS JOPLIN – PEARL (1971)

 

El 4 de octubre de 1970 Janis Joplin fue hallada muerta en un motel de Los Angeles donde se hospedaba hacía tiempo por el productor Paul A. Rothchild. El día anterior había estado en el estudio Sunset Sound Recorders oyendo la sección instrumental de un tema que le quedaba por grabar de su segundo disco en solitario, con la intención de añadir las voces al día siguiente. Obviamente, Janis Joplin, la primera  cantante solista femenina de Rock considerada por la crítica al mismo nivel que los más grandes del género del momento, no pudo completar la canción y su LP Pearl quedó entonces ligeramente inacabado, a parte de que otros temas para dicho disco no terminó de grabarlos con su voz en su totalidad. El disco se publicó finalmente en enero de 1971 y se convirtió en el primer gran LP póstumo de la historia del Rock convirtiendo a la cantante muerta por sobredosis de heroína y alcohol a los 27 años en todo un mito. Janis era todo un torrente sobre el escenario y en el estudio, una presencia tan apabullante como autodestructiva fue su desgraciada vida, marcada por el abuso del alcohol y las drogas, una conducta bohemia y desnortada, y el desprecio de mucha gente en su infancia y adolescencia. Tras dos discos con el grupo de Blues Rock psicodélico Big Brother and The Holding Company entre 1967 y 1968 (el segundo, Cheap Thrills es todo un clásico) y un primer álbum en solitario en1969, Janis Joplin se convirtió en la gran dama del hippioso Blues Rock americano con su voz rasgada y aguardentosa pero exuberante. Su prematura muerte, unida a la de  Jimi Hendrix, que falleció poco antes, mostró el reverso oscuro del sueño del rock, pero también marcó el inicio de la leyenda de tal vez la más grande vocalista femenina de la historia del rock, y en ese sentido, Pearl, su obra maestra, es todo un catalogo de su grandeza.

Pearl tuvo que ser completado instrumentalmente tras la muerte de Joplin pero eso no siempre fue posible, por ejemplo, el tema Mercedes Benz se quedó en una demo de menos de 2 minutos que finalmente se dejó a capella con la voz sin instrumentos que grabó Janis, y aún así se ha convertido en un tema mítico bastante versionado. Tampoco pudo completarse Buried Alive in the Blues que se presentó como un instrumental al no poder incluirse la voz de Janis.  Pero el disco en su totalidad no ofrece ninguna sensación de inacabado y hoy por hoy es una genuina muestra del blues rock americano en su estado más puro, salvaje, genuino y sin ambages, es decir, lo que representaba Janis Joplin. Desde el rítmico y desquiciado primer corte que abre el disco, el rítmico Move Over – la única canción de Pearl, en su totalidad escrita por Joplin- la vocalista muestra la versatilidad diabólica de su garganta privilegiada perfectamente arropada por un grupo de músicos californianos altamente competentes bien dirigidos por Paul A. Rothchild, el productor de The Doors. La emoción y las fuertes sensaciones dominan el espíritu de un disco directo e inmediato con joyas del calibre de Cry Baby  y su mítico grito inicial de la Joplin en un blues clásico, añejo e intimista (versión de Garmet Mimms) pero vitalista como el solo; sin duda alguna uno de los mejores temas de la cantante, con sus alucinantes fragmentos casi hablados envueltos en un torrente de blues-vendaval. No obstante, el clímax en Pearl llega de la mano de Me and Bobby McGee, escrita por Kriss Kistopherson, delicioso medio tiempo in crescendo de aire country con una excelente interpretación vocal de Janis que es ya todo un must del rock de los 70.  Y los momentos de gloria se suceden: Get It While You Can y su efectivo tono entre soul y jazz con hendrixiano solo de guitarra de John Till o el potente R&B místico de Half Moon, son solo muestras de los niveles a los que podían llegar el carisma artístico y la garganta de Janis Joplin, la primera voz en la historia de la música popular capaz de dirigir y modelar a su antojo la interpretación  a todo un grupo de músicos.

Poco importa que muchos de los temas de Pearl sean versiones de otros artistas, se puede decir claramente que se trata de canciones de Janis Joplin, la voz blanca más negra que ha habido siempre. Janis Joplin, alcohólica, drogata, excéntrica, atormentada, triste, extravagante, desesperada. Este disco demuestra claramente quien fue ella y lo enormemente emocionante, arrebatadora y total que fue la música de la reina blanca del blues


FICHA TÉCNICA

Géneros: Blues Rock
Publicación: enero 1971
Sello original: Columbia
Producción: Paul A. Rothchild
Duración: 34:10
Músicos:
Janis Joplin: voz
Richard Bell: piano
John Till: guitarra
Ken Pearson: organo
Bobbye Hall: conga, percusión
Brad Campbell: bajo
Clark Pierson: batería, coros
Bobby Womack: guitarra acústica
Phil Badella: coros
Sandra Crouch: pandereta


