EL DÍA DE LA REVELACIÓN (DISCLOSURE DAY)

 

***

De nuevo, expectación ante un filme de Steven Spielberg. El ya casi octogenario director, desde hace tiempo sin nada que demostrar ya, tenía un renovado punto de interés en esta su nueva película, y no era otro que su regreso al cine d extraterrestres, algo que remite irremediablemente a clásicos inmortales suyos como Encuentros en la Tercera Fase (1977) o E.T el Extraterrestre (1982). Es el primer filme el que a priori tiene mayor conexión con Disclosure Day con el tema de los avistamientos de ovnis, el contacto con seres extraterrestres, las maquinaciones gubernamentales por ocultar archivos ovni y un trabajo de documentación real tanto en archivos desclasificados, noticias, testimonios, imágenes y también algunas teorías; pero si en aquella irrepetible ocasión Spielberg salió triunfante y mucho con su grito de “no estamos solos” y su mensaje de concordia y entendimiento (también entre diferentes planetas) en una época en la que estas temáticas y su interés estaban casi en pañales, esta vez en plena era de internet, IA, redes sociales y teorías conspiratorias varias y sobre todo después que haya habido miles y miles de obras similares (en cine, literatura, televisión) en el terreno de la ficción y también en el documental, la cosa se percibe de una manera diferente: menos sorprendente y casi reiterativa en algunos aspectos. Así, este filme solo llega a ser una correcta obra de ciencia ficción -con su mensaje- que se sigue con interés y que atesora algún muy buen momento pero que en general no llega a ser ningún filme memorable ni tan siquiera equiparable en cuanto a calidad a algunos de los últimos Spielberg, como podría ser Los Fabelman, el remake de West Side Story, Los Papeles del Pentágono o El Puente de los Espías. Eso si, se nota la mano m,maestra de un gran director veterano que aún conserva ideas, vigor cinematográfico y sigue siendo un eminente narrador.

El guion que firma el un tanto sobrevalorado David Koepp a partir de un argumento del propio Spielberg, es interesante pero sin verdaderas aristas; en realidad se apuesta más por el thriller y el cine de espionaje que por la ci-fi y esto a veces ayuda al filme a la hora de mantener tensión y pulso narrativo pero otras veces resulta predecible y escaso. No hay nada que reprochar a la puesta en escena -grandiosa en el más puro Spielberg-, a lo bien invertido que está el presupuesto o a los efectos especiales, pero hay una sensación constante de no llegar a cotas más convincentes. Dos personajes centrales, Margaret Fairchild (Emily Blunt) una periodista y mujer del tiempo televisiva que repentinamente obtiene el don de leer el pensamiento, entender cualquier idioma y que sin ser ella consciente transmite un buen día ante las cámaras el mensaje de seres extraterrestres en su extraño idioma y Daniel Kelner (Josh O´Connor) un experto en ciberseguridad que trabaja secretamente para una misteriosa organización que trata de descubrir y rebelar archivos secretos sobre encuentros con alienígenas, son los que levan el peso de una historia en donde hay artefactos extraños que contiene información privilegiada, animales que transmiten habilidades a los humanos, una corporación secreta del gobierno USA poseedora de evidencias de vistas y contactos con seres extraterrestres- y de la que se ha escindido otra rebelde y aún más secreta- y un mensaje de que la humanidad tiene derecho a saber ciertas cosas y que muchos opinan que aún no estamos preparados. Y bueno, además algunas escenas de acción y persecuciones que no aportan nada aunque están muy bien rodadas e incluso remiten al auto homenaje de la serie Indiana Jones. Los momentos finales son tal vez los mas logrados e interesantes del filme y allí si que nos encontramos con aquel espíritu de cine evasión pero con sustancia del Steven Spielberg de los 80, aunque al final al veterano cineasta se le va la mano con sus a veces un tanto edulcorados golpes de efecto.

