LA MUERTE DE ROBIN HOOD (THE DEATH OF ROBIN HOOD)

 

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Una pena que un ejercicio de revisión de un personaje tan significativo en la historia de la ficción occidental como Robin de Locksey, es decir, Robin Hood, haya salido tan irregular y deficiente pese a su más que interesante premisa -un Robin maduro, decadente y desposeido, retirado ya de sus andanzas que se presenta aquí como un antiguo asesino sin escrúpulos, que sufre internamente arrepentido de sus fechorías- y su muy llamativa factura visual que funde lo etnográfico con el naturalismo histórico y en definitiva una visión nada glamourosa y si totalmente desmitificadora. Michael Sarnoski, director y guionista que intenta abrirse camino como autor (Pig (2021), Un lugar tranquilo (2024)) si que presenta buenas credenciales en este filme y un buen hacer como creador de escenas, algo a lo que ayuda la excelente fotografía de este filme, pero sin embargo se muestra irregular y un tanto pretencioso como narrador llevando a esta revisión a los límites del sopor. Hugh Jackman como un barbudo y canosos Robin Hood si que se puede decir que está más que eficaz, pero su excelente trabajo interpretativo por desgracia no logra levantar todo la película

Gran parte de la narración la lleva el personaje de Robin con el de la Hermana Brigid (Jodie Comer), una joven y misterios abadesa residente en una iglesia casi en ruinas que cuida a un herido Hood tras un violento enfrentamiento: un personaje curioso pero insuficientemente explotado. Tambien aparece el fiel Little John, desencadenante de este último combate del forajido de Sherwood, interpretado por un cumplidor Bill Skarsgard, mientras que otros personajes van apareciendo sin provocar escesivo impacto. Pese a todo, resulta muy interesante toda la reflexión del personaje sobre su pasado, su figura y su leyenda- recordemos que en realidad Robin Hood fue una figura de ficción cuya historia fue adornada y embellecida sucesivamente por diferentes autores y tradiciones- otorgando buenos momentos con Huch Jackman como absoluto protagonista. El ya clásico Robin y Marian (1976) de Richard Lester sigue siendo la mejor visión de un Robin de Locksey crepuscular. Aunque no habría que restarle méritos a este filme, su resultado se antoja algo decepcionante e insuficiente.

DREAMS

 

** y1/2

Michel Franco se esfuerza por es el más internacional de los directores mexicanos surgidos en este siglo, pero en sus últimas películas, rodadas en inglés y con repartos internacionales, no se le ve tan cómodo y este último filme suyo, Dreams, que trata de ser una denuncia a la política migratoria de EEUU en clave de melodrama psicológico, no termina de ser convincente pese a sus buenas intenciones argumentales y su fuerza dramática servida principalmente por la estrella de la función, Jessica Chastain, que repite con el cineasta tras la interesante Memory. Rondada en USA y en México,la película presenta la relación imposible entre una rica empresaria y filántropa de san Francisco, Jennifer (Chastain) y Fernando (Isaac Rodríguez) un joven bailarín mexicano que vuelve a EEUU ilegalmente tras haber sido deportado años atrás y devuelto a Mexico, reencontrándose con Jessica. Una estadounidense rica y con aspiraciones de un aún mayor ascenso social y un latinoamericano pobre, sin apenas recursos pero que desea triunfar en lo suyo, la danza, buscando también a su manera ascenso social parecen y realmente son dos personas contrapuestas, pero la extraña relación entre ellos, más pasional y sexual que amorosa, parece querer derribar todas las barreras, pero el asunto no llega a ser como parece: Obviamente Jennifer no se encuentra cómoda ayudando y dando cobijo al emigrante ilegal Fernando por todos los problemas que puede causarla y por mantener su estatus dentro de la América del MAGA y ciertos acontecimientos no tardarán en producirse.

