El aparatito de Lumiere- DIAMANTE DE SANGRE

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Una muy interesante película que esta poniendo de actualidad el asunto del tráfico ilegal de diamantes procedentes de África. Rodada con amplia disposición de medios, esta ambiciosa producción, dirigida por Edward Zwik, trata de conjugar cine-espectáculo con cine-denuncia, tendiendo hacia lo primero, aunque tampoco se puede decir que su labor de mostradora de injusticias reales pase de modo alguno desapercibida. Diamante de sangre es, en definitiva, una buena película de testimonio sobre la realidad política internacional, centrada en las consecuencias de los enrevesados y mezquinos conflictos de intereses que tienen lugar en el continente negro, en donde para algunos son necesarios auténticos baños de sangre para conseguir sus objetivos.

La película cuenta con la presencia estelar de Leonardo Di Caprio, quien parece decidido a crecer como actor aceptando papeles tan ambiguos y ricos el que tiene en manos en este filme, y de la oscarizada Jennifer Connelly (Una mente maravillosa), quien al igual que Di Caprio realiza un trabajo interesante. La historia que se cuenta esta enmarcada en Sierra Leona, país africano que hasta principios de la década de 2000 mantuvo una cruel guerra civil que enfrentaba a milicias rebeldes contra el gobierno y en donde los abundantes yacimientos de diamantes condicionaban totalmente el desarrollo de la guerra, ya que tanto los insurgentes como el gobierno trataban de hallar el mayor número posible de diamantes para ponerlos a la venta en el mercado negro, tarea a al que se suman cazadores de diamantes “Free Lance”, como lo es Danny Archer, el personaje que interpreta Di Caprio. Todo ello con el conocimiento de las empresas joyeras y los bancos, quienes intentaban que la guerra durase para mantener su negocio. La película muestra como Archer, un ex mercenario blanco de Zimbawe, se ve en el dilema de ser fiel a su lucrativa profesión o de ayudar a su nuevo amigo Moses (Djimon Honsou, sensacional), un humilde pescador de Sierra Leona al que la guerrilla a recluido como prisioneros a su mujer y dos de sus hijos mientras que el mayor ha sido enrolado en la milicia insurgente, convirtiéndose en un soldado niño africano más. Un enorme diamante hallado por Moses durante su trabajo forzoso como minero es la llave que le puede llevar de nuevo junto con su familia, pero también es lo que puede propiciar la salida de Danny Archer de un país en guerra y de este negocio. Una periodista americana, Maddy, interpretada por Connelly, será testigo y cómplice de una huida desesperada hacia unos objetivos dispares dentro de un entorno violento y cargado de irracionalidad.

La película esta bastante bien filmada en unos espectaculares paisaje africanos. Son espectaculares las escenas bélicas, filmadas cámara al hombro casi siempre y sin concesiones a la espectacularidad barata, aunque con un realismo sobrecogedor. Las maquinaciones de los ejércitos y de los mercenarios tratantes de diamantes están muy bien mostradas, aunque en lo concerniente a la explotación del continente africano por los intereses de las multinacionales y su miserable situación fruto en gran parte de intereses mezquinos y de guerras de conveniencia se pasan más bien por encima. También el drama de los niños soldado tiene su reflejo en la peli, pero el tratar de abarcar tantas cosas y de tal trascendencia impide a que se llegue a profundizaciones. El guión, por otra parte, es bastante sinuoso y se muestra a veces incompleto, desmañado. No obstante, la película merece la pena verse. Por cierto, parece ser que esta película ha ocasionado que la venta de diamantes haya disminuido en algunos países, a pesar de que desde hace algunos años haya un control internacional en tráfico de diamantes. ¿Dejarán de ser los diamantes para siempre?

UTILIZANDO MAL LA PALABRA "LATINO"

Una de las malas consecuencias de vivir en una sociedad donde la información se ha globalizado es que los medios de comunicación pueden caer en el error involuntario de introducir conceptos o términos cuyo significado era, en una cultura o país, diferente al que se conocía antes. A parte de la gran cantidad de palabras de origen extranjero que se van incorporando a un idioma (algo que ya sucedía mucho antes del surgimiento de esta sociedad globalizada), existe la circunstancia de que muchas veces, traducciones literales de palabras cuyo significado, o mejor dicho para este caso, maneras de entenderlas, varían de un idioma a otro. Y si ya una sobresaturación de información o de oportunidades de empleo de determinados conceptos hace acto de presencia, es muy posible que tengamos varios conceptos o ideas sobre una misma palabra. Esto es lo que le ha venido a suceder al adjetivo “latino”, que en nuestro país y en el resto de territorios de habla hispana esta siendo incorrectamente empleado desde hace varios años, siguiendo mas o menos la idea que se tiene de esta palabra en los países anglosajones, y mas concretamente en Estados Unidos.


