martes, enero 21, 2014

El Aparatito Lumiere EL LOBO DE WALL STREET (THE WOLF OF WALL STREET)




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La realidad superando a la ficción. Realmente, parece falsa e increíble pero es totalmente cierta la historia de Jordan Belfort  que Martin Scorsese ha llevado con gran acierto a la pantalla con un Leonardo DiCaprio en estado de gracia en el papel de Belfort, fundador de Stratton Oakmond una fraudulenta pero altamente exitosa compañía de inversión bursátil con cientos de trabajadores que a principios de los 90 estafaba gestionando inversiones millonarias en compañías minúsculas o ruinosas prometiendo a los inversores el oro y el moro y convirtiendo a Belfort en un archimultimillonario. Scorsese, partiendo del libro autobiográfico del propio Jordan Belford, realiza un curioso, deslumbrante y esquizofrénico grand guiñol sobre todo lo que puede haber detrás del éxito y del dinero y dejando que sea el antiheróico protagonista quien cuente con los rasgos de un DiCaprio totalmente metido en su papel la historia de su ascensión a finales de los 80 y su caída a finales de los 90 con una empresa en donde el sexo y la droga formaban junto con el engaño, el fanatismo y la ambición desmedida la base del ideario de la compañía. Al veterano director no le ha acobardado la complejidad del material de inicio- una biografía con infinitas ramificaciones en todos los sentidos que va desde el drama a la comedia alocada pasando por el cine negro, el relato policial y la intriga empresarial y con temáticas tan variadas como la estafa, el mundo de las finanzas, la prostitución, el consumo de drogas, el drama familiar, el sectarismo en el mundo empresarial moderno o el retrato de las clases pudientes con menos escrúpulos- y ha conseguido de nuevo una película redonda en donde ninguna escena ni línea de guión sobra y todo está estratégicamente situado para abrumar al espectador con una historia tan increíble como sórdida, una fábula poco edificante que ilustra lo jilipoyas que puede ser el ser humano  cuando la ambición se pone por medio.

El total recital interpretativo que da el último “muso” de Martin Scorsese Leonardo DiCaprio como Belford consigue ofrecernos el retrato de un hombre tan complejo y embaucador como repugnante: un joven caradura impostor capaz de dar el pego como algo que no fue (un genio de las finanzas) y que consigue llegar a las mas altas cotas del éxito gracias a su poder de persuasión, su carisma con sus subordinados y su total falta de escrúpulos. El otro protagonista de la película, la compañía Stratton Oakmond (todo un personaje colectivo encarnado en sus trabajadores con el cerebro bien lavado) aparece en este filme como el paradigma del todo vale para la consecución de un fin, incluido el consumo de drogas masivo y el sexo en el lugar de trabajo. La película, con un ritmo a veces endiablado y otras más pausado parece transcurrir según las coordenadas mentales del propio Belford y muchas veces no da tregua al espectador, aunque se logra hilvanar una historia trepidante y cambiante en donde tanto lo dramático como lo esperpéntico (pero real) se van turnando sin que nada chirríe. Con una buena pléyade de impagables intérpretes secundarios (Jonah Hill- también extraordinario-, Margot Robbie, Jon Favreau, Rob Reiner, PJ Byrne) y una más que perfecta puesta en escena, esta película demuestra que Martin Scorsese sigue siendo un enorme cineasta y que cada película suya siempre será una gozada para todo cinéfilo.   

domingo, enero 19, 2014

FÉLIX SAMANIEGO, LA FÁBULA DE UN LIBERTINO MORALISTA





Es Félix María Samaniego (Laguardia 1745-1801) el más notable escritor de fábulas en lengua castellana junto con Tomás de Iriarte y una de las más importantes figuras de las letras hispánicas en el siglo XVIII, siglo no muy prolífico en España en cuanto a literatura se refiere. Sus célebres fábulas escritas en verso (publicadas en 1781 y conocidas como Fábulas Morales) han sido memorizadas, aprendidas, estudiadas, disfrutadas y seguidas en sus moralejas (se supone) por miles y miles de escolares durante más de dos siglos y aún permanecen inmortales en la memoria colectiva tanto su texto exacto (a veces aprendido de memoria) como las enseñanzas morales que trataban de transmitir con mezcla de ingenuidad, sátira y crítica humanista.  Aunque muchas de las fábulas de Samaniego son adaptaciones de las del francés La Fontaine (1621-1695) y las del griego Esopo (siglo VII a.c) además de otras fuentes antiguas, lo cierto es que el corpus de las Fábulas Morales siempre ha tenido ese entrañable carácter entre ditirámbico dieciochesco y de picardía ibérica cargado de cinismo y crítica sociopolítica y humana de la época del escritor – algo propio en la era de la Ilustración-  en la que fue su única obra literaria publicada en vida, aunque eso sí, respetando el regusto clásico de sus fuentes originales griegas, latinas o incluso orientales. Pero muy poco se sabe de la vida de Félix María Samaniego, salvo que fue el prototípico ilustrado comprometido, liberal, activo y culto enemigo de la ignorancia y la superstición y amigo del saber y la razón, pero también el no menos estereotipado libertino del XVIII pendenciero y asaz canalla del que se documentan casos realmente novelescos y quien sabe si exagerados. Tras su muerte salió a la luz su hasta entonces oculta obra erótica, compuesta de cuentos en verso y poemas que sorprenden por su orientación cuasi pornográfica y que sitúan al autor como un precursor de la literatura erótica moderna en castellano aunque aquí también su inspiración será clásica y extranjera. Plasmador didáctico de valiosísimas y atemporales enseñanzas éticas y morales mediante sus fábulas e inspirador de muchos valores humanos durante más de 200 años en diferentes generaciones de lectores que se aproximaron a él desde su tierna infancia, el difusor de la ilustración para los niños españoles, el hombre que hacía hablar en verso a los animales, el autor de fábulas tan conocidas como La zorra y el busto, La mona, Congreso de los ratones, La zorra y las uvas, Las hormigas, La cigarra y la hormiga o La Lechera continua siendo más allá de su breve obra literaria y pese a los no demasiados y a menudo contradictorios datos sobre su vida un personaje fascinante.


