MICHAEL

 

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Era evidente que algún día tenía que hacerse y se hizo: la biografía cinematográfica de Michael Jackson. El denominado Rey del Pop (1958-2009) fue un figura clave en la historia de la música popular y su repercusión también desde el plano sociológico, cultural y dentro de la industria del entretenimiento mundial fue enorme, pero también es cierto que su peculiar personalidad y sus extravagancias -muy acentuadas desde mediados de los 80 una vez alcanzó el cenit de su fama- le convirtieron en un personaje muy polémico, algo que se acentúo desde la década de los 90 con las acusaciones vertidas hacia su persona. Una biografía audiovisual con pretensiones de definitiva sobre Michael Jackson- tal y como se presenta este esforzado y muy interesante filme que pese a todo no convencerá a todo el mundo- estaba claro que iba a pasar por alto los aspectos mas oscuros sobre el personaje y así ha sido, gracias al hecho de que este biopic llega solamente hasta 1988, pero no sería justo desdeñar por ello el hecho de que este filme consigue lo que se propone: ser un homenaje a Michael Jackson, a su música y a su legado captando claves de su extraña y compleja personalidad, sus tormentosas relaciones familiares -familia y trabajo-negocio fueron lo mismo para los Jackson- y su manera de vivir el éxito. Dirigida de manera efectiva por un fan confeso como Antoine Fuqua, muchas veces parece que la abundancia de canciones y recreaciones de actuaciones resten ritmo al filme, pero los momentos narrativos propiamente dichos están muy buen dispuestos pese a que la acción cronológicamente avanza demasiado rápido. Eso si, se echan en falta momentos ilustrativos de la historia de Michael y de la familia Jackson y la ausencia de tres de sus ocho hermanos - totalmente ignorados en el guion- así como un enfoque más crítico que al parecer llegó a plantearse en este filme, aun así el resultado es satisfactorio aunque, claro está, los fans de Jackson disfrutarán los que más con esta película.

El hecho de que varios de los Jackson estén involucrados en este proyecto -como ya lo estuvieron es una miniserie biográfica sobre la familia en los años 90- añade al resultado una cierta honestidad que tampoco debería ignorarse, pero si de colaboración familiar hablamos la más notable en este filme este filme es indudablemente la de su actor protagonista, sobrino del propio Jackson, Jaffar Jackson: el hijo de Jermaine se sumerge en la personalidad de su tio, en su voz (recomendable ver en VO para apreciar como Jaffar imita a la perfección el peculiar timbre de Michael), sus gestos, su forma de bailar, e incluso los diferentes aspectos de una personalidad perfeccionista, inmadura, excéntrica y hasta cierto punto imprevisible. Y por si fuera poco en casi toda la película está prácticamente clavado. También es digna de mención la interpretación del pequeño Juliano Krue Valdi como Michael niño y el excelente papel de Colman Domingo como el patriarca y primer manager de Jackson 5 Joseph Jackson, mostrando la personalidad egocéntrica, ambiciosa y déspota con la que este hombre pasó a la historia: su relación con sus hijos y sobre todo con el benjamín Michael aparece muy bien reflejada en esta película explicando muchos porque de las peculiaridades del cantante. Nia Long como la madre Katherine Jackson también aporta lo suyo pero su personaje podría tener más peso específico en esta película, como también el resto de hermanos de Jackson.

Muy buenas recreaciones de las diferentes épocas- años 60, 70,80- y de diferentes actuaciones, videoclips y conciertos ( en especial los de 1984 y 1988) para un bonito y vistoso espectáculo cinematográfico y musical que puede que no lo cuente todo pro que termina siendo una película atractiva y vitalizante.

