BAD APPLES

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Basada en una novela sueca, esta película británica navegando entre el drama social, la comedia negra y el suspense resulta una obra curiosa y bastante disfrutable en donde brilla especialmente la excelente interpretación de Saoirse Ronan, bordando un papel ambiguo y dual, el de una joven maestra de primaria que obsesionada en responder a lo que se espera de ella y tratando de mejorar su imagen y su competencia profesional será capaz de autoencubrirse un terrible (y bizarro) delito: secuestrar al alumno más conflictivo de su clase. La actriz es casi la película por si sola y sin ella esta película hubiese sido diferente, pese a que la originalidad de su planteamiento la hubiese mantenido como un filme a tener en cuenta.

El sueco Jonatan Etzler vuelve a dirigir en inglés y consigue un filme solvente y sorprendente que toca diversos temas candentes como el fracaso escolar, la responsabilidad del profesor ante alumnos conflictivos, la autoexigencia profesional, la cultura del éxito, las carencias del sistema educativo occidental y la presión social por guardar las apariencias. Maria Spencer, una profe en tela de juicio por parte de alumando, padres de alumnos y parte del resto del profesorado se emte en un berenjenal cuando para a priori trtara de defenderse de su agresivo alumno de 10 años Danny (Eddie Waller) le retiene en su domicilio, iniciando inesperadamente una relación de confianza mutua allí que en las aulas no había tenido con el. El filme funciona en su vertiente de parábola con tintes de sátira y sabe hacer que el componente más de thrilller sea percibido como lo que realmente es, una crítica ácida no exenta de drama. Los minutos finales son de lo mejor del conjunto y es allí donde el significado de la película brilla.

CRONOS

 

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Hace años una película española basada en un suceso real del calibre del que cuenta este filme hubiese sido imposible, pero el avance en los efectos especiales – que no son ya un monopolio del cine hollywoodiense- los presupuestos más holgados con los que cuenta el cine español y sobre todo una mayor convicción a la hora de abordar diferentes géneros y temas ha hecho posible que disfrutemos de esta excelente recreación de cuatro días del verano de 2017 que mantuvieron en vilo a Catalunya y España: los atentados yihadistas de Barcelona y Cambrils del 17 de agosto. Una película que combinando el thriller policial, el drama, la intriga, la crónica política y el apunte costubrista-realista triunfa gracias a un impecable trabajo de puesta en escena y un estupendo hacer interpretativo coral. Fernando González Molina (Palmeras en la Nieve, la adaptación de la Trilogía del Baztán) se consolida como un director completo y de gran habilidad en la que es una de las mejores películas españolas de 2026.

La ciudad de Barcelona además de Cambrils y otras localidades son el muy bien captado escenario de la historia y además claros protagonistas de la misma. Los diferentes personajes- mossos de esquadra principalmente, otros cuerpos policiales, ciudadanos árabes afincados en Catalunya, otros civiles y algún político- aparecen en medio de una situación desasosegante e imprevisible que amenaza en la que las fuerzas policiales tiene que dedicarse en cuerpo y alma. La recreación del complejo operativo policial es simplemente magistral y digna del mejor cine policial con el rasgo plus de que se basa fielmente en un suceso real. Un tour de force narrativo en donde el suspense, el drama personal y el conflicto interior e interpersonal- servidos por el conflicto entre lo laboral y lo familiar de una jefa de los Mossos, la especial relación de una sargento con un joven magrebí que podría ser unos de los perpetradores del atentado o la lucha entre representantes del Gobierno Central y el Gobern de Catalunya sobre quien debe colgarse las medallas, lo mismo que las distintas policías- copan un ritmo de relato vertiginoso que no da tregua al espectador y que sin golpes de efecto ni violencia ni acción gratuita entusiasma y engancha al espectador.

El reparto coral, casi exclusivamente catalán, esta de chapeau: Enriq Auquer, Diana Gómez, Pablo Derqui, David Vert, Mónica López, Xavi Sáez o Israel Elejalde hacen papelones y rezuman credibilidad por los cuatro costados. Cine de género a lo grande para el cine español que muestra como por aquí también se han dado historias reales más que interesantes y como se sabe perfectamente como aprovecharlas.