No hay mas que echar un vistazo a la prensa o estar atento a las conversaciones cotidianas de la gente de a pie para advertir de que la palabra “latino” o “latina” se utiliza para describir cualquier cosa y que ya no posee su verdadero significado. Según el diccionario de la RAE, latino/na es, “natural del Lacio; perteneciente o relativo a los pueblos del Lacio, o a las ciudades con derecho latino; Perteneciente o relativo a la lengua latina; la iglesia de occidente para diferenciarla de la griega; natural de los pueblos de Europa o América en los que se hablan lenguas derivadas del latín” como entradas mas significativas de las diez que ofrece la RAE.

Es decir, que dejando a parte las dos primeras acepciones del ejemplo y la tercera referidas a situaciones históricas del pasado y a asuntos religiosos, latino sería, desde el punto de vista geográfico en Europa cualquier persona española, francesa, portuguesa, italiana, rumana, o belga y suiza francófona, como los serían también ciudadanos de países de Sudamérica o Centroamérica que hablan español o portugués, así como cualquier otra comunidad minoritaria dentro de un país que hablase lengua romance (procedente del latín) o habitantes de antiguas colonias europeas donde la lengua de la metrópoli (de origen latino) ha persistido, como podrían ser Angola, Senegal o Congo en Africa, por ejemplo. Ciñéndonos a lo filológico, lenguas latinas son el francés, el castellano, el italiano, el portugués, el rumano, el catalán, el gallego, el provenzal, el occitano, el romanche y otras lenguas más minoritarias, a parte de otras ya extinguidas (el dálmata, por ejemplo). En realidad, latino como término antropológico o etnológico no goza de demasiada aceptación entre la comunidad científica, ya que pese a la común ascendencia del Imperio Romano, son mas bien pocos los rasgos étnicos comunes entre los pueblos europeos antes mencionados, aunque muchos si compartan bastantes rasgos culturales, a parte de la misma raíz idiomática proveniente del latín.

Vemos que latino es un término que claramente hace referencia a conceptos de partida inequívocamente indoeuropeos como son la antigua lengua latina o la cultura de ciertos países mediterráneos, lengua y cultura que se abrieron paso en el continente americano y en menor medida en algunas zonas de África e incluso de Asia, fruto del colonialismo. Vemos que nada dice el diccionario de la RAE sobre las acepciones que comúnmente tenemos hoy día del término “latino” a causa de un batiburrillo de malentendidos causado por un deseo de etiquetar todas las cosas a toda costa que muchas veces no es mas que un acto reflejo: latino es ahora muchas veces sinónimo de latinoamericano, o también se denomina así a las personas iberoamericanas con rasgos amerindios (denominados incorrectamente “rasgos latinos”), en otras ocasiones se emplea para describir un tipo de música, cultura o comportamiento (ritmos latinos, carácter latino) propio de países sudamericanos cuyo verdadero origen no esta en la herencia de sus conquistadores españoles, sino en su legado indígena, legado este que en absoluto sería latino. En otras palabras, que en España hemos tomado a grandes rasgos el concepto que en EEUU tiene de “latino” (escrito por ellos mismos de esta manera, con una o al final), un concepto que a parte de mostrar una vez mas la incultura del país del Tio Sam, se esta abriendo paso lamentablemente por todo el mundo. Lo peor de todo, es que los propios iberoamericanos están comenzando a aceptar ese término para referirse a ellos mismos, especialmente los inmigrantes en otros países como rasgo de identidad racial propia ante los europeos o norteamericanos.


Es curioso comprobar como la mala utilización del término latino en la cultura española (y en otros países europeos, incluyendo Italia y Francia, también latinos) aún va más allá de lo antes descrito. El peligroso contagio de la cultura yanki lleva a situaciones como catalogar como “música latina” a música cantada en español (los Grammy Latinos tienen parte de culpa en ello) o a extender el “temperamento latino” propio de españoles o italianos a los latinoamericanos, aunque es evidente que a este respecto ha habido una herencia proveniente de españoles y portugueses. Ya no se habla de acento sudamericano, sino de acento latino, y para muchos españoles, los rasgos indígenas de algunos habitantes de Latinoamérica (o incluso rasgos mulatos) son rasgos latinos, tal y como los consideran los norteamericanos. Bien, estupendo. ¿Alguien se acuerda de épocas no tan lejanas en el tiempo en las que ciudadanos españoles se consideraban, orgullosísimos, latinos, como los italianos, los franceses y los portugueses? Ya ni siquiera este concepto sirve para amalgamar hispanohablantes (aunque algún despistado también lo hay utilizado de esta otra incorrecta manera), latino es ahora sinónimo de latinoamericano, procedente de países americanos de habla hispana o portuguesa, como Brasil. Ni siquiera Haiti o Martinica (países caribeños donde hablan francés) están en este lote, ya que parece ser que lengua latina es solo el castellano, o ya si me apuras, el portugués.