INCONTROLABLE (I SWEAR)

 

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La historial real que se narra en este filme británico resulta tan cautivadora como sorprendente para muchos por lo relativamente poco conocido de su temática. Se nos cuenta la historia real de John Davidson (1971) un británico que se convirtió en celebridad por su activismo para visibilizar el síndrome de Tourette, una rara enfermedad neurológica que provoca severos tics y movimientos compulsivos y tics verbales y vocales que incluyen tacos e insultos involuntarios, mal que él mismo padeció y que lógicamente condicionó su adolescencia y juventud. Su historia de superación es bastante conocida en el Reino Unido - como él, que ya a los 17 años fue objeto del documental John´s Not Mad (1989)- y esta película, honesta y excelentemente narrada- le hace justicia. Con retazos de cine social british - incluyendo pequeña sombra de Ken Loach- y un optimista planteamiento que juega con la Feel Good movie, el melodrama y la comedia (en este caso involuntaria y servida por las consecuencias del síndrome que parece el protagonista), I Swear es una película amable, didáctica, emotiva y hecha con buen cine, muy bien dirigida por Kirk Jones y excelentemente interpretada por Robert Aramayo -premiado con el BAFTA a mejor actor 2026- un formidable actor llamado a darnos en el futuro muy buenos momentos interpretativos que se preparó el papel conviviendo con el auténtico Davidson durante unos meses: su interpretación es memorable y elaboradísima tratando de reflejar con total fidelidad los síntomas del Tourette hasta el punto de que realmente se piense que estamos ante una persona con dicha enfermedad. Por supuesto, también resulta excepcional el trabajo del actor que interpreta a John en su adolescencia, Scott Ellis Watson, una revelación.

La historia de este joven escocés, pese a que posee algunos momentos no muy agradables principalmente por sus problemas familiares- su familia se rompió a consecuencia de su enfermedad- por su sensación de desdicha una vez aparecieron los primeros síntomas a los 13 años y por cuando ya veinteañero le costó encontrar un hueco en la sociedad y conseguir un trabajo, resulta como hemos dicho muy reconfortante y esperanzadora conforme las situaciones se suceden y cambian y el propio John evoluciona y asume que su mal no puede suponerle ninguna barrera y puede conseguir lo que quiere pese a que siempre sus movimientos compulsivos, sus repentinos gritos, insultos y tacos en el momento más inoportuno o su tendencia a escupir al comer a primera vista resultan para todos algo improcedente y desagradable. La aparición en la vida de John Davidson de los Achenbach, la familia de su amigo Murray, será clave para su situación y su felicidad, encontrando en ellos una verdadera familia y en la matriarca, Dottie (una genial Maxine Peake) una verdadera madre. Momentos emotivos e intimistas conviven con pasajes más o menos graciosos (y entrañables) que hacen del visionado del filme una delicia. No debe pasar desapercibida esta película por la cartelera.

CALLE MÁLAGA

 

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Carmen Maura es esta película. Si que es cierto que este filme, una coproducción entre Marruecos, España, Francia, Alemania y Bélgica rodada en Tánger en español, parte de la historia familiar de la directora, la marroquí Maryam Touzani (El caftán azul, 2022), cuya abuela española llegó al protectorado español de Tánger al igual que muchos otros íberos en el siglo XX. pero María Ángeles, la protagonista, encarna en realidad a otra generación de españoles y españolas que nació allí y que sienten que en ese lugar están sus raíces en un entorno en donde la cultura magrebí y la europea conviven. Y desde luego que Maura a sus 80 años está soberbia en esta cinta, mostrando que aquel carisma que conquistó al público en la década de los 80 no se ha perdido un ápice porque esta actriz es sencillamente una intérprete irrepetible, con personalidad y con un encanto que ahora en la tercera edad se resiste a abandonarla. En este drama con ribetes de comedia, curioso en su emotividad y su costumbrismo- esto ultimo le conecta con muchos trabajos que la actriz ha realizado en el pasado- Carmen Maura nada como pez en el agua en un relato en realidad universal que nos habla del envejecimiento, de los conflictos generacionales, de la nostalgia, del sentimiento de pertenencia, del amor a edades avanzadas y de la lucha por las cosas que se aman, todo contado de manera tierna y sencilla pero al final con grndes resultados.

Marta Etura, otro de los pocos rostros españoles dentro de un reparto mayormente marroquí, da vida a Clara, la hija de María Ángeles, que residente en Madrid y recien divorciada visita a su madre viuda y le comunica que quiere vender el piso de Tánger en la calle Málaga para paliar su apurada situación actual, algo a lo que la mujer al principio se opone con rotundidad aunque posteriormente parece ceder, pero eso será un estratagema ya que María Ángeles no esta dispuesta a perder el hogar donde nació y todos sus recuerdos. Una lucha incansable la de esta mujer que le llevará a ingeniosos planes en los que hallará la complicidad de sus vecinos de la calle y también inesperadamente de Abslam (Ahmed Boulane), un anticuario que dará un nuevo sentido a su vida. Entre el melodrama y la feel good movie, Calle Málaga consigue ser una película muy sólida y agradable, y gran parte de culpa la tiene la actuación de Carmen Maura. Porque -como ella decía hace más de cuatro décadas- Carmen, tú vales mucho.

