TURNO DE GUARDIA (HELDIN)

 

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Hay muchas maneras de hacer cine denuncia y un día en la vida laboral de una enfermera en un hospital, contado a manera de ficción, puede ser una vía muy sugerente y expresiva de denunciar la precariedad laboral del sector sanitario en Europa y la falta de efectivos de salud en la que se encuentran nuestras sociedades occidentales, un fenómeno que año tras año parece acrecentarse. Esta producción Suiza en lengua alemana ofrece una crónica extrapolable para otros países y resulta mucho más que eficaz en su propósito de mostrar los problemas y avatares (y también algún logro) de una buena y eficiente enfermera superada en un turno en donde ella sola -junto con una muchacha en prácticas- ha de atender a una enorme cantidad de pacientes con varias circunstancias y gravedades en un hospital suizo. Enmarcada la acción en un día y siempre en el hospital sin que exista la estructura convencional de una historia, la película es enormemente realista y creíble (médicos, enfermeras y pacientes perfectamente creíbles y situaciones médicas totalmente veristas) y cada situación y circunstancia de su protagonista, Floria, va trazando una viñeta que cada una de ellas resulta una muestra ilustrativa de la situación de colapso que la enfermera, una mujer de treintaitantos, va sintiendo progresivamente. Leonie Benesch, a la que ya vimos en Sala de Profesores realiza una interpretación magistral y convincente que hace que sintamos la angustia de su personaje.

La directora y guionista Petra Biondina Volpe realiza un trabajo muy meritorio tanto en dirección de actores como en una cuidada escenografía casi de documental, quedando muy palpable que el proceso de asesoramiento y documentación sobre la realidad sanitaria en esta película ha sido meritorio. Esta cinta gustará mucho a los profesionales del sector sanitario y hará que pensar al público en general sobre la situación de la carga de trabajo en médicos y enfermeras. Película directa, cruda e inmediata, Turno de Guardia es honesta como ella sola y solo por eso resulta una obra muy estimable.

SONG SUNG BLUE: CANCIÓN PARA DOS (SONG SUNG BLUE)

 

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Ni es un musical, ni es un rutinario melodrama basado en una historia real, ni tampoco es una película homenaje a Neil Diamond., Sung Song Blue es una película que tomando como punto de partida la más que interesante biografía de una pareja de anónimos músicos norteamericanos- una intrahistoria en toda regla- ofrece un peliculón en donde vemos el otro lado del sueño americano contado por sus protagonistas, en una historia de éxitos, fracasos, golpes del destino, amor, humor, ternura y sobre todo mucha música, básicamente la de Neil Diamond, aquel cantautor crooner-pop estadounidense que llenó de himnos easy listening los 70 y al que desde finales de los 80 hasta mediados de los 2000 homenajeo interpretando sus temas la pareja de aristas de Wisconsin formada por Mike “Lightning” y Claire ”Thunder” Sardina, nuestros dos protagonistas. La historia de los Sardina ya fue objeto de un documental del mimo título en 2008 dirigido por Greg Kohns y en este paso a la ficción el realizador Craig Brewer ha logrado una película muy degustable, honesta, poco efectista y muy amable pese al tono amargo de muchos de sus momentos y sobre todo para públicos amplio y variopinto. Contar con dos actores tan versátiles y además con excelentes habilidades canoras como Hugh Jackman y Kate Hudson ha sido un acierto hasta tal punto que puede decirse que la película llega sus cotas de excelencia gracias a ellos y su soberbio trabajo.