Estas incorrectas concepciones que se han extendido en buena parte de Europa y Latinoamérica y que a parte de desvirtuar el significado real inducen a la mas absoluta de las confusiones y a la ignorancia de las últimas generaciones, proceden, como hemos dicho, de la secular empanada mental yanki. En la wikipedia en inglés echamos una ojeada al termino “latin”, pero enseguida nos remite a “latino” (textual en inglés). Latino, en inglés norteamericano, es un adjetivo que se le aplica a todo lo que tenga origen latinoamericano. La forma con terminación con o o a según el género viene directamente de la lengua castellana. Hasta aquí nada que conduzca a confusión, pero la realidad es muy otra. “Latino” para los norteamericanos es sinónimo del término racial “hispanic” (hispano, en la traducción castellana), empleado para designar a la minoría étnica procedente de Hispanoamérica y que en USA siempre ha supuesto un colectivo importante. En este punto, conviene recordar el manido estereotipo de los nortemericanos sobre los “hispanos”, que a parte de tener un idioma diferente son de tez morena y bajitos. Poco importa a los norteamericanos que estos “hispanos” o “latinos”, tengan rasgos amerindios o caucasianos en este caso del subtipo mediterráneo proveniente de la herencia española, el caso es que son muy morenos (el subtipo étnico europeo mediterráneo también lo suele ser, aunque nada tiene que ver con los indígenas americanos) y por ello no son blancos, son hispanos o latinos. Esta categorización racial esta mas basada en la lengua que en aspectos puramente antropológicos y resulta a todas luces científicamente falaz e incorrecta, pero ha sido aceptada por la propia comunidad hispanohablante norteamericana. No obstante, movimientos como el Mexica Movement rechazan con muy buen criterio estos términos ya que no tienen en cuenta la realidad indigenista de Latinoamérica y se refieren a una concepción europea ajena a ellos.


El caso es que bajo al concepción estadounidense, latino es todo lo que suena a español (o portugués) en el aspecto idiomático, lo que es muy moreno sin ser negro y habla además español y portugués, y en definitiva todo lo que viene de Latinoamérica. Pero la estrechez mental usaca muchas veces confunde lo propio de la cultura española con la cultura latinoamericana y se inventan pintorescos constructos mentales que lamentablemente han sido aceptados y adoptados por la comunidad hispanohablante en USA, y que han llegado ya a la propia Iberoamérica, aceptados tal vez como símbolo impostados símbolos de identidad frente la supremacía yanki, y obviando el hecho de que han sido los propios estadounidenses los que los han inventado.


La cultura es el campo donde los norteamericanos más han importado su mal uso del término latino. Músicas como la salsa, el merengue, la samba o fusiones musicales como el Latin Jazz o el Latin Rock, si nos ciñésemos al significado real del término tendrían que ser músicas de origen europeo, procedentes de España, Francia, Portugal, Italia y surgidas de tiempos antiguos, cuando aún la latinidad, o sea el hablar en latín, impregnaba la cultura de esos países, como era en al Alta Edad media . Es decir, que el Canto Gregoriano, la música italiana renacentista, o más adelante en el tiempo, la tarantella, el flamenco, el fado o al chanson francesa serían músicas latinas, mientras que la samba o la salsa son músicas de origen amerindio, y cuya escasa influencia occidental, por cierto, sería más anglosajona que eurolatina. Pero como las hacen hispanohablantes americanos, son latinas, mientras que el flamenco o la chanson dificilmente podrían considerarse como ritmos latinos tal y como últimamente se entienden. Hasta el Son cubano, de origen africano, es considerado música latina.