Las andanzas de un ilustrado afrancesado

Félix María Serafín Sánchez de Samaniego Zabala nació el 12 de octubre de 1745 en Laguardia, Álava. Venía de una familia de pequeños nobles con se supone varias posesiones de tierras en la zona conocida como la Rioja Alavesa, una región vinícola en el sur de la provincia vasca de Álava limitando con La Rioja. Su tío abuelo fue el conde de Peñaflorida, fundador de la Real Sociedad Bascongada de Amigos del País en 1765 - la primera organización ilustrada española- dedicada a la promoción económica y cultural. Al perecer recibió una esmerada educación primaria y secundaria en Francia en donde empezó a tener contacto con las ideas de la Ilustración. Comenzó a estudiar Leyes en Valladolid pero abandonó sus estudios hacia 1765, viajando por Francia durante varios años donde posiblemente frecuentase ambientes culturales, políticos y literarios ilustrados y enciclopedistas. A su regreso se hizo miembro de la Real Sociedad Bascongada y más tarde dirigió el Seminario de Nobles, un organismo que la Real Sociedad estableció en al localidad guipuzcoana de Bergara. Durante el periodo 1770-1780 el joven Samaniego fue uno de los más notables e influyentes ilustrados políticos de las provincias vascas y pronto de toda la península ibérica, admirado por sus valedores Peñaflorida y el conde de Floridablanca (1728-1808), Secretario de Estado en el reinado de Carlos IV. Aunque apenas ha quedado testimonio escrito directo de su ideario político y económico, siempre se ha sabido que fue muy crítico con la política de su tiempo y especialmente con los privilegios y con la sempiterna corrupción española. Su crítica era irónica, ácida y a veces burlesca y arrogante lo que le creó bastantes detractores y enemigos. Tampoco la religión (intocable en España) se libró de sus sardónicos comentarios y esto empezó a traerle problemas con la Inquisición que explotarían mas tarde. Su desencanto con la política se hizo creciente y llegó a rechazar un cargo que le ofreció Floridablanca. No obstante, su presencia en los principales círculos ilustrados españoles era constante y pese a que al parecer casi siempre residió en el País Vasco. Samaniego era un joven intelectual rebelde amado y odiado a partes iguales.         

Se cuenta que Félix Samaniego era además un consumado músico virtuoso del violín y la vihuela y un orador notable y ameno, centro de atención de reuniones formales e informales en donde encandilaba al personal con su rapidez de palabra y su ingenio irónico y agudo. En 1781 decidió componer una serie de fábulas al estilo de La Fontaine para ilustrar ciertas enseñanzas morales y virtudes (la honestidad, la perseverancia, la valentía…) y mostrar las consecuencias de los vicios y defectos humanos (la envidia, la vanidad, la holgazanería…) a los alumnos del Seminario de la Real Sociedad Bascongada obteniendo un notable éxito bajo el título de Fábulas en verso castellano para el uso del Real Seminario Bascongado que hizo que la colección de 157 fábulas fuese publicada aquel año en Valencia. La Fábula, una breve composición literaria que narra una historia protagonizada generalmente por animales humanizados (también objetos antropomorfos o personas) que ilustra un consejo o aviso moral  resumido en una moraleja al final, tuvo su momento de florecimiento literario en la época clásica especialmente con la obra del enigmático griego Esopo (no se sabe a ciencia cierta si este personaje existió o no) y más tarde con el latino Fedro (15 ac-55 dc) para en la Edad Media subsistir a duras penas en composiciones en diferentes idiomas y en diferentes culturas a cargo de autores como el castellano Arcipreste de Hita o la normanda María de Francia además de en multitud de apólogos o cuentos orientales muchos adaptando fábulas de Esopo y traducciones árabes y hebreas de estos que popularizaron por todo el mundo las fábulas protagonizadas por animales parlantes y con conciencia humana. Más tarde, en el renacimiento hubo intentos por resucitar el género pero fue en el siglo XVII a partir del francés Jean de La Fontaine  cuando se puede hablar de la resurrección de la fábula en la edad moderna. Samaniego conoció la obra de La Fontaine durante su estancia en Francia y probablemente consideró aquel estilo literario como poseedor de una gran riqueza didáctica de enseñanzas éticas, cívicas y morales que todo ser humano debería de aprender, siguiendo así preceptos básicos de la Ilustración.        

La lechera
Aunque el éxito de sus Fábulas Morales (con este título se publicaron definitivamente) capitalizaron todo el éxito literario de Félix Samaniego en el siglo XVIII y fue su única obra literaria editada en vida, el autor escribió otros muchos relatos, versos y poemas algunos perdidos y otros publicados después de su muerte. Desde su juventud fue muy aficionado a componer versos satíricos y muchos fueron recitados en reuniones y tertulias (la mayor parte se encuentran perdidos ya que muchos no fueron publicados). Debido a la ácida crítica que en ellos hacía al estamento militar, a la clase política y sobre todo a la iglesia fue llevado a juicio varias veces además de estar perseguido por la aún persistente Inquisición española a causa de sus diatribas anticlericales. Durante la década de 1790 escribió el corpus de sus versos y cuentos eróticos que en su mayoría saldrían a la luz mucho después (algunos fueron publicados clandestinamente): los que fueron hechos públicos le costaron serios problemas con la justicia y con la Inquisición tal era el atrevimiento con el cual trataba el tema del sexo para la época, inspirado en la obra erótica de, una vez más, La Fontaine. Con el escritor y también fabulista Tomás de Iriarte (1750-1791) mantuvo muchas disputas ocasionadas básicamente por la rivalidad de ambos en proclamarse el mejor autor de fábulas de España, además de otras polémicas con personalidades como Vicente García de la huerta y fray Diego González. Pese a ser durante un tiempo amigo de Iriarte, Samaniego se enfrentó al escritor canario cuando en 1782 este publicó sus Fábulas Literarias como la primera colección de fábulas originales escritas en español además de autoproclamarse como el introductor del género en España, algo que irritó a Samaniego que solo un año antes había publicado sus fábulas. Samaniego también vio publicadas algunas de sus poesías satíricas y realizó crítica teatral.

En 1793 el Tribunal de la Inquisición de Logroño consideró parte de sus escritos satíricos y “obscenos” como indecentes, anticlericales y licenciosos y le condenó a confinarse en un convento de Portugalete, Bizkaia, castigo que sufrió durante varios meses. Gracias a la intervención de algunos amigos suyos consiguió ser liberado pero se cree que al poco tiempo sufrió una nueva condena derivada de una denuncia por “su irreverencia” que le valió un nuevo confinamiento, esta vez en el convento carmelita de El Desierto en Bilbao (se supone que a mediados de la década de los 90). Durante sus retiros forzosos, Samaniego escribió algunos versos satíricos que aún se conservan como el dedicado al refectorio de los padres carmelitas. Poco se sabe de los últimos días del escritor. Falleció en su Laguardia natal en agosto de 1801 a los 56 años.       