Disclosure Day no pasará a los anales de las mejores películas de Spielberg, pero es muy grato este regreso del director a una de las temáticas que tan buenos resultados le han dado. Todo lo que ha hecho hasta ahora, tanto como director como productor, algún día se pondrá mas en valor y su kegado se podrá apreciar aún más si cabe.

IVAN & HADOUM

 

****

Una más que prometedora ópera prima que muestra como el cine español aún puede deparar pequeñas sorpresas. Ian de la Rosa, realizador andaluz, debuta en el largo con este drama social con algún tinte autobiográfico del propio cineasta que consiguió el Premio especial y la Biznaga de Plata al mejor guion en el Festival de Málaga. Una historia ambientada en la árida Almería y protagonizada por jóvenes trabajadores de un invernadero industrial en donde las aspiraciones de cambio en un entorno modesto y hostil, la lealtad, las relaciones familiares y una historia de amor más o menos difícil que va aglutinando todo el relato, son los elementos esenciales del filme. Si a ello sumamos el insólito trasfondo de la relación entre los dos protagonistas, Iván (Silver Chicón), un muchacho trans, y Hadoum (Herminia Loh), una joven hispano-marroquí, tenemos una historia que a priori resulta muy interesante y de hecho sabe aprovechar todas sus de bazas. Entre Ken Loach y un spagetti western (es que estamos en Almería, claro) con algún elemento, por que no, sheakespeariano - Iván y Hadoum serían unos contemporáneos Romeo y Julieta- el filme sabe ser interesante, conmover y hacer pensar con un muy logrado estilo narrativo, una excelente dirección de (desconocidos) actores, un elaborado estilo realista y casi documental - los diálogos fueron casi improvisados- y una total credibilidad para contar una historia cotidiana pero no exenta de elemento epopéyico, amargo y dramático. Un debut más que interesante el de de la Rosa.

La experiencia del propio director como almeriense, de familia modesta y también persona trans se ha antojado fundamental a la hora de dotar a este film de su impronta naturalista y honesta. Los dilemas de Iván, que de carretillero se convierte por fin en encargado de planta para así obtener más ingresos para su familia - vive junto con su madre viuda, su hermana, y sus sobrinos en una modesta vivienda- al iniciar una relación con la trabajadora Hadoum en un momento en que ella y otras compañeras pueden perder su empleo, empiezan a pesarle decisivamente hasta hacerle reflexionar sobre si realmente se está convirtiendo en la persona que quería ser y que en parte tanto le había costado. La historia amorosa, cargada de sensualidad, exploración de una nueva sexualidad, intensidad y fidelidad – las escenas de amor y de sexo, muy bien rodados, son claves y simbólicas- , también irá moldeando la situación personal de los dos protagonistas en un trasfondo de rechazo e incomprensión desde varias instancias. Hay que mencionar también que los múltiples matices de esta historia no hubiesen sido posible sin la labor de todo el reparto, que rezuma naturalidad y espontaneidad por los cuatro costados, en especial sus dos primerizos actores protagonistas. El nuevo cine español sigue dando buenas noticias.

EL DRAMA (THE DRAMA)

 

***

Comedia ácida y algo negra, The Drama trata de ser una película ligeramente diferente con su propuesta aparentemente transgresora pero en realidad sin salirse mucho de las coordenadas de una comedia romántica convencional -incluyendo el protagonismo de dos jóvenes interpretes bien conocidos- y con ello intentando captar el más amplio público posible. Con cierta crítica social y un componente psicológico muy logrado y con una sana e irónica mala uva, todo tocando tangencialmente ciertos aspectos de la vida moderna y de las relaciones de pareja, este filme divierte, a ratos se sigue con mucho interés pero a fin de cuentas tampoco supone ninguna obra maestra ni una pieza demasiado valiente ni atrevida, y es que en realidad no es cine indie, pero intenta parecer serlo. Más bien una comedia de actores, el principal acierto es un reparto eficaz donde brillan una de las actrices del momento, Zedaya, en un papel diferente a lo que ha hecho hasta el momento, un woodyallenesco Robert Pattinson, una muy convincente Alana Haim (la inolvidable coprotagonista de Licorice Pizza) y la revelación de Mamoudou Athie.