Track listing

1- Move Over
2- Cry Baby
3- A Woman Left Lonely
4- Half Moon
5- Buried Alive in the Blues
6- My Baby
7- Me and Bobby McGee
8- Mercedes Benz
9- Trust Me
10- Get It While You Can

domingo, enero 23, 2011

El aparatito de Lumiere - CAMINO A LA LIBERTAD (THE WAY BACK)



***

Un interesante filme que trata de devolver la épica histórica con elementos humanistas al cine con buenos resultados aunque podría esperarse algo más de un cineasta experimentado y veterano como el australiano Peter Weir (El año que vivimos peligrosamente, Único testigo, El Club de los Poetas Muertos). La película se basa en un suceso real, la huida de un grupo de prisioneros de diferentes nacionalidades (rusos, yugoslavos, polacos y hasta un americano) de un Gulag soviético en Siberia en plena Guerra Mundial y la aventura que ese colectivo de evadidos vivió hasta llegar a la India atravesando Siberia, la Estepa rusa Mongolia, China…Este suceso fue publicado por primera vez por un autor impostor, el polaco Salmovir Rawicz, quien se atribuyó para él una hazaña que el no había efectuado, sino otra persona, un tal Witod Glimski. Sea como fuere, la historia es básicamente verídica y muestra una crónica de superación tan desmesurada como interesante en bastantes aspectos, pero a la que sin duda le falta emoción y un registro narrativo más constante.

No hay nada que objetar ante las impecables interpretaciones de un reparto multinacional en donde se encuentran los británicos Jim Sturgess y Jack Strong, el rumano Dragos Bucur y Alexandru Poteocean, el alemán Sebastian Urzendowsky, el irlandés Colin Farrell, y los norteamericanos Saoirse Ronan y Ed Harris. Una espectacular fotografía con impresionantes paisajes rodados en Bulgaria, Marruecos e  India (que hacen las veces de los parajes reales en done se desarrolló la historia) y un montaje casi perfecto son también algunas de las principales bazas de una película que se queda corta a la hora de hacer un drama de personajes, ya que estos no se encuentran todo lo configurados que debieran, y por otra parte el hecho de tratarse de una historia que se desarrolló durante un periodo de tiempo prolongado y en donde solo rara vez sucedía algo más o menos reseñable, obliga a un estilo narrativo demasiado rápido e impostado, aunque se esfuerce en dar detalle de los episodios con mayor potencial dramático . No obstante, es un filme hecho con oficio y muy solvente, que gustará a los amantes de historias al límite contadas con seso e inteligencia y a los seguidores de episodios más o menos insólitos de la historia contemporánea.  

sábado, enero 15, 2011

DIÓGENES EL CÍNICO, FILÓSOFO REBELDE



En el interior de una vasija

De entre los muchos grandes filósofos que la antigua Grecia dio, hay uno qu siempre ha destacado de manera singular: Diógenes de Sínope (Sínope 413 a.c - Corintio 327 a.c), el filósofo mas destaca y representativo de la Escuela Cínica. La singular y extravagante historia del sabio anacoreta y vagabundo que vivía dentro de un tonel o una gran vasija según las diferentes versiones es sin duda uno de los más sugerentes relatos que la Historia nos ha dejado y no deja de ser un elemento sumamente atractivo visto tanto desde la óptica de la historia de la filosofía y el pensamiento como desde la crónica de las singularidades sociales, políticas y científicas de la antigua Grecia. De Diógenes de Sínope o Diógenes el Cínico o Diógenes el del tonel (no confundir con el historiador filosófico griego Diógenes Laercio) no se conserva ninguna obra escrita, pero se tiene sobrada constancia de su singular pensamiento, un anticipo total al hedonismo hippie, al nihilismo, al pasotismo y a la contestación punk. Su imagen, reproducida ampliamente a la largo de la historia, como un harapiento ermitaño (a veces semidesnudo), anciano, barbudo, acompañado por un perro y portando una lámpara, es muy conocida por todo el que alguna vez se haya asomado a la historia de la Grecia antigua, pero en realidad poco se conoce de toda su vida, ya que existen ciertos datos contradictorios en ella o no suficientemente especificados. Eso sí, sus frases, sentencias, ocurrencias y anécdotas, recogidas por diferentes autores, han traspasado las fronteras del tiempo y siempre se han contemplado como el extremo al que fue capaz de llegar en un momento dado la filosofía clásica. El filósofo-bufón por excelencia de la historia del pensamiento, Diógenes de Sínope tal vez fue el primer filósofo humorista o el primer humorista filósofo, el filósofo primer pensador rebelde, ácrata, irreverente y polémico. El escándalo siempre fue con él.

