LA BOLA NEGRA

 

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Aún no se había demostrado con propiedad el talento del tandem de directores formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, centrados últimamente en el medio televisivo y en la producción, pero con este filme consiguen destaparse y hacen una película visual y narrativamente espectacular que convocando varios estilos fílmicos y planteando varios propósitos consigue llegar todo a buen puerto pese a no tratarse de un filme totalmente redondo. La Guerra Civil y la universal figura de Federico García Lorca (1898-1936) son los puntos de partida de esta película en donde un recurso narrativo siempre tan agradecido -aunque últimamente demasiado recurrido- como es el de la investigación histórica por parte de un personaje, actúa como mcguffin y en ese proceso de investigación y su resolución reside el sólido esqueleto de la película, en realidad una historia dramática con tres actos diferenciados conexos entre si pese a las diferencias espaciotemporales repletos de pasión, drama, emoción, sensualidad y fuerza visual. Porque La Bola Negra bebe mucho o casi todo a lo sobrecogedor de muchas de sus imágenes de inspiración pictórica (renacentista, barroca, manierista) que lleva a que en muchos instantes el simbolismo y la poesía -de inspiración lorquiana, claro- están presentes, tal vez a veces de una manera muy opaca y críptica pero nunca pedante. Como casi todas las obras de los llamados “Javis” al menos hasta ahora el componente queer es evidente pero esta vez desde una inusual perspectiva historiográfica (más anecdótica y de pinceladas que exhaustiva) del papel del por entonces oscurecido colectivo homosexual en los años 20 y 30 del siglo XX en España, aunque el principal objetivo contextual del filme es mostrar el drama de las contradicciones morales de las personas en periodo de guerra, el poder del amor frente ella odio y por supuesto una total denuncia antibelicista con la sombra de Lorca de omnipresente fondo.

La influencia de Ingmar Bergman con pinceladas de Buñuel, Fellini o de Almodovar es muy notable, especialmente en la presencia de la muerte, adquiriendo a veces diferentes encarnaciones. La historia central del tríptico transcurre en 1937 con un personaje real, el actor Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeu) el presunto último amor de García Lorca y por entonces soldado del ejército republicano, hecho prisionero por el bando nacional en un pueblo de Cantabria y herido y custodiado por el personaje catalizador de la historia, el soldado del ejército nacional Sebastián (Guitarritadelafuente) un joven inocente antiguo campesino embrutecido por la guerra que inesperadamente se sentirá atraído por Rafael. En 2025 en Madrid el nieto de Sebastián, Alberto (Carlos González), historiador y dramaturgo, se propone conocer la historia de su recién fallecido abuelo cuyo rastro le llevará hasta Cantabria y la antigua casa de este. Y un tercer historia ambientada en 1932 en Granada nos presenta como real la posible última obra teatral de Federico: La Bola Negra; la historia de Carlos (Milo Quifes) un joven de buena familia que es rechazado en el elitista casino de su pueblo por su homosexualidad. Las historias se suceden y se superponen y se fractalizan; patchwork cinematográfico muy bien conseguido que converge al final en la inesperada figura del poeta granadino como catalizador del espíritu y el mensaje d ella película: la vida, la alegría, el amor y la creatividad frente a la guerra y al intolerancia.