Una pareja a punto de casarse -tras mostrarnos la película el momento en que se conocieron y ciertos aspectos de su pasado- se encuentra en una delicada situación cuando un aspecto secreto de la adolescencia de ella, Emma (Zedaya), una joven aparentemente dulce, responsable y culta, sale a la luz ante la incredulidad de su prometido, Charlie (Pattinson) y sus amigos. Es entonces cuando Charlie comienza a ver a Emma con otros ojos sin saber a que carta quedarse y luchando con sus sentimientos , mientras que Emma intenta llevar la situación lo mejor posible hasta el día de la boda, pero ¿será posible que esto se mantenga durante un largo tiempo?. La película atesora buenos diálogos, momentos muy ingeniosos y lúcidos, pero otros instantes se antojan tediosos y rutinarios. Su condición de comedia urbana y de crítica costumbrista, eso si, juegan en favor de este filme y los instantes finales son de lo mejor del metraje. No arriesga como comedia negra ni tampoco mucho como película fuera de lo más estrictamente comercial, pero sin embargo se deja ver y divierte bastante, lo cual es un logro.

REBUILDING

 

****

El cine independiente estadounidense sigue encontrando un filón inagotable en la temática llamada Americana, una exploración de la cultura, la historia, el lore y la geografía estadounidense que muchas veces- y sobre todo en el cine- converge con el western y hace inevitable no solo la cita a John Ford sino a John Steinbeck, Walt Withman, Mark Twain, Bob Dylan o Bruce Springsteen. La Norteamérica profunda tiende también a aparecer mostrando el lado oscuro del sueño americano, tal y como ocurre con este magnífico filme dirigido por Max Walker-Silverman, un realizador al que habrá que tener en cuenta, y que recurriendo a los elementos antes citados logra narrar un pequeña epopeya de la clase baja estadounidense en forma de drama trabajado y honesto que convence y conmueve. Un canto a la esperanza, la reinvención, la lucha, los seres queridos, la amistad y las relaciones familiares que triunfa en todos sus propósitos y que deja un más que positivo sabor de boca pese a todos los infortunios que muestra.

Dusty (Josh O´Connor) un vaquero divorciado con un hija pequeña sufre la pérdida de su granja y de su rancho tras un pavoroso incendio forestal que también afecta a otros vecinos. Con una relación difícil con su exmujer Ruby (Meghann Fahy) y dispuesto a reconquistar a su hija, la pequeña Callie-Rose (Lily LaTorre). Dusty trata de superar su extrema situación trasladándose a un asentamiento de caravanas junto con otras personas que han tenido su misma mala suerte. Volver a empezar desde el principio, sin nada, es algo muy amargo pero el protagonista no se rendirá pese a los numeroso obstáculos con que él y su gente se encontrarán. Una historia muy bien contada enaltecida por una brillante fotografía al aire libre con un crepuscular oeste americano en todo su (decadente) esplendor y unos personajes entrañables en sus roles de perdedores con esperanzas. Josh O´Connor, actor británico de moda, esta muy creíble en su rol de norteamericano rural (en VO se nota su enorme esfuerzo en calcar el acento del west americano) y logra una interpretación emocionante y muy matizada, bien secundado por un reparto que hacen suyos sus papeles de hijos olvidados del American Dream, mencionando especialmente a la joven Lily LaTorre), una muestra de la inocencia de la infancia y la esperanza como muro de contención ante las situaciones más negativas y la veterana y últimamente redescubierta Amy Madigan, como la suegra del protagonista, el elemento de serenidad y experiencia que la historia requería. Un filme sensible, grandioso en su sencillez y muy efectivo que entusiasmará tanto a los aficionados al cine clásico como a los degustadores de películas con mensaje.