Platón (428 a.c – 347 a.c), que llegó a conocerle, decía de Diógenes el Cínico que era un Sócrates que se había vuelto loco. Nuestro personaje fue contemporáneo de Platón, Aristóteles e incluso conoció vivo a Sócrates, que falleció cuando Diógenes tenía 14 años. Vivió durante el imperio de Alejandro Magno (356 a.c- 322 a.c), el Periodo Helenístico,  y con él vivió una de las más famosas anécdotas históricas. Diógenes nació en la ciudad de Sínope, en la actual Turquía. Diógenes fue expulsado de su ciudad, al parecer junto a su padre debido a asuntos económicos que probablemente guardaban relación con delitos de fraude, concretamente de falsificación de moneda.  No se sabe a ciencia cierta si esto fue obra únicamente de Diógenes, de su padre, o de los dos, pero si que se conoce que a raíz de este destierro, Diógenes se encontraba en Atenas cuando contaba con unos 30 años de edad.  Se dice que cuando escuchó su sentencia dijo la primera de sus célebres frases calificadas como cínicas: “Ellos me condenan a irme y yo les condeno a quedarse”.  Toda una declaración de principios y una muestra de su peculiar visión resignada de la realidad y lo negativo, además de  ejemplo de su misantropía y su visión un tanto burlesca y despiadada de sus semejantes, seres para él en su mayor parte necios. Se tiene constancia que tras su destierro también deambuló por Esparta y Corinto, pero fue en Atenas en donde Diógenes de Sínope se convirtió en toda una celebridad. En dicha ciudad entro en contacto con la Escuela Cínica liderada por Antístenes  (444 a.c  - 365 a.c).

Cosas de cínicos

La Escuela Cínica era una de las varias escuelas de pensamiento que existían en la Grecia clásica; hizo su aparición en la segunda mitad del siglo IV a.c y afirmaba que la civilización era un mal y que la auténtica felicidad se alcanzaba siguiendo una vida simple y de acuerdo con la naturaleza, es decir, según ellos vivir de acuerdo con la razón es vivir de acuerdo con la naturaleza y viceversa, sin por que  tener en cuenta las leyes, normas y convenciones. Esto les llevaba a comportarse excéntricamente desde el punto de vista social (la anaideia o provocación), comportándose sin pudor y haciendo literalmente lo que les daba la gana (al igual que los perros, sus inspiradores), viviendo con los demás hombres pero siempre según lo que les apetece hacer, alcanzando la felicidad mediante la sabiduría y la virtud y desprendiéndose de todo tipo de bienes y posesiones para no atarse a ellos. Los cínicos en realidad no eran una escuela griega típica de pensamiento en si ya que no se estructuraba como tal (con un maestro enseñando a unos discípulos en un local), sino que se reunían informalmente en gimnasio que frecuentaban (el Cinosargo); de hecho repudiaban la ciencia, las normas y las convenciones. Diógenes, una vez llegado a Atenas (se dice que viajó con un esclavo llamdo Manes, al que abandonó al poco tiempo), comenzó a frecuentar el Cinosargo, donde conoció al que será su maestro, Antístenes, antiguo discípulo de Sócrates. A partir de ese momento, Diógenes se hace un cínico más: decidió tener una vida austera (con el concepto de austeridad que tenían los cínicos, es decir, miserable), vistiéndose con andrajos, comiendo de lo primero que encontraba (carne cruda muchas veces) y rechazando tener un hogar, durmiendo en la calle o en pórticos de edificios. En poco tiempo adoptó como “hogar” un diminuto habitáculo: un tonel de madera, según algunas versiones, o una enorme vasija, según otras (es probable que fuese esto último); esta peculiar morada la escogió tras ver como un ratón vivía en un agujero, él entonces dedujo que los ratones eran capaces de adaptarse a cualquier circunstancia de vida y que el ser humano también podía hacerlo, no se necesitaba más refugio que el esencial. Diógenes seguiría con esta forma de vida hasta el final de sus días.    

En poco tiempo, Diógenes se convirtió en el filósofo cínico más popular de Atenas y su fama se fue extendiendo en todo el mundo griego. Políticos, militares, ciudadanos de a pie e incluso filósofos como Platón o Aristóteles no fueron indiferentes a la torrencial figura del sabio de la vasija, quien transgredía toda norma cívica y social. Se cuenta que Diógenes no solo hacía sus necesidades en plena calle, sino que se masturbaba y mantenía relaciones sexuales en público con el escándalo subsiguiente. Se manifestó a favor del canibalismo y declaró su desprecio a las ciencias, en especial a la geometría, la astronomía, y la música. Para él, las ciencias no podían proporcionar la felicidad, el único vehículo para alcanzarla era  el vivir en pleno contacto con la naturaleza mediante una manera autosuficiente mediante los valores de uno mismo. La sabiduría plena no se podía alcanzar por la ciencia, solo por el instinto y la razón de uno mismo, la ética propia del individuo, ya que el mundo sensible no podía ser discernido y por lo tanto era inútil discutir sobre él. El conocimiento era estéril si no servía a ningún propósito. Había una serie de valores que Diógenes destacaba, que eran la virtud, la impasibilidad, y la autarquía. Para él, eso era lo que representaba la ética.
 

