LEONES EN INVIERNO

 

*** y 1/2

¿Tiene el ser humano una congénita fascinación por el mal? Esta es la pregunta que parece hacerse esta película, un thriller-drama noir con elementos de acción en donde la venganza y la violencia presiden una historia de que en primera instancia parece dejar un mensaje poco reconfortante sobre la condición humana. Basada en una novela de Carlos Augusto Casas, Leones en Invierno funciona muy bien como cine de género de sabor ibérico aplicando la receta de muchos thrillers y filmes de cine negro españoles de los últimos, es decir, planteamientos genuinos del género negro internacional (y especialmente, claro está, del anglosajón) atravesados por la idiosincrasia y la realidad social españolas, jugada que esta película maneja con maestría.. Albert Pintó se desenvuelve muy bien en un trabajo más centrado en los actores y en sus disfuncionales personajes -y haciendo casi todos unas interpretaciones de aúpa- la mayor parte condicionados por el odio, la corrupción y la violencia y en donde el estudio psicológico y antropológico del origen de la violencia tiene peso principal en todo el devenir de la historia. Nocturna, cruda y urbana y con no pocas escenas truculentas y sanguinolentas, la peli no deja descanso al espectador en cuanto a drama descarnado, intriga y en cierta medida, horror, con un ritmo narrativo muy bien manejado en cuanto a tiempos pero con un devenir en al trama a veces poco creíble.

Juntar en una misma película a tres de los mejores actores de carácter de la escena española actual como son Luis Zahera, Roberto Álamo y Jordi Mollá es ya de por si un pasote y la experiencia se ha saldado con total éxito. Alejandro Hidalgo, el personaje interpretado con una total solvencia por Zahera- cada vez es mejor actor el gallego- un padre de familia de cerca de 60 años experimenta el fallecimiento por atropello de su hija adolescente, barrida por un deportivo de alta gama al perecer propiedad de un narcotraficante. Un silencio en la investigación policial, debido a que el conductor era un policia infiltrado en el submundo del narcotráfico (José Manuel Poga), enerva a Alejandro que con la ayuda de un amigo policía de dudosa catadura moral, Salva (Roberto Álamo) y un excolega yonki con contactos en ese mundillo, Joaquín (Luis Callejo) decide investigar y dar con el asesino de su hija, un poli que le ha cogido demasiado gusto a esto de la delincuencia. Un sórdido mundo de policías corruptos, soplones sin escrúpulos, propietarios de negocios dudosos y sicarios de distinta índole dispuestos a hacer de todo desfila ante nosotros en contraste con situaciones más amables como periodistas queriendo conocer la verdad y gente dispuesta a colaborar con víctimas, un combate en donde al final al fuerza saldrá ganando. Lo peor es que Hidalgo y sus amigos se reencuentran en esta situación con el recuerdo de algo terrible de su pasado y que ha hecho despertar en el despechado padre unos instintos que el había creído reprimir y controlar: un reencuentro monstruoso y escalofriante que Zahera representa y plasma de una manera alucinante (tal vez tengamos un Goya a la vista). Como hemos dichos antes, el reparto coral está de diez, interviniendo además de los citados Inma Cuesta como la decidida - y opuesta a su marido- esposa del protagonista, Ana Wagener, Antonio Durán “Morris”, Irene Escolar y la joven María Romanillos. Una pena que la trama tenga tantos personajes pululando de aquí para allá, se pierdan algunos que podían haber tenido más jugo como el de la periodista y que la historia sea a veces una tela de araña un poco liosa que para colmo en sus minutos finales plantee situaciones un tanto forzadas y que empañan algunas de las virtudes que hasta el momento había presentado el film. Pero nada puede quitar a Leones en Inverno de ser una muy buena película y una muestra de como el cine español va evolucionando de una manera muy convincente. Ojalá que la situación se siga manteniendo si nadie lo impide en los años venideros.