PROYECTO SALVACIÓN (PROJECT HAIL MARY)

 

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Desde hace tiempo la ciencia ficción cinematográfica ya no tiene el encanto que tuvo, pongamos, hasta finales de los 90. Sobra decir que con la proliferación y perfeccionamiento de los efectos especiales (ya con el uso de la tecnología electrónica) ya poco o nada nos sorprende en cuento a imágenes, construcción de escenas, escenarios y todo tipo de efectos. Esto es lo que ocurre con esta space opera basada en una novela de Andy Weir, un filme de anticipación catastrófica con amenaza a la tierra y su posterior salvación, tal y como indica el título en castellano, cuya larga duración (156 minutos) juega en su contra, teniendo además un estilo narrativo reiterativo y poco sorprendente para un filme de este tipo. Un profesor de ciencias de secundaria, Ryland Grace (Ryan Gosling), se despierta en una nave tras un periodo de hibernación de once años sin recordar nada, pero pronto será consciente de la misión que le encomendaron una década atrás: usar sus conocimientos para evitar la extinción del sol debido a una misteriosa sustancia interplanetaria que se detectó. Una vez más la manida premisa de “salvara la tierra” aunque como novedad aquí por lo menos no hay escenas grandilocuentes o momentos de épica barata y si un cierto componente de comedia-drama que atraviesa toda la historia -con un Gosling omnipresente y también en los flashbacks en la tierra con otros actores- pero también una dificultad más que evidente para mantener el interés de la historia que en no pocas ocasiones se hace poco atrayente.

Los primeros compases del filme comienzan bien y prometen una historia intimista y potente con un protagonista con todas las características de admirable antihéroe, pero la aparición de el coprotagonista del filme, un aliénigena inteligente con aspecto de araña pétrea que también busca la salvación de su planeta a bordo de su nave, convierta a la historia en una insulsa buddy movie con dudoso pulso comediático. No obstante sería injusto no tener en cuenta lo bien que están conseguidos los escenarios de las naves y lo más que correcto que funcionan las escenas de los flashbacks donde descubrimos todas las circunstancias que llevaron a Grace a su misión, así como la utilización de una sorprendente banda sonora donde nos podemos encontrar desde Miriam Makeba a Violeta Parra cantada por Mercedes Sosa o Neil Diamond. La ciencia ficción en el cine tal vez debe replantearse porque lo cierto es que ya parece que hay poco que contar o mejor dicho, se quiere contar casi siempre los mismo

AMARGA NAVIDAD

 

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Puede que esta nueva película de Almodóvar no aporte mucho, ni temática, ni estilística ni cinematográficamente a su dilatada filmografía, pero por lo menos hace constatar que el veterano cineasta manchego ha evolucionado y se ha adaptado bastante bien a los requerimientos del cine y la narrativa en la época actual, aunque esto no sea suficiente para filmar una gran película, como es en el caso que nos ocupa. Como ya hizo en Dolor y Gloria (2021) el director nos presenta un alter ego como protagonista o en este caso mejor dicho eje catalizador, aunque este personaje interpretado por un entonado Leonardo Sbaraglia esté a años luz en todos los sentidos del que encarnase Antonio Banderas incluida su conexión con el propio Pedro Almodóvar: aquí Raúl Durán además de ser un cineasta bastante más joven que el de Calzada de Calatrava es el narrador de una historia dentro de otra historia y ese es su rol principal, dejando el verdadero protagonismo a su creación en el guion que él escribe y que nosotros vemos hecho ya película, la también directora de cine Elsa (Barbara Lennie) cuya historia, paralela a la de Raúl,de alguna manera converge en la historia y circunstancias de Raúl y en la de las personas que le rodean. Esta estrategia narrativa, nada novedosa en realidad tanto en el cine como en otros medios pero grata y siempre interesante, discurre de manera correcta en este filme pero sin ninguna sorpresa ni situación de relieve; podía esperarse más pero es que desde hace tiempo Almodóvar ya no sorprende tanto. Ha conseguido un melodrama sutil y con buenos momentos pero incluso por debajo de sus últimos filmes, lo cual no quita que sea un filme interesante aunque no provoque entusiasmo.