Tal y como señala la wikipedia, el término latino esta mal empleado en el momento en que se al da un significado racial, tal y como ocurre hoy día en EEUU, Europa e incluso la propia Latinoamérica, ya que es mas bien histórico y cultural. Pero esta concepción, como hemos visto, tampoco esta exente de ser mal utilizada ya que la confusión entre la cultura latina (indoeropea) y la cultura indígena americana esta bastante extendida en todo el mundo y precisamente por razones de idioma, mezclándose a veces la compresión de ambas culturas. También es bastante común la confusión de latino con hispanohablante dentro del continente americano, que lleva a brasileños a no considerarse latinos (bajo el concepto USA). Esta conceopción bastante extendida en el mundo anglosajón ha llegado a España y es incluso aceptado por los propios hispanoamericanos, quienes se consideran latinos en contraposición no solo a brasileños, haitianos, guayanenses u otros americanos no hispanoblantes, sino a los propios europeos latinos, incluidos españoles, quienes en no pocas ocasiones confunden latinidad con el hecho de hablar castellano.


Aunque no existe en Europa ninguna raza latina (en todo caso esta la europea mediterránea que abarcaría la mayor parte de los países con lengua romance junto con griegos, albaneses o yugoslavos), se señala en bastantes ocasiones en Europa la existencia de rasgos latinos o raza latina, refiriéndose a los rasgos amerindios de muchos latinoamericanos. Esto, lógicamente, es algo totalmente erróneo y proveniente de la burda concepción nortemericana del adjetivo latino. Es mas preocupante, con todo, que un sector de las últimas generaciones de latinoamericanos, especialmente entre inmigrantes en Europa, se autodefinan como latinos en contraposición de los “blancos” europeos, adquiriendo una falsa autoconcepción etnicísta que pone de relieve el amplio desconocimiento sobre el origen y auténtico significado de este concepto.


Y no hay que olvidar tampoco que la etiqueta “latino” vende en cualquier parte que se presente. Tal vez por eso existe tal lucha por su apropiación entre españoles y latinoamericanos, aunque ignorando ambos colectivos por completo que tal como ellos entienden- en ocasiones cada uno de manera diferente- “lo latino”, eso en realidad no existe. O mejor dicho, es algo muy diferente a lo que ellos piensan.

El aparatito de Lumiere- BOBBY

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Ahora que esto de las películas corales con varias historias entrelazadas parece que esta de moda a las carteleras llegó hace semanas esta esforzada y honesta producción norteamericana, modesta en cuanto a medios pero con un interminable reparto de estrella hollywoodienses. La película, cuya acción transcurre en 24 horas, se sitúa en un histórico y dramático acontecimiento que tuevo lugar en EEUU en 1968: el asesinato del senador del Partido Demócrata Robert “Bobby” Kennedy, hermano del carismático John F. Kennedy, el presidente asesinado en Dallas en 1963, y que preparando su carrera a la presidencia de su país sufrió el mismo destino que su hermano. Con un ideario bastante progresista para su país- y que incluso hoy en día resulta bastante “heavy” para la mentalidad “usaca”- Bobby Kennedy se había ganado el cariño y la admiración de una gran parte de la sociedad americana (incluidos afroamericanos y otras minorías étnicas) y era un firme candidato a convertirse en presidente de EEUU en las inminentes elecciones. Partidario de la salida de de los norteamericanos de la guerra de Vietnam, su antipatía por parte del ala mas conservadora de la sociedad yanki le valió la vida en pleno recuento de votos en las primarias del Estado de California. Esta película no trata directamente de la figura de este político, sino del estado de ánimo y de las ilusiones de un país que podía haber visto cambiada su historia- y tal vez la del mundo- de no ser porque una bala maldita segó la vida de Robert Kennedy en el hotel donde se hospedaba la noche de las elecciones primarias. Las pequeñas historias de varios de los empleados y visitantes del hotel aquella noche nos sirven para contemplar todas esas ilusiones, y también miserias y contradicciones, de la ciudadanía norteamericana de a pie aquella noche de 1968.

La película es un buen trabajo cinematográfico de claro tinte protesta y de denuncia hacia la hipocresía y el retraso moral de un país en donde aún persisten problemas que hace casi cuarenta años se tenía la convicción de que iban a acabar (problemas raciales, culto a la violencia, primacía del gasto armamentístico, desigualdades sociales). No nos extraña anda el sanamente cabreado tono de esta película si tenemos en cuenta que su director, el también actor Emilio Estévez, es hijo de Martin Sheen, intérprete cuyos izquierdistas posicionamientos son de sobra conocidos. Ambos intervienen como actores en el multitudinario reparto de este filme. Estévez- hermano también de Charlie Sheen- es un mediocre actor cuya carrera como intérprete en los 90 estaba en la mas pura indigencia tras unos comienzos algo prometedores en los 80, pero ha terminado de revelarse como un director competente, pese a que sus primeras películas como director- debito en tal faceta a principios de los 90- fuesen telefilmes alimenticios o bodrios como la comedia Dos chalados y un fiambre, su olvidable opera prima protagonizada junto con su hermano Charlie. Bobby no es que sea una cosa del otro jueves, pero es una película entretenida, bonita de ver y que hace pensar. Situada prácticamente en un único espacio físico- el del hotel- y encuadrada temporalmente en un día, es un muestrario de diferentes situaciones- más que historias propiamente dichas- en donde lo humano de cada personaje y la situación política y social del momento están íntimamente unidos. El estupendo plantel de actores lleva el peso de la película, que nos muestra a toda una sociedad dispuesta a pasar del desencanto a la ilusión sin saber que todo es mucho más difícil de lo que parece.

