RUEGA POR NOSOTRAS

 

**** y 1/2

Daniel Monzón es uno de los directores que hoy en día marca la diferencia en el cine español y con este Ruega por Nosotras vuelve a firmar una gran película a la estela de Celda 211 (2009) o El Niño (2014), sus obras maestras. El acercamiento a un oscuro episodio de la historia española contemporánea como es el de la existencia del Patronato de Protección de la Mujer, institución creada en 1941 bajo el régimen franquista a partir de una institución similar previa nacida a principios del siglo XX (y que duró increíblemente hasta 1985 una década después de la muerte de Franco), sirve para mostrar la crueldad extrema con la que aquél régimen dictatorial actuó contra ciertos colectivos- en este caso mujeres jóvenes supuestamente “descarriadas” y con “malos hábitos” y en realidad muchas ellas con pocos o ningún recurso y/o provenientes de familias desestructuradas- y el papel sumiso a la dictadura y represor que ejerció muchas veces la iglesia católica española en aquella época, además de, en definitiva, mostrar el difícil status y papel de la mujer aquellos años. Cine de denuncia histórica pero también,y claro está, un drama crudo y sin cuartel que el cineasta mallorquín logra elevar al máximo gracias a su pericia tanto en la recreación de ambientes como en la narración (guionazo total coescrito una vez más con Jorge Guerricaechevarría) y como en la dirección de actores. Uno de los mejores filmes españoles del año que casi seguramente tendrá su recompensa en los próximos Goya.

Este filme esta planteado prácticamente como un drama carcelario, con muchos elementos reconocibles de este tipo de cine (internos que se quieren fugar, diferentes tipologías de reclusos, guardianes indeseables, conflictos violentos, castigos salvajes) que Monzón ya toco de otra manera en Celda 211 pero que aquí aparecen de otra manera muy diferente con muchachas de entre 15 y 21 años encerradas en un reformatorio del patronato, regido por monjas, casi todas ellas en realidad víctimas de la incomprensión y de la falsa moral de la época. La protagonista de nuestra historia, Ana (Zoe Bonafonte, vista en El 47) es una chica de 19 años de buena familia barcelonesa que en 1974 es enviada por su rígido padre (Xavi Saéz) a un centro del Patronato de la Mujer por sus salidas nocturnas y por haber tenido relaciones sexuales con su novio. Su fuga a los pocos días y su regreso al hogar familiar aumentarán en sus católicos progenitores la vergüenza al que dirán y se verá de nuevo interna en un centro de la provincia de Madrid de reclusión aún más severa donde se reencontrará con Sole (Manuela Calle) una chavala que conoció en el centro de Barcelona con más calle y vivacidad, y entablará amistad con otras adolescentes y veinteañeras. Durante dos años -de 1974 a 1976, es decir desde el ocaso del franquismo hasta el comienzo de la transición- Ana y sus compañeras vivirán un infierno kafkiano en un ambiente opresor y malsano y no muy cristiano en sus valores precisamente, pese a estar regido por religiosas: aquí la figura de las ordenes religiosas dedicadas a ese tipo de cometidos no sale muy mal parada y el retrato es despiadado pero por desgracia históricamente certero. Aquí conviene destacar el espectacular papel que encarna esa estupenda actriz que es Adelfa Calvo en el papel de una desagradable y déspota madre superiora que se convierte en la némesis de Ana: una auténtica robaescenas que ene este filme tiene escenas memorables- especialmente en las que interactúa con Zoe Bonafonte o en las que el personaje trata de imponer su autoridad- que puede que se lleve su (segundo) Goya a mejor actriz de reparto.

Una ambientación de época de diez en donde destaca un vestuario muy elaborado y una puesta en escena muy cuidada en donde las escenas del reformatorio y ss estancias están representadas de manera tan funcional y palpable -casi uno se puede hacer un mapa del edificio- como inquietante gracias a un excelente manejo de la atmósfera entre cercana al thriller, conforman que esta es un película de muchos kilates cuyo regusto amargo, no exento de esperanza, que le queda al espectador es señal inequívoca de que el filme ha logrado su objetivo. Las jóvenes actrices, las cuales llevan el peso del filme, hacen un trabajo excelente en donde Zoe Bonafonte destaca con su personaje central paradigmático de todo lo que podía representar ser una joven de 19 años con un mínimo de rebeldía aún en los compases finales del régimen franquista y del castigo que le podía llegar a suponer y cuya evolución en la institución se antojaba clave para su supervivencia. Una excelente película áltamente recomendable que bien podría ser vista por muchos/as jóvenes para que conozcan lo que ocurrió en un pasado no tan lejano y para que no se vuelva a repetir.