El recurso semiautobiográfico, esta vez de carácter autorreflexivo sobre el paso del tiempo y la dificultad por mantener las relaciones humanas en su estado óptimo (amor, amistad) no se encuentra tan bien desarrollado como en Dolor y Gloria y da la sensación de que todo está demasiado apresurado mientras que la relación y la combinación entre entre las dos historias funciona de manera más bien previsible. Las secuencias de la historia de Elsa atesoran eso si los mejores momentos del filme con una Barbara Lennie que encarna a una mujer ansiosa por salir de la mediocridad profesional y convertirse en una gran cineasta mientras todas las personas de su alrededor inmediato- su pareja Bonifacio (Patrick Criado), sus amigas Patricia (Vicky Luengo) y Natalia (Milena Smit)- caen en crisis por una u otra razón al tiempo que la propia Elsa también entra en caída. Barbara Lennie está muy bien en este filme en donde como suele ser habitual en el cine de Almodóvar las interpretaciones son de kilates y suyo es el mejor trabajo en la cinta junto con el de Aitana Sanchez Gijón como Mónica, amiga y asistente personal de Raúl: no tiene muchos minutos en este filme pero están muy bien aprovechados como un personaje nexo de unión entre la ficción inventada por el personaje de Sbaraglia y la realidad. Pedro Almodóvar va a cumplir 76 años y poco más se le puede exigir ya. Está sabiendo madurar dignamente y esto muy pocos cineastas o creadores pueden decir, por lo que pese a no ser ninguna obra redonda esta película tiene su valor.

LA HIJA PEQUEÑA (LE PETIT DEMIÈRE)

 

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Nadia Melliti, actriz francesa de origen argelino de 24 años ganó el premio a la mejor actriz en el último Festival de Cannes por su papel de una joven francesa musulmana que se debate ente la fidelidad a su religión y las imposiciones de esta para vivir su vida y su sexualidad en esta hábil e inteligente película que bebe del naturalismo urbano más descarnado y el retrato de la realidad adolescente (femenina) para trazar un fresco psicológico intenso y dramático. Con el trasfondo de la multiculturalidad y la multirreligiosidad actual europea y una voluntad por tratar el asunto LGTBI de una manera clara y directa pero no necesariamente militante, el filme sin contar mucho y siempre centrándose en su protagonista, Fátima, y su drama interno, resulta un película honesta y cruda que aunque su explícito tratamiento de la sexualidad pueda resultar para muchos algo indigesto termina siendo un filme convincente aunque sin demasiados alardes. Nadia Melliti esta sensacional en un papel difícil y requerido de enorme entrega revelándose como una actriz a tener muy en cuenta.

La película está basada en la novela biográfica de Fatima Daas con lo que es imaginable la honestidad de la historia, un relato en donde vemos durante el periodo de un año como la adolescente de origen argelino Fatima, la menor de tres hermanas de una familia cuyas padres llegaron a Europa para hallar una mejor vida para sus hijas, descubre su condición de lesbiana en su último curso de Bachillerato mientras empieza a encarar las supuestas responsabilidades de la vida adulta y universitaria, conoce a nuevos amigos, se enamora de varias chicas, descubre el sexo, y se encuentra con el lado lúdico de los primeros años universitarios y con la dimensión más desmadrada de la cultura queer. Pero su condición de mujer musulmana – aunque la muchacha se muestre bastante occidentalizada- chocará con su estilo de vida y el sufrimiento interno será cada vez más grande. Aunque la temática religiosa no aparezca con preponderancia en este filme esta claro que es el aspecto que mueve la historia, pero no el único: las dudas de una postadolescente que descubre un mundo nuevo y aún no tiene muy clarificados sus sentimientos influyen poderosamente en el elemento psicológico de la historia, que es en realidad lo más poderoso y atrayente del filme y que se logra básicamente por el espléndido trabajo de Melliti. Con una interpretación pasable o mediocre esta película hubiese sido bien distinta. Hafsia Herzi, la joven directora - actriz metida a realizadora con este su tercer filme- demuestra ganas por contar una buena historia aunque a veces el ritmo narrativo y todas las derivaciones que se establecen en la historia así como un exceso de personajes no muy desarrollados y otros prescindibles impiden que esta sea una película más redonda. Con todo, una película a tener en cuenta.