Los jóvenes voluntarios de la comisión electoral de Bob Kennedy preparando el recuento de votos, una cantante alcohólica y desencantada que actúa esa noche en el hotel, dos voluntariosos cocineros hispanos con una relación de amor–odio con el chef afroamericano, una joven pareja dispuesta a casarse para que él pueda librarse de ir a Vietnam, un irresponsable jefe de personal recién despedido, una telefonista con un oscuro secreto, la ilusión del director del hotel en la que puede ser una gran noche para su establecimiento…historias que al final estallarán y cambiarán insospechadamente. El desfile de caras conocidas es de este calibre: Sharon Stone, Cristian Slater, Elijah Wood, Anthony Hopkins, Heather Graham, Demi Moore, Lindsay Lohan, Harry Belafonte, Freddy Rodríguez, William. H. Macy, Laurence Fishburne, a parte de los ya citados Estévez y Sheen. Una película recomendable para conocer el ideario de una figura política injustamente olvidada de los últimos tiempos y cuya imagen real aparece documentalmente en varios momentos de la peli. Atención al increíblemente actual y magnífico discurso final.

el aparatito de Lumiere- BANDERAS DE NUESTROS PADRES

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Clint Eastwood, en estado de gracia en su vejez tras haber firmado las dos mejores películas como director de toda su carrera, Mystic River y Million Dollar Baby, ha decidido realizar su propia visión del fin de la II Guerra Mundial centrado en la batalla de la isla de Iwo Jima, en Japón, aquella en la que se sacó la famosa foto de los soldados yanquis plantando la bandera estadounidense. Este “patriótico” episodio podía haber sido objeto de enaltecimiento por parte de este mismo director hace 20 o 25 años, pero, mira tu por donde, últimamente el veterano y tradicionalmente considerado ultraconservador director y actor esta de un progre que te cagas y ha decidido dar a la historia un razonable tono desmitificador, porque lo de la foto de la banderita y lo de los héroes de Iwo Jima (de aquella foto quedaron solo 3 de 6 soldados tras terminar la guerra poco después) fue el típico montaje del gobierno USA prácticamente en contra de la voluntad de aquellos militares, que se vieron abrumados ante tal consideración de héroes mientras sufrían la perdida del resto de los compañeros en el campo de batalla, que para ellos eran los verdaderos héroes. Eastwood ha querido ser tan ecuánime que ha filmado sucesivamente dos pelis sobre el mismo tema, una bajo el punto de vista americano, esta, y otra bajo el punto de vista japonés, la aún no estrenada entre nosotros Letters from Iwo Jima, rodada en la lengua nipona. Esta ultima esta nominada como mejor película en los oscar de este año. Por lo visto y leído, es mejor que esta Banderas de nuestros padres, una película correcta y de buenas intenciones pero, francamente, se esperaba algo más de este estupendo director.

El ex alcalde de Carmel ha dotado a su film de cierto tono “de investigación” ya que el McGuffin (así se llama en cine al elemento de arranque temático de una peli) es el interés en la época actual del hijo de uno de aquellos tres supervivientes, ahora agonizando en el hospital, por conocer toda la verdad sobre la batalla de Iwo Jima, de la que su padre apenas habló y que le tuvo traumatizado toda su vida. El hijo se entrevista con supervivientes de aquella batalla y flashback va, flashback viene. El reparto, curiosamente, esta encabezado por un actor británico haciendo de marine norteamericano, Ryan Philip, quien interpreta a Doc, el médico del escuadrón y a quien siempre le pasó no poder socorrer a varios compañeros. El, junto con los otros supervivientes de aquella foto, el atormentado sioux Ira (Jesse Bradford) y el arrogante pero débil Gagnon (Adam Beach), serán objeto tras terminar la guerra de aparatosos y fastuosos homenajes y tributos a su supuesta heroicidad. La película nos muestra estos eventos y el desarrollo de la batalla contra los “japos” en Iwo Jima, la cara y la cruz con los mismos personajes, la tragedia frente al artificio y la hipocresía. Paraleleamente, asistimos a la evolución de la relación entre los personajes, cargada de tensión y de vergüenza, ya que el hecho de ser supervivientes ante tanta tragedia es algo que resulta mucho mas que embarazoso. El discurso de la peli más que antipatriótico es antipatriotero, lo cual tratándose de un WASP como Eastwood resulta llamativo, aunque tampoco es que se haga ninguna crítica despiadada al gobierno USA de aquella época. Si se critica la intervención norteamericana en esa guerra y la hipocresía de un país que sacrificó a toda una generación en aguas del Pacífico para su propio enaltecimiento. Eastwood no ha manejado esta vez bien el tono crítico y el resultado es una historia conocida contada sin estridencias y con innecesaria corrección política que no llega a emocionar en ningún momento.