El fabulista rebelde

Las Fábulas Morales (1781) de Samaniego siguen siendo consideradas una obra fundamental de las letras castellanas y un genuino ejemplo de la literatura española del siglo XVIII que ha puesto al autor en el panteón de los grandes literatos españoles del dicho siglo como José Cadalso, Leandro Fernández de Moratín o el mismo Tomás de Iriarte en una época no excesivamente brillante de las literatura ibérica. Estas 157 fábulas que componen la obra están divididas en nueve libros con un número variable de fábulas cada uno que van desde las 25 del libro cuarto y quinto hasta las nueve del libro octavo. Todas las fábulas están escritas en verso y tienen también un número variable de versos. En ellas el autor se inclinó por la ironía y la crítica velada a los vicios, defectos y actitudes humanas de su tiempo y por una también oculta crítica a la sociedad y la política españolas de la época y muchos de sus protagonistas. Samaniego convirtió sus fábulas en alegorías a situaciones politicosociales y humanistas del siglo XVIII así como, siguiendo el ejemplo de las fábulas clásicas, en metáforas de la condición humana.

Aunque creó un buen número de nuevas fábulas más o menos la mitad de las Fábulas Morales son adaptaciones de Esopo y Fedro vía La Fontaine (o de este) aún eran aplicables a la situación moral del hombre, tal era y es la atemporalidad de estas deliciosas composiciones de la época antigua (El león y el ratón, La cigarra y la hormiga, La tortuga y el águila) En las fábulas creadas por él (Las moscas, La cierva y el cervato, El cazador y el ratón, La mona) es donde se aprecia en mayor medida la crítica social propia de la ilustración, aunque sin perder el tono universal de didáctica sobre los defectos del hombre y los consejos para evitarlos o corregirlos (la holgazanería española, la cobardía, el oportunismo, la envidia). Samaniego no quiso que sus fábulas fuesen ingenuas ni fácilmente comprensibles (su naturaleza altamente crítica con la sociedad española, si bien clara, tampoco debía de ser muy explícita en las analogías con determinadas situaciones) y para ese fin las dotó de un tono poético sublime y un tanto culterano pero llano al mismo tiempo con estilo alegórico inspirado en la poesía renacentista y del siglo de oro gracias a una poderosa utilización del castellano con un vocabulario muy rico. Es notable también el tono filosófico y metafísico de muchas de estas composiciones, especialmente las de los últimos libros. El carácter lírico de muchas fábulas es notable en El Joven filósofo y sus compañeros, El poeta y la rosa o la breve fábula La alforja. Hay también homenajes a Esopo como Esopo y un ateniense y un ataque directo a Tomás de Iriarte (nombrando al autor) en El águila y el ciervo, además de fábulas “de elogio” dedicadas a personajes como el conde de Peñaflorida con  referencias a Lafontaine y Fedro (El león con su ejército). Algunas de las fábulas están inspiradas en textos ya por entonces muy conocidos en la literatura castellana como es el caso de La lechera, adaptación del cuento Doña Truhana de Los Cuentos del Conde Lucanor de Don Juan Manuel o El ratón de la corte y el del campo con un tema extraído de El Libro del Buen Amor del Arcipreste de Hita, ambos inspirados en apólogos orientales de tiempo inmemorial y publicados en sus respectivas obras en el siglo XIV. 

La cigarra y la hormiga
Deliciosas, encantadoras, entrañables y muy fáciles de leer para el público de cualquier edad, las fábulas samanieguinas son algo más que literatura popular: inmortales historias tan sencillas y complicadas al mismo tiempo como la vida misma en un marco eminentemente atemporal. Zorras y cigüeñas pícaras, lecheras fantasiosas y poco prácticas, cigarras vividoras y holgazanas y hormigas diligentes y previsoras seguirán aleccionándonos y recordándonos lo imperfectos y perjudiciales que los humanos podemos llegar a ser, pero ellos estuvieron, están y estarán siempre allí para ayudarnos a ser algo mejores, aunque sea un solo un poco.

Las Fábulas Morales mostraron el lado más ilustrado y humanista de Samaniego. Pero el Samaniego “libertino y amoral” también existió en la literatura aunque como hemos dicho solo se dio a conocer plenamente después de su muerte. 


El irreverente escritor galante

Las lavativas
Los relatos en verso eróticos de Samaniego- inéditos durante su vida- se cree que fueron escritos entre 1790 y 1795, años después de las Fábulas. Fue el género erótico en una vertiente bastante explícita y cuasipornográfica un género literario bastante habitual en la segunda mitad del siglo XVIII aunque en el caso de España debido a la presión del tribunal de la Inquisición y el furibundo catolicismo del país con un clero aún omnipotente fue un arte prácticamente clandestino. Al igual que Samaniego, muchos grandes autores e intelectuales españoles de la época cultivaron el “relato picante” desde Leandro Fernández de Moratín hasta Jovellanos pasando por Iriarte, Cadalso o Juan Meléndez Valdés. Eran el espíritu “libertino” o “galante” de buena parte de nobles,  aristócratas, ricos, burgueses y plebeyos del siglo XVIII, ilustrados o simpatizantes en su mayoría que propició una revolución cultural-sexual en comportamientos y doctrinas de cuyo recuerdo se echará mano en tiempos futuros más oscuros para reivindicar de manera la liberación sexual. En el caso de la literatura española, existió en esa corriente una inspiración popular en coplas y tonadas conocidas por el pueblo llano y en la obra de autores pretéritos como Quevedo o en el erotismo medieval del Arcipreste de Hita y otros autores. Samaniego y el resto de autores españoles que cultivaron el género encontraron inspiración en John Cleland, La Fontaine, el Conde de Maribou, Diderot o Choderlos de Laclos entre otros, autores de los siglos XVII-XVIII que introdujeron el elemento obsceno, fetichista y altamente explícito en la literatura creando a su manera la literatura pornográfica.     