TIEMPOS DE ILUSIÓN (JUSTE UNE ILLUSION)

 

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La nostalgia sigue funcionando muy bien en el cine, pero al ser a veces un material tan maleable y tramposo conviene aproximarse a él dentro del séptimo arte y la ficción audiovisual en general desde la honestidad, el buen hacer y el talento. Y de esto último tiene bastante el tandem de directores francés formado por Oliver Nakache y Eric Toledano, cineastas que manejan muy inteligentemente la comedia comercial - como ya demostraron en la ya clásica Intocable (2011)- y que ahora ofrecen una estimulante cinta dentro del género que desde la perspectiva de una historia de maduración ambientada en 1986 consiguen un trabajo estimulante, divertido, con diferentes capas (crítica sociohistórica, historia adolescente, costumbrismo genuinamente francés) que funciona como un genial todo y siempre desde la perspectiva de homenaje a una época, la década de los 80 del siglo XX, en la que el auge del estado de bienestar y los cambios sociales y políticos en occidente marcaron a una generación nacida a finales de los 60 y principios de los 70, en la cual los dos cineastas se encuentran.

Juste une Illusion posiblemente diga más al espectador francés que al de otros países por su realismo costumbrista muy centrado en la realidad del país galo en los 80, pero muchos elementos resultan familiares a cualquier espectador europeo (los conflictos familiares, el desempleo de la época, los cambios en el rol de la mujer, el principio del aceleramiento a la aproximación a la sexualidad que supuso al industria del cine porno) además de fijar ciertos planteamientos en el cine juvenil norteamericano de los 80 (John Hugues, algunas producciones de Spielberg) que llevarán al recuerdo a un público de cierta edad. El protagonista, Vincent (Simon Bouhbill) un chaval a punto de cumplir 13 años comienza a hacerse las preguntas propias de la llegada a la adolescencia, empieza a ver a sus padres (los siempre eficientes Luis Garrell y Camille Cottin encarnando a una pareja entrañablemente descacharrante) como dos seres más vulnerables e inseguros de lo que él creía, empieza a tener tiene conflictos con su hermano mayor (Alexis Rosenthiel) y descubre el amor de una manera más bien torpe con su compañera de clase Karinne (Jeanne Lamartine): parecen tópicos de este tipo de comedia pero aquí todo funciona de una manera lúcida y original con abundantes momentos hilarantes, otros más bien serios y no pocos instantes de ternura. El origen judío de la familia protagonista (enmarcado dentro de un subrayado de la multiculturalidad francesa que en aquella época empezaba a florecer) funciona aquí como dispensador de momentos hilarantes donde la sombra de Woody Allen es veces perceptible.

La ambientación en los ochenta esta muy bien conseguida, con todo cuidado al mínimo sobre todo en lo tocante al ambiente y la decoración doméstica- en realidad pocos exteriores aparecen en este filme- y como era de esperar en filmes de este tipo la música cumple un papel fundamental con una BSO que incluye temas de Joy Division, Alan Parson´s Project, Toto, The Cure o Imagination (su hit más recordado da título original a la película). Y además a un homenaje a todo un clásico popular del cine francés como Un homme et une femme (1966) y a su entrañable banda sonora obra de Francis Lai. Película bonita de ver que sin muchas pretensiones consigue hacer pasar un rato más que agradable.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (SENSE AND SESIBILITY)

 