El filme recorre varios años en la vida de Mike Sardina, un musico antiguo veterano de Vietnam metido de lleno en el circuito de imitadores de grandes estrellas de la música -muy habitual en EEUU en ferias, festivales y eventos de provincias varios- que decide dar un impulso su carrera y tratar de revertir su delicada situación económica pasando de imitar a otros artistas a cantar el repertorio de Neil Diamond por consejo de Claire, una imitadora de Patsy Cline a la quien conoce a finales de los 80 y con quien termina casándose. Mike y Claire se convierten en Lightning yThunder, líderes de una banda que homenajea al vocalista neoyorquino con Mike vistiéndose como e interpretando (que no imitando) a Diamond y que durante los 90 obtiene gran éxito en el área de Wisconsn e Illinois con sus giras y actuaciones. Mike y Claire, divorciados ambos y padres respectivamente de una hija y un hijo y una hija no solo han establecido una a pequeña escala exitosa carrera artística sino que consiguen formar una muy bien avenida familia reconstituida y todo parece irles de perlas, pero los sinsabores a las desgracias no tardarán en llegar: es el sino de las clases modestas en EEUU, al final uno se encuentra en el punto de partida (o incluso más abajo) en el momento más inesperado. Muy bien ambientada en los últimos años del siglo XX y primeros el XXI y plasmando y respetando fielmente tanto el mundo Blue Collar y rural USA como el curioso universo de los modestos cantantes y bandas tributo - y la cultura karaoke de los 90- Song Sung Blue funciona muy bien como retrato histórico-sociológico de una época y un lugar sin olvidar su condición por encima de todo de melodrama realista con tintes musicales. Una pasada como cantan sus dos protagonistas y comos meten en sus personajes especialmente Hugh Jackman como un hombre que amaba la música y la persona de Neil Diamond y se metía literalmente en la piel del cantante en sus actuaciones, algo que también hace Jackman y te deja totalmente embelesado. Kate Hudson, por su parte, también está más que espléndida como un mujer marcada por diferentes dramas y que al igual que su marida lucha por todo y contra todos con tal de conseguir sus sueños y superarse.

La película atesora una buena ristra de secundarios que cumplen con más que creces, entre ellos Michael Imperioli, Fisher Stevens, Jim Belushi y las jóvenes Ella Anderson y King Princess. Suenan por supuesto los grandes clásicos de Neil Diamond- en la voz de Jackman o en su propia voz- temas muchos inmortales y que estructuran y prácticamente narran el filme. Película cien por cien recomendable.

RENTAL FAMILY: FAMILIA DE ALQILER (RENTAL FAMILY)

 

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Adoptando apariencia y ropajes de cine occidental (más concretamente hollywoodense), este filme japonés (en realidad coproducción estadounidense-nipona) consigue ser un trabajo serio, solvente y con bastantes argumentos cinematográficos, además de muy atractivo para el espectador medio. Un drama-comedia que yace argumental y contextalmente en la difícil relación cultural entre oriente y occidente, más por aspectos psicológicos, comportementales y de valores que de costumbres y que se zambulle de lleno en su historia concreta en el mundo de las relaciones familiares, por una parte, y en el juego entre la verdad y la mentira, entre lo real y el simulacro todo desde la perspectiva del mundo de la interpretación. Pudiera parecer que la directora y guionista Hikari peque de demasiado ambiciosa, pero decididamente logra convocar todos estos elementos de manera magnífica y para ello ha contado con la inestimable ayuda de ese gran actor a veces infravalorado que es Brendan Fraser, quien hace su mejor trabajo desde la oscarizada ballena. Philip, su personaje, un actor norteamericano residente desde tiempo atrás en Japón, es una persona perdida en un país y una cultura que no ha llegado a comprender después de siete años y que además arrastra un fracaso personal (principalmente por falta de trabajo) que encuentra una inesperada redención y un nuevo sentido a su vida de la amnera más estrambótica e inesperada. Un mundo escasamente conocido para la sociedad occidental, el de las empresas japonesas de familias de alquiler, aparece ante nosotros ofreciendo momentos de metaficción con su discurso sobre el binomio realidad/ficción realmente impagables que constituyen uno de los fuertes de esta cinta.