HOPPERS

 

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A estas alturas huelga decir que todos los años Pixar cumple con su cita de estrenos (a veces dos pelis en un año) y es quien estructura -ya bien sea desde el prisma de Hollywood o incluso internacionalmente- la oferta de cine de animación, cometido que en realidad quien lo cumple es su compañía madre, Disney, ya que esta sin la colaboración de la empresa fundada a finales de los 80 por John Lasseter sigue lanzando sus filmes, ya la mayoría también con animación por ordenador. Es por ello que en la ya extensísima filmografía de Pixar además de obras maestras y filmes que ya son clásicos de la animación se pueden encontrar filmes meramente pasables e incluso algunos mediocres, pero el gran mérito es que siempre el nivel es alto, aunque la calidad -y por que no decirlo, la repercusión comercial- haya bajado algo en los últimos años. Hoppers, su último trabajo, no es una película memorable pero es una buena película y demuestra el oficio y la profesionalidad de los responsables de la productora aunque su modus operandi sea básicamente aplicar casi la misma fórmula a sus historias, pero bueno, estamos hablando de cine dirigido al público infantil. En esta ocasión nos encontramos con una historia con mensaje medioambiental y de convivencia contada con animales entre su condición real y antropomorfizada bajo una premisa de ficción científica desatada. Una localidad norteamericana con un humedal- ecosistema en donde habitan diferentes especies animales (sobre todo castores) es el escenario principal, un plan para destruir dicho ecosistema por el candidato a alcalde sin escrúpulos de turno es el McGuffin, y una joven de 19 años que ha transferido su mente a un castor robot gracias a un sofisticado sistema tecnológico ideado por la universidad de la ficticia ciudad de Villacastor, es la protagonista. La historia, bonita, con cierto encanto pero sin mucha originalidad, se deja ver y hace de la película un producto bastante aceptable, que gustará a los más pequeños e interesará a los mayores.

La protagonista, Mabel, una universitaria de 19 años, cumple su función- crucial en un filme de este tipo- de ser un personaje con personalidad y carismático y por cierto algo alejado de los modelos más manidos de los protagonistas -masculinos o femeninos- del cine animado. Una activista ecologista, enfrentada con un alcaldable villano de opereta, cuyo amor por los animales de su entorno la lleva a literalmente infiltrarse en sus vidas gracias fingiendo ser una castora que debe de convencer a los castores del lugar para que vuelvan a habitar el lago del bosque local e impedir así que se construya una autovía en dicho entorno natural. La premisa ci-fi, inspirada en claramente en Avatar, lógicamente funciona de manera paródica en una historia comediática y llena de humor exagerado con sus consabidas dosis de ternura, acción y algún momento muy conseguido. Desde el punto de vista técnico, la cinta se queda en un estado más bien discreto pero con bastantes logros sobre todo en el diseño de los paisajes y la espectacularidad de algunas secuencias sobre todo a partir de la segunda mitad del filme. Muy conseguida la interacción y la comunicación entre los personajes humanos y los animales a base de un curios recurso en la imagen y la caracterización de estos y muy oportuno y conveniente el mensaje de entendimiento y de convivencia entre especies y entre diferentes. Pixar cumple de nuevo cen un director que se estrena en esta función en la compañía, Daniel Chong, y se seguirá esperando como casi siempre un nuevo conejo que salga de su chistera, aunque como se dice muchas veces, sea siempre el mismo conejo. Pero bienvenidos sean sus filmes.