Aunque la película plantea bien el dilema moral de un personaje como el de Jennifer dentro de un universo mental bastante caótico en lo que a su relación con Fernando se refiere, y en esto ayuda el estupendo trabajo de una Jessica Chastain que demuestra que sabe hacer suyos los papeles de mujeres desconcertantes y contradictorias, el estilo narrativo es muy poco claro y parsimonioso haciendo imposible que lleguemos a captar el verdadero drama de su protagonistas, en especial el del bailarín, que pase al buen trabajo de Isaac Rodríguez podemos decir que el personaje no se encuntra aprovechado al cien por cien. El drama migratorio en EEUU aparece también de manera muy esquemática pero clara en su denuncia, aunque aquí en realidad importe más el drama personal que una historia con tinte social. Con bastante sexo más o menos explícito y unos momentos finales que parecen querer meterse en el thriller de una manera muy poco convincente, el filme termina siendo en ocasiones una pequeña mezcla no muy bien llevada de géneros. Una ocasión desaprovechada para hacer una buena película sobre un tema candente.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (DISCLOSURE DAY)

 

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De nuevo, expectación ante un filme de Steven Spielberg. El ya casi octogenario director, desde hace tiempo sin nada que demostrar ya, tenía un renovado punto de interés en esta su nueva película, y no era otro que su regreso al cine d extraterrestres, algo que remite irremediablemente a clásicos inmortales suyos como Encuentros en la Tercera Fase (1977) o E.T el Extraterrestre (1982). Es el primer filme el que a priori tiene mayor conexión con Disclosure Day con el tema de los avistamientos de ovnis, el contacto con seres extraterrestres, las maquinaciones gubernamentales por ocultar archivos ovni y un trabajo de documentación real tanto en archivos desclasificados, noticias, testimonios, imágenes y también algunas teorías; pero si en aquella irrepetible ocasión Spielberg salió triunfante y mucho con su grito de “no estamos solos” y su mensaje de concordia y entendimiento (también entre diferentes planetas) en una época en la que estas temáticas y su interés estaban casi en pañales, esta vez en plena era de internet, IA, redes sociales y teorías conspiratorias varias y sobre todo después que haya habido miles y miles de obras similares (en cine, literatura, televisión) en el terreno de la ficción y también en el documental, la cosa se percibe de una manera diferente: menos sorprendente y casi reiterativa en algunos aspectos. Así, este filme solo llega a ser una correcta obra de ciencia ficción -con su mensaje- que se sigue con interés y que atesora algún muy buen momento pero que en general no llega a ser ningún filme memorable ni tan siquiera equiparable en cuanto a calidad a algunos de los últimos Spielberg, como podría ser Los Fabelman, el remake de West Side Story, Los Papeles del Pentágono o El Puente de los Espías. Eso si, se nota la mano m,maestra de un gran director veterano que aún conserva ideas, vigor cinematográfico y sigue siendo un eminente narrador.

El guion que firma el un tanto sobrevalorado David Koepp a partir de un argumento del propio Spielberg, es interesante pero sin verdaderas aristas; en realidad se apuesta más por el thriller y el cine de espionaje que por la ci-fi y esto a veces ayuda al filme a la hora de mantener tensión y pulso narrativo pero otras veces resulta predecible y escaso. No hay nada que reprochar a la puesta en escena -grandiosa en el más puro Spielberg-, a lo bien invertido que está el presupuesto o a los efectos especiales, pero hay una sensación constante de no llegar a cotas más convincentes. Dos personajes centrales, Margaret Fairchild (Emily Blunt) una periodista y mujer del tiempo televisiva que repentinamente obtiene el don de leer el pensamiento, entender cualquier idioma y que sin ser ella consciente transmite un buen día ante las cámaras el mensaje de seres extraterrestres en su extraño idioma y Daniel Kelner (Josh O´Connor) un experto en ciberseguridad que trabaja secretamente para una misteriosa organización que trata de descubrir y rebelar archivos secretos sobre encuentros con alienígenas, son los que levan el peso de una historia en donde hay artefactos extraños que contiene información privilegiada, animales que transmiten habilidades a los humanos, una corporación secreta del gobierno USA poseedora de evidencias de vistas y contactos con seres extraterrestres- y de la que se ha escindido otra rebelde y aún más secreta- y un mensaje de que la humanidad tiene derecho a saber ciertas cosas y que muchos opinan que aún no estamos preparados. Y bueno, además algunas escenas de acción y persecuciones que no aportan nada aunque están muy bien rodadas e incluso remiten al auto homenaje de la serie Indiana Jones. Los momentos finales son tal vez los mas logrados e interesantes del filme y allí si que nos encontramos con aquel espíritu de cine evasión pero con sustancia del Steven Spielberg de los 80, aunque al final al veterano cineasta se le va la mano con sus a veces un tanto edulcorados golpes de efecto.