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La novela de Jane Austen de 1811 vuelve a las pantallas con una adaptación que no resultará tan comercial como la que firmó Ang Lee en 1995 pero que consigue ser una película muy disfrutable. Con una directora joven (Georgia Oakley) y un reparto sin caras muy conocidas pero con una cuidada ambientación mucho más verista que otras pretendidamente glamourosas revisitaciones de principios del siglo XIX y un buen sentido de la narración, esta Sense and Sensibility no pasará a los anales del cine pero cumple con creces su función de ofrecer un adaptación más o menos fidedigna y sin muchos artificios. Rodada en atractivos entornos rurales ingleses y con un vestuario y atrezzo cuidados al más mínimo detalle al más puro estilo británico dentro del cine de época, la película consigue aportar a la historia original un tono algo más áspero y dramático pero de una manera más comedida. Esta claro que trata de ser una película de personajes en donde los conflictos sentimentales de las hermanas Dashwood se interfieren e influyen en todos los que les rodean. La emocionalidad de Elinor y Marianne aquí aparece de forma más expresiva pero también más reflexiva y sensata,en conexion con los sentimientos de las mujeres en el siglo XXI. No es una: en ese sentido, conviene decir que no se trata de una revisión o reinterpretación actual de la novela original en sus sentido estricto, sino de una oportuna y muy bien llevada puesta al día desde el plano psicológico.

El papel de las mujeres jóvenes en la Inglaterra del siglo XIX (y en realidad en todo el mundo en aquella época) es el motor de este relato en donde las jóvenes hermanas deben de lidiar con los errores y la falta de escrúpulos de sus pretendientes, quienes siguiendo fielmente su rol masculino de la época no dudan en despreciar y engañar a sus prometidas, una s mujeres que creían amar y haber sido amadas. Como era de esperar ene ste tipo de producciones, las interpretaciones son excelentes destacando Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood, Esmé Creed-Miles como su hermana Marianne, Frank Dillane como John Willoughby y George McKay como Edward Ferrars. Imágenes pictóricas costumbristas muy vistosas enaltecen una película de agradable visión y que pone de manifiesto que hay ciertas literarias que no morirán nunca

NAZA

 

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Un documental breve, conciso, muy directo, desnudo e incómodo. Su nacionalidad, israelí por nacionalidad de sus directores aunque británica en cuanto a su financiación, y su tema, el papel de los soldados del ejército de dicho país en el genocidio de Gaza, entrevistados por uno de los directores de la película (los responsables son Yuval Abraham y Rachel Szor). Es decir, tenemos ante nosotros el testimonio de muchas de las estrategias de muerte y aniquilación hacia el pueblo palestino (y no solo de Hamas) narradas por sus propios protagonistas, obviamente hablando de manera anónima, con el rostro oscurecido (el documental se ha grabado de noche) y con la voz modificada. Sus directores ya han tenido problemas con las autoridades gubernamentales israelíes como fácil es suponerse. La ciudad de Tel Aviv, nocturna y repleta de luces, parece un decorado inquietante a veces cuando oímos los estremecedores relatos de barbarie y sinrazón contados por los militares de manera inquietantemente ligera en ocasiones o rutinaria, la megalópolis de Blade Runner con unos Roy Batty narrándonos aquello “he visto cosas que vosotros no creeríais”. Esta vez todo es real y ahora gracias a esta película, tenemos material para pensar, reflexionar y lamentarnos- una vez más- de las miserias de la condición humana.

Como película de no ficción, puede que Naza desde el plano estrictamente cinematográfico no sea una gran obra dentro de su género, pero resulta un filme de visión necesaria y un documento de incalculable valor desde el punto de vista periodístico y también desde el punto de vista humanista y pacifista. Es una denuncia, pero también un aviso a lo que ocurre cuando la intolerancia y la ambición ciegan cualquier atisbo de humanidad. Por desgracia, el conflicto Israel-Palestina es algo muy vejo y de difícil solución, pero nunca sobra cualquier nueva condena a la “política” de Israel contra Palestina. Bien estructurado, eso si, secuenciado y montado, Naza es un filme que cumple su función y su sola y valiente existencia se agradece.