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO (THE DOG STARS)

 

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Si se despoja de su naturaleza de historia postapocalíptica y se disfruta de un argumento que fluctúa entre la aventura, la historia de supervivencia, la ciencia ficción simbólica y el melodrama esta resulta una interesante película que pese a sus irregularidades y sus fallos de ritmo se sigue con interés y pone de manifiesto que pese a su avanzada edad y el más que discutible empeño de continuar dirigiendo filmes a ritmo frenético y la mayoría mediocres, Ridley Scott sigue teniendo tino y por supuesto oficio. The Dog Stars, basada en una novela de Peter Heller se esfuerza en ser en algo más que una cinta futurista ambientada en una Tierra en donde una pandemia de una misteriosa fiebre ha diezmado a la población y trata de ser una historia de amistad, supervivencia y lucha que pese que en algún momento cae en lo tópico logra tener una cierta emoción humana y gracias al hecho de estar ambientada en amplios espacios naturales muy bien fotografiados resulta una buena experiencia de cine aventurero a la antigua usanza donde no faltan toques de western -más concretamente John Ford, claro- y un cierto tono de Americana que no es precisamente lo más destacado pero si confiere al conjunto una cierta originalidad. Eso si, esta no será una película para todos los gustos.

El viaje del héroe es el leiv motiv del filme, y este es Hig (Jacob Elordi), un antiguo mecánico antes del “apocalipsis” que sobrevive en las praderas de Colorado consuciendo un destartalado aeroplano y en compañía de su perro Jasper. Si vida es una extraña búsqueda de mera supervivencia en una existencia nihilista aderezada a veces con la amistad de Bangley (Josh Brolin) otro superviviente obsesionado con las armas y la seguridad que cree vivir en continua amenaza y su ayuda a una ciriosa comunidad de menonitas. Pronto su obsesión será llegar hasta a lo que queda de la localidad de Grand Juction, donde se supone que existe una comunidad de vida humana con ciertas comodidades, emprendiendo un viaje en donde encontrará a un padre y una hija también desnortados (Guy Pearce y Margaret Qualley) y todos tendrán que combatir contra una tribu de jóvenes asilvestrados dispuestos a arrebatarles sus posesiones. Es una pena que la película se arroje a veces al cine de acción flojeando ostensiblemente en esos momentos y por ello los instantes más melodramáticos- servidos por el personaje de Hig y la especial relación con su leal can, que marca la simbología de la historia- resulten tan esparsos. Los instantes en la esperada “tierra prometida” a la que llegan los protagonistas resultan muy curiosos con su aire de ci-fi retro con reminiscencias comiqueras - en contraste con el aire rural y western del resto de la película- que remiten a Westworld, la obra de Moebius e incluso a Blade Runner, aunque el espíritu de la obra maestra de Ridley Scott en realidad no aparezca para nada.

Esta claro que a estas alturas no se le va a exigir a demasiado Scott, un director que por otra parte solo ha realizado grandes películas muy puntualmente a lo largo de su larga y prolífica carera, pero siempre es grato que de vez en cuando aparezcan películas de este tipo que sin grandes pretensiones y muy buen hacer cinematográfico entretienen y convencen.

EL SER QUERIDO

 

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Si, Rodrigo Sorogoyen ya es uno de los mejores directores españoles del momento y uno de los mejores cineastas hispanos en los últimos 25 años. Su filmografía crece en calidad en sentido exponencial y demuestra además un talento innato a la hora de manejar recursos cinematográficos más bien complejos- como en el que se ocupa en este filme, el de cine dentro del cine- y sobre todo se ha revelado como un narrador sugerente, directo y emocional capaz de conmover al espectador de diferentes maneras. El Ser Querido es su mejor filme hasta la fecha y un excelente ejercicio de inusual drama psicológico sustentado por sus dos protagonistas que dan vida a sendos personajes que aunque unidos por lazos paternofiliales se muestran en un crudo conflicto el uno con el otro en un tour de force sentimental y emocional que termina barriendo toda la historia y dejando con la boca abierta al espectador. Javier Bardem realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera- es curioso como su capacidad mejora cuando sale de Hollywood, tal vez sea porque en Europa se encuentra con mejores papeles- dando vida a un hombre con un sufrimiento interno palpable (sobre todo ante la llegada de su hija) y un carácter aparentemente despótico pese a su vitola de triunfador y Victoria Luengo, en el papel de la hija de este, se revela como una formidable actriz que en el futuro puede dar muchas satisfacciones al cine español.