ESTA SOLEDAD

 

*** y 1/2

Muy buen debut en la dirección de largometraje del vizcaino David Giner, un realizador forjado en la televisión (Yo adicto) que ha escogido el drama psicológico como punto de partida de su ópera prima pero sin que este sea ningún drama convencional ya que se estamos ante una obra muy áspera y puesta al límite con dos protagonistas ambos tal vez en el momento más bajo de sus vidas (en pequeña parte debido a su fallida relación sentimental) indecisos y desnortados ante la toma de unas decisiones trascendentales que podrían cambiar (para mejor o para peor) sus situaciones. Se recupera el drama suburbano en su vertiente más naturalista y un tanto desagradable con el escenario de la margen izquierda del Nervión en Bizkaia (y el Gran Bilbao en general) como telón de fondo aprovechando las zonas más degradadas de dicha comarca- que aún quedan- y convirtiéndose en una metáfora de la vida y de las cuitas de Leo (Oriol Plá) y Lorea (Marina Salas), dos treintañeros a los que la suerte les ha esquivado.

En realidad las historias de Leo y Lorea se cuentan por separado con escasas concomitancias entre ambas, aunque queda claro que se trata de un mismo relato o mejor dicho dos avatares de una misma historia, que tal vez comenzó en su manera más acentuada por su fracaso como pareja. Como buena historia psicológica el espectador llega a meterse en la piel de los protagonistas y empatiza con ellos. El factor familiar es clave en ambos y sus historias en ese aspecto están muy bien narradas y presentadas y sus respectivas disfuncionalidades constituyen lo más jugoso y logrado a nivel dramático de la historia: un actor que trabaja en un supermercado que tiene que ocuparse intermitentemente de su padre enfermo con una madre ausente y que de repente recibe una inesperada noticia relacionada con su progenitora y una mujer joven ambiciosa aspirante a escritora y ensayista con un largo recorrido de crisis personales y marcada también por el divorcio de sus padres. El intento por retomar el vuelo será difícil por la mochila emocional de ambos, pero tanto él como ella lo intentan. Las interpretaciones de Plá y Salas están a la altura de las circunstancias y les secunda un reparto solvente donde destaca el descubrimiento de la en realidad ya veterana y forjada en el teatro Gemma Martínez como Irati, la nueva amiga de Lorea en su renovada andadura vital, una ex reclusa que recuerda a la j joven que siempre se puede estar peor y el músico navarro transgénero Kai Etxaniz en su interesante debut interpretativo. Para todos aquellos que quieran ver un drama emocional competente e inteligente.

LEONES EN INVIERNO

 

*** y 1/2

¿Tiene el ser humano una congénita fascinación por el mal? Esta es la pregunta que parece hacerse esta película, un thriller-drama noir con elementos de acción en donde la venganza y la violencia presiden una historia de que en primera instancia parece dejar un mensaje poco reconfortante sobre la condición humana. Basada en una novela de Carlos Augusto Casas, Leones en Invierno funciona muy bien como cine de género de sabor ibérico aplicando la receta de muchos thrillers y filmes de cine negro españoles de los últimos, es decir, planteamientos genuinos del género negro internacional (y especialmente, claro está, del anglosajón) atravesados por la idiosincrasia y la realidad social españolas, jugada que esta película maneja con maestría.. Albert Pintó se desenvuelve muy bien en un trabajo más centrado en los actores y en sus disfuncionales personajes -y haciendo casi todos unas interpretaciones de aúpa- la mayor parte condicionados por el odio, la corrupción y la violencia y en donde el estudio psicológico y antropológico del origen de la violencia tiene peso principal en todo el devenir de la historia. Nocturna, cruda y urbana y con no pocas escenas truculentas y sanguinolentas, la peli no deja descanso al espectador en cuanto a drama descarnado, intriga y en cierta medida, horror, con un ritmo narrativo muy bien manejado en cuanto a tiempos pero con un devenir en al trama a veces poco creíble.