EL MAL HIJO

 

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Un debut prometedor y un filme muy hábil e inteligente que de nuevo explora las múltiples posibilidades del cine de género (en este caso el thriller aunque principalmente este filme sea un drama social y familiar) en el panorama cinematográfico español. El actor Jaime Lorente debuta en la dirección con buena nota en una historia áspera y veces incómoda que trata de resaltar la dificultad de muchas personas de salir de entornos sociales, familiares y económicos desfavorecedores sobre todo cuando se meten en una espiral de delincuencia y vida al margen de la ley. La sombra del a veces demasiado mitificado cine quinqui español planea contemporaneizada en un relato ambientado en dos épocas diferentes (principios de los 2000 y él moento actual) en el cual vemos la difícil y a veces penosa evolución personal de su joven protagonista, Rubén (Hugo Arbúes), un muchacho a la que la ausencia de su padre (Miguel Ángel Puro), desparecido cuando este era un niño y metido en turbios asuntos, le terminará descolocando aún más partiendo de una ya de por si situación familiar y económica límite. La convivencia con su abuela (Susi Sánchez), su ser de referencia a partir del abandono paterno y un ser sensato pero condicionado por la pobreza de su entorno, será el principal punto de apoyo y la motivación vital del joven protagonista, pero Rubén no podrá evitar meterse en varios apuros.

La vertiente de cine social verista y naturalista enaltecida con una cuidada ambientación y una soberbia presentación de los submundos de la precariedad de la España profunda, el mundo de los trapicheos y las pequeñas mafias criminales y sobre todo la soberbia plasmación de las relaciones familiares complejas- por un lado padre-hijo, por otro abuela-nieto y por otro familiar conflictiva- miembro con ganas de diferenciarse de sus parientes-. La sombra de Ken Loach se percibe a ratos y aunque en momentos la película parece apostar por el thriller está claro que el componente social (y personal) es el dominante en el filme. Es cierto que el metraje no siempre logra mantener la tensión y el interés y que en los momentos finales el ritmo decae algo, pero la película consigue lo que promete. Interesantes interpretaciones- especialmente la de la siempre efectiva Susi Sánchez- y una buena dirección de actores. Filme muy trabajado que esperemos que no pase (injustamente) desapercibido por las salas.

WHALEFALL

 

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No ha casado nada mal una historia de supervivencia épica con un drama familiar en una película dominada por los efectos especiales (en este caso e insólitamente en los tiempos que corren, prácticos); unos ingredientes (junto con el suspense) a priori dispares que han hecho surgir un filme más que aceptable. Basada en una novela de Daniel Kraus, Whalefall consigue ser una peli más que entretenida y desasosegante en sus dramáticas y alucinantes secuencias de supervivencia solitaria y aceptablemente convincente en sus momentos de drama. La lucha de Jay (Austin Abrams. un chaval de 18 años, por sobrevivir en uno de los estómagos de un enorme cachalote tras ser tragado por el animal en una inmersión submarina y por lograr salir a la superficie antes de ser deglutido, es lo que básicamente vemos en el filme en lo que es toda una epopeya por salir con vida en un espacio y una situación increíbles e impensables para cualquier ser humano. Pero Jay, con poco oxígeno en sus bombonas de submarinismo, cansado, desesperado y muy mal herido se ha encontrado con esto tras tomar una arriesgada y para él vital decisión: buscar en el mar los restos de su padre (Josh Brolin) un experimentado marino fallecido un año atrás tras arrojarse en el mar por su desesperación ante su enfermedad terminal.

Los dos planos en los que funciona la película (el primero en el tiempo principal, el de la desesperada aventura de Jay en el cuerpo del cetáceo, y el segundo el de los flashbacks de la difícil convivencia del muchacho con su exigente y un tanto despótico padre) funcionan muy bien en su vertiente de metáforas de un mismo concepto, que es el del ansia por recuperar la esencia vital, el amor y la aceptación de una padre por una parte y la vida misma y el sentirse vivo por otra, conceptos mayormente superpuestos en toda la historia, notándose especialmente cuando nos damos cuenta que la lucha de Jay es principalmente la de recuperar a su padre, física e espiritualmente, algo a lo que responderá inesperadamente su jonasiana estancia en el interior del cachalote. Un guion muy bien escrito, la verdad, por el propio autor de la novela y el director Brian Duffield quien logra un trabajo bastante notable tras la cámara, aunque es cierto que el libreto en no pocas ocasiones cae en lo tópico sobre todo en algunas escenas familiares entre los dos actores protagonistas.