En la historia, Philip accede reluctantemente y con reservas a trabahjar en una empresa de Rental Family en donde uno de sus cometidos (el principal) será fingir ser el desaparecido padre norteamericano de un niña mestiza japonesa, Mia (Shanon Mahina Gorman) para que su madre, Hitomi (Shino Shinozaki) consiga que sea aceptada en una prestigiosa escuela privada; aunque lo que Philip no imagina es que pronto se sentirá el verdadero padre de la niña al sentirse aceptado y querido por ella. Al mismo tiempo, el actor americano deberá interpretar a un periodista que entrevista a un veterano actor retirado con demencia senil, Kikuo (Akira Emoto), con quien llega a establecer una relación paternofilial. Una desencantada actriz trabajadora de la empresa, Aiko (Mari Yamamoto) y el dueño de la compañía, Shinji (Takehiro Hira), son los otro dos vértices de la nueva odisea del protagonista, marcando aspectos negativos y ambiguos en el relato. Hay una gran variedad de sensaciones en la película y una excelente mezcla de elementos dramáticos con cómicos, siempre con un mensaje de superación y de esperanza con solidez y que va más allá de una Feel Good movie impostada. Un filme bonito y honesto que merece más que la pena verlo,

LA ASISTENTA (THE HOUSEMAID)

 

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Un bestseller escrito por Freida McFadden que en último año ha arrasado es el origen de este thriller, un trabajo efectivo a veces, efectista otras y en definitiva bastante interesante y en cierto modo sorprendente en su trama, además de atesorar buenas interpretaciones y un buen sentido del suspense más retorcido no exento de concesiones comerciales. Un excelente tour de force interpretativo y argumental entre sus tes protagonistas, Sydney Sweeney como la joven nueva asistente de un joven y rico matrimonio, Amanda Seyfried como una señora de la casa aparentemente desequilibrada y Brandon Sklenar como su marido, un hombre a comprensivo con la extrañada y desubicada asistenta Millie y en apariencia desbordado por un matrimonio que parece hacer aguas, sin olvidar el papel clave que juega la pequeña C.C (Indianaa Elle), la hija de la pareja. Las referencias obligadas a Hitchcock son notables funcionando dentro de lo previsible, pero muy pronto queda patente que The Housemaid no quiere ser un thriller psicológico al uso y apuesta por un cierto histrionismo, ciertas pinceladas gore y un muchas no muy bien llevado tono irónico y crítico (con la cultura de las apariencias y el culto a la imagen): en ese sentido la segunda parte del filme resulta mucho más estimulante que la primera aunque la resolución final puede antojarse algo forzada.

Se vislumbra una serie de películas habida cuenta de que ya se ha publicado una secuela de la novela y se anuncia tercera parte, por lo que puede que estemos saturados de Millie Calloway para los próximos años, es por eso por lo que se percibe que este personaje, un antiheróina que puede ser la versión femenina de otro cierto célebre personaje de la ficción negra, este tan bien trtado en esta película al menos en lo que su a interpretación se refiere, con una Sydney Sweeney que echa el resto aunque su personaje muchas veces no sea lo definido ni potente que se desease. No muy recomendable para amantes del terror psicológico fácil ni del triller ultraviolento – aunque si existan ciertas dosis de violencia física y sangre- ni tampoco para los que esperen una intriga psicológica sesuda y elaborada: la película se queda en un término medio que quieras o no comercialmente da resultado.

RONDALLAS

 

*** y 1/2

Esta película hubiese sido una simple comedia Feel Good con un planteamiento más estandarizado o un director del montón, pero Daniel Sánchez Arévalo, un cineasta muy eficaz y con oifcio pese a que su carrera no haya sido todo lo rutilante que prometía al principio, ha conseguido una película honesta y disfrutable que desde planteamientos costumbristas y un punto de partido bastante insólito como es del mundo de las rondallas musicales ibéricas ofrece un mensaje universal de superación colectiva y lucha contra los infortunios mediante la colaboración que es de agradecer en los tiempos que corren. Ambientada y rodada en la Galicia costera (concretamente en la provincia de Pontevedra) Rondallas se atreve a mezclar todo con la comedia costumbrista incluido el drama, la crónica local antropológica, el Coming of Age, el cine social y también en cierta medida el cine musical, ya que la música cumple un papel fundamental en la historia. Un reparto coral que funciona a las mil maravillas con interpretaciones individuales de quilates añade aún mas plus de credibilidad, algo de lo que no carece precisamente saltándose los prejuicios y lugares comunes de las Feel Good movies.