HASTA LA MONTAÑA (BERGERS)

 

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Esta agradable y visualmente atractiva producción canadiense tiene muy buenas intenciones y en bastantes momentos funciona correctamente, pero no consigue despegar ni llega a ser una película memorable durante todo su metraje. Su carácter de fábula contemporánea en donde jóvenes de ciudad con aparentemente la vida resuelta y profesiones más o menos exitosas van a vivir del pastoreo en plena montaña con la oportuna crítica social a los parámetros de la vida actual y la exposición de como las contradicciones de esta afectan a lo que debía ser una actividad y vida idílica es lo más atractivo de esta historia, en donde tampoco tampoco falta la nuestra de larealidad de una vida -la campestre- en realidad muy dura y llena de dificultades. Rodada en francés (es un filme de Quebec) en paisajes de los Alpes franceses, Bergers es una película que entretiene y se deja ver pero que con un guión muy mínimo no consigue emocionar, y eso que sus intérpretes se esfuerzan y su fotografía resulta sugerente y a veces grandiosa en sus paisajes montañosos naturales.

Un joven publicista de Montreal llamado Mathyas (Felix-Antoine Duval) deja atrás todo y viaja hasta la Provenza francesa para dedicarse al pastoreo de ovejas en plena montaña, sin tener ninguna experiencia en el asunto. Al principio todo es muy difícil -especialmente su inicial situación de soledad- pero pronto irá cogiendo experiencia aunque los problemas seguirán surgiendo por doquier. Su amiga Élise (Soléne Rigot), una funcionaria desencantada, terminará acompañándole en su aventura compartiendo dificultades, esperanzas y relación sentimental. El sabor de boca que deja esta película es grato, pero sin estridencias. El hecho de que se trata de la propia historia real de Mathyas Lefeubre, quien basándose en su propia novela autobiográfica ha coescrito el guión junto con la directora Sophie Deraspe, ha de tenerse muy en cuenta: que haya personas con una historia así es digno de elogio, y si lo cuentan, más todavía.

LOS MISERABLES. EL ORIGEN (JEAN VALJEAN)

 

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La inmortal novela de Victor Hugo, Los Miserables (1862) esta metida hasta el tuétano en la cultura francesa, es habitual que de vez en cuando se revise allí en cualquier medio este clásico literario del romanticismo teñido de realismo (significativa mixtura para la época en la que las dos grandes tradiciones culturales decimonónicas se fusionaron) Las adaptaciones cinematográficas, televisivas y teatrales de la extensa novela han sido numerosas y no solo desde Francia- lo del musical ha terminado desvirtuando algo la significación de la historia- y en esta ocasión se ha querido hacer algo un tanto diferente, a priori poco fértil más que arriesgado, pero que ha terminado siendo una propuesta fundamentada y con sustancia: contar de manera expandida los primeros capítulos de Los Miserables centrándose en la caída y primer intento de ascensión de su protagonista, Jean Valjean, presentado aquí de una insólita manera como un antihéroe con pocos principios pero con sus primeros conatos de ascenso moral gracias a su relación con el bondadoso (y astuto) obispo Myriel: Es decir, un estudio psicológico del joven Valjean que resulta muy entonado y sugerente en un filme que apuesta por la parquedad de diálogos, la fuerza de las imágenes, un look de periodo intencionadamente tosco y naturalista y un cierto aire de clásico europeo de arte y ensayo de antaño con ecos de Pasolini o Buñuel.

El director Eric Besnard hace un trabajo muy digno que no traiciona el espíritu de la novela de Victor Hugo pese a el tono aparentemente poco amable de una historia donde Valjean es más amoral y canalla que nunca. En donde los trabajos forzados del campesino y los otros convictos son representados tal vez de la manera más cruda y salvaje que hemos visto en cualquier adaptación de los Miserables, y en donde los personajes secundarios como el obispo, su hermana y su ama de llaves aparecen expuestos de una manera muy poco agradable, siendo el personaje del clérigo la clave en esta historia como guía moral del protagonista proponiéndole retos intencionados para su evolución de exreo forzado a un ser mínimamente respetable. Puede que toda esa intencionalidad introspectiva y su ambientación minimalista -en donde los paisajes campestres y naturales cumplen un papel fundamental- no resulten del gusto de un público amplio y que su cierto embarullameinto narrativo alargándolo todo hasta la exasperación reste muchos enteros al filme, pero este ha sido un experimento que aunque con algunos fallos ha salido bien y es de agradecer. Las interpretaciones de Grégory Gadebois (Jean Valjean) y Bernard Campan (el obispo) son muy buenas y se adueñan del filme. Otra forma de releer un clásico inmortal aunque sin muchos alardes.