Pensamiento de un asceta

Se tiene constancia de que Diógenes escribió algunas obras, pero todas se han perdido. Es posible que se tratase simplemente de aforismos. Todo el pensamiento que conocemos sobre Diógenes el Cínico se debe a la crónica que sobre él hizo su tocayo Diógenes Laercio en su Vida de los  filósofos más ilustres (siglo III d.c). Por otra parte, existe evidencia de que el filósofo era reacio a verter su  pensamiento en escrito, ya que para él los escritos no representaban correctamente la realidad. Estaba claro que Diógenes era el polo opuesto a la filosofía platónica, la corriente de pensamiento con más seguidores en los siglos V y IV a.c, y además su pensamiento religioso era harto peculiar en la Grecia antigua: rechazaba el politeísmo y los cultos religiosos, que para él eran algo superfluo. Era muy crítico con los poetas y literatos a los que les acusaba de leer y contar los sufrimientos de otros (de Ulises, por ejemplo) mientras no se preocupaban de los suyos propios y también con los teóricos, quienes para él solo predicaban la verdad, pero no la practicaban.      


Poco a poco, Diógenes fue ganándose el respeto de los atenienses a pesar de su amoralidad y sus extravagancias (cuando alguien se acercaba a su tonel o vasija a molestarle o reírse de él, el les atacaba mordiéndoles como un perro), muchas de las cuales provocaban la risa y fueron recordadas en años sucesivos con humor. También era cierto que su pensamiento distaba mucho de ser tomado en serio, al menos al mismo nivel que el de un pensador convencional, es por ello que el pensamiento de Diógenes nunca se ha considerado un pensamiento coherentemente serio y racional entro de la Historia de la Filosofía. No obstante, su violación sistemática de las normas y de los convencionalismos sociales, que en un principio convirtió a su figura en enormemente polémica, comenzó a ser debatida en años posteriores llegando a la conclusión de que su transgresión había mostrado la inutilidad de ciertos convencionalismos: por ejemplo, Diógenes se saltaba la norma ateniense de comer en el mercado de la ciudad por la sencilla razón de que el propio mercado (en done se vendían alimentos) le daba hambre.


Hechos y cosas entre la realidad y la leyenda

Se cuentan muchos pasajes verdaderamente significativos en la vida del sabio en donde mostraba su pensamiento y modo de actuar cínico. Es muy famoso aquel en donde al ver a un muchacho beber agua de una fuente con los manos arrojó su jarro lejos, había descubierto que no le era útil. También es célebre el relato de cuando una noche en Atenas comenzó a deambular con su linterna en mano “en busca de un hombre honesto” según sus propias palabras. Tras responderle la gente que Atenas estaba llena de hombres honestos este respondió “Busco a un hombre de verdad, uno que viva por si mismo”. Pero tal vez el hecho más conocido de su vida fue uno que ocurrió ya cuando el sabio se encontraba en Corintio, como fue su encuentro con Alejandro Magno, quien ardía en deseos de  conocer al famoso filósofo de la vasija habitada. El joven soberano se acercó a su habitáculo y le pregunto “¿hay algo que pueda hacer por ti?, a lo que Diógenes le respondió “Sí. Apártate, me estas tapando el sol”. Alejandro afirmaría poco más tarde “De no ser  Alejandro, querría ser Diógenes”      
 
 
Otro episodio bastante curioso (aunque más bien legendario) es el de su secuestro por unos piratas en un viaje en barco a Aegina, tras el cual fue vendido como esclavo en Creta. Los tratantes de esclavos le preguntaron que era lo que sabía hacer mejor y Diógenes les respondió “Mandar, alguien querrá comprar un amo”. Un tal Xeniades de Corintio le compró y le devolvió la libertad, haciéndole tutor de sus hijos. Posteriormente, Diógenes permaneció en Corintio hasta su fallecimiento. No menos ilustrativo de su carácter cínico es el diálogo que mantuvo con el filósofo Arístipo, un adulador de las clases altas y dirigentes. Arístipo, que gracias a eso vivía rodeado de toda clase de lujos, al verle comer unas miserables lentejas le e dijo a Diógenes “Si aprendieses a ser sumiso al rey no tendrías que comer esa basura de lentejas”, y Diógenes respondió “si hubieras aprendido a comer lentejas, no tendrías que adular al rey”. Diógenes detestaba a los poderosos y a aquellos que les obedecían.   

Una discusión con Platón muestra la ironía de Diógenes a la hora de criticar el platonismo: Platón le comunicó una vez a Diógenes la definición de ser humano de su maestro Sócrates, como “un bípedo sin plumas”. Diógenes contestó a esto desplumando un pollo vivo y soltándolo en medio de la Academia de Platón mientras decía “Te he traído un hombre”. Platón tuvo que completar después a la definición socrática irónica de hombre como “un bípedo sin plumas y uñas cortas”. Otras frases célebres del filósofo (reales o atribuidas) son: Cuanto más conozco a los hombres mas quiero a mi perro; El insulto deshonra a quien lo infiere, no a quien lo recibe; El movimiento se demuestra andando; Un pensamiento original vale cien mil citas insignificantes.