Un genial tirón de orejas a la condición contradictoria española y un canto a la vida y un escupitajo a todo lo que supone la guerra: solo por eso esta película debería ser alabada por sus intenciones, pero no hay que negar que su acabado formal es en realidad el principal capital de la cinta, un espectáculo visual cargado de imágenes sobrecogedoras, composiciones cinematográficas geniales y un afán arty muy notable de regusto hispánico que no cae en lo folklórico aunque a veces se le vaya la mano con su simbolismo costumbrista no siempre bien asumido. Puede resultar poco creíble la composición gay de ciertas escenas con preponderancia masculina pero hay que tener en cuenta que sobre todo en sus viñetas de época la película quiere y pretende ser un grandguiñol artístico tamizado de realismo. Y bueno, que decir de su reparto coral: todos excelentes, en especial un sobrecogedor Miguel Bernardeu y el descubrimiento de Guitarritadelafuente en un papel complejo y con miga, como también es encomiable el tabajo de Milo Quifes y de un prometedor Carlos González. Nos encontramos también con Lola Dueñas -excelente como la desagradable progenitora yonki de Alberto- Antonio de la Torre, Lorenzo Zurzolo, Albert Plá, Julio Torres, Natalia de Molina, Mona Martinez - con su personaje Bergmaniano- Antonio Dechent , Alberto Cortés como Federico García Lorca y las participaciones estelares de Penélope Cruz como una diva cupletista (personaje curioso pero excesivo) y Glenn Close que interpreta a una hispanista norteamericana en el siglo XXI meritoramente hablando en castellano. Sin duda, Calvo y Ambrossi son dos grandes directores de actores. Grandiosa, emotiva, sugerente, poética pero también algo innecesariamente larga, La Bola Negra es una película singular y degustable que tras triunfar en Cannes se dispone ahora a hacer su carrera la los Oscar. Lo consiga o no, lo cierto de que los Javis ya han hecho por din una gran película, al cosa está si sabrán mantener el nivel en sucesivos proyectos. Pero por ahora, este este tal vez sea el mejor filme español estrenado en 2026

DIGGER

 

*** y 1/2

Esta vez Alejandro González Iñarritu no ha estado entonado como tras veces pero aún sigue demostrando que es una autor más que interesante y que se atreve con cualquier reto, como es el caso de esta comedia satírica y caricaturesca con elementos de metaficción y pinceladas de ficción científica anticipativa. La crítica a la sociedad y la política internacional actual, hecha con mordacidad, mala uva y un punto de cinismo, es lo que mueve un relato caricaturesco y delirante que juega con el trampantojo y el lenguaje cinematográfico- aunque en realidad sea teatral futurista- y ofrece un pintoresco espectáculo con un histórico Tom Cruise como maestro de ceremonias y protagonista. Ecos de Wes Anderson, Monty Python (y especialmente la obra de Terry Gillian), el Stanley Kubrick de Dr. Starngelove, y los cómics de la revista Mad se perciben en una divertida e inteligente película que precisa de bastante comprensión y un tanto de paciencia por parte del espectador ya que su bizarro look comiquero (explicado por el contexto peculiar de la historia) y lo exagerado de muchas situaciones puede resultar una extravagancia no muy fácil de digerir, pero una vez uno se introduce en la historia, es muy disfrutable.

El personaje de Digger Rockwell, interpretado por un Cruise que hace una actuación en un doble papel entonada y meritoria -un desdoblamiento en personalidades contrapuestas con su miga narrativa- es una especie de arquitepico-paradigma satírico de la figura magnate de multinacionales actual, presentado aquí como el ridículo y desagradable dueño de una petrolífera que se presenta como el hombre más poderoso del mundo. Un incidente con muertos en una de sus extracciones en Groenlandia con el desprendimiento consiguiente de un colosal iceberg cuya deriva amenaza a Europa le pone en jaque a él, a su compañía, a todo el mundo empresarial internacional y al gobierno de EEUU, todos buscando soluciones como pollos sin cabeza y originando discusiones y altercados en sus reuniones con un Digger que se obsesiona en salir victorioso sea cual sea el resultado de la peligrosa amenaza y de un presidente norteamericano aplicando ridículas fórmulas de soluciones al problema y sus consecuencias que por muy disparatadas que parezcan por desgracia casi se ajustan a la realidad de la política exterior norteamericana. Si, un mexicano parece atreverse a sacarle los colores a Estados Unidos y el capitalismo rampante que vivimos, en realidad no es una crítica total ni demasiado atrevida, pero se agradecen esfuerzos así en plena era Trump.