Disclosure Day no pasará a los anales de las mejores películas de Spielberg, pero es muy grato este regreso del director a una de las temáticas que tan buenos resultados le han dado. Todo lo que ha hecho hasta ahora, tanto como director como productor, algún día se pondrá mas en valor y su kegado se podrá apreciar aún más si cabe.

IVAN & HADOUM

 

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Una más que prometedora ópera prima que muestra como el cine español aún puede deparar pequeñas sorpresas. Ian de la Rosa, realizador andaluz, debuta en el largo con este drama social con algún tinte autobiográfico del propio cineasta que consiguió el Premio especial y la Biznaga de Plata al mejor guion en el Festival de Málaga. Una historia ambientada en la árida Almería y protagonizada por jóvenes trabajadores de un invernadero industrial en donde las aspiraciones de cambio en un entorno modesto y hostil, la lealtad, las relaciones familiares y una historia de amor más o menos difícil que va aglutinando todo el relato, son los elementos esenciales del filme. Si a ello sumamos el insólito trasfondo de la relación entre los dos protagonistas, Iván (Silver Chicón), un muchacho trans, y Hadoum (Herminia Loh), una joven hispano-marroquí, tenemos una historia que a priori resulta muy interesante y de hecho sabe aprovechar todas sus de bazas. Entre Ken Loach y un spagetti western (es que estamos en Almería, claro) con algún elemento, por que no, sheakespeariano - Iván y Hadoum serían unos contemporáneos Romeo y Julieta- el filme sabe ser interesante, conmover y hacer pensar con un muy logrado estilo narrativo, una excelente dirección de (desconocidos) actores, un elaborado estilo realista y casi documental - los diálogos fueron casi improvisados- y una total credibilidad para contar una historia cotidiana pero no exenta de elemento epopéyico, amargo y dramático. Un debut más que interesante el de de la Rosa.

La experiencia del propio director como almeriense, de familia modesta y también persona trans se ha antojado fundamental a la hora de dotar a este film de su impronta naturalista y honesta. Los dilemas de Iván, que de carretillero se convierte por fin en encargado de planta para así obtener más ingresos para su familia - vive junto con su madre viuda, su hermana, y sus sobrinos en una modesta vivienda- al iniciar una relación con la trabajadora Hadoum en un momento en que ella y otras compañeras pueden perder su empleo, empiezan a pesarle decisivamente hasta hacerle reflexionar sobre si realmente se está convirtiendo en la persona que quería ser y que en parte tanto le había costado. La historia amorosa, cargada de sensualidad, exploración de una nueva sexualidad, intensidad y fidelidad – las escenas de amor y de sexo, muy bien rodados, son claves y simbólicas- , también irá moldeando la situación personal de los dos protagonistas en un trasfondo de rechazo e incomprensión desde varias instancias. Hay que mencionar también que los múltiples matices de esta historia no hubiesen sido posible sin la labor de todo el reparto, que rezuma naturalidad y espontaneidad por los cuatro costados, en especial sus dos primerizos actores protagonistas. El nuevo cine español sigue dando buenas noticias.