En 1899 se publicó fugazmente en Barcelona un libro titulado Cuentos y poesías más que picantes que al parecer incluía anónimamente algunos relatos de Samaniego. Los relatos en verso de Samaniego- algunos publicados clandestinamente en vida y que le ocasionaron problemas con la justicia antes comentados- fueron descubiertos casi en su totalidad (se estima sin embargo que varios se han perdido) en 1916 por parte del editor especializado en literatura erótica clásica Joaquín López Barbadillo, quien debía sortear a la censura en sus publicaciones por lo que se curaba en salud editando ejemplares de manera limitada. Parece ser que Barbadillo halló por sorpresa los manuscritos de Samaniego en el arcón de una rectoría de la de Liébana, Cantabria cuando este visitaba dicha localidad. Estaban firmados por el autor vasco y llevaban allí varios años celosamente guardados por el párroco pero siempre se ha ignorado como fueron a parar allí. Barbadillo se llevó los manuscritos a Madrid y los publicó bajo el título de Cancionero de amor y risa. No se sabe a ciencia cierta si esta historia relatada por el editor en el prólogo de la edición original es cierta o si tiene algo (o todo) de inventada, pero lo irrefutable es que dichos textos pertenecían a Félix María Samaniego. Esta primera edición contenía cerca de 40 relatos eróticos situados en todo tipo de ambientes (campesinos, militares, nobles, clericales, mitológicos, clásicos) y con profusión de escenas sexuales explícitas y escatológicas además de diferentes grados de erotismo, desde lo más vulgar a lo más lírico pero casi siempre en el prohibido por entonces terreno de la pornografía (aún bastante escandaloso a principios del siglo XX cuando comenzó a publicarse la obra galante de Samaniego). Hay también elementos de sátira, literatura picaresca e incluso algún conato de fábula moral y didáctica y siempre un tono hedonista, vitalista y desenfadado, puramente libertino, que muestra la faceta canalla y burlona de un autor transgresor, crítico, sin miedo y proclive a reivindicar el vitalismo y la liberación sexual en un entorno mediocre y con pocas referencias cultas y morales como era la España de finales del XVIII, un país social, intelectual y culturalmente más atrasado que muchos de Europa (su querida Francia, el ejemplo que seguramente más rondó en la cabeza de Samaniego) y en donde la Ilustración era un sueño imposible y el empeño de unos pocos como él. La alegría de vivir y el placer frente a la mediocridad y la oscuridad católica española.        

El cuervo

Poco después de 1916 se descubrieron una serie de poesías galantes firmadas por al autor que en 1921 se añadieron a los relatos en versos dentro de un nuevo volumen publicado: El Jardín de Venus. Este título y esta edición fueron la versión más conocida de la obra erótica de Samaniego y con la que esta faceta del escritor alavés ha pasado a la historia de al literatura español. Se consideran a los relatos y poemas eróticos de Samaniego como precursores de la literatura erótica moderna en castellano aunque al fin y al cabo  sean sus fábulas su obra más conocida e influyente con gran diferencia. La edición original de El Jardín de Venus sin embrago dejó de publicarse en poco el tiempo y durante el franquismo fue prohibida. Hasta 1976, ya en la transición a la democracia en España, no se volvió a publicar la obra y fue a cargo del editor Emilio Palacios, experto en la vida y obra de Samaniego. Posteriormente, Palacios editaría la obra cuatro veces más en cada una con diferentes poemas y relatos añadidos descubiertos en la segunda mitad del siglo XX y atribuidos al autor. La última edición de 2004 con el título definitivo de El jardín de Venus. Cuentos eróticos y burlescos con una coda de poesías verdes consta de 77 composiciones, y allí se puede encontrar pequeñas joyas como La pulga, Las lavativas, La linterna mágica, Los nudos o La poca religión. Una vez más, un autor rebelde, original e inconformista que se adelantó a su tiempo. Cientos de moralejas para su historia y obra.

Monumento a Felíx Mª Samaniego en Laguardia

miércoles, enero 15, 2014

El Aparatito Lumiere presenta EL CINE DE 2013: EL RANKING



Como todos los años por estas fechas rayosc ofrece su lista de valoración de todas las películas estrenadas durante el año anterior y que recibieron su crítica en la sección El Aparatito Lumiere. En total 52 títulos en un año donde hemos podido disfrutar de títulos interesantes que nos han hecho olvidar la crisis y el hecho de que el cine sigue siendo excesivamente caro en España. Prueba de ello es el bajo número de espectadores, en descenso una vez más. El cierre de salas y el aumento del IVA en los cines, consecuencia de la crisis, plantea un futuro poco halagüeño para el cine espectáculo en España y veremos si en 2014 la situación (especialmente en lo tocante a los precios) se corrige. ¡Qué podamos seguir disfrutando de uno de nuestros pasatiempos favoritos, por favor!    

Para este blog la mejor película del año ha sido la italiana La Gran Belleza de Paolo Sorrentino, toda una crítica despiadada la actual situación social italiana con unos estimulantes guiños del maestro de los maestros Fellini. Solo esta cinta junto a el sorprendente western revisionista Django Desencadenado (la mejor película de Quentin Tarantino desde Reservoir Dogs) y el emotivo drama intimista francés Amour del no menos grande Michael Haneke han merecido a juicio de rayosc las cinco estrellitas de obra maestra. El top 10 de 2013  lo completan películas de diferentes géneros y estímulos cuyo punto en común sería su sentido del riesgo y su apuesta por evitar los cánones comerciales, algo que es una buena noticia: La francesa La Vie D’Adele uno de lostítulos más polémicos y gratamente sorprendentes de años ha sido la tercera mejor película europea y no norteamericana del año para rayosc con su atrevido ejercicio de estilo en donde su incursión de elementos asociados al cine porno en el cine convencional promete crear escuela en el futuro  mientras que Searching for Sugar Man confirma la viabilidad del documental para hacer gran cine y títulos como Bestias del Sur Salvaje o Doce años de Esclavitud impulsan planteamientos diferentes y novedosos dentro del drama intimista

Dentro de un buen año para el cine europeo (En la Niebla, Tu y Yo, han sido filmes que han convencido bastante a este blog y a la crítica) el cine español ha sabido hacer algunas películas memorables: la mejor película española del año ha sido La Herida  de Fernando Franco, una película valiente y honesta que junto con Vivir es Fácil con los Ojos Cerrados de Fernando Trueba son las dos películas ibéricas valoradas con cuatro estrellas en un año donde la calidad del cine patrio ha sido mayor con respecto a años anteriores. En lo que respecta al cine norteamericano, además de Django Mud  ha sido la otra gran película yanki de 2014 en donde Gravity ha podido poner la nota de gran calidad al cine comercial