Cierto es que las escenas bélicas en la isla son formidables, lo mismo que todas las secuncias que se desarrollan en la guerra, con unos jovencísimos e inocentes soldados totalmente superados por los salvajes acontecimientos. En especial, el manejo de la cámara panorámica es formidable y se ha conseguido una excelente fotografía en las secuencias de la contienda que trata de imitar la calidad del celuloide en color de los años 40 (un color que casi no era tal) y el estilo de los documentales bélicos de le época. Hay buenos momentos en el filme, muchos centrados en el personaje del soldado Ira, un nativo norteamericano honrado como un blanco en una época donde los indios aún eran despreciados y cuya explosiva mezcla de sentimientos contradictorios le llevará al infierno personal. En fin, habrá que esperar un poquito más para poder disfrutar de la genialidad de Clint en su siguiente y de inminente estreno película.

QUINIELA DE LOS OSCAR

Ya esta la lista de nominados de esos premios tan originales e imprevisibles que son los Oscar de la academia de Hollywood. No es que haya habido grandes sorpresas este año, pero si que resulta llamativa la presencia de algunas películas y la ausencia de otras, en determinadas categorías. No me he resistido a la tentación de hacer mis propios pronósticos sobre los ganadores de este año, pese a que no todas las películas nominadas han sido estrenadas en España y algunas (los cortometrajes, documentales) no las llegaré ni a ver, aunque siempre se podrá recurrir al “he oído por ahí que...”

Con carácter cambiante (esta quiniela se irá actualizando a medida que vea nuevas películas) se presenta la lista de nominados y mis propios pronósticos. Si, ya se que los Oscar, como todos los premios USA, son una pantomima comercial, pero ¿a quien no le gusta enterarse a la mañana siguiente de los ganadores y conocer si han obtenido algo sus películas favoritas?

Una valoración general

Los Oscar este año han pretendido ser culturalmente diversos, o mas bien globalizadores. Entre los filmes nominados una coproducción hispano-mexicana, El Laberinto del Fauno cuenta con seis nominaciones, y aunque en las diferentes categorías de largometraje de ficción la presencia de películas no rodadas en inglés, a parte del filme de Del Toro (y sin contar a la producción norteamericana rodada en japonés Letters from Iwo Jima) es testimonial, es cierto que a título individual nos encontramos con españoles, coreanos, mexicanos, italianos, británicos, japonenses, en un número bastante mayor que en otras ediciones. En las categorías principales, ahí esta el manito González Iñarritu con su nominación a mejor director, sus compatriotas Guillermo Arriaga y Guillermo del toro como mejor guión por sendas películas y Adriana Barraza como mejor actriz secundaria. Se puede decir que México ha sido el país extranjero triunfador en la edición de este año, aunque hay que tener en cuenta que El laberinto del fauno es en realidad una película mas española que mexicana, con la que la Academia del Cine española cometió la torpeza de no haberla seleccionado para competir por mejor película extranjera, mientras que los aztecas, mas espabilados, pueden llevarse mas de un oscar. La nominación a Penélope Cruz como mejor actriz con Volver dará que hablar durante las próximas semanas, pero sus opciones son bastante escasas, a parte de que tal vez el hecho de su nominación sea inmerecido.

Una de las más llamativas sorpresas ha sido la nominación a mejor película de Little Miss Sunshine, una deliciosa película independiente que ha sido el sleeper (película de gran éxito inesperado) de la temporada. No cuenta con muchas nominaciones, pero es posible que la academia le de algún oscar. No obstante, el hecho de que se encuentre compitiendo por ser una de las mejores películas del año, resulta excesivo, habiendo otras películas mas merecedoras.