EL DRAMA (THE DRAMA)

 

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Comedia ácida y algo negra, The Drama trata de ser una película ligeramente diferente con su propuesta aparentemente transgresora pero en realidad sin salirse mucho de las coordenadas de una comedia romántica convencional -incluyendo el protagonismo de dos jóvenes interpretes bien conocidos- y con ello intentando captar el más amplio público posible. Con cierta crítica social y un componente psicológico muy logrado y con una sana e irónica mala uva, todo tocando tangencialmente ciertos aspectos de la vida moderna y de las relaciones de pareja, este filme divierte, a ratos se sigue con mucho interés pero a fin de cuentas tampoco supone ninguna obra maestra ni una pieza demasiado valiente ni atrevida, y es que en realidad no es cine indie, pero intenta parecer serlo. Más bien una comedia de actores, el principal acierto es un reparto eficaz donde brillan una de las actrices del momento, Zedaya, en un papel diferente a lo que ha hecho hasta el momento, un woodyallenesco Robert Pattinson, una muy convincente Alana Haim (la inolvidable coprotagonista de Licorice Pizza) y la revelación de Mamoudou Athie.

Una pareja a punto de casarse -tras mostrarnos la película el momento en que se conocieron y ciertos aspectos de su pasado- se encuentra en una delicada situación cuando un aspecto secreto de la adolescencia de ella, Emma (Zedaya), una joven aparentemente dulce, responsable y culta, sale a la luz ante la incredulidad de su prometido, Charlie (Pattinson) y sus amigos. Es entonces cuando Charlie comienza a ver a Emma con otros ojos sin saber a que carta quedarse y luchando con sus sentimientos , mientras que Emma intenta llevar la situación lo mejor posible hasta el día de la boda, pero ¿será posible que esto se mantenga durante un largo tiempo?. La película atesora buenos diálogos, momentos muy ingeniosos y lúcidos, pero otros instantes se antojan tediosos y rutinarios. Su condición de comedia urbana y de crítica costumbrista, eso si, juegan en favor de este filme y los instantes finales son de lo mejor del metraje. No arriesga como comedia negra ni tampoco mucho como película fuera de lo más estrictamente comercial, pero sin embargo se deja ver y divierte bastante, lo cual es un logro.

REBUILDING

 

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El cine independiente estadounidense sigue encontrando un filón inagotable en la temática llamada Americana, una exploración de la cultura, la historia, el lore y la geografía estadounidense que muchas veces- y sobre todo en el cine- converge con el western y hace inevitable no solo la cita a John Ford sino a John Steinbeck, Walt Withman, Mark Twain, Bob Dylan o Bruce Springsteen. La Norteamérica profunda tiende también a aparecer mostrando el lado oscuro del sueño americano, tal y como ocurre con este magnífico filme dirigido por Max Walker-Silverman, un realizador al que habrá que tener en cuenta, y que recurriendo a los elementos antes citados logra narrar un pequeña epopeya de la clase baja estadounidense en forma de drama trabajado y honesto que convence y conmueve. Un canto a la esperanza, la reinvención, la lucha, los seres queridos, la amistad y las relaciones familiares que triunfa en todos sus propósitos y que deja un más que positivo sabor de boca pese a todos los infortunios que muestra.