Mención aparte merecen todas las escenas en el interior de cachalote, rodadas en decorados construidos y con texturas gelatinosas emulando el interior de un cetáceo y con movimientos y palpitaciones logradas mayormente con mecanismos: es decir, a la antigua usanza de los 70 y 80 del siglo XX y todo perfectamente verista, aunque es cierto que ciertos momentos de esas secuencias pueden resultar poco creíbles. Eso si, al sensación de desesperación y la lucha sin cuartel del joven protagonista están muy bien conseguidas gracias al buen trabajo de Austin Abrams. Las sombras de Moby Dick y Pinocho, por supuesto, también pasan de refilón por esta película. Inteligente mixtura de entretenimiento y drama intenso que convencerá a diferentes públicos.

LA VIDA DE UNA MUJER (LA VIE D´UNE FEMME)

 

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La disección de la vida personal de una mujer y los cambios que esta va experimentando a partir de un momento dado es la base de esta inteligente película, un drama social-psicológico donde todo gira alrededor de su protagonista y las circunstancias de esta. Gabrielle (Léa Drucker), una reputada cirujana maxilofacial, parece tener éxito en su vida profesional y en su vida personal, casada en segundas nupcias desde hace tiempo, tampoco parecía irle mal hasta que su matrimonio comienza a irse a pique debido a desencuentros con su marido por la gestión familiar (especialmente con sus hijastros adultos), la relación con algún apreciado compañero de trabajo comienza a hacer aguas y como elemento más problemático debe lidiar con el alzheimer de su madre. Una teórica , exigente consigo misma y con quienes le rodean, que comienza por primera vez a sentirse vulnerable. La irrupción en su vida de una escritora (Mélanie Thierry) comienza a poner en su vida un inesperado cambio que unido a los otros hará por primera vez que su vida privada este en un plano más importante que la profesional.

La directora Charline Burgeois-Taquet ha apostado por una película de actriz, ya que Léa Drucker y su personaje es toda la película. La actriz lleva a cabo un trabajo encomiable dando vida a una mujer ciertamente altiva y ambiciosa cuyas dudas y miedos comienzan a aflorar inesperadamente y debe hacer frente a ellos finalmente agarrándose a una vía de escape con la que cree haber alcanzado la felicidad. Estructurada en once pequeñas partes que pretenden funcionar como capítulos temáticos sobre los diferentes avatares de la vida de Gabrielle, la película sabe manejar un costumbrismo muy creíble y al mismo tiempo logra transmitir toda la desazón interna y las dudas de su protagonista. Tal vez lo gélido de su narración no haga que el espectador logre conectarse al cien por cien con la historia, pero la cinta atesora buenos momentos y una total convicción en haber presentado efectivamente lo que pretende.

LA BOLA NEGRA

 

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Aún no se había demostrado con propiedad el talento del tandem de directores formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, centrados últimamente en el medio televisivo y en la producción, pero con este filme consiguen destaparse y hacen una película visual y narrativamente espectacular que convocando varios estilos fílmicos y planteando varios propósitos consigue llegar todo a buen puerto pese a no tratarse de un filme totalmente redondo. La Guerra Civil y la universal figura de Federico García Lorca (1898-1936) son los puntos de partida de esta película en donde un recurso narrativo siempre tan agradecido -aunque últimamente demasiado recurrido- como es el de la investigación histórica por parte de un personaje, actúa como mcguffin y en ese proceso de investigación y su resolución reside el sólido esqueleto de la película, en realidad una historia dramática con tres actos diferenciados conexos entre si pese a las diferencias espaciotemporales repletos de pasión, drama, emoción, sensualidad y fuerza visual. Porque La Bola Negra bebe mucho o casi todo a lo sobrecogedor de muchas de sus imágenes de inspiración pictórica (renacentista, barroca, manierista) que lleva a que en muchos instantes el simbolismo y la poesía -de inspiración lorquiana, claro- están presentes, tal vez a veces de una manera muy opaca y críptica pero nunca pedante. Como casi todas las obras de los llamados “Javis” al menos hasta ahora el componente queer es evidente pero esta vez desde una inusual perspectiva historiográfica (más anecdótica y de pinceladas que exhaustiva) del papel del por entonces oscurecido colectivo homosexual en los años 20 y 30 del siglo XX en España, aunque el principal objetivo contextual del filme es mostrar el drama de las contradicciones morales de las personas en periodo de guerra, el poder del amor frente ella odio y por supuesto una total denuncia antibelicista con la sombra de Lorca de omnipresente fondo.