Muchas gracias por seguirnos; aquí se encuentra la lista 2014




1- LA GRAN BELLEZA (LA GRANDE BELLEZA) *****

2- DJANGO DESENCADENADO (DJANGO UNCHAINED) *****

3- AMOR (AMOUR) *****

4- LA VIDA DE ADELE (LA VIE D’ADELE)****

5- MUD ****

6- SEARCHING FOR SUGAR MAN ****

7- BESTIAS DEL SUR SALVAJE (BEASTS OF THE SOUTHERN WILD) ****

8- RENOIR ****

9- EL ÚLTIMO CONCIERTO (A LATE QUARTET) ****

10- DOCE AÑOS DE ESCLAVITUD (TWELVE YEARS AS A SLAVE) ****

11- BLUE JASMINE ****

12- GRAVITY ****

13- EN LA NIEBLA (V TUMANE) ****

14- LINCOLN ****

15- LA HERIDA ****

16- EL ATLAS DE LAS NUBES (CLOUD ATLAS) ****

17- VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS ****

18- TU Y YO (IO E TE) ****

19- UN ASUNTO REAL (EN KONGELING AFFAERE) ****

20- EL MÉDICO ****

21- LA NOCHE MAS OSCURA ****

22- AYER NO TERMINA NUNCA ***

23- EN OTRO PAÍS (DA-REUN NA-RA-E-SUH) ***

24- LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI ***

25- LA CAZA (JAGTEN) ***

26- QUINCE AÑOS Y UN DÍA ***

27- HIJOS DE LA MEDIA NOCHE (MIDNIGHT´S CHILDREN) ***

29- EL GRAN GATSBY (THE GREAT GATSBY) ***

29- EL CUARTETO (QUARTET) ***

30- STOKER ***

31- TRES BODAS DE MAS ***

32- AHORA NO ME VES (NOW YOU SEE ME) ***

33- MONSTRUOS UNIVERSITY (MONSTERS UNIVERSITY) ***

34- GRANDES ESPERANZAS (GREAT EXPECTATIONS) ***

35- HIJO DE CAÍN ***

36- RUSH ***

37- UN AMIGO PARA FRANK (ROBOT & FRANK) ***

38- EL MAYORDOMO (THE BUTLER) ***

39- KICK ASS 2 CON UN PAR (KICK ASS 2) ***

40- TRANCE **

41- EL CONSEJERO (THE COUNSELOR) **

42- EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG (THE HOBBIT: THE DESOLATION OF SMAUG) **

43- EL HOMBRE DE ACERO (THE MAN OF STEEEL) **

44- LOS ÚLTIMOS DIAS **

45- GANGSTER SQUAD **

46- PACTO DE SILENCIO (THE COMPANY YOU KEEP) **

47- STAR TRECK: EN LA OSCURIDAD (STAR TRECK: INTO DARKNESS) **

48- ELYSIUM **

49- LOS AMANTES PASAJEROS **

50- EL JUEGO DE ENDER (ENDER´S GAME) **

51- GUERRA MUNDIAL Z (WORLD WAR Z) *

52- LOBEZNO: INMORTAL (THE WOLVERINE) *

lunes, enero 13, 2014

El Aparatito Lumiere EL MÉDICO (THE PHYSICIAN)






*** y 1/2

Un enorme presupuesto y un soberbio despliegue técnico para una lujosa producción europea que cumple más que con creces su propósito de ofrecer una atractiva combinación de espectáculo y epopeya histórica con trasfondo intelectual. El cine esta vez ha sido paciente y ha sabido esperar más de quince años en adaptar el famoso best seller de Noah Gordon y con un resultado más que aceptable pese a algunas irregularidades. Producida en Alemania y rodada en inglés con un competente reparto internacional, The Physician logra transmitir el propósito de la novela que era el de mostrar las vicisitudes de la ciencia en la edad media en lucha encarnizada con las religiones y los prejuicios de una sociedad atemorizada y sumisa ante sus líderes. Mostrando el desfase en la concepción de la medicina en el siglo XI entre occidente y oriente en donde árabes y judíos eran la vanguardia de la medicina y la ciencia en contraposición a un mundo cristiano europeo atenazado por el feudalismo y por las restricciones sociales y morales del cristianismo de entonces, el claro desarrollo dramático de la historia narrada en esta película logra ofrecer un sencillo pero didáctico fresco histórico estimulante de las diferencias de desarrollo científico entre el mundo judiomusulmán y el cristiano desvirtuado, claro está, por el propio devenir de la historia principal que a veces resulta un tanto apresurado y con algunos agujeros.

Las andanzas del joven Rob Cole (Tom Payne) el joven inglés primero aprendiz de cirujano barbero charlatán en su país y después aspirante a Hakim o médico en Persia han cautivado a millones de lectores en todo el mundo y se presentan en la pantalla como una crónica tan interesante, entretenida y vistosa como a veces superficial y poco clara en su equilibrio entre la intelectualidad y la evasión (síndrome típico de muchos best seller literarios y sus adaptaciones al cine). Este tal vez sea el principal lastre de una película muy bien rodada por Phillip Stölzl que pese a su cuidada ambientación, su matizada fotografía, su imponente vestuario y la excelente música de Ingo Frenzel muchas veces desconcierta al espectador con elipsis narrativas (fruto de eliminaciones de pasajes de la novela original) y una no siempre bien empleada combinación de recursos estilísticos de diferentes géneros (drama, aventura épica, cine histórico tanto de glamour de superproducción como de estética miserabilista). Stellan Skarsgard, Vincent Perez, Emma Rigby- muy poco creíble en el papel de Rebeca, el amor judío de nuestro protagonista- y el siempre eficaz Ben Kingsey como el eminente médico persa Ibn Sina completan el reparto. Al final, la sensación que queda es de ver una película que en su afán de agradar y maravillar al espectador a toda costa se ha dejado cosas en el camino, pero no por ello el filme se reseinte en absoluto. 

sábado, enero 11, 2014

MIS RETALES FOTOGRÁFICOS (XXIV)

Amanecer en Urriellu (2013)

Habrá árboles (2013)

Karola, la Ría y el el Sol (2013)

Verde en el lago (2013)

Camino de otoño (2013)

Depósito de vuelos (2013)

domingo, enero 05, 2014

El Aparatito Lumiere A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS (INSIDE LLEWYN DAVIS)