Dusty (Josh O´Connor) un vaquero divorciado con un hija pequeña sufre la pérdida de su granja y de su rancho tras un pavoroso incendio forestal que también afecta a otros vecinos. Con una relación difícil con su exmujer Ruby (Meghann Fahy) y dispuesto a reconquistar a su hija, la pequeña Callie-Rose (Lily LaTorre). Dusty trata de superar su extrema situación trasladándose a un asentamiento de caravanas junto con otras personas que han tenido su misma mala suerte. Volver a empezar desde el principio, sin nada, es algo muy amargo pero el protagonista no se rendirá pese a los numeroso obstáculos con que él y su gente se encontrarán. Una historia muy bien contada enaltecida por una brillante fotografía al aire libre con un crepuscular oeste americano en todo su (decadente) esplendor y unos personajes entrañables en sus roles de perdedores con esperanzas. Josh O´Connor, actor británico de moda, esta muy creíble en su rol de norteamericano rural (en VO se nota su enorme esfuerzo en calcar el acento del west americano) y logra una interpretación emocionante y muy matizada, bien secundado por un reparto que hacen suyos sus papeles de hijos olvidados del American Dream, mencionando especialmente a la joven Lily LaTorre), una muestra de la inocencia de la infancia y la esperanza como muro de contención ante las situaciones más negativas y la veterana y últimamente redescubierta Amy Madigan, como la suegra del protagonista, el elemento de serenidad y experiencia que la historia requería. Un filme sensible, grandioso en su sencillez y muy efectivo que entusiasmará tanto a los aficionados al cine clásico como a los degustadores de películas con mensaje.

CORREDORA

 

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Tocando temas duros e incómodos, esta película es consciente de ello y de que tiene algo que contar y lanzar un mensaje y en ese sentido cumple con creces su propósito. Laura García Alonso, joven directora catalana, ha debutado con muy buen tino con este filme que desde el cine deportivo se adentra en drama psicológico en una inmersión muy certera y sincera sobre la salud mental de los deportistas de élite y la fragilidad de estos. La protagonista, Cristina (una excelente Alba Sáez), una chica de 20 años atleta velocista de brillante trayectoria y prometedor futuro llega al brote psicótico a causa de su autoexigencia y de su meticulosidad, hecho que parece en principio cambiar la percepción de si misma y de su carrera deportiva, pero en su propia cabeza las cosas no funcionan de manera tan sencilla y sus propios fantasmas amenazarán con volver a aparecer. Una personalidad muy compleja la de la protagonista, marcada por su deseo de ser siempre la mejor, la difícil relación por diversos motivos con su familia, y posiblemente algún oscuro aspecto que no el espectador no logra saber del todo pero que puede intuirse.

En su vertiente de drama sin concesiones, es muy interesante como se plantea la relación de Cristina con su familia: aunque tanto su padre viudo y casado en segundas nupcias (Alex Brendemühl) como su hermana (Marina Salas) tratan de ayudarla, siempre hay algún impedimento y elemento discordante, causado por Cristina generalmente, que hace que la tarea no sea fácil, con una sensación de impotencia muy bien captada en el filme. El mito de la autosuperación en el deporte aparece en esta historia en su lado más cruel en un filme que casi se acerca al terror psicológico y que diferentes escenas aparentemente catárquicas atenúan en un buen ejercicio narrativo. Muy recomendable para el público joven, de nuevo nos encontramos con un debut honesto y prometedor.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO (NUJUM ALÁMAL W AL’AMAL)

 

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Una muestra de cine hecho en países árabes, concretamente en Líbano, zona en donde con voluntad y talento se esta desarrollando cierta industria cinematográfica que ya ha dado algún título memorable en el los últimos años (Cafarnaum, 2019) y que con este estupendo nuevo filme esta reclamando un sitio en el panorama internacional: un drama con una curiosa historia de amor como telón de fondo, historia esta que transcurre en un largo periodo temporal y que está condicionada por la realidad de Líbano y sus circunstancias bélicas, económicas y sociales, siempre con un tono lírico y simbolista de corte intimista que hace del relato una crónica universal fuera de cualquier coordenado espaciotemporal. Premiada en Venecia con el Premio del público, esta película logra ser un trabajo sólido y muy agradable de ver dirigido con tino por el debutante en el largo Cyril Aris, un cineasta que apunta muchas maneras.