Diógenes de Sínope falleció en Corintio 327 años antes de Cristo. No se tiene certeza de la causa de su muerte, se dice que se suicidó conteniendo el aliento o que fue a consecuencia de la mordedura de unos perros o tal vez por comer un pulpo en mal estado. Hay que destacar el hecho insólito de que murió con 96 años, una edad auténticamente impensable a llegar en la antigüedad, se ve que la vida ascética le acentuó la longevidad. Lo más relevante de la vida y obra de Diógenes el Cínico es que  a su manera fue el primer intelectual y pensador antisistema y un personaje fascinante que pese a encontrarse su vida trufada de leyendas y enigmas, resulta inmortal.  

martes, enero 11, 2011

El aparatito de Lumiere- TAMBIÉN LA LLUVIA



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Cine dentro del cine. Y además una película verdaderamente intensa, emocionante y redonda. Esta claro que el cine español se ha dejado para final de año 2010 las mejores películas del mismo, aunque este nuevo film como directora de Icíar Bollaín se hay estrenado en 2011. Se puede decir sin duda que la realizadora y actriz madrileña, directora de Films como Flores de otro mundo (1999) o Te doy mis ojos (2003) ha firmado su mejor película, una superproducción rodada en Bolivia que en realidad son dos películas: la crónica de los primeros años de los españoles en el continente americano, por una parte, y la revuelta indígena contra la privatización del agua en Cochambamba (Bolivia) en 2000, por otra. Esto se combina en una misma historia contando el rodaje de un equipo español en Bolivia de una película sobre el primer tema en el año 2000, rodaje que coincide con el estallido del segundo acontecimiento. En definitiva, se establece un paralelismo entre ambas historias, la que los personajes del siglo XXI tratan de reproducir – la situación de salvaje explotación y esclavismo que  vivían en el siglo XVI los indígenas y sus riquezas por parte de los colonizadores españoles y el papel de Bartolomé de las Casas como denunciante oficial de la injusticia- y la que ocurre repentinamente en el contexto real sin que el equipo de rodaje se lo espere – la violenta revuelta entre los empobrecidos indígenas del siglo XXI y el gobierno boliviano-, relatos ambos que desdibujando las fronteras entre la realidad y la ficción, entre el pasado y el presente, llegan concatenarse y entrecruzarse de manera alucinante.

El mérito de esta película es verdaderamente enorme ya que no es que se limite a mostrarnos en algunos momentos el rodaje de una película ficticia dentro ella misma, sino que se nos ofrecen secuencias ya rodadas (más o menos un 30% del metraje total de este filme) de la segunda película en cuestión, es decir, se nos muestra otro filme con personalidad y entidad propia en un ejercicio metacinematográfico francamente interesante.  La película combina una labor actoral enorme (todos están de tralla) con un total ejercicio de virtuosismo cinematográfico bien en las  secuencias de época (realismo total y excelente ambientación alejada de todo tópico glorioso sobre el descubrimiento de América) como en las contemporáneas, especialmente las que reproducen los violentos acontecimientos con la lucha sin cuartel por algo tan básico como el agua, elemento que se pretendía literalmente robar a los indígenas del siglo XXI por parte de poderosas compañías: multitud de extras, cámaras omnipresentes y un montaje casi perfecto. Es también digno de mencionar el esfuerzo por parte de algunos actores por el hecho de tener que interpretar dos papeles, en ese sentido destacan Karra Elejalde, que incorpora a una actor cínico y alcohólico que hace de Cristóbal Colón, Carlos Santos, que interpreta a un idealista y concienciado actor que da vida a Fray Bartolomé de las Casas (el verdadero protagonista sobre la película del descubrimiento) y que se siente plenamente identificado con su personaje, Raúl Arévalo, que se pone en la piel de un actor que interpreta a Antonio de Montesinos, otro de los dominicos que denunciaron el expolio de los españoles en el Nuevo Mundo, y sobre todo ese descubrimiento que es Juan Carlos Aduviri, actor aficionado indígena boliviano (esta es su primera película) que es el verdadero protagonista y motor de la historia y está inmenso, él y el resto de intérpretes indígenas (reales) que intervienen ene esta película y que a buen seguro habrán vivido en su propia carne las injusticias salvajes que esta película denuncia con acierto. Un inmenso Luis Tosar, como el productor, y un también acertado Gael García Bernal, como el voluntarioso y luchador director mexicano de la película, son los dos principales reclamos de la historia, dos personajes que sufren cierta evolución conforme al devenir de los acontecimientos.