 
**** y 1/2

Empezamos el año con buen cine y con unos hermanos Coen que recuperan su mejor pulso con uno de los mejores filmes de su carrera, el mejor desde El Hombre que  Nunca Estuvo Allí (2001). Joel y Ethan vuelven a apostar por una historia original escrita por ellos en lugar de hacer remakes o adaptaciones literarias como en No es País para Viejos (2007) o Valor de Ley (2010) que pese a darles  excelentes resultados en los últimos años aún hacían añorar aquel tono iconoclasta, cinéfilo y genial de filmes tan variados como Muerte entre las Flores, Barton Fink, Fargo o El Gran Lewobsky, unos filmes que crearon escuela. Pues bien, en esta ocasión los Coen  vuelven a no hacer apenas concesiones a la comercialidad con una película que recupera aquel aliento independiente de sus mejores filmes y la amargura tragicómica marca de la casa en el límite entre la comedia costumbrista y el drama mas desgarrado. Ambientada a principios de los 60- la verdad es que los Coen se lucen como pocos cineastas cuando recurren al pasado más inmediato con una ambientación y atmósfera que parece que nos transporta cual máquina del tiempo- Inside Llewyn Davies es un excelente drama costumbrista con la música como omnipresente telón de fondo y que rinde homenaje a aquel mundillo singular en los EEUU de finales de los 50 y principios de los 60 que fue el Greenwich Village de Nueva York, el barrio donde se gestó el movimiento folk que encumbró a Joan Baez, Phil Ochs, Tim Buckey, Tom Paxton y por supuesto, Bob Dylan y en donde los universitarios y beatniks trazaron el mapa conceptual de la primera generación de la contracultura contestataria norteamericana que florecería a lo largo de la década de los 60. El personaje central Llewyn Davis, excelentemente interpretado por un nombre a tener en cuenta como es Oscar Isaacs, es un cantautor folk que trata de iniciar su carrera en solitario a comienzos de los 60 tras pertenecer a un dúo tipo Simon & Garfunkel, pero lastrado por su precaria situación económica, los problemas con su exnovia y sus dudas y falta de autodefinición personal no logra hacerse con un nombre dentro de la incipiente escena folk discográfica.  Encuentros y desencuentros con mecenas, colegas músicos, familiares y extraños que irrumpen por sorpresa pululan en su desordenada existencia, fiel reflejo de muchos artistas bohemios americanos en aquella época. Pero la película no se queda en la crónica generacional de los folksters del Greenwich sino que bucea en el drama personal para mostrar como un caos intelectual y situacional a veces absurdo e inmerecido y casi siempre encontrado al azar actúa de frustrante impedimento no solo para los logros personales sino para cualquier fin noble. Davies, cantautor barbudo de origen italiano, judío y galés trata de representar al nuevo americano de los 60 idealista pero topado de bruces y noqueado con una realidad que le venció. Una especie de trasunto adulto del Charlie Brown del cómic que enseguida se hace con un hueco en el corazón del espectador en medio de una historia sugerente y minimalista con un tono de modesta epopeya contemporánea.


A lo largo del filme contemplamos muchos rasgos característicos del cine de los Coen: personajes (equívocamente) extraños y casuales, momentos anecdóticos bien insertados, gotitas de comedia en medio de un drama descarnado o simbolismo metafórico en entornos cotidianos, como ese gato que recorre la película en momentos clave. Una buena banda sonora con algunas canciones originales interpretadas por el propio Isaacs (algunas pseudo versiones de temas ya existentes) tratan de ilustrar el estado anímico e inquietudes de los protagonistas con homenajes a Peter, Paul & Mary, The Clancy Brothers o Kenny Rogers de la mano de trasuntos de estos intérpretes además de la propia (lejana) inspiración del personaje de Llewyn Davis, el oscuro cantautor Dave Van Ronk.  Merecen destacarse el fragmento durante el cual la película se torna en road movie y que supone un inteligente homenaje al Jack Kerouak de On the Road y a todo el rollo beat de Kerouak y  Allen Gisnberg (con intervención de John Goodman, un fetiche para los Coen) y los instantes finales con el encuentro del protagonista con su meta y todo lo que viene después en una parábola sobre el fracaso y el eterno retorno.  Un nuevo acierto de estos dos hermanos de Minnesota, unos de los mejores cineastas de los últimos 30 años.

miércoles, enero 01, 2014

YA ESTAMOS EN EL ....

2014!!! 

...Y LOS RAYOS C SEGUIRÁN BRILLANDO

lunes, diciembre 30, 2013

El Aparatito Lumiere TRES BODAS DE MÁS




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Cumplir a rajatabla las leyes de la comedia no es tarea fácil, pero cuando se pone empeño y ganas en lograr una obra divertida y apta para un amplio espectro de público el resultado es siempre satisfactorio. Y así lo ha conseguido Javier Ruiz Caldera con Tres Bodas de Más: una comedia desenfadada y espontánea pero equilibrada al mismo tiempo basada en los personajes y en la concreción sin fisuras de la historia, en realidad tres historietas-situaciones que de por sí podrían funcionar independientemente pero deslumbran como un todo atravesado por el relato troncal del filme que no es otro que el de la complicada situación sentimental-existencial de su protagonista Ruth, brillantemente interpretada por la cada vez más versátil Inma Cuesta. Aunque se trata de una comedia romántica que nadie espere encontrar almíbar barato y gags tontosdelculo como en las pelis USA del género ya que se apuesta por el humor inteligente (escuela inglesa por una parte y por que no, Billy Wilder por otra) el apunte surrealista en la más genuina tradición del la mejor comedia española con elementos de Berlanga y la comedia madrileña de los 80 pero todo pasado por un tamiz genuinamente contemporáneo para situar a la historia en unas perspectiva temporales concretas (la sociedad de las redes sociales y youtube, los nuevos modelos de relación de pareja, la sempiterna mediocridad de la sociedad española más caciquil) que resultan muy familiares para el público- especialmente el que tenga entre 25-45 años- y en ese sentido este neocostumbrismo ibérico es de lo más logrado del filme más allá de que el manejo de las diferentes anécdotas y situaciones relacionadas con estos temas no siempre compongan un collage perfecto y coherente. Y puestos a mirar peros, también se hecha en falta una mayor coherencia en el tono del conjunto ya que se pasa del esperpento y el surrealismo a la alta comedia con demasiada facilidad minando a veces la credibilidad de muchas situaciones, algo que no gustará a los espectadores mas quisquillosos.   
       