Los escenarios y decorados intencionadamente teatrales con una parafernalia recargada de regusto manierista y la tenue fotografía con maquillajes, caracterizaciones y vestuarios que rozan o caen directamente en la caricatura nos indican que estamos antre un grandguiñol que se confirma ya casi al principio de la película cuando ya somos advertidos de lo que estamos estamos viendo en realidad y que el Digger que vemos podría no ser el real aunque la historia haya sido verdadera. Mención aparte merecen las interpretaciones de la alemana Sandra Hüller (Anatomía de una caida) como la hermana del protagonista, también empresaria, y de John Goodman como un incompetente presidente de USA dentro de una curiosa galería de personajes. El greenwashing de las multinacionales, el cambio climático, la inutilidad de muchos organismos internacionales o el poder del capitalismo más salvaje se dan cita en un filme divertido y ácido hecho con originalidad por uno de los mejores y más arriesgados directores vivos aunque en esta ocasión no haya estado tan brillante

EN EL CORAZÓN DE LA BESTIA (HEART OF THE BEAST)

 

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Puede que la mayor parte o casi todas de las películas protagonizadas por Brad Pitt sean en mayor o menor grado un vehículo para su lucimiento, pero no por ello deberían prejuzgarse sus estrenos ni tampoco deseñar su propio trabajo ante las cámaras; en este Heart of the Beast de hecho nos encontramos con un filme que sin él de protagonista hubiese sido también interesante pese a que su poder de atracción ante el público hubiese sido menor. Esta es una historia de aventura-supervivencia y de amistad entre humano y perro que en realidad no aporta nada nuevo ni resulta demasiado estimulante, pero sabe mantener el interés del espectador aún recorriendo a tópicos a más no poder gracias a un buen trabajo de Pitt- el único actor con peso específico en el filme- y una calculada emotividad gracias al carisma que desprende el partenaire canino del astro norteamericano, el perro pastor alemán Odín, interpretado en la cinta por cuatro canes.

Un sargento de las fuerzas especiales del ejército USA retirado, James Belmont se encuentra con su avión en Alaska junto con su perro de combate, un animal que sufre de pesadillas al ser testigo de guerras. Tras un aparatoso accidente de vuelo, la pareja se encuentra perdida en el vasto territorio de Alaska con la única perspectiva de encontrar ayuda tratar de sobrevivir. A partir de aquí se suceden varias viñetas y situaciones enmarcadas en el cine de acción y supervivencia en donde un tono militarista inequívocamente yanky y muchos lugares comunes dentro de historias de este tipo con personas y perros impiden que la película tenga auténtica emoción y honestidad y la situan como un filme atractivo y logrado pero sin demasiada chicha. La cuidada fotografía y los espectaculares paisajes (en realidad de Nueva Zelanda) añaden empaque a una película que tiene varios puntos álgidos en su tono algo irregular especialmente cuando Odín se convierte en el verdadero protagonista della historia. Correcto cine espectáculo con ribetes humanistas que sin entusiasmar del todo entretiene y se hace emocionalmente interesante.

BAD APPLES

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Basada en una novela sueca, esta película británica navegando entre el drama social, la comedia negra y el suspense resulta una obra curiosa y bastante disfrutable en donde brilla especialmente la excelente interpretación de Saoirse Ronan, bordando un papel ambiguo y dual, el de una joven maestra de primaria que obsesionada en responder a lo que se espera de ella y tratando de mejorar su imagen y su competencia profesional será capaz de autoencubrirse un terrible (y bizarro) delito: secuestrar al alumno más conflictivo de su clase. La actriz es casi la película por si sola y sin ella esta película hubiese sido diferente, pese a que la originalidad de su planteamiento la hubiese mantenido como un filme a tener en cuenta.

El sueco Jonatan Etzler vuelve a dirigir en inglés y consigue un filme solvente y sorprendente que toca diversos temas candentes como el fracaso escolar, la responsabilidad del profesor ante alumnos conflictivos, la autoexigencia profesional, la cultura del éxito, las carencias del sistema educativo occidental y la presión social por guardar las apariencias. Maria Spencer, una profe en tela de juicio por parte de alumando, padres de alumnos y parte del resto del profesorado se emte en un berenjenal cuando para a priori trtara de defenderse de su agresivo alumno de 10 años Danny (Eddie Waller) le retiene en su domicilio, iniciando inesperadamente una relación de confianza mutua allí que en las aulas no había tenido con el. El filme funciona en su vertiente de parábola con tintes de sátira y sabe hacer que el componente más de thrilller sea percibido como lo que realmente es, una crítica ácida no exenta de drama. Los minutos finales son de lo mejor del conjunto y es allí donde el significado de la película brilla.