Juntar en una misma película a tres de los mejores actores de carácter de la escena española actual como son Luis Zahera, Roberto Álamo y Jordi Mollá es ya de por si un pasote y la experiencia se ha saldado con total éxito. Alejandro Hidalgo, el personaje interpretado con una total solvencia por Zahera- cada vez es mejor actor el gallego- un padre de familia de cerca de 60 años experimenta el fallecimiento por atropello de su hija adolescente, barrida por un deportivo de alta gama al perecer propiedad de un narcotraficante. Un silencio en la investigación policial, debido a que el conductor era un policia infiltrado en el submundo del narcotráfico (José Manuel Poga), enerva a Alejandro que con la ayuda de un amigo policía de dudosa catadura moral, Salva (Roberto Álamo) y un excolega yonki con contactos en ese mundillo, Joaquín (Luis Callejo) decide investigar y dar con el asesino de su hija, un poli que le ha cogido demasiado gusto a esto de la delincuencia. Un sórdido mundo de policías corruptos, soplones sin escrúpulos, propietarios de negocios dudosos y sicarios de distinta índole dispuestos a hacer de todo desfila ante nosotros en contraste con situaciones más amables como periodistas queriendo conocer la verdad y gente dispuesta a colaborar con víctimas, un combate en donde al final al fuerza saldrá ganando. Lo peor es que Hidalgo y sus amigos se reencuentran en esta situación con el recuerdo de algo terrible de su pasado y que ha hecho despertar en el despechado padre unos instintos que el había creído reprimir y controlar: un reencuentro monstruoso y escalofriante que Zahera representa y plasma de una manera alucinante (tal vez tengamos un Goya a la vista). Como hemos dichos antes, el reparto coral está de diez, interviniendo además de los citados Inma Cuesta como la decidida - y opuesta a su marido- esposa del protagonista, Ana Wagener, Antonio Durán “Morris”, Irene Escolar y la joven María Romanillos. Una pena que la trama tenga tantos personajes pululando de aquí para allá, se pierdan algunos que podían haber tenido más jugo como el de la periodista y que la historia sea a veces una tela de araña un poco liosa que para colmo en sus minutos finales plantee situaciones un tanto forzadas y que empañan algunas de las virtudes que hasta el momento había presentado el film. Pero nada puede quitar a Leones en Inverno de ser una muy buena película y una muestra de como el cine español va evolucionando de una manera muy convincente. Ojalá que la situación se siga manteniendo si nadie lo impide en los años venideros.

TIEMPOS DE ILUSIÓN (JUSTE UNE ILLUSION)

 

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La nostalgia sigue funcionando muy bien en el cine, pero al ser a veces un material tan maleable y tramposo conviene aproximarse a él dentro del séptimo arte y la ficción audiovisual en general desde la honestidad, el buen hacer y el talento. Y de esto último tiene bastante el tandem de directores francés formado por Oliver Nakache y Eric Toledano, cineastas que manejan muy inteligentemente la comedia comercial - como ya demostraron en la ya clásica Intocable (2011)- y que ahora ofrecen una estimulante cinta dentro del género que desde la perspectiva de una historia de maduración ambientada en 1986 consiguen un trabajo estimulante, divertido, con diferentes capas (crítica sociohistórica, historia adolescente, costumbrismo genuinamente francés) que funciona como un genial todo y siempre desde la perspectiva de homenaje a una época, la década de los 80 del siglo XX, en la que el auge del estado de bienestar y los cambios sociales y políticos en occidente marcaron a una generación nacida a finales de los 60 y principios de los 70, en la cual los dos cineastas se encuentran.