CORREDORA

 

***

Tocando temas duros e incómodos, esta película es consciente de ello y de que tiene algo que contar y lanzar un mensaje y en ese sentido cumple con creces su propósito. Laura García Alonso, joven directora catalana, ha debutado con muy buen tino con este filme que desde el cine deportivo se adentra en drama psicológico en una inmersión muy certera y sincera sobre la salud mental de los deportistas de élite y la fragilidad de estos. La protagonista, Cristina (una excelente Alba Sáez), una chica de 20 años atleta velocista de brillante trayectoria y prometedor futuro llega al brote psicótico a causa de su autoexigencia y de su meticulosidad, hecho que parece en principio cambiar la percepción de si misma y de su carrera deportiva, pero en su propia cabeza las cosas no funcionan de manera tan sencilla y sus propios fantasmas amenazarán con volver a aparecer. Una personalidad muy compleja la de la protagonista, marcada por su deseo de ser siempre la mejor, la difícil relación por diversos motivos con su familia, y posiblemente algún oscuro aspecto que no el espectador no logra saber del todo pero que puede intuirse.

En su vertiente de drama sin concesiones, es muy interesante como se plantea la relación de Cristina con su familia: aunque tanto su padre viudo y casado en segundas nupcias (Alex Brendemühl) como su hermana (Marina Salas) tratan de ayudarla, siempre hay algún impedimento y elemento discordante, causado por Cristina generalmente, que hace que la tarea no sea fácil, con una sensación de impotencia muy bien captada en el filme. El mito de la autosuperación en el deporte aparece en esta historia en su lado más cruel en un filme que casi se acerca al terror psicológico y que diferentes escenas aparentemente catárquicas atenúan en un buen ejercicio narrativo. Muy recomendable para el público joven, de nuevo nos encontramos con un debut honesto y prometedor.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO (NUJUM ALÁMAL W AL’AMAL)

 

****

Una muestra de cine hecho en países árabes, concretamente en Líbano, zona en donde con voluntad y talento se esta desarrollando cierta industria cinematográfica que ya ha dado algún título memorable en el los últimos años (Cafarnaum, 2019) y que con este estupendo nuevo filme esta reclamando un sitio en el panorama internacional: un drama con una curiosa historia de amor como telón de fondo, historia esta que transcurre en un largo periodo temporal y que está condicionada por la realidad de Líbano y sus circunstancias bélicas, económicas y sociales, siempre con un tono lírico y simbolista de corte intimista que hace del relato una crónica universal fuera de cualquier coordenado espaciotemporal. Premiada en Venecia con el Premio del público, esta película logra ser un trabajo sólido y muy agradable de ver dirigido con tino por el debutante en el largo Cyril Aris, un cineasta que apunta muchas maneras.

Nino (Hassan Akil) y Yasmina (Mounia Aki) son la pareja protagonista, dos jóvenes representantes del nuevo Líbano, ella una ejecutiva brillante pero al mismo tiempo una mujer sensible y decidida que trata de ascender en un país que también trata de buscar su desarrollo en un contexto hostil, y él un pequeño empresario hostelero que busca salir de la semipobreza pero también un ser ansioso de encontrar la felicidad en algo más que al rutina diaria. Ambos están marcados por sucesos traumáticos de su infancia de alguna manera relacionados con el sino histórico del Líbano y aunque se conocieron de pequeños en su edad escolar y llegaron a compartir curiosos secretos, perideron después el contacto y un hecho fortuito y absurdo provocará su reencuentro y las esperanzas de una vida en común. Con una combinación de momentos delicados, costumbrismo, imágenes poéticas y melodrama, la película logra en todo momento mantener con interés al espectador y hacerle partícipe de una historia que por momentos no parece ser tan feliz como sus protagonistas esperaban, pero que siempre resulta grata. La universalidad del mensaje logra hacer un filme que borra cualquier barrera cultural- aunque las circunstancias actuales de Líbano la han convertido en una sociedad muy occidentalizada, para bien y para mal- y que se alza como un trabajo sugerente y muy recomendable.