Excelente guión del británico Paul Laverty, pareja de Bollaín y guionista de Ken Loach, soberbio ejercicio cinematográfico e impresionante historia cargada de épicos momentos dramáticos de gran emotividad. Esta película representara a España en lucha por los Oscar y aunque no lo tendrá fácil (su tono anti imperialista y de denuncia suscitará suspicacias entre los yankis) sería una buena noticia que al menos estuviese entre las cinco películas nominadas al mejor film en lengua no inglesa. Ir a verla es una cierto para todos los amantes del cine.   

domingo, enero 09, 2011

EL CINE DE 2010: RANKING DE LAS PELÍCULAS

 
Un año más, llega el ranking anual de películas de RAYOSC en basa a las críticas de todas las películas estrenadas en 2010 que han recibido su crítica en este blog en la sección El aparatito de Lumiere . Este 2010 no ha sido un año excesivamente brillante y son pocas las obras maestras que hemos visto. La mejor película estrenada en España en  2010 ha sido para rayosc la alemana La cinta blanca. Toy story 3 ha sido la segunda mejor película del año y el mejor film norteamericano. Estas dos películas junto a la original y trdiamente estrenada I´m not There son los tres únicos filmes este año que se han ganado las cinco estrellas de obra maestra.

La británica El discurso del rey es la segunda mejor película europea del año según rayosc. La mejor película no europea o americana es la coproducción asiática Ciudad de vida y muerte,  y la mejor película española Balada triste de trompeta. El hecho de que haya cinco películas europeas entre las diez mejor calificadas indica que este ha sido un buen año para el cine europeo.

Ha habido sorpresas como las de El escritor un nuevo acierto de Polansky tras unos años duros o la británica London River, además de una nueva e inesperada joya de  Scorsese como es Shutter Island, y sin olvidar la grandeza de la mejor película de animación de Pixar en toda su historia, Toy story 3. Además de el último trabajo de Alex de la Iglesia, ha habido otras grandes películas españolas este año como Biutiful, Héroes o la sorprendente Buried, dentro de una producción hispana bastante globalizada internacionalmente y mas brillante que en años anteriores pero aún irregular.   

Este es el ranking de 2010. Que todos hayáis tenido un buen año de cine




1- LA CINTA BLANCA *****

2- TOY STORY 3 *****

3- I´M NOT THERE *****

4- EL DISCURSO DEL REY ****

5- EL AMERICANO ****

6- EL ESCRITOR ****

7- EN TIERRA HOSTIL ****

8- LONDON RIVER ****

9- SHUTTER ISLAND ****

10- TWO LOVERS ****

11- ORIGEN ****

12- CIUDAD DE VIDA Y MUERTE ****

13- BALADA TRISTE DE TROMPETA ****

14- BIUTIFUL ****

15- GAINSBOURG, VIDA DE UN HÉROE ****

16- UN TIPO SERIO ****

17- HÉROES ****

18- VINCERE ****

19- EL SILENCIO DE LORNA ****

20- LA NANA ***

21- HABITACIÓN EN ROMA ***

22- BURIED ***

23- AN EDUCATION ***

24- INVICTUS ***

25- KICK-ASSS ***

26- COPIA CERTIFICADA ***

27- LA RED SOCIAL ***

28- PAN NEGRO ***
29- VILLA AMALIA ***

30- THE LOVELY BONES ***

31- LA OTRA HIJA ***

32- BON APPETIT ***

33- AURORA BOREAL ***

34- LOPE ***

35- ROBIN HOOD ***

36- SHERLOCK HOLMES ***

37- LA ÚLTIMA ESTACIÓN **

38- CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS **

39- MACHETE **

40- LA VIDA PRIVADA DE PIPPA LEE **

41- ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS **

42- AMADOR **

43- EL HOMBRE LOBO **

44- EL GRAN VAZQUEZ **

45- THE WAY **

46- ENTRELOBOS **

47- CENTURIÓN **

48- BRUC: EL DESAFÍO **

49- ADELE Y EL MISTERIO DE LA MOMIA **

miércoles, enero 05, 2011

Mis 50 discos que te cagas (16): CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG – DÉJÀ VU (1970)