La película nos muestra la dialéctica entre Esteban Martínez, un director de cine brillante y aclamado con un pasado de excesos que trata de olvidar y que muchos pasan por alto, y su hija Emilia, una actriz de cerca de 30 años al que Esteban elije para un papel estelar en su nueva película, una cara producción de época ambientada en el Sahara español en los años 50. El caso es que padre e hija no se ven desde hace más de diez años con el cineasta divorciado y con una nueva familia y ambos encaran el reencuentro con una mezcla de miedo, escepticismo y esperanza, sobre todo la joven. El carácter de Esteban, las claves pasadas de las relaciones familiares y de padre-hija y el tenso ambiento y los problemas durante un rodaje caótico empezarán a ejercer sobre ambos un incómodo influjo que llevará su relación y lo sentimientos de afecto del uno hacia el otro hasta el límite.

Es una auténtica gozada cinéfila el ver como se recrea un rodaje y como todos los trabajadores del gremio -cámaras, sonido, maquilladores, productores y por supuesto actores- son tratados con sumo cariño en este filme no exento de mirada desmitificadora. Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Nuria Prims y la francesa Marina Foïs son algunas de las caras que complementan un reparto entregado y eficaz ante la compleja tarea de interpretar papeles dobles (los actores y sus personajes) y de recrear un rodaje cinematográfico dentro de otro, recurso que el director y guionista utiliza como un espejo deformante en esta película. Dura psicológicamente pero con curiosos insertos de comedia dentro de su manierismo metacinematográfico, El Ser Querido es una película honesta y muy brillante que se disfruta con la debida paciencia y deja un inmejorable sabor de boca.

PASTORIS

 

*** y 1/2

El cine español sigue creciendo, madurando y evolucionando con películas que hasta hace unos veinte años serían enormemente inusuales. Con una mixtura de géneros -aventura, drama, cine de época y una pizca de cine fantástico- y un marcado componente antropológico, Pastoris, filme rodado en 2024 que llega con retraso, es un curioso ejercicio cinematográfico y narrativo que cuenta una historia de supervivencia, y lucha en la Salamanca rural de principios del siglo XIX recién terminada la Guerra de la Independencia con varios focos temáticos como la siempre conflictiva relación del ser humano con la naturaleza, el poder devastador de la mezquinidad humana, el sentimiento de culpa, el amor por los seres queridos o el instinto de supervivencia. Su protagonista, Domingo (Sergio Cardoso, en un trabajo muy esforzado) es un pastor salmantino que busca redimirse después de reaparecer por sorpresa en su aldea cuando se le daba por muerto en la guerra contra los franceses y cuyo papel en la misma comienza a ser sospechoso por una supuesta cobardía. Decidido a retomar su oficio de pastor de ovejas, este ser aparentemente desaliñado y casi salvaje y prácticamente repudiado por su esposa y su padre- pero no por su hijo pequeño- pero en realidad gran humanidad emprenderá un viaje con su rebaño por los campos salmantinos que será un viaje iniciático en toda regla.

Pablo Moreno, un director cuya interesante filmografía había pasado desapercibida, se muestra ser un realizador muy hábil y completo al que las etiquetas de los géneros no parecen importarle mucho. Rodada en el dialecto asturleonés y con una una total minuciosidad a la hora de mostrar las vestimentas,costumbres, técnicas de pastoreo e incluso la música de los charros salmantinos de principios del XIX , el filme es un prodigio de realismo costumbrista histórico realzado por los hermosos paisajes de la región leonesa que se nos muestran y en donde transcurre toda la historia. Con un reparto de desconocidos -con la excepción de un pequeño papel de Assumpta Serna- que rezuman credibilidad, una excelente banda sonora del propio Sergio Cardoso y Oscar Martín Leanizbarrutia y una suntuosa fotografía de Rubén Ortega y el director del filme, Pastoris es una pequeña sorpresa que marca no debería pasar fugazmente por la cartelera.

VIVIR LA TIERRA (SHENG XI ZHI DI)

 

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Muy interesante esta muestra de cine histórico-social chino que pone su foco en la empobrecida China rural última década del siglo XX con una historia ambientada en 1991 en donde la modernización en la tecnología y los modos de cultivo pese a lo relativamente revolucionaria que pudo ser no trajo cambios sociales de calado en una China profunda alejada de la vida urbana y los grandes centros económicos, y todo ello bajo la mirada infantil, un recurso narrativo en el mundo del cine que suele ser bastante grato y fascinante y así ha sido en este caso, aunque el resultado en el conjunto del filme haya sido discreto pero convincente.