Los miembro de una rondalla de un pueblo costero cercano a Vigo encaran el reto de participar en un concurso provincial de rondallas en un momento crítico par ael pueblo y sus habitantes, con el director de la numerosa agrupación -con gente de todas las edades y condiciones- fallecido años atrás en un trágico accidente marítimo pesquero en el que perecieron siete vecinos del pueblo y del que la localidad aún no se ha recuperado, con el nuevo director Luis (Javier Gutiérrez) perseguido por la policía por sus pescas furtivas de percebes y carcomido por la culpa del superviviente al ser una de los dos personas en sobrevivir a aquel trágico accidente, y con los miembros de la rondalla, entre los que se encuentran la viuda del antiguo director y mejor amigo de Luis, Carmen (María Vázquez) y sus hijas la postadolescente Andrea (Judith Fernández) y la pequeña Noa (Lola López), además del otro superviviente del accidente, el alcohólico y prácticamente caído en la indigencia Yayo (Carlos Blanco), muy reticentes a retomar la agrupación tras la tragedia local. No obstante, la determinación de Luis conseguirá convencer a los demás y emprenderán el reto no exentos de (muchas) dificultades y sucesos inesperados. Lo trágico, lo amargo y lo cómico se dan cita entre muchas pinceladas de humanismo y mensaje de superación no exentos a veces de algunas concesiones en forma de tópicos y ligerezas que la película remonta finalmente con convicción. Muy interesante todo el retrato que se ahce del no muy conocido mundo de las rondallas que va más allá del folklorismo en este filme y deviene en un sólido deus ex machina mientras nos deleitamos viendo la perfecta coordinación visual de estos colectivos musicales y sobre todo oyendo el poderío y la belleza de piezas célticas galáicas (y versiones de temas de otros géneros) llenas de gaitas y percusiones.

Queda claro además que esta es una película de actores donde además de las excelentes interpretaciones de Javier Gutiérrez, María Vázquez y la joven Judith Fernández- esta con un registro dramático adolescente sublime- destaca un Tamar Novas que se destapa como un estupendo actor de comedia en el papel de Xoel, un botarate policía rural abanderado de la rondalla con un peso fundamental en la trama (huele a Goya a actor de reparto) y el joven Fernando Fraga, un descubrimiento. Película para todos los públicos, amable pero nada de ñoña, resulta un acierto si se quiere pasar un buen rato en la sala y además contemplar una pequeña gran historia.

FATHER MOTHER SISTER BROTHER

 

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Es raro que un nuevo filme estrenado de Jim Jarmusch pase desapercibido por la crítica y los festivales de cine (lo del público es otra cosa), pero en esta ocasión (y escasas veces esto ha ocurrido) parece que la taquilla y la aceptación de un público más amplio están respaldando al último filme del cineasta de Ohio, primer premio en la Mostra de Venecia de 2025 y tal vez uno de sus mejores filmes en los últimos años aunque no se trate de una de sus obras maestras. Jarmusch, cineasta quintaesencial del cine indie de los 80 y 90 y gran renovador histórico del séptimo arte estadounidense a finales del siglo XX gracias a su adaptación de los postulados del cine europeo de autor a la idiosincrasia artística americana, en realidad tiene ya poco que demostrar en su larga carrera y de hecho esta cinta lo que se dice aportar algo nuevo no lo hace, pero es una película inteligente, muy medida (como suele ser habitual en el director) y que toca hace reflexionar y tocar la fibra del espectador aunque sin llegar a conmover. Como en otros filmes de Jim Jarmusch esta Father Mother Sister Brother se encuentra dividida en segmentos (tres) y en todos ellos se reflexiona sobre las relaciones familiares, el paso del tiempo y la influencia parental en la vida de los hijos. En espacios concretos mayormente y con un devenir temporal casi a tiempo real, el cineasta trata de poner en relieve como las relaciones entre padres e hijos lastran siempre de los mismos problemas y dificultades sea cual sea el marco espacial en el que tenga lugar (EEUU, Irlanda, o Francia, los países donde se desarrolla cada una de las partes) y que todo al final puede resumirse en una comunicación limitada y en secretos que se guardan a veces para siempre.