 
Gran parte de la música popular americana jamás hubiese sido lo que es hoy sin el concurso de un colectivo (más que  grupo)  tan significativo como el que formaron en 1969 David Crosby, ex cantante y guitarrista de The Byrds, Stephen Stills, ex cantante, teclista y guitarrista de Buffalo Springfield y Graham Nash, ex cantante y guitarrista de The Hollies, a los que en 1970 se unió Neil Young, ex compañero de Stills en Buffalo Springfield, grupo en el que ejercía de cantante, guitarrista y armonicista, además de ser artista en solitario con dos LPs en su haber en aquel momento. El primer gran supergrupo americano de la historia -auque Nash fuese británico y Young canadiense- y el grupo vocal masculino por excelencia de la historia del rock, abrió la década de los 70 con un segundo álbum – el primero Crosby, Stills & Nash se publicó en 1969 cuando Neil Young aún no se había unido al grupo-  que supuso un punto de inflexión en el rock americano: atrás quedó el sonido San Francisco y la psicodelia (que la fracción americana del grupo cultivó), ahora se trataba de hacer una música que reflejase y criticase el inseguro momento histórico que estaba viviendo USA, con una administración Nixon dispuesta a putear a los hippies melenudos y empeñada en continuar haciendo el cafre en Vietnam. Déjà Vu fue tal vez el primer LP conscientemente maduro y adulto del rock americano, parido por desencantados veteranos de los 60 conscientes de que el sueño se estaba acabando y decididos a ilustrar las ansias y preocupaciones de sus coetáneos en una colección de diez sólidos e inmediatos temas electroacústicos con el folk y el country como vía de expresión pero con una base rockista. Déjà Vu fue un disco precursor del rock adulto - la primera generación pop se acercaba ya a la treintena- y del soft rock, además de consolidar las bases del rock americano genuino y con raíces (ideadas sin ir más lejos por grupos “padres” como The Byrds) y establecer la fusión perfecta entre el rock y la canción de autor.

Los cuatro miembros de CSN&Y eran compositores de calidad y además de vocalistas principales estaban habituados en sus respectivos antiguos grupos a compartir tareas canoras con otros miembros y a llevar a cabo todo tipo de armonías vocales y coros, es por ello que bien desde el formato trío CS&N (el más frecuente en los más de 40 años de vida intermitente del colectivo) o desde el cuarteto con CSN&Y (más ocasional), este fue siempre un proyecto eminentemente vocal. Y en Déjà Vu las voces por separado o juntas, haciendo armonías, coros o contrapuntos, de Crosby, Stills, Nash y Young suenan a pura gloria, sin despreciar de modo alguno el torrente musical guitarrero de todos los miembros (especialmente de Young) y las aportaciones del bajista Greg Reeves y el baterista Dallas Taylor, cuyos nombres aparecen también en la portada del disco. Según se cuenta, el grupo invirtió más de 800 horas en las sesiones de grabación, con malos rollos constantes entre los miembros- especialmente entre Stills y Young, que intervino solo en cinco temas - y bastante consumo de drogas, aunque el resultado final fue deslumbrante y el público se entusiasmó ante la fuerza evocadora de los temas del grupo y el LP  consiguió el nº 1 en el Billboard americano con tres de sus temas, Teach Your Children, Woodstock y Our House  convertidos en singles de éxito.   

Cada uno de los cuatro miembros escribió dos canciones en solitario, más un tema compuesto a pachas por Young y Stills (Everybody I Love You) y un tema compuesto por una buena amiga de los muchachos, Joni Mitchell, el ya emblemático Woodstock, crónica casi oficial del mítico festival del 69 en el cual CSN&Y tomaron parte, rock guitarrero con efluvios hippi-campestres y espectacular rasgado de Neil Young. Our House, otro clásico indispensable del álbum presenta la voz versátil y líquida de Graham Nash arrullándose en una rítmica y bucólica tonada sobre la vida matrimonial hogareña ¡en plena era hippy! Neil Young, que no pisó tanto el estudio como sus compañeros, se deja notar en la deslumbrante y poderosa Country Girl y sus perfectos juegos de voces,  y sobre todo en el casi standard Helpless, tema incorporado desde hace tiempo al repertorio en solitario clásico de Young, una sugerente y dulce caricia de folk rock acústico.

La preciosa Teach Your Children, de Nash, sigue siendo otro clásico indispensable, poniendo en relieve como el británico se había adaptado perfectamente a la idiosincrasia de la música popular americana con un campero y emocionante country rock acústico. David Crosby se luce en Almost Cut my Hair, tema protesta anti autoridad  con una interesante aproximación al blues eléctrico, mientras que Stephen Stills fue el encargado de abrir el álbum con Carry On, con perfecto acople vocal de Crosby, Sills y Nash y exótica rítmica.

CSN&Y realizaron una exitosa gira de presentación de Déjà Vu durante 1970 y se convirtieron efímeramente en el grupo de moda en EEUU. Después, se editó un LP en directo (Four Way Street) y los cuatro grabaron excelentes discos en solitario durante 1971. Pero un nuevo disco de estudio parecía difícil con un Neil Young centrado en su enorme carrera en solitario y enfrentado con los otros tres, por lo que el formato cuarteto CSN&Y no se pudo rescatar hasta 1974 y en años posteriores CS&N publicarán en intervalos de tiempo largos con alguna reunión puntual de Young. Pero lo más importante estaba ya hecho: un disco histórico y redondo.      