Aunque como he dicho antes, no ha habido grandes sorpresas, las ausencias otro año más son notorias. Es poco comprensible que un filme como Lord of War este ausente, siendo uno de los mejores filmes del año. También Apocalypto, de Mel Gibson, merecía mejor suerte, lo mismo que El perfume, cuya ausencia se me antoja aberrante. Pero las que están, en su mayoría, merecen estarlo.

Mis apuestas

El criterio por el que me voy a guiar es mas de preferencia personal que de lo que creo que decidirá al academia, aunque he tratado de tener en cuenta esto último. Cierto es que hay bastantes pelis que aún no he visto, pero la posibilidad de ir editando y cambiando los posts podrá brindarme la oportunidad de ir modificando las preferencias.
Sin mas, les dejo con la lista de nominados, con los pronósticos en negrita

MEJOR ACTOR

Leonardo DiCaprio “Blood Diamond” (Warner Bros.)

Ryan Gosling “Half Nelson” (THINKFilm)

Peter O’Toole “Venus” (Miramax, Filmfour and UK Council)

Will Smith “The Pursuit of Happyness” (Sony Pictures Releasing)

Forest Whitaker “The Last King of Scotland” (Fox Searchlight)

A fecha de escribir estas líneas, he visto Blood Diamond y la interpretación de Di Caprio no es para tanto. Parece ser que Smith esta que se sale en su película, que aún no he visto.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Alan Arkin “Little Miss Sunshine” (Fox Searchlight)

Jackie Earle Haley “Little Children” (New Line)

Djimon Hounsou “Blood Diamond” (Warner Bros.)

Eddie Murphy “Dreamgirls” (DreamWorks and Paramount)

Mark Wahlberg “The Departed” (Warner Bros.)

Honsou hace una magistral interpretación, el oscar puede que vaya a Africa. No se que narices pinta la nominación de Wahlberg.

MEJOR ACTRIZ

Penélope Cruz “Volver” (Sony Pictures Classics)

Judi Dench “Notes on a Scandal” (Fox Searchlight)

Helen Mirren “The Queen” (Miramax, Pathé and Granada)

Meryl Streep “The Devil Wears Prada” (20th Century Fox)

Kate Winslet “Little Children” (New Line)

A falta de ver varias de las películas, la interpretación de Helen Mirren como Su Graciosa Majestad británica es sencillamente memorable. Espero que le den la estatuilla. La Pé lo tiene chungo.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Adriana Barraza “Babel” (Paramount and Paramount Vantage)

Cate Blanchett “Notes on a Scandal”

(Fox Searchlight)

Abigail Breslin “Little Miss Sunshine” (Fox Searchlight)

Jennifer Hudson “Dreamgirls” (DreamWorks and Paramount)

Rinko Kikuchi “Babel” (Paramount and Paramount Vantage)

Adriana Barraza merece con creces el Oscar, aunque su compañera de reparto en Babel la japonesita Rindo Kikuchi a priori tiene opciones. La niña de Little Miss Sunshine puede estar contenta con su nominación, lo cierto es que lo hace estupendamente.

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

“Cars” (Buena Vista) John Lasseter

“Happy Feet” (Warner Bros.) George Miller

“Monster House” (Sony Pictures Releasing) Gil Kenan

No he visto ninguna, pero de la que mejor he oído hablar es de Happy Feet

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

“Dreamgirls” (DreamWorks and Paramount)

“The Good Shepherd” (Universal)

“Pan’s Labyrinth” (Picturehouse)

“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Buena Vista)

“The Prestige” (Buena Vista)

El trabajo de dirección artística en El laberinto… es de bastante recibo, aunque del resto, salvo The Prestige, poco puedo decir a fecha de hoy.

MEJOR FOTOGRAFÍA

“The Black Dahlia” (Universal) Vilmos Zsigmond

“Children of Men” (Universal) Emmanuel Lubezki

“The Illusionist” (Yari Film Group)

Dick Pope

“Pan’s Labyrinth” (Picturehouse) Guillermo Navarro

“The Prestige” (Buena Vista) Wally Pfister

La fotografía de Children of men es excelente, yo creo que merece ser la ganadora

MEJOR VESTUARIO

“Curse of the Golden Flower” (Sony Pictures Classics) Yee Chung Man

“The Devil Wears Prada” (20th Century Fox) Patricia Field

“Dreamgirls” (DreamWorks and Paramount) Sharen Davis

“Marie Antoinette” (Sony Pictures Releasing) Milena Canonero

“The Queen” (Miramax, Pathé and Granada) Consolata Boyle

Lo visto en Maria Antonieta es realmente espectacular. Claro que en The Queen hubo un meritorio trabajo de documentación para reproducir la vestimenta de la familia real inglesa y de parte del gobierno británico.