La influencia de Ingmar Bergman con pinceladas de Buñuel, Fellini o de Almodovar es muy notable, especialmente en la presencia de la muerte, adquiriendo a veces diferentes encarnaciones. La historia central del tríptico transcurre en 1937 con un personaje real, el actor Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeu) el presunto último amor de García Lorca y por entonces soldado del ejército republicano, hecho prisionero por el bando nacional en un pueblo de Cantabria y herido y custodiado por el personaje catalizador de la historia, el soldado del ejército nacional Sebastián (Guitarritadelafuente) un joven inocente antiguo campesino embrutecido por la guerra que inesperadamente se sentirá atraído por Rafael. En 2025 en Madrid el nieto de Sebastián, Alberto (Carlos González), historiador y dramaturgo, se propone conocer la historia de su recién fallecido abuelo cuyo rastro le llevará hasta Cantabria y la antigua casa de este. Y un tercer historia ambientada en 1932 en Granada nos presenta como real la posible última obra teatral de Federico: La Bola Negra; la historia de Carlos (Milo Quifes) un joven de buena familia que es rechazado en el elitista casino de su pueblo por su homosexualidad. Las historias se suceden y se superponen y se fractalizan; patchwork cinematográfico muy bien conseguido que converge al final en la inesperada figura del poeta granadino como catalizador del espíritu y el mensaje d ella película: la vida, la alegría, el amor y la creatividad frente a la guerra y al intolerancia.

Un genial tirón de orejas a la condición contradictoria española y un canto a la vida y un escupitajo a todo lo que supone la guerra: solo por eso esta película debería ser alabada por sus intenciones, pero no hay que negar que su acabado formal es en realidad el principal capital de la cinta, un espectáculo visual cargado de imágenes sobrecogedoras, composiciones cinematográficas geniales y un afán arty muy notable de regusto hispánico que no cae en lo folklórico aunque a veces se le vaya la mano con su simbolismo costumbrista no siempre bien asumido. Puede resultar poco creíble la composición gay de ciertas escenas con preponderancia masculina pero hay que tener en cuenta que sobre todo en sus viñetas de época la película quiere y pretende ser un grandguiñol artístico tamizado de realismo. Y bueno, que decir de su reparto coral: todos excelentes, en especial un sobrecogedor Miguel Bernardeu y el descubrimiento de Guitarritadelafuente en un papel complejo y con miga, como también es encomiable el tabajo de Milo Quifes y de un prometedor Carlos González. Nos encontramos también con Lola Dueñas -excelente como la desagradable progenitora yonki de Alberto- Antonio de la Torre, Lorenzo Zurzolo, Albert Plá, Julio Torres, Natalia de Molina, Mona Martinez - con su personaje Bergmaniano- Antonio Dechent , Alberto Cortés como Federico García Lorca y las participaciones estelares de Penélope Cruz como una diva cupletista (personaje curioso pero excesivo) y Glenn Close que interpreta a una hispanista norteamericana en el siglo XXI meritoramente hablando en castellano. Sin duda, Calvo y Ambrossi son dos grandes directores de actores. Grandiosa, emotiva, sugerente, poética pero también algo innecesariamente larga, La Bola Negra es una película singular y degustable que tras triunfar en Cannes se dispone ahora a hacer su carrera la los Oscar. Lo consiga o no, lo cierto de que los Javis ya han hecho por din una gran película, al cosa está si sabrán mantener el nivel en sucesivos proyectos. Pero por ahora, este este tal vez sea el mejor filme español estrenado en 2026