CRONOS

 

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Hace años una película española basada en un suceso real del calibre del que cuenta este filme hubiese sido imposible, pero el avance en los efectos especiales – que no son ya un monopolio del cine hollywoodiense- los presupuestos más holgados con los que cuenta el cine español y sobre todo una mayor convicción a la hora de abordar diferentes géneros y temas ha hecho posible que disfrutemos de esta excelente recreación de cuatro días del verano de 2017 que mantuvieron en vilo a Catalunya y España: los atentados yihadistas de Barcelona y Cambrils del 17 de agosto. Una película que combinando el thriller policial, el drama, la intriga, la crónica política y el apunte costubrista-realista triunfa gracias a un impecable trabajo de puesta en escena y un estupendo hacer interpretativo coral. Fernando González Molina (Palmeras en la Nieve, la adaptación de la Trilogía del Baztán) se consolida como un director completo y de gran habilidad en la que es una de las mejores películas españolas de 2026.

La ciudad de Barcelona además de Cambrils y otras localidades son el muy bien captado escenario de la historia y además claros protagonistas de la misma. Los diferentes personajes- mossos de esquadra principalmente, otros cuerpos policiales, ciudadanos árabes afincados en Catalunya, otros civiles y algún político- aparecen en medio de una situación desasosegante e imprevisible que amenaza en la que las fuerzas policiales tiene que dedicarse en cuerpo y alma. La recreación del complejo operativo policial es simplemente magistral y digna del mejor cine policial con el rasgo plus de que se basa fielmente en un suceso real. Un tour de force narrativo en donde el suspense, el drama personal y el conflicto interior e interpersonal- servidos por el conflicto entre lo laboral y lo familiar de una jefa de los Mossos, la especial relación de una sargento con un joven magrebí que podría ser unos de los perpetradores del atentado o la lucha entre representantes del Gobierno Central y el Gobern de Catalunya sobre quien debe colgarse las medallas, lo mismo que las distintas policías- copan un ritmo de relato vertiginoso que no da tregua al espectador y que sin golpes de efecto ni violencia ni acción gratuita entusiasma y engancha al espectador.

El reparto coral, casi exclusivamente catalán, esta de chapeau: Enriq Auquer, Diana Gómez, Pablo Derqui, David Vert, Mónica López, Xavi Sáez o Israel Elejalde hacen papelones y rezuman credibilidad por los cuatro costados. Cine de género a lo grande para el cine español que muestra como por aquí también se han dado historias reales más que interesantes y como se sabe perfectamente como aprovecharlas.

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO (THE DOG STARS)

 

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Si se despoja de su naturaleza de historia postapocalíptica y se disfruta de un argumento que fluctúa entre la aventura, la historia de supervivencia, la ciencia ficción simbólica y el melodrama esta resulta una interesante película que pese a sus irregularidades y sus fallos de ritmo se sigue con interés y pone de manifiesto que pese a su avanzada edad y el más que discutible empeño de continuar dirigiendo filmes a ritmo frenético y la mayoría mediocres, Ridley Scott sigue teniendo tino y por supuesto oficio. The Dog Stars, basada en una novela de Peter Heller se esfuerza en ser en algo más que una cinta futurista ambientada en una Tierra en donde una pandemia de una misteriosa fiebre ha diezmado a la población y trata de ser una historia de amistad, supervivencia y lucha que pese que en algún momento cae en lo tópico logra tener una cierta emoción humana y gracias al hecho de estar ambientada en amplios espacios naturales muy bien fotografiados resulta una buena experiencia de cine aventurero a la antigua usanza donde no faltan toques de western -más concretamente John Ford, claro- y un cierto tono de Americana que no es precisamente lo más destacado pero si confiere al conjunto una cierta originalidad. Eso si, esta no será una película para todos los gustos.