LA ISLA DE AMRUM (AMRUM)

 

****

Esta sugerente y en muchos momentos fascinante producción germana muestra como el poder de las imágenes puede contar una historia, aunque esta se trate de una crónica de sentimientos y emociones y la percepción de la vida a los ojos de un niño de 12 años. Con un trasfondo histórico tan significativo como es el del fin de la II Guerra Mundial en el contexto espacial del país provocador de le guerra y perdedor de la contienda; Alemania, la historia a priori podía dar mucho de si y efectivamente así ha sido. Basada en la infancia del guionista, cineasta, dramaturgo y actor Hark Bohn, quien falleció a finales de 2025 y al que va dedicado el filme, Amrum es una película que combinando el costumbrismo, la poesía visual, la crónica sociohistórica, el intimismo, el naturalismo y el melodrama consigue ser un trabajo cinematográfico de muchos kilates. Fatih Akin, director alemán de origen turco dirige la película con clase apoyado en una suntuosa fotografía, una puesta en escena calculada y muy meticulosa y un guion honesto y que dice mucho con una historia clara y mínima.

La isla de Amrum, el el archipiélago de las islas de Frisias Orientales, al norte de Alemania, es un escenario gélido, aislado e indómito además de rural, salvaje, primigenio e inocente, un lugar proclive para una historia en donde las fuerzas de la naturaleza campan a sus anchas influyendo a todos los personajes sobre todo en una situación de total cambio e incertidumbre. El pequeño Nanning (Jasper Billerberck, muy meritorio su trabajo) que en 1945 vive los últimos dias de la guerra en la pequeña granja de su madre y su tía junto a sus hermanos menores con un padre ausente que se encuentra en el frente, se encuentra de golpe y porrazo con una situación cambiante en donde conseguir alimentos básicos es una odisea, lel dinero en marcos ya no vale, el hambre y al pobreza acechan a su familia, llegan refugiados polacos a la isla, y muchos vecinos y conocidos, simpatizantes de los nazis, ven cambiar su estatus y su situación de la noche a la mañana: algo incomprensible para un miembro de las Juventudes Hitlerianas como él quien confiaba que su fe en el régimen Nacionalsocialista le iba a ayudar a ser alguien fuerte y poderoso. Nanning no obstante intentará luchar por su familia aunque tenga que rebasar los límites naturales de su isla, un entorno tan aislado del resto del país que hace todo aún más extraño e incompresible para él.

Con abundancia de imágenes de la naturaleza- incluyendo varias escenas con animales- y silencios muy sugerentes, Amrum consigue ser una película muy emotiva sin necesidad de artificiosidad sentimental y una muy convincente crónica sobre la pérdida de la inocencia, todo ello con estilo documentalista, naturalista y antropológico. Muy recomendable sobre todo para espectadores exigentes y degustadores de cine europeo de calidad. 

YO NO MORIRÉ DE AMOR

 

****

Una nueva muestra de honestidad cinematográfica y de buen hacer en todos los sentidos, desde la directora debutante, Marta Matute, hasta un reparto que echa el resto y está totalmente metido hasta el fondo y comprometido con trasmitir la gravedad del tema que el filme trata: el drama de convivir con alguien querido - un familiar- con alzhéimer y como esto afecta a todo. Basándose en la propia experiencia de la directora con su medre, el personaje central es Claudia, la menor de las dos hijas, que desde los 18 años a los 23 esta joven, individualista, poco apegada a la vida familiar y un tanto egoísta, va experimentando un cambio en su comportamiento, en su autopercepción y en la visión de todo lo que le rodea, siendo cada vez más consciente del problema de su madre, de su familia y de ella misma. Júlia Mascort hace una desgarrada e intensa interpretación como Claudia, una chica que al principio no se hace querer por el espectador pero que poco o poco mostrará una evolución a la medida de que no solo la enfermedad de su madre se agrava, sino que ella misma a fuerza de sinsabores, compromisos y obligaciones que tiene que adquirir anteponiéndolos a su propios intereses, se convertirá en una persona más madura, siempre con el drama de la nueva convivencia familiar de fondo y el hecho de que als relaciones familiares van cambiando también. Un psicodrama naturalista y verista muy bien ensamblado que anuncia una gran directora y que dentro de su crudeza y dramatismo resulta convincente, poderoso y desgarrador. Como buen filme realista, se juega con la anécdota, las notas al pie de página, las pinceladas cotidianas y personajes secundarios fugaces pero significativos de una manera muy convincente. Su estructura narrativa con varios saltos en el tiempo elípticos que hace dividir el filme en varios actos o segmentos durante los cinco años y medio en los que transcurre la historia es un recurso muy oportuno que otorga ciertos silencios que mostrados de una forma más continuo o explícita hubieran resultado tediosos.