Aunque no se trata de una película coral el nutrido reparto funciona muy bien cada uno en sus personajes-estereotipo con una Inma Cuesta encantadora en su papel de Ruth, una treintañera investigadora bióloga que tras la ruptura con su última pareja, Pedro (Berto Romero)  vive unos momentos de zozobra personal importantes que se acentúan cuando es invitada en un corto espacio de tiempo a las bodas de sus tres ex: Pedro, un meticuloso irascible, Alex (Laura Sánchez) que ahora es una mujer y Mikel (Paco León) un hedonista e insustancial surfer. Con Dani (Martiño Rivas) el veinteañero becario de su laboratorio sirviéndole de confidente y de peculiar Pepito Grillo, Ruth no logra evitar el caos personal y situacional tanto en las bodas como en su vida personal aunque la irrupción de Jonás (Qim Gutiérrez) dará algo de luz al apagón. Con momentos verdaderamente desternillantes y otros no tanto, la película regala al espectador una sonrisa en todo momento. Lástima que el previsible final y algún cliché de comedia romántica resten consistencia a una película que se caracteriza precisamente por su afán por no ofrecer deja vus típicos de la comedia y por mantener un discurso convincente y sin nada de tontería.   

domingo, diciembre 29, 2013

DE LOS CILINDROS DE CERA AL COMPACT DISC (y II)




Disco de vinilo (1948-  )

El disco de vinilo, el formato comercial de reproducción audio pregrabado principal durante el siglo XX, sustituyó al disco de gramófono de shellac de 78 rpm que fue despareciendo paulatinamente en la segunda mitad del siglo. El disco de vinilo (el “vinilo”, como se le conoce tras su destronamiento por parte del CD) trató de comercializarse a principios de los años 30 por parte de RCA Victor (discos de 12 pulgadas/ 30 cm, el tamaño estándar del LP) y de Columbia (de diez pulgadas), pero las compañías, en grandes problemas tras la Gran Depresión, no pudieron manufacturar para el consumo normalizado el nuevo formato hasta 1948. El nuevo disco de vinilo podía girar a 33 revoluciones por minuto en los gramófonos lo que permitía que cada cara pudiese durar hasta los 10 minutos en los casos de discos de 12 pulgadas además de tener un ruido de reproducción mucho mas bajo y ser muy difícilmente rompible en comparación con los discos de 78. Durante varios años antes de comercialización definitiva, el disco de vinilo se utilizó limitadamente para anuncios radiofónicos y para emitir programas de radio pregrabados. Durante buena parte de los años 40 se utilizaron discos de vinilo en radio y para uso profesional o militar (durante la II Guerra Mundial) tanto de 78 como de 33  rpm. En 1948 Columbia lanzó el Long Play de 33 rpm y un año después RCA Victor comercializó el single de 45 rpm de 7 pulgadas (17 cm.): Los primeros LPs ya permitían la reproducción de varios temas y desde finales de los 50 su duración aumentó, mientras que el single de 45 podía albergar solo un tema por cara. El “record player” o tocadiscos fue el aparato que acompañó el surgimiento del disco de vinilo crándose a mediados de los 50 el aparato stereo que revolucionó la reproducción de sonido grabado con su sonido estereofónico. También llegó a haber en los primeros años del vinilo discos de 16 pulgadas, pero solo para uso radiofónico ya que no existían en el mercado tocadiscos adecuados para este tamaño. Hasta la aparición del Compact Disc en los 80, el disco de vinilo ofrecía la máxima calidad en cuanto sonido (la Alta Fidelidad)

A partir de la segunda mitad de los 50, los discos de vinilo se convierten en el formato de reproducción de audio más popular. A finales de esa década surge el Extended Play (EP) de 33 rpm que podía albergar 2 canciones por cara y que tuvo cierta aceptación popular mediados de los 60. Durante buena parte de la década de los 60 el single fue el formato más popular y de mayores ventas de todos los vinilos (también existió el disco de 10 pulgadas, con una duración menor que el LP y que en cierto modo fue remplazado por el EP) pero a partir de finales de la década en pleno auge comercial del rock y el pop el álbum de 12 pulgadas se fue convirtiendo en el formato más vendido. Diferentes variantes en cuanto a combinación de revoluciones y tamaño (maxisingle de 45) se fueron sucediendo a lo largo de la historia hasta que en los 90 el Compact Disc digital le fue ganando terreno al LP de vinilo hasta su práctica desaparición como formato de audio principal, aunque hoy en día aún siguen fabricándose álbumes de vinilo debido al cierto revival que dicho formato ha venido experimentando desde hace unos 10 años y a la adecuación de este soporte para las mezclas de DJ. El vinilo, pese a todo, se resiste a morir.


Cartucho RCA (1958-1964)

Antes de la aparición del Cassette  Compacto o Musicassette hubo otros formatos comercialmente fallidos de reproducción de sonido que aprovecharon la cinta magnetofónica para obtener soportes de reproducción más cómodos y menos costosos que las bobinas de cinta magnetofónica pregrabadas de principios de los 50 reproducibles en magnetófono. En 1958 la compañía RCA lanzó el cartucho de cinta magnetofónica, que permitía la reproducción estereofónica de una grabación de larga duración (unos 30 minutos) casi análogamente a un LP de vinilo pero con una fidelidad en el sonido algo más baja en comparación con ese formato. La cinta magnetofónica estaba insertada en una caja de plástico (el cartucho) de 127 x 197 x 13 mm enrollada en unas bobinas que se movían cuando el cartucho era reproducido en el aparato: en definitiva, una versión grande del futuro musicassette. Los cartuchos RCA también eran aptos para la grabación directa de sonido aunque preferentemente voces más que música y tenían al igual que el cassette compacto dos caras de reproducción/grabación susceptibles de ser autorreversibles en los aparatos. Muy costoso de producir y con pocos títulos de grabaciones en el mercado, el nacimiento del Compact Cassette supuso la puntilla a este formato que desapareció en 1964.        


Cartuchos Stereo (años 60-años 80)

Además del cartucho RCA, otros formatos de cinta magnetofónica fueron creados a lo largo de los 50 y 60 aunque con escasa aceptación. El Muntz Stereo Pack o cartucho de cuatro pistas nació en 1962 en EEUU inspirado en un sistema de reproducción de cinta empleado por la radio americana en los 50. Este cartucho consistía en una caja de plástico que contenía una bobina con una cinta magnetofónica “unida” que se deslizaba en la misma al ser reproducido el  cartucho. Este formato se diseñó para los aparatos stereo de los automóviles y el usuario tenía dos programas de dos “pistas” con varios temas cada uno (según la duración de los temas dentro de la pista) a elegir manualmente en el formato stereo o un programa de cuatro pistas en algunos cartuchos monoaurales. Además de ser un soporte de manejo engorroso al tener que cambiar manualmente los programas, la cinta de estos cartuchos se rompía fácilmente, lo que hizo de los cartuchos de cuatro pistas un formato no muy popular a pesar de ser el primero que podía ser reproducido en equipos de música de los coches.