El pequeño Chuang (Shang Wang), de 10 años de edad, vive con sus tíos, primos, abuelos y bisabuela en una aldea ya que sus padres trabajan en la ciudad. La vida familiar es dura con trabajo constante y no pocos sobresaltos (muertes, introducción de maquinaria agrícola e una población acostumbrada a la labranza artesanal , conflictos facsimilares), todo ello influyendo enormemente en el niño y en su proceso de maduración en una China cambiante. Película de evidente tono antropológico que su director, Huo Meng, subraya todo lo que puede consiguiendo curiosos y vistosos frescos que pueden resultar fascinantes para el espectador occidental y todo aquel que no conozca la vida rural china en el siglo XX. Sin una historia distinguible, la película se conforma de diferentes viñetas superpuestas que en su globalidad dicen bastante. Con un Realismo y naturalismo muy marcado e interpretaciones realistas - la cinta casi parece un documental- Vivir la Tierra se postula como una película interesante y muy grata de ver que pone de manifiesto que el cine del lejano oriente siempre es capaz de crear geniales peliculas desde cualquier prisma.

SPIDER-MAN: BRAND NEW DAY

 

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No se descubre nada al decir que Marvel Studios consigue siempre vender bien sus productos y esta nueva entrega de Spider Man no ha sido ninguna excepción en cuanto a taquilla. La filial cinematográfica de la célebre editorial norteamericana de cómics ha conseguido un número de seguidores solo de sus filmes enorme al unir a los fans de toda la vida de los superhéroes Marvel a un nuevo público mas joven que ha descubierto a estos personajes principalmente a través de estas peliculas. Spider- Man, el héroe estrella de la compañía, fue curiosamente de los últimos en sumarse al carro de la productora precisamente por temas de derechos cinematográficos - ya tuvo cinco películas desde comienzos de los 2000 antes de su “regreso” a Marvel Studios- y parece que dentro de este cada vez más rayante y cansino MCU (Marvel Cinematic Universe) la productora está dispuesta a otorgarle por fin un papel dominante. Tom Holland, versátil y completo joven actor que merece pelis de mas fuste, se viste del héroe arácnido por séptima vez en un filme que pese a su buena puesta en escena no deja de ser más de lo mismo en su concepción de cine espectáculo total aunque trate de dar un amago de hondura a su personaje principal. Buen entretenimiento, si, pero de nuevo un guion previsible, poca novedad, y el consabido desfile de héroes y villanos de la casa que solo entusiasma a los más fanáticos seguidores del universo superheróico Marvel.

El director Destin Daniel Cretton e esfuerza e intenta hacer un filme de efectos especiales digno y supuestamente complaciente con el enorme fandom de Spider-Man, pero esto no es suficiente para firmar una buena película y esta nueva entrega es rutinaria, previsible y con bastante deja vu a filmes del MCU anteriores. De nuevo con Zendaya en el reparto como MJ Jones-Watson, la chica de Peter Parker- Spider-Man que al igual que toda la población de Nueva York ha olvidado la existencia del alter ego civil del superhéroe, tal y como se vio al final de la anterior entrega: su presencia y su actuación son de lo más potable del filme, en donde repiten Jacob Batalon como Ned Leeds el mejor amigo de Parker, Mark Ruffalo como David Banner-Hulk, Jon Benrthal como The Punisher o Marisa Tomei como la tía May, uniéndose como personaje significativo Sadie Sink como la mutante psíquica Jean Grey, personaje que anuncia la llegada de los X Men a la fiesta y que en este filme ejerce de villana, añadiendo batiburrillo a una historia bastante poco convincente. Como era de esperar, la película esta siendo de las más taquilleras del año, lo que da que pensar qué es en realidad lo que espera el público del cine.