DIGGER

 

*** y 1/2

Esta vez Alejandro González Iñarritu no ha estado entonado como tras veces pero aún sigue demostrando que es una autor más que interesante y que se atreve con cualquier reto, como es el caso de esta comedia satírica y caricaturesca con elementos de metaficción y pinceladas de ficción científica anticipativa. La crítica a la sociedad y la política internacional actual, hecha con mordacidad, mala uva y un punto de cinismo, es lo que mueve un relato caricaturesco y delirante que juega con el trampantojo y el lenguaje cinematográfico- aunque en realidad sea teatral futurista- y ofrece un pintoresco espectáculo con un histórico Tom Cruise como maestro de ceremonias y protagonista. Ecos de Wes Anderson, Monty Python (y especialmente la obra de Terry Gillian), el Stanley Kubrick de Dr. Starngelove, y los cómics de la revista Mad se perciben en una divertida e inteligente película que precisa de bastante comprensión y un tanto de paciencia por parte del espectador ya que su bizarro look comiquero (explicado por el contexto peculiar de la historia) y lo exagerado de muchas situaciones puede resultar una extravagancia no muy fácil de digerir, pero una vez uno se introduce en la historia, es muy disfrutable.

El personaje de Digger Rockwell, interpretado por un Cruise que hace una actuación en un doble papel entonada y meritoria -un desdoblamiento en personalidades contrapuestas con su miga narrativa- es una especie de arquitepico-paradigma satírico de la figura magnate de multinacionales actual, presentado aquí como el ridículo y desagradable dueño de una petrolífera que se presenta como el hombre más poderoso del mundo. Un incidente con muertos en una de sus extracciones en Groenlandia con el desprendimiento consiguiente de un colosal iceberg cuya deriva amenaza a Europa le pone en jaque a él, a su compañía, a todo el mundo empresarial internacional y al gobierno de EEUU, todos buscando soluciones como pollos sin cabeza y originando discusiones y altercados en sus reuniones con un Digger que se obsesiona en salir victorioso sea cual sea el resultado de la peligrosa amenaza y de un presidente norteamericano aplicando ridículas fórmulas de soluciones al problema y sus consecuencias que por muy disparatadas que parezcan por desgracia casi se ajustan a la realidad de la política exterior norteamericana. Si, un mexicano parece atreverse a sacarle los colores a Estados Unidos y el capitalismo rampante que vivimos, en realidad no es una crítica total ni demasiado atrevida, pero se agradecen esfuerzos así en plena era Trump.

Los escenarios y decorados intencionadamente teatrales con una parafernalia recargada de regusto manierista y la tenue fotografía con maquillajes, caracterizaciones y vestuarios que rozan o caen directamente en la caricatura nos indican que estamos antre un grandguiñol que se confirma ya casi al principio de la película cuando ya somos advertidos de lo que estamos estamos viendo en realidad y que el Digger que vemos podría no ser el real aunque la historia haya sido verdadera. Mención aparte merecen las interpretaciones de la alemana Sandra Hüller (Anatomía de una caida) como la hermana del protagonista, también empresaria, y de John Goodman como un incompetente presidente de USA dentro de una curiosa galería de personajes. El greenwashing de las multinacionales, el cambio climático, la inutilidad de muchos organismos internacionales o el poder del capitalismo más salvaje se dan cita en un filme divertido y ácido hecho con originalidad por uno de los mejores y más arriesgados directores vivos aunque en esta ocasión no haya estado tan brillante