Nino (Hassan Akil) y Yasmina (Mounia Aki) son la pareja protagonista, dos jóvenes representantes del nuevo Líbano, ella una ejecutiva brillante pero al mismo tiempo una mujer sensible y decidida que trata de ascender en un país que también trata de buscar su desarrollo en un contexto hostil, y él un pequeño empresario hostelero que busca salir de la semipobreza pero también un ser ansioso de encontrar la felicidad en algo más que al rutina diaria. Ambos están marcados por sucesos traumáticos de su infancia de alguna manera relacionados con el sino histórico del Líbano y aunque se conocieron de pequeños en su edad escolar y llegaron a compartir curiosos secretos, perideron después el contacto y un hecho fortuito y absurdo provocará su reencuentro y las esperanzas de una vida en común. Con una combinación de momentos delicados, costumbrismo, imágenes poéticas y melodrama, la película logra en todo momento mantener con interés al espectador y hacerle partícipe de una historia que por momentos no parece ser tan feliz como sus protagonistas esperaban, pero que siempre resulta grata. La universalidad del mensaje logra hacer un filme que borra cualquier barrera cultural- aunque las circunstancias actuales de Líbano la han convertido en una sociedad muy occidentalizada, para bien y para mal- y que se alza como un trabajo sugerente y muy recomendable.

LA ISLA DE AMRUM (AMRUM)

 

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Esta sugerente y en muchos momentos fascinante producción germana muestra como el poder de las imágenes puede contar una historia, aunque esta se trate de una crónica de sentimientos y emociones y la percepción de la vida a los ojos de un niño de 12 años. Con un trasfondo histórico tan significativo como es el del fin de la II Guerra Mundial en el contexto espacial del país provocador de le guerra y perdedor de la contienda; Alemania, la historia a priori podía dar mucho de si y efectivamente así ha sido. Basada en la infancia del guionista, cineasta, dramaturgo y actor Hark Bohn, quien falleció a finales de 2025 y al que va dedicado el filme, Amrum es una película que combinando el costumbrismo, la poesía visual, la crónica sociohistórica, el intimismo, el naturalismo y el melodrama consigue ser un trabajo cinematográfico de muchos kilates. Fatih Akin, director alemán de origen turco dirige la película con clase apoyado en una suntuosa fotografía, una puesta en escena calculada y muy meticulosa y un guion honesto y que dice mucho con una historia clara y mínima.

La isla de Amrum, el el archipiélago de las islas de Frisias Orientales, al norte de Alemania, es un escenario gélido, aislado e indómito además de rural, salvaje, primigenio e inocente, un lugar proclive para una historia en donde las fuerzas de la naturaleza campan a sus anchas influyendo a todos los personajes sobre todo en una situación de total cambio e incertidumbre. El pequeño Nanning (Jasper Billerberck, muy meritorio su trabajo) que en 1945 vive los últimos dias de la guerra en la pequeña granja de su madre y su tía junto a sus hermanos menores con un padre ausente que se encuentra en el frente, se encuentra de golpe y porrazo con una situación cambiante en donde conseguir alimentos básicos es una odisea, lel dinero en marcos ya no vale, el hambre y al pobreza acechan a su familia, llegan refugiados polacos a la isla, y muchos vecinos y conocidos, simpatizantes de los nazis, ven cambiar su estatus y su situación de la noche a la mañana: algo incomprensible para un miembro de las Juventudes Hitlerianas como él quien confiaba que su fe en el régimen Nacionalsocialista le iba a ayudar a ser alguien fuerte y poderoso. Nanning no obstante intentará luchar por su familia aunque tenga que rebasar los límites naturales de su isla, un entorno tan aislado del resto del país que hace todo aún más extraño e incompresible para él.

Con abundancia de imágenes de la naturaleza- incluyendo varias escenas con animales- y silencios muy sugerentes, Amrum consigue ser una película muy emotiva sin necesidad de artificiosidad sentimental y una muy convincente crónica sobre la pérdida de la inocencia, todo ello con estilo documentalista, naturalista y antropológico. Muy recomendable sobre todo para espectadores exigentes y degustadores de cine europeo de calidad.