Una mejora del cartucho de cuatro pistas fue el Lear Jet Stereo 8 o cartucho de 8 pistas. Su apariencia, mecanismo y funcionamiento era similar al de cuatro pistas, pero esta vez permitía la reproducción de cuatro programas cada uno con dos pistas de varios temas con lo que la duración era mayor y además cambiaba de programa automáticamente aunque el sonido perdía calidad. Hasta principios de los 70 este formato tuvo éxito como reproductor de música grabada en aparatos stereo de automóviles llegando a hacer desaparecer al cartucho de cuatro pistas e introduciéndose también en los hogares cuando los reproductores de este formato se popularizaron. Sin embargo este éxito prácticamente solo se circunscribió a  EEUU, en donde la mayor parte de las marcas y modelos de automóviles se vendían con su equipo de Stereo 8. A partir de la segunda mitad de los 70, la irrupción de aparatos de cassette compacto en los automóviles y las desventajas técnicas del formato (imposibilidad de rebobinar, rápido deterioro de la cinta) hicieron que el Stereo 8 cayese en barrena en EEUU (en otras partes del mundo no existió) hasta su desaparición a mediados de los 80.


Cassette compacto (1962-)

El segundo formato más popular durante el reinado del disco de vinilo y el soporte definitivo para la cinta magnetofónica, tanto para la reproducción como para la grabación. El Compact Cassette nació en 1962 de la mano de la multinacional holandesa Philips pretendiendo ser una alternativa más cómoda y económica al magnetofón de cinta magnética para las grabaciones. Esta versión reducida del cartucho RCA revolucionó también los aparatos de grabación magnetofónica que se hicieron más cómodos y pequeños aunque hasta principios de los 70 el formato no se consolidó como reproductor de música pregrabada y una alternativa más barata al LP hasta que se consiguieron fabricar reproductores de Cassette más manejables y el sonido del Cassette logró alcanzar la Hi Fi aunque sin llegar a la calidad del sonido de los LPs. En la década de los 70 era ya el segundo soporte musical por excelencia (muy barato y popular) y además las cintas grabables vírgenes eran de consumo muy habitual no solo para grabación externa de sonido en magnetofón sino para grabar el contenido de LPs y de otros cassettes, gracias a equipos musicales con doble compartimento para cassettes grabales y/o musicassettes (con sonido pregrabado) o con tocadiscos y cassette, además de que los equipos de audio de automóviles y vehículos motorizados comenzaron también a contar con reproductores de cassette. Esta situación de relativa bonanza del cassette compacto duró hasta bien entrados los 80.  

La aparición del Walkman de Sony en 1979, reproductor portátil de musicassettes (y a veces grabador), revolucionó el consumo musical en los 80 por lo que no es de extrañar que en la mayor parte de los países los musicassettes se vendiese más que los LPs. Sin embargo, la irrupción del CD y su expansión a partir de mediados de los 80 como un soporte muy cómodo para oír música y además con una calidad de sonido superior a la de cualquier formato de audio anterior propició el declive del cassette y en los 90, parejo con la paulatina desaparición del vinilo, el musicassette fue languideciendo progresivamente hasta su final en la mayor parte de los países del mundo. Esto conllevó que la mayoría de los equipos musicales (incluidos los de los automóviles) a partir de finales de los 90 careciesen de reproducción de cassettes, aunque en la actualidad algunos equipos aún disponen de ellos básicamente para función grabadora. Pese a todo aún se siguen fabricando compact cassettes de grabación, aunque bastante difíciles de conseguir. Los mussicassettes aún perviven de manera normalizada en países como la India       


Compact Disc (1982-)

El actual formato de audio dominante en el mercado nació en 1982 inicialmente como soporte de reproducción de sonido (el primero digital de la historia), pero con el tiempo se ha convertido en un formato multimedia con múltiples versiones que almacenan y reproducen archivos informáticos de todo tipo, imágenes, fotografías, filmaciones, etc. Un soporte sin duda fundamental en la revolución digital de finales del siglo XX, el Compact Disc se desarrolló gracias a la investigación de la tecnología LaserDisc en los 70. Fue en 1974 en los laboratorios de Philips donde se dieron los primeros pasos en la concepción del CD, consiguiendo aquel año un disco óptico de 20 cm. de diámetro que podía reproducir sonido en una calidad muy superior a la del disco de vinilo. Tres años después se consiguió una versión más pequeña, de 11,5 cm. también fabricada en plástico de policarbonato, reproducible en aparatos más manejables por medio de la lectura por laser del propio disco: había nacido el compact disc.  Paralelamente, a finales de los 70 Sony trabajaba en un prototipo de reproductor de audio digital bastante más engorroso. Tanto Philips como Sony presentaron sus prototipos a principios de 1979 y más tarde en aquel año ambas empresas unieron sus fuerzas para crear el disco de audio digital definitivo. Tras haber estandarizado sus características en 1980 (diámetro 12 cm, duración máxima de 80 minutos) en 1981 el CD se demostró públicamente en televisión en el RU con el disco Living Eyes de Bee Gees y en agosto de 1982 se lanzó comercialmente el primer CD, una grabación de valses de Chopin a cargo del pianista chileno Claudio Arrau.

Durante el periodo 1983-1984 el CD y los reproductores de CD trataron de normalizarse en todo el mercado mundial con la gran calidad de su sonido digital como bandera; el nuevo soporte fue especialmente bienvenido entre los amantes de la música clásica por la alta fidelidad de la reproducción del sonido orquestal, pero los seguidores del rock y otras músicas populares no tardaron a advertir las ventajas del nuevo soporte además del sonido (mas manejable, desaparición del concepto de las “dos caras” gracias a su reproducción continua, mayor duración que el LP o el MC). No obstante, aún hubo de pasar un tiempo hasta que su consumo alcanzase  los niveles de otros soportes ya que al principio tanto los CD como los equipos con reproductor de CD eran bastante caros. A partir de 1985 era ya normal que diferentes artistas lanzasen la versión CD de sus álbumes simultáneamente con los otros formatos y además se comenzaban a reeditar discos antiguos en CD. Ya a finales de los 80 las ventas de CDs se disparan y a principios de los 90 superan ya la de los LPs. El CD se convierte en el formato de audio por excelencia y salen al mercado reproductores portátiles y para el equipo musical del automóvil, además de CDs grabables. Paralelamente, otras versiones mejoradas de audio CD salieron al mercado durante la década de 2000: DAT, MiniDisc, DCC, DVD A, SACD, etc aunque por el momento ninguna ha logrado suceder a la primacía del CD

A partir de mediados de los 2000 el auge de las descargas de música en internet y de los consiguientes reproductores de audio digital portátiles con la música descargada (MP3, Ipod) originó un descenso en las ventas de CDs en todo el mundo aunque por ahora el formato resiste como principal soporte de lanzamiento comercial de sonido pregrabado. Veremos hasta cuando.