Habituado a rodar en diferentes países, Jarmusch en esta ocasión no muestra especial atención por las peculiaridades culturales de cada uno de los tres países donde se desarrollan sendos relatos y si más interés por los personajes como modelos universales de los roles de padre, madre y hermanos. En la primera historia, Father , un hombre (Adam Driver) y una mujer (Mayim Balick) cuarentones van a visitar a su padre septuagenario viudo (Tom Waits), un ser aparentemente senil y desnortado que parece vivir con pocos recursos en un pueblo norteamericano pero que en su excentricidad saca los colores a su hijos con sus apreciaciones; en Mother, una exitosa escritora retirada (Charlotte Rampling) recibe en su residencia dublinesa a sus hijas (Cate Blanchett y Vicky Krieps) las cuales no parecen tener muy fluida relación entre ellas pese a los esfuerzos hacer un encuentro agradable y tampoco parece que tengan una visión muy cercana de su progenitora, una mujer independiente y demasiado centrada en si misma pese a que intenta aparentar ser un madre modélica; y por último Sister Brother presenta a dos jóvenes mellizos norteamericanos (India Moore y Luka Sabaat) que se encuentran en París para e las pertenencias en la residencia de sus recién fallecidos padres, unos seres que descubrirán llenos de secretos que de alguna manera les condicionaron a ellos. Los coches en los que se trasladan los protagonistas al comienzo de los episodios, los jovenes skaters que ven en todos ellos y un reloj Rolex en la muñeca de algún personaje son elementos comunes que aparecen en todos los segmentos, cada uno con su significado (el paso del tiempo y el tránsito en la vida puede incluso ser un nexo común en todos estos elementos). Muy buenas interpretaciones -especialmente de los dos más veteranos, Waits y Rampling- dentro del excelente reparto coral que logran transmitir la esencia del propósito del filme y hacerlo una experiencia identificable y cercana para el espectador, como debe corresponderse a cualquier filme con temática de relaciones familiares que trate de ser una muy buena película.

EL EXTRANJERO (L‘ÉTRAGER)

 

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Por obra y gracia de François Ozon, Albert Camus se ha colado en las pantallas europeas en 2025. Siempre es grato recuperar la obra del escritor, dramaturgo, ensayista y filósofo francés aunque haya pasado 65 años de su muerte tal es la intemporalidad de su legado, y más si nos encontramos ante una nueva adaptación de su más celebrada obra narrativa El Extranjero (1942), que ya conoció una adaptación en 1967 dirigida por Luchino Visconti y protagonizada por Marcello Mastroianni. Este nuevo Extranjero apuesta por ser un trabajo con hechuras arty y presentación muy introspectiva con una imaginería clasicista rodada -convenientemente- en un blanco y negro añejo que evoca los años 40 en los que transcurre la historia y que también pretende ser una coartada para presentar une película que hace casar a Camus con Bergman y con Pasolini en un ejercicio filosófico-experimental-cinematográfico muy, muy arriesgado que François Ozon ha resuelto con éxito en una película de muchos kilates. Por si fuera poco, el realizador francés se permite meter en la ecuación también a el mítico comediante Fernandel y a la banda The Cure cuyo tema de 1978 Killing an Arab –inspirado precisamente en esta obra- sobrevuela el metraje y llega incluso a sonar. El Extranjero de Ozon no resulta incoherente por la inclusión de estas licencias estilísticas y extratemporáneas y encancila con sus imágenes, desconcierta para bien con un planteamiento narrativo totalmente bajo el punto de vista de su protagonista el indescriptible Meursault – todo es tan nihilista, impasible y gélido como el personaje- y arrebata con momentos poéticos que enlazan con la propia biografía de Camus. En definitiva, un trabajo cinematográfico de primer orden que no gustará a todo el mundo pero que debe saludarse como uno de los mejores trabajos de Ozon hasta la fecha.