Juste une Illusion posiblemente diga más al espectador francés que al de otros países por su realismo costumbrista muy centrado en la realidad del país galo en los 80, pero muchos elementos resultan familiares a cualquier espectador europeo (los conflictos familiares, el desempleo de la época, los cambios en el rol de la mujer, el principio del aceleramiento a la aproximación a la sexualidad que supuso al industria del cine porno) además de fijar ciertos planteamientos en el cine juvenil norteamericano de los 80 (John Hugues, algunas producciones de Spielberg) que llevarán al recuerdo a un público de cierta edad. El protagonista, Vincent (Simon Bouhbill) un chaval a punto de cumplir 13 años comienza a hacerse las preguntas propias de la llegada a la adolescencia, empieza a ver a sus padres (los siempre eficientes Luis Garrell y Camille Cottin encarnando a una pareja entrañablemente descacharrante) como dos seres más vulnerables e inseguros de lo que él creía, empieza a tener tiene conflictos con su hermano mayor (Alexis Rosenthiel) y descubre el amor de una manera más bien torpe con su compañera de clase Karinne (Jeanne Lamartine): parecen tópicos de este tipo de comedia pero aquí todo funciona de una manera lúcida y original con abundantes momentos hilarantes, otros más bien serios y no pocos instantes de ternura. El origen judío de la familia protagonista (enmarcado dentro de un subrayado de la multiculturalidad francesa que en aquella época empezaba a florecer) funciona aquí como dispensador de momentos hilarantes donde la sombra de Woody Allen es veces perceptible.

La ambientación en los ochenta esta muy bien conseguida, con todo cuidado al mínimo sobre todo en lo tocante al ambiente y la decoración doméstica- en realidad pocos exteriores aparecen en este filme- y como era de esperar en filmes de este tipo la música cumple un papel fundamental con una BSO que incluye temas de Joy Division, Alan Parson´s Project, Toto, The Cure o Imagination (su hit más recordado da título original a la película). Y además a un homenaje a todo un clásico popular del cine francés como Un homme et une femme (1966) y a su entrañable banda sonora obra de Francis Lai. Película bonita de ver que sin muchas pretensiones consigue hacer pasar un rato más que agradable.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (SENSE AND SESIBILITY)

 

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La novela de Jane Austen de 1811 vuelve a las pantallas con una adaptación que no resultará tan comercial como la que firmó Ang Lee en 1995 pero que consigue ser una película muy disfrutable. Con una directora joven (Georgia Oakley) y un reparto sin caras muy conocidas pero con una cuidada ambientación mucho más verista que otras pretendidamente glamourosas revisitaciones de principios del siglo XIX y un buen sentido de la narración, esta Sense and Sensibility no pasará a los anales del cine pero cumple con creces su función de ofrecer un adaptación más o menos fidedigna y sin muchos artificios. Rodada en atractivos entornos rurales ingleses y con un vestuario y atrezzo cuidados al más mínimo detalle al más puro estilo británico dentro del cine de época, la película consigue aportar a la historia original un tono algo más áspero y dramático pero de una manera más comedida. Esta claro que trata de ser una película de personajes en donde los conflictos sentimentales de las hermanas Dashwood se interfieren e influyen en todos los que les rodean. La emocionalidad de Elinor y Marianne aquí aparece de forma más expresiva pero también más reflexiva y sensata,en conexion con los sentimientos de las mujeres en el siglo XXI. No es una: en ese sentido, conviene decir que no se trata de una revisión o reinterpretación actual de la novela original en sus sentido estricto, sino de una oportuna y muy bien llevada puesta al día desde el plano psicológico.

El papel de las mujeres jóvenes en la Inglaterra del siglo XIX (y en realidad en todo el mundo en aquella época) es el motor de este relato en donde las jóvenes hermanas deben de lidiar con los errores y la falta de escrúpulos de sus pretendientes, quienes siguiendo fielmente su rol masculino de la época no dudan en despreciar y engañar a sus prometidas, una s mujeres que creían amar y haber sido amadas. Como era de esperar ene ste tipo de producciones, las interpretaciones son excelentes destacando Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood, Esmé Creed-Miles como su hermana Marianne, Frank Dillane como John Willoughby y George McKay como Edward Ferrars. Imágenes pictóricas costumbristas muy vistosas enaltecen una película de agradable visión y que pone de manifiesto que hay ciertas literarias que no morirán nunca

NAZA

 