LA ÚLTIMA RONDA EN VENECIA (LA CITTÁ DE PIANURA)

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La película más premiada en los últimos David di Donatello es una obra curiosa y dentro de su aparente sencillez muy jugosa que pone de manifiesto como la comedia bien hecha no tiene por que seguir los mismos patrones ni transitar por terrenos tópicos. Esta tragicomedia italiana dirigida por el joven y talentoso Franceso Sossai, es un trabajo ágil y estimulante que careciendo de historia en el sentido estricto de la palabra y con dos antihéroes maduros, simples, borrachuzos y sin más perspectiva que emborracharse una noche cuenta un relato de pérdida y esperanza con cierto poso amargo que a su manera resulta peculiarmente encantadora. Con estructura de road movie con Venecia y la región del Véneto como escenario y ecos de Jim Jarmusch y algún elemento de la comedia tradicional italiana, este filme mantiene en todo momento el interés del espectador gracias al más que eficaz trabajo de su trió protagonista.

Carlobianchi (Sergio Romano) y Doriano (Pierpaolo Capdovila) son dos hombres en horas bajas por sus problemas personales, desorientados y ambos con no demasiadas luces y no comprenden la desdicha que parece perseguirles en diferentes planos de la vida; como los Vladimir y Estragon de Esperando a Godot (muy buena esta conexión de Beckett con esta película), echan en falta a un tercer amigo cuyo destino parece incierto. En la Venecia donde residen emprenden una noche de ingesta de alcohol y decadente juerga, pero el encuentro con un joven y responsable estudiante de arquitectura, Giulio (Filippo Scotti) al que no dudan en hacer que se una a la pequeña comitiva, cambiará el discurrir de la jornada que se prolongará un día más en el tiempo y ya fuera de la capital, con el muchacho ya integrado en el grupito pese a su reticencia inicial. Los momentos cómicos contados a veces de manera un tanto amarga se combinan muy bien con otros más emotivos y al final llegamos a describir la verdadera personalidad de los personajes, menos estereotipados de lo que parecía al principio. En verano también se pueden ver buenas películas fuera de lo más estrictamente comercial y prueba de ello es esta película.

OBSESSION

 

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Ha sido la sensación en cuanto a últimos estrenos y la sorpresa en la taquilla de medio mundo. Esta pequeña producción independiente de terror que comienza psicológico y sobrenatural y deviene en típica película de sustos aunque con bastante más fundamento que las últimas producciones de este tipo esta dirigida por Curry Barker, un jovencísimo director (26 años) que debuta como director de largometrajes en celuloide tras haberse estrenado en youtube con Milk & Serial otro trabajo de terror más o menos juvenil- como la película que nos ocupa- cuya existencia es ya significativa de por donde andan las preferencias creativas y de formato de los nuevos creadores audiovisuales; el muchacho demuestra cualidades pero el peligro de encasillamiento en géneros y temáticas esta ahí. De esta Obsession se han hecho muchas alabanzas y quizás de una manera una tanto exagerada ya que el filme, bien rodado y con unas interpretaciones alucinantemente buenas de su joven pareja protagonista, se muestra irregular, más propenso a la sangre y al efectismo barato que a una trama psicológica inteligente- y mira que la premisa era interesante-, a veces ridículamente histriónica -tendencia demasiado frecuente en el terror actual- y poco estimulante para un público que quiera algo más de un filme de terror, incluidos seguidores acérrimos de este género. La trama, eso si, se sigue con sumo interés y el suspense se maneja con bastante maestría sobrando eso si bastantes tópicos del horror visual. Su mensaje de “cuidado con lo que deseas” esta bastante trillado, pero su curiosa advertencia del peligro de la obsesión en las relaciones (tóxicas) y la metáfora un tanto desquiciada que hace en el argumento de esta película es con mucho su aportación más original 

Un veinteañero reservado pero honesto y decidido, Bear (Michael Johnston) adquiere una rama de sauce mágica que al romperla puede formular un deseo, y su deseo es que su amiga y compañera de trabajo Nikki (Inde Navarrete) se enamore perdidamente de el. Su deseo se concede pero Nikki se convierte en un ser obsesivo, psicopático y violento que convierte la vida de Bear en un infierno. Hay demesiada sangre y gore innecesario en un filme que aunque con tono bizarro y semicaricaturesco en su vertiente de comedia (que la tiene y es de lo mejor del filme) consigue su propósito en cuanto establecer un mensaje sobre las relaciones. Sus momentos finales son de los más flojo del filme y al final lo que se prometía muy original termina cayendo en lo tópico. Dicen que se puede convertir en película de culto, pero tal vez se exagera bastante.