Es de mencionar el estupendo trabajo que hace el joven actor Benjamin Volsin como Meursault , el argelino-francés (al igual que Camus) que en el país africano - colonia francesa en gran parte del siglo XX- vive, al igual que el resto de ciudadanos blancos galos, ajeno a la verdadera realidad de aquel país y además ajeno a cualquier sentimiento, emoción o empatía exterior. El fallecimiento de su madre y su supuesta vivencia de su nueva situación no harán más que mostrar el del joven ante la vida y solo un trágico acontecimiento qu le llevará a prisión y a una posterior condena a muerte hará salir las razones que el propio Meursault percibe como causantes de su comportamiento y de su visión de la existencia: la labor del actor está tan conseguida que resulta casi una clase magistral dramatizada del pensamiento de Camus en esta obra, incluyendo su visión sobre la religión, la moral y el sentido absurdo de la vida. Sin caer en lo pedante y siempre apoyándose en poderosas imágenes y en una descripción conceptual y narrativa muy meticulosa- tal y como se correspondería a un film tan ambicioso desde el punto de vista narrativo- El Extranjero es un filme sugerente y poderoso que resulta una delicia que se encuentra ahora en nuestras pantallas.

NUREMBERG

 

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No se puede decir que esta nueva aproximación cinematográfica al histórico primer Juicio de Nuremberg (1945-46) no aporte nada nuevo a otras visiones del acontecimiento histórico que sentó en el banquillo a los mandatarios nazis supervivientes tras la II Guerra Mundial, de hecho el enfoque supuestamente psicológico y el centrarse en la figura del psiquiatra Douglas Kelly (encarnado con solvencia por Rami Maleck)- que atendió al lugarteniente de Hitler Hermann Göring (Russel Crowe, haciendo gala de su versatilidad) en prisión- añaden una cierta originalidad al tema, pero otra cosa es que el resultado sea pleno y acorde con las pretensiones de la empresa. Tomando como punto de partida un libro del periodista estadounidense Lack El-Hai, The Nazi and the Psiychiatrist ,Nuremberg, que indagaba en la relación entre Kelly y Göring, es una película ambiciosa y muy bien realizada que sin embargo no logra ser todo lo lúcida y compleja que debiera. James Vanderbilt, director hasta ahora de productos comerciales y de segunda fila, parece querer reivindicarse como un director serio y con argumentos y puede lograrlo. Por lo demás, el filme cumple con su cometido de testimonio histórico- muy buena ambientación- y de cierta (aunque superficial) indagación de las siniestras y delirantes motivaciones del nacionalsocialismo para jacer lo que hizo, aunque muchos echen de menos tal vez mayor seriedad y por que no menos tics de superproducción comercial. Este filme es de hecho una obra bastante diferente a la histórica ¿Vencedores o Vencidos? (1961), pero se agradecen sus novedades argumentales como el mostrar la vivencia del proceso desde la óptica de los nazis juzgados y el apartarse del tedioso género del cine judicial, el cual solo aparece con cuentagotas.