No solo Julia Máscot está de diez, Sonia Almarcha, que da vida a la madre, esta impresionante como una mujer aquejada por al enfermedad con momentos y escenas impresionantes, Laura Weissmahr como la hermana mayor treintañera y más responsable logra un contrapunto perfecto con Máscot y Tomás del Estal como el padre superado totalmente también resulta conmovedor e intenso. Una película sincera, directa y sin cortapisas que muestra que el cine español sigue generando más que prometedores nuevos directores (y directoras) y operas primas que resultan grandes películas.

EL SONIDO DE LA CAÍDA (IN DIE SONNE SCHAUEN)

 

***

No resulta excesivamente fácil el visionado de este drama alemán, no ya solo por lo abultado de su metraje, sino por lo muchas veces confuso de su argumento y lo poco explicativas que son algunas situaciones presentadas, aunque su mensaje parece claro: el pasado muchas veces se impregna y afecta a las generaciones sucesivas que van habitando en un mismo espacio físico. Con pinceladas de realismo mágico, formas y fondos bergmanianos y un impacto visual absorbente e hipnótico con ciertas reminiscencias a David Lynch, esta película tal vez precise de una segunda visión para poder captar en plenitud todas sus virtudes, que son muchas, pero que a primera instancia resulta un trabajo un tanto frío pero sin embargo cautivador. El premio del Jurado en el festival de Cannes de 2025 avalan a esta película dirigida con clase y ambición por Marsha Schilinski.

Son cuatro historias las que se nos cuentan- de manera no lineal- en esta cinta, todas con la mirada infantil y adolescente como nexo de unión y el trasfondo de la historia (o mejor dicho, la intrahistoria) de Alemania en el siglo XX y siempre con una vieja casa rural en un paraje campestre en la frontera entre las antiguas RDA y RFA como escenario. Allí, en los comienzos de la Gran Guerra, la pequeña Alma, la menor de varias hermanas y un hermano con una familia marcada por la pobreza, la superstición y obsesionada con evitar que el único hermano varón vaya a la guerra, descubre la relación entre la vida y la muerte llegándose a obsesionar con dicho tema. La historia del tullido Fritz, el hermano de Alma, sigue en la época de la II Guerra Mundial con su sobrina Erika y el descubrimiento de su incipiente sexualidad, mientras que en los años 80 Angelika, sobrina de Erika, también descubre su madurez en un entorno extraño y viciado del cual desea salir para buscar su libertad, hasta llegar a los 2020 en los que la adolescente Lenka y su familia, son los ocupantes de la ya destartalada casa campestre de la familia anterior, la cual pretenden arreglar aunque parece que el edificio de alguna manera esta influyendo en la sensible muchacha.

Los recuerdos, los fantasmas del pasado y todos los momentos que reviven- en esta historia casi todos desagradables- es algo de lo que se ocupa este filme de una manera un tanto gélida y con una estilización un tanto onírica e inquietante que puede que no sea del gusto de todo el público. Casi utilizando recursos de cine de terror (atmósfera perturbadora, juegos de efectos de sonido) la película sin embargo sabe moderar el drama y atesora varios momentos muy valiosos mientras que en otros se hace tediosa y, por que no, algo pretenciosa. No obstante, resulta un filme interesante y original cuya premisa por increíble que parezca muchas veces es cierta.