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Un documental breve, conciso, muy directo, desnudo e incómodo. Su nacionalidad, israelí por nacionalidad de sus directores aunque británica en cuanto a su financiación, y su tema, el papel de los soldados del ejército de dicho país en el genocidio de Gaza, entrevistados por uno de los directores de la película (los responsables son Yuval Abraham y Rachel Szor). Es decir, tenemos ante nosotros el testimonio de muchas de las estrategias de muerte y aniquilación hacia el pueblo palestino (y no solo de Hamas) narradas por sus propios protagonistas, obviamente hablando de manera anónima, con el rostro oscurecido (el documental se ha grabado de noche) y con la voz modificada. Sus directores ya han tenido problemas con las autoridades gubernamentales israelíes como fácil es suponerse. La ciudad de Tel Aviv, nocturna y repleta de luces, parece un decorado inquietante a veces cuando oímos los estremecedores relatos de barbarie y sinrazón contados por los militares de manera inquietantemente ligera en ocasiones o rutinaria, la megalópolis de Blade Runner con unos Roy Batty narrándonos aquello “he visto cosas que vosotros no creeríais”. Esta vez todo es real y ahora gracias a esta película, tenemos material para pensar, reflexionar y lamentarnos- una vez más- de las miserias de la condición humana.

Como película de no ficción, puede que Naza desde el plano estrictamente cinematográfico no sea una gran obra dentro de su género, pero resulta un filme de visión necesaria y un documento de incalculable valor desde el punto de vista periodístico y también desde el punto de vista humanista y pacifista. Es una denuncia, pero también un aviso a lo que ocurre cuando la intolerancia y la ambición ciegan cualquier atisbo de humanidad. Por desgracia, el conflicto Israel-Palestina es algo muy vejo y de difícil solución, pero nunca sobra cualquier nueva condena a la “política” de Israel contra Palestina. Bien estructurado, eso si, secuenciado y montado, Naza es un filme que cumple su función y su sola y valiente existencia se agradece.

EL MAL HIJO

 

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Un debut prometedor y un filme muy hábil e inteligente que de nuevo explora las múltiples posibilidades del cine de género (en este caso el thriller aunque principalmente este filme sea un drama social y familiar) en el panorama cinematográfico español. El actor Jaime Lorente debuta en la dirección con buena nota en una historia áspera y veces incómoda que trata de resaltar la dificultad de muchas personas de salir de entornos sociales, familiares y económicos desfavorecedores sobre todo cuando se meten en una espiral de delincuencia y vida al margen de la ley. La sombra del a veces demasiado mitificado cine quinqui español planea contemporaneizada en un relato ambientado en dos épocas diferentes (principios de los 2000 y él moento actual) en el cual vemos la difícil y a veces penosa evolución personal de su joven protagonista, Rubén (Hugo Arbúes), un muchacho a la que la ausencia de su padre (Miguel Ángel Puro), desparecido cuando este era un niño y metido en turbios asuntos, le terminará descolocando aún más partiendo de una ya de por si situación familiar y económica límite. La convivencia con su abuela (Susi Sánchez), su ser de referencia a partir del abandono paterno y un ser sensato pero condicionado por la pobreza de su entorno, será el principal punto de apoyo y la motivación vital del joven protagonista, pero Rubén no podrá evitar meterse en varios apuros.

La vertiente de cine social verista y naturalista enaltecida con una cuidada ambientación y una soberbia presentación de los submundos de la precariedad de la España profunda, el mundo de los trapicheos y las pequeñas mafias criminales y sobre todo la soberbia plasmación de las relaciones familiares complejas- por un lado padre-hijo, por otro abuela-nieto y por otro familiar conflictiva- miembro con ganas de diferenciarse de sus parientes-. La sombra de Ken Loach se percibe a ratos y aunque en momentos la película parece apostar por el thriller está claro que el componente social (y personal) es el dominante en el filme. Es cierto que el metraje no siempre logra mantener la tensión y el interés y que en los momentos finales el ritmo decae algo, pero la película consigue lo que promete. Interesantes interpretaciones- especialmente la de la siempre efectiva Susi Sánchez- y una buena dirección de actores. Filme muy trabajado que esperemos que no pase (injustamente) desapercibido por las salas.

WHALEFALL

 

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No ha casado nada mal una historia de supervivencia épica con un drama familiar en una película dominada por los efectos especiales (en este caso e insólitamente en los tiempos que corren, prácticos); unos ingredientes (junto con el suspense) a priori dispares que han hecho surgir un filme más que aceptable. Basada en una novela de Daniel Kraus, Whalefall consigue ser una peli más que entretenida y desasosegante en sus dramáticas y alucinantes secuencias de supervivencia solitaria y aceptablemente convincente en sus momentos de drama. La lucha de Jay (Austin Abrams. un chaval de 18 años, por sobrevivir en uno de los estómagos de un enorme cachalote tras ser tragado por el animal en una inmersión submarina y por lograr salir a la superficie antes de ser deglutido, es lo que básicamente vemos en el filme en lo que es toda una epopeya por salir con vida en un espacio y una situación increíbles e impensables para cualquier ser humano. Pero Jay, con poco oxígeno en sus bombonas de submarinismo, cansado, desesperado y muy mal herido se ha encontrado con esto tras tomar una arriesgada y para él vital decisión: buscar en el mar los restos de su padre (Josh Brolin) un experimentado marino fallecido un año atrás tras arrojarse en el mar por su desesperación ante su enfermedad terminal.