La película es mas bien un filme casi coral en donde a parte de los dos personajes destacados mencionados antes otros tienen relevancia encarnados por intérpretes solventes: John Slattery, Colin Hanks, Michael Shannon, Richard E. Grant, Leo Woodall o Andreas Pietschmann cumplen muy bien su función en un reparto internacional pero excesivamente centrado en el lado estadounidense y en donde el resto de países aliados que intervinieron en el juicio no son más que meros comparsas en esta película. Hay muy buenos momentos sobre todo cuando se trabaja con la tensión- los intentos de suicidio de los prisioneros- y la confrontación Kelly-Göring (inusual por el contexto) médico y paciente resulta a veces fascinante pero otras algo estéril, siempre magnificada por el excelente trabajo que hace Russel Crowe en la piel del ambiguo e hipócrita criminal nazi, logrando trasmitir la infame catadura moral del personaje. Un acierto el mostrar las imágenes reales de la época de los campos de concentración y de los resultados del holocausto en un muy buena recreación de los momentos del juicio propiamente dicho, que resulta de lo mejor del filme: solo por ese afán didáctico y de denuncia esta película ya merece la pena, así como su retrato de la psique fanática. Es muy oportuno que se sigan haciendo películas que recuerden elementos del pasado no tan lejano para que nada de eso se repita.

LA VOZ DE HIND (SAWT AL-HIND RAJAB)

 

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Se cuenta una historial real. Cine denuncia en estado puro y todo transcrito tal y como sucedió. Siguen siendo necesarias películas como esta que recuerdan la función concienciadora y social que debe tener el cine al igual que otros medios o disciplinas artísticas. Estamos ante un filme que consiguió por méritos más que evidentes el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y el Premio del Público en el Zinemaldi, una pequeña pero muy audaz -tanto en el plano temático como el cinematográfico- producción francotunecina con apoyo de importantes estrellas hollywoodienses y productores internacionales que muestra los desastres de la guerra, el drama de sus víctimas civiles e inocentes, la sinrazón y crueldad de los señores de la guerra y lo terroríficamente absurdo de muchas situaciones (militares, logísticas y borocráticas) en los conflictos bélicos. El genocidio de Palestina por parte de Israel es el amargo y trágico telón de fondo de una historia que sucedió en enero de 2024 y que en este filme en la cual se recrea se cuenta con un recurso tan insólito como escalofriante: el audio real de la llamada a la Media Luna Roja de Hind Rajab, una niña palestina de seis años única superviviente de un tiroteo que acabó con parte de su familia en un coche en el cual se encuentra escondida en medio de un asedio israelí.

En hora y media de metraje (la historia se desarrolla en poco más de 24 horas) y con prácticamente una sola localización (las oficinas de la MLR en Gaza) asistimos a una mezcla de docudrama y recreación dramatizada de un episodio que sobrecoge desde el comienzo y manteniente con un nudo en la garganta hasta el final. Un grupo reducido de actores palestinos, tunecinos e israelíes recrea al pie de la letra la conversación del personal de la MLR con la pequeña Hind (oímos los registros de sus llamadas telefónicas subtitulados) en lo que se convierte en todo un tour de force, una situación desesperada que los dedicados trabajadores y voluntarios no se ven capaces de resolver por culpa de improcedentes limitaciones legales, el caótico estado de las calles por la guerra y los pavorosos e inesperados ataques del ejército israelí. Motaz Malhis, Saja Kilani, Amhed Hlehel y Clara Khoury son los actores principales y realizan un encomiable trabajo trasmitiendo autenticidad, calor humano y angustia y sintiendo genuinamente lo que a buen seguro experimentaron los protagonistas reales de la historia. La realizadora tunecina Kaouther Ben Hania ha realizado un excelente trabajo que consigue con creces su objetivo de conmover y horrorizar al espectador y que además deslumbra con su puesta en escena verista, el manejo de los recursos documentales y la potencialidad del elemento audible y la recreación de escenas a partir de imágenes reales que en aquel día se filmaron en móvil y que también observamos en algunos momentos del filme en paralelo con las imágenes recreadas. Cruel, angustiosa, triste y emocional, La Voz de Hind es un filme que debe visionarse para recordar una funcionalidad importante del medio cinematográfico y para tener en cuenta esa absoluta carnicería que se está perpetrando en un lugar de la tierra.