FICHA TÉCNICA

Géneros: Folk Rock, Country Rock
Publicación: marzo 1970
Sello original: Atlantic Records
Producción: Crosby, Stills, Nash & Young
Duración: 36:24
Músicos:
David Crosby: guitarra rítmica, voz
Stepehn Stills: guitarra, bajo, teclados, voz
Graham Nash: guitarra rítmica, teclados, voz
Neil Young: guitarra, teclados, harmónica, voz
Greg Reeves: bajo
Dallas Taylor: batería, percusión
Jerry Garcia: guitarra de pedal en Teach Your Children
John Sebastian: harmónica en Déjà Vu

Track listing

1- Carry On
2- Teach Your Children
3- Almost Cut My Hear
4- Helpless
5- Woodstock
6- Déjà Vu
7- Our House
8- 4+20
9- Country Girl
10- Everybody I Love You

lunes, enero 03, 2011

El aparatoto de Lumiere - EL DISCURSO DEL REY (THE KING´S SPEECH)




**** y 1/2


En medio de la mediocre oferta navideña se encuentra un oasis de gran cine, el de esta excepcional producción histórica británica que recoge con mimo y cuidado la no muy conocida crónica de los diez años anteriores del rey Jorge VI (1895-1952) de Inglaterra antes de su llegada al trono en 1936, años en donde el entonces Duque de York, hijo y hermano de rey, tuvo que luchar sin cuartel contra su tartamudez y sus problemas de habla. Esta película es pues una historia de superación personal, un relato en donde un personaje poderoso tiene que superar un traumático defecto para poder ejercer correctamente su cometido, que en un monarca no es otro que el representar testimonialmente a su país, y en algún momento dado, “guiarle” y servirle de aglutinante, como cuando se declaró la II Guerra Mundial. El rey Jorge, padre de la actual reina británica Isabel II, aparece en esta película dirigida con clase por el prometedor Tom Hooper, como una persona que totalmente acomplejada por su defecto del habla, se ve incapaz de cumplir los designios y exigencias de la familia real inglesa aún no siendo el heredero directo al trono. Abrumado por el carácter de su padre el viejo Jorge V y marcado con la compleja relación con su hermano el Príncipe de Gales y posterior rey Eduardo VIII, el Duque de York/Rey Jorge VI de este film aparece como un ser cuya principal obsesión es poder superar sus limitaciones para servir a su país y alcanzar todas las expectativas que se depositan en él, aunque ante su problema por un momento tuvo la convicción de que lo mejor era no ser nunca monarca, destino del que trato de huir aunque internamente sabía -sobre todo debido al carácter y circunstancias de su hermano, que abdicó en su favor-  que algún día llegaría a serlo. Colin Firth encarna a la perfección a tan complejo personaje en la que es tal vez la mejor interpretación de su carrera; gran parte de la grandeza de este filme se debe a su excepcional trabajo.       

La película transcurre en su mayor parte durante cuatro años (1935 y 1939), con breves prólogos en los años 20 y es en realidad una película sobre la relación de dos personajes: Bertie, el rey George y el hombre que ayudo a curar su tartamudez, el logopeda aficionado Lionel Logue (interpretado por Geoffrey Rush), un actor australiano de poca monta que se ganaba la vida ayudando a la gente a superar sus problemas del habla. Lo que al principio fue una relación tensa entre un arrogante altivo (solo en apariencia) miembro de la realeza inglesa y un excéntrico y un tanto bocazas personaje (aunque de gran honestidad) termino por convertirse en una hermosa amistad gracias al proceso de “humanización” que experimentó el Rey Jorge y que en esta película aparece maravillosamente reflejado. Se demuestra como una aparentemente pequeña y sencilla historia puede ser en realidad todo un complejo y matizado relato con todo tipo de sugerencias y con multitud de registros que van desde el gran drama hasta la comedia cotidiana pasando por la didáctica crónica histórica y llevando a cabo ese tan británico y siempre efectivo ejercicio de estilo que es el combinar y entrecruzar la vida de personajes de extracciones sociales altas (en esta película no pueden ser más altas) con la de las clases populares. Una dirección más que eficaz, un estilo narrativo claro y conciso y un guión muy sólido ayudan a convertir a esta película en una pequeña obra maestra que suena con fuerza para competir en los Oscar. También hay que destacar una muy cuidada ambientación de los años 30 y un reparto excepcional dotado de rostros muy conocidos de la interpretación británica: Helena Bonham Carter (Isabel, la esposa de Jorge y  futura Reina Madre), Michael Gambon (Rey Jorge V), Timothy Spall (Winston Churchill), Derek Jacobi (Arzobispo de Westminster), Anthony Andrews (Stanley Baldwin), sin olvidar al australiano Guy Pearce y su convincente recreación del playboy rey Eduardo, un personaje clave para entender el carácter de Jorge. Hay momentos de gran fuerza emotiva y de cine con mayúsculas, aunque también es verdad le que falta algo de fuerza al conjunto para ser una total y absoluta obra maestra. Una opción muy recomendable para empezar el año cinematográfico  

domingo, enero 02, 2011

YA ESTAMOS EN EL ...

 
2011


Y este es el primer post del año...!