El viaje del héroe es el leiv motiv del filme, y este es Hig (Jacob Elordi), un antiguo mecánico antes del “apocalipsis” que sobrevive en las praderas de Colorado consuciendo un destartalado aeroplano y en compañía de su perro Jasper. Si vida es una extraña búsqueda de mera supervivencia en una existencia nihilista aderezada a veces con la amistad de Bangley (Josh Brolin) otro superviviente obsesionado con las armas y la seguridad que cree vivir en continua amenaza y su ayuda a una ciriosa comunidad de menonitas. Pronto su obsesión será llegar hasta a lo que queda de la localidad de Grand Juction, donde se supone que existe una comunidad de vida humana con ciertas comodidades, emprendiendo un viaje en donde encontrará a un padre y una hija también desnortados (Guy Pearce y Margaret Qualley) y todos tendrán que combatir contra una tribu de jóvenes asilvestrados dispuestos a arrebatarles sus posesiones. Es una pena que la película se arroje a veces al cine de acción flojeando ostensiblemente en esos momentos y por ello los instantes más melodramáticos- servidos por el personaje de Hig y la especial relación con su leal can, que marca la simbología de la historia- resulten tan esparsos. Los instantes en la esperada “tierra prometida” a la que llegan los protagonistas resultan muy curiosos con su aire de ci-fi retro con reminiscencias comiqueras - en contraste con el aire rural y western del resto de la película- que remiten a Westworld, la obra de Moebius e incluso a Blade Runner, aunque el espíritu de la obra maestra de Ridley Scott en realidad no aparezca para nada.

Esta claro que a estas alturas no se le va a exigir a demasiado Scott, un director que por otra parte solo ha realizado grandes películas muy puntualmente a lo largo de su larga y prolífica carera, pero siempre es grato que de vez en cuando aparezcan películas de este tipo que sin grandes pretensiones y muy buen hacer cinematográfico entretienen y convencen.

EL SER QUERIDO

 

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Si, Rodrigo Sorogoyen ya es uno de los mejores directores españoles del momento y uno de los mejores cineastas hispanos en los últimos 25 años. Su filmografía crece en calidad en sentido exponencial y demuestra además un talento innato a la hora de manejar recursos cinematográficos más bien complejos- como en el que se ocupa en este filme, el de cine dentro del cine- y sobre todo se ha revelado como un narrador sugerente, directo y emocional capaz de conmover al espectador de diferentes maneras. El Ser Querido es su mejor filme hasta la fecha y un excelente ejercicio de inusual drama psicológico sustentado por sus dos protagonistas que dan vida a sendos personajes que aunque unidos por lazos paternofiliales se muestran en un crudo conflicto el uno con el otro en un tour de force sentimental y emocional que termina barriendo toda la historia y dejando con la boca abierta al espectador. Javier Bardem realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera- es curioso como su capacidad mejora cuando sale de Hollywood, tal vez sea porque en Europa se encuentra con mejores papeles- dando vida a un hombre con un sufrimiento interno palpable (sobre todo ante la llegada de su hija) y un carácter aparentemente despótico pese a su vitola de triunfador y Victoria Luengo, en el papel de la hija de este, se revela como una formidable actriz que en el futuro puede dar muchas satisfacciones al cine español.

La película nos muestra la dialéctica entre Esteban Martínez, un director de cine brillante y aclamado con un pasado de excesos que trata de olvidar y que muchos pasan por alto, y su hija Emilia, una actriz de cerca de 30 años al que Esteban elije para un papel estelar en su nueva película, una cara producción de época ambientada en el Sahara español en los años 50. El caso es que padre e hija no se ven desde hace más de diez años con el cineasta divorciado y con una nueva familia y ambos encaran el reencuentro con una mezcla de miedo, escepticismo y esperanza, sobre todo la joven. El carácter de Esteban, las claves pasadas de las relaciones familiares y de padre-hija y el tenso ambiento y los problemas durante un rodaje caótico empezarán a ejercer sobre ambos un incómodo influjo que llevará su relación y lo sentimientos de afecto del uno hacia el otro hasta el límite.

Es una auténtica gozada cinéfila el ver como se recrea un rodaje y como todos los trabajadores del gremio -cámaras, sonido, maquilladores, productores y por supuesto actores- son tratados con sumo cariño en este filme no exento de mirada desmitificadora. Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Nuria Prims y la francesa Marina Foïs son algunas de las caras que complementan un reparto entregado y eficaz ante la compleja tarea de interpretar papeles dobles (los actores y sus personajes) y de recrear un rodaje cinematográfico dentro de otro, recurso que el director y guionista utiliza como un espejo deformante en esta película. Dura psicológicamente pero con curiosos insertos de comedia dentro de su manierismo metacinematográfico, El Ser Querido es una película honesta y muy brillante que se disfruta con la debida paciencia y deja un inmejorable sabor de boca.