Los dos planos en los que funciona la película (el primero en el tiempo principal, el de la desesperada aventura de Jay en el cuerpo del cetáceo, y el segundo el de los flashbacks de la difícil convivencia del muchacho con su exigente y un tanto despótico padre) funcionan muy bien en su vertiente de metáforas de un mismo concepto, que es el del ansia por recuperar la esencia vital, el amor y la aceptación de una padre por una parte y la vida misma y el sentirse vivo por otra, conceptos mayormente superpuestos en toda la historia, notándose especialmente cuando nos damos cuenta que la lucha de Jay es principalmente la de recuperar a su padre, física e espiritualmente, algo a lo que responderá inesperadamente su jonasiana estancia en el interior del cachalote. Un guion muy bien escrito, la verdad, por el propio autor de la novela y el director Brian Duffield quien logra un trabajo bastante notable tras la cámara, aunque es cierto que el libreto en no pocas ocasiones cae en lo tópico sobre todo en algunas escenas familiares entre los dos actores protagonistas.

Mención aparte merecen todas las escenas en el interior de cachalote, rodadas en decorados construidos y con texturas gelatinosas emulando el interior de un cetáceo y con movimientos y palpitaciones logradas mayormente con mecanismos: es decir, a la antigua usanza de los 70 y 80 del siglo XX y todo perfectamente verista, aunque es cierto que ciertos momentos de esas secuencias pueden resultar poco creíbles. Eso si, al sensación de desesperación y la lucha sin cuartel del joven protagonista están muy bien conseguidas gracias al buen trabajo de Austin Abrams. Las sombras de Moby Dick y Pinocho, por supuesto, también pasan de refilón por esta película. Inteligente mixtura de entretenimiento y drama intenso que convencerá a diferentes públicos.

LA VIDA DE UNA MUJER (LA VIE D´UNE FEMME)

 

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La disección de la vida personal de una mujer y los cambios que esta va experimentando a partir de un momento dado es la base de esta inteligente película, un drama social-psicológico donde todo gira alrededor de su protagonista y las circunstancias de esta. Gabrielle (Léa Drucker), una reputada cirujana maxilofacial, parece tener éxito en su vida profesional y en su vida personal, casada en segundas nupcias desde hace tiempo, tampoco parecía irle mal hasta que su matrimonio comienza a irse a pique debido a desencuentros con su marido por la gestión familiar (especialmente con sus hijastros adultos), la relación con algún apreciado compañero de trabajo comienza a hacer aguas y como elemento más problemático debe lidiar con el alzheimer de su madre. Una teórica , exigente consigo misma y con quienes le rodean, que comienza por primera vez a sentirse vulnerable. La irrupción en su vida de una escritora (Mélanie Thierry) comienza a poner en su vida un inesperado cambio que unido a los otros hará por primera vez que su vida privada este en un plano más importante que la profesional.

La directora Charline Burgeois-Taquet ha apostado por una película de actriz, ya que Léa Drucker y su personaje es toda la película. La actriz lleva a cabo un trabajo encomiable dando vida a una mujer ciertamente altiva y ambiciosa cuyas dudas y miedos comienzan a aflorar inesperadamente y debe hacer frente a ellos finalmente agarrándose a una vía de escape con la que cree haber alcanzado la felicidad. Estructurada en once pequeñas partes que pretenden funcionar como capítulos temáticos sobre los diferentes avatares de la vida de Gabrielle, la película sabe manejar un costumbrismo muy creíble y al mismo tiempo logra transmitir toda la desazón interna y las dudas de su protagonista. Tal vez lo gélido de su narración no haga que el espectador logre conectarse al cien por cien con la historia, pero la cinta atesora buenos momentos y una total convicción en haber presentado efectivamente lo que pretende.