PASTORIS

 

*** y 1/2

El cine español sigue creciendo, madurando y evolucionando con películas que hasta hace unos veinte años serían enormemente inusuales. Con una mixtura de géneros -aventura, drama, cine de época y una pizca de cine fantástico- y un marcado componente antropológico, Pastoris, filme rodado en 2024 que llega con retraso, es un curioso ejercicio cinematográfico y narrativo que cuenta una historia de supervivencia, y lucha en la Salamanca rural de principios del siglo XIX recién terminada la Guerra de la Independencia con varios focos temáticos como la siempre conflictiva relación del ser humano con la naturaleza, el poder devastador de la mezquinidad humana, el sentimiento de culpa, el amor por los seres queridos o el instinto de supervivencia. Su protagonista, Domingo (Sergio Cardoso, en un trabajo muy esforzado) es un pastor salmantino que busca redimirse después de reaparecer por sorpresa en su aldea cuando se le daba por muerto en la guerra contra los franceses y cuyo papel en la misma comienza a ser sospechoso por una supuesta cobardía. Decidido a retomar su oficio de pastor de ovejas, este ser aparentemente desaliñado y casi salvaje y prácticamente repudiado por su esposa y su padre- pero no por su hijo pequeño- pero en realidad gran humanidad emprenderá un viaje con su rebaño por los campos salmantinos que será un viaje iniciático en toda regla.

Pablo Moreno, un director cuya interesante filmografía había pasado desapercibida, se muestra ser un realizador muy hábil y completo al que las etiquetas de los géneros no parecen importarle mucho. Rodada en el dialecto asturleonés y con una una total minuciosidad a la hora de mostrar las vestimentas,costumbres, técnicas de pastoreo e incluso la música de los charros salmantinos de principios del XIX , el filme es un prodigio de realismo costumbrista histórico realzado por los hermosos paisajes de la región leonesa que se nos muestran y en donde transcurre toda la historia. Con un reparto de desconocidos -con la excepción de un pequeño papel de Assumpta Serna- que rezuman credibilidad, una excelente banda sonora del propio Sergio Cardoso y Oscar Martín Leanizbarrutia y una suntuosa fotografía de Rubén Ortega y el director del filme, Pastoris es una pequeña sorpresa que marca no debería pasar fugazmente por la cartelera.

VIVIR LA TIERRA (SHENG XI ZHI DI)

 

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Muy interesante esta muestra de cine histórico-social chino que pone su foco en la empobrecida China rural última década del siglo XX con una historia ambientada en 1991 en donde la modernización en la tecnología y los modos de cultivo pese a lo relativamente revolucionaria que pudo ser no trajo cambios sociales de calado en una China profunda alejada de la vida urbana y los grandes centros económicos, y todo ello bajo la mirada infantil, un recurso narrativo en el mundo del cine que suele ser bastante grato y fascinante y así ha sido en este caso, aunque el resultado en el conjunto del filme haya sido discreto pero convincente.

El pequeño Chuang (Shang Wang), de 10 años de edad, vive con sus tíos, primos, abuelos y bisabuela en una aldea ya que sus padres trabajan en la ciudad. La vida familiar es dura con trabajo constante y no pocos sobresaltos (muertes, introducción de maquinaria agrícola e una población acostumbrada a la labranza artesanal , conflictos facsimilares), todo ello influyendo enormemente en el niño y en su proceso de maduración en una China cambiante. Película de evidente tono antropológico que su director, Huo Meng, subraya todo lo que puede consiguiendo curiosos y vistosos frescos que pueden resultar fascinantes para el espectador occidental y todo aquel que no conozca la vida rural china en el siglo XX. Sin una historia distinguible, la película se conforma de diferentes viñetas superpuestas que en su globalidad dicen bastante. Con un Realismo y naturalismo muy marcado e interpretaciones realistas - la cinta casi parece un documental- Vivir la Tierra se postula como una película interesante y muy grata de ver que pone de manifiesto que el cine del lejano oriente siempre es capaz de crear geniales peliculas desde cualquier prisma.