MEJOR DIRECTOR

“Babel” (Paramount and Paramount Vantage) Alejandro González Iñárritu

“The Departed” (Warner Bros.) Martin Scorsese

“Letters from Iwo Jima” (Warner Bros.) Clint Eastwood

“The Queen” (Miramax, Pathé and Granada) Stephen Frears

“United 93” (Universal and StudioCanal) Paul Greengrass

Aunque los trabajos de Scorsese y de Eastwood son de 10, Iñarritu ha hecho un esplendido trabajo cinematográfico. La cosa estaría reñida, pero Iñarritu ha hecho pura delicatessen cinematográfica. Por otra parte, me parece estupendo que entre los nominados este Paul Greengrass, cuyo Vuelo 93 hubiese merecido mas nominaciones.

MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

“Deliver Us from Evil” (Lionsgate)Amy Berg and Frank Donner

“An Inconvenient Truth” (Paramount Classics and Participant Productions)Davis Guggenheim

“Iraq in Fragments” (Typecast Releasing)James Longley and John Sinno

“Jesus Camp” (Magnolia Pictures)Heidi Ewing and Rachel Grady

“My Country, My Country” (Zeitgeist Films)Laura Poitras and Jocelyn Glatzer

Solo uno de estos documentales se ha estrenado en España, concretamente el de la apuesta. Posiblemente sea el que se lo lleve, ya que ha tenido bastante éxito, y ya se sabe

MEJOR CORTO DOCUMENTAL

“The Blood of Yingzhou District”

“Recycled Life”“Rehearsing a Dream”

“Two Hands”

Como Vds. comprenderán, puesto a boleo.


MEJOR MONTAJE

“Babel” (Paramount and Paramount Vantage) Stephen Mirrione and Douglas Crise

“Blood Diamond” (Warner Bros.) Steven Rosenblum

“Children of Men” (Universal) Alex Rodríguez and Alfonso Cuarón

“The Departed” (Warner Bros.)Thelma Schoonmaker

“United 93” (Universal and StudioCanal) Clare Douglas, Christopher Rouse and Richard Pearson

United 93 tiene con diferencia el major montaje de las nominadas estrenadas, pero siendo una pequeña producción independiente, puede que al final Infiltrados o babel se lleven el gato al agua.

MEJOR PELÍCULA EN LENGUA NO INGLESA

“After the Wedding” A Zentropa Entertainments 16 ProductionDenmark

“Days of Glory (Indigènes)” A Tessalit ProductionAlgeria

“The Lives of Others” A Wiedemann & Berg ProductionGermany

“Pan’s Labyrinth” A Tequila Gang/Esperanto Filmoj/Estudios Picasso Production Mexico

“Water” A Hamilton-Mehta Production Canada

El hecho que una película nominada a mejor película extranjera tenga ootras varais nominaciones suele ser sinónimo de que esa película ganará el oscar en esta categoría. Además, en USA ha encantado.

MEJOR MAQUILLAJE

“Apocalypto” (Buena Vista) Aldo Signoretti and Vittorio Sodano

“Click” (Sony Pictures Releasing) Kazuhiro Tsuji and Bill Corso

“Pan’s Labyrinth” (Picturehouse) David Marti and Montse Ribe

El trabajo en El Laberinto…es estupendo (sin conocer como es el de Clic). Ya hay un tercer oscar para la película de Del Toro.

MEJOR PARTITURA ORIGINAL

“Babel” (Paramount and Paramount Vantage) Gustavo Santaolalla

“The Good German” (Warner Bros.) Thomas Newman

“Notes on a Scandal” (Fox Searchlight) Philip Glass

“Pan’s Labyrinth” (Picturehouse) Javier Navarrete

“The Queen” (Miramax, Pathé and Granada) Alexandre Desplat

La verdad es que ninguna de las Bandas Sonoras de las películas estrenadas me llamó poderosamente la atención, aunque de elegir alguna, la de Babel, de Gustavo Santaolalla, es bastante resultona.

MEJOR CANCIÓN

“I Need to Wake Up” from “An Inconvenient Truth”(Paramount Classics and Participant Productions) Music and Lyric by Melissa Etheridge

“Listen” from “Dreamgirls”(DreamWorks and Paramount) Music by Henry Krieger and Scott CutlerLyric by Anne Preven

“Love You I Do” from “Dreamgirls”(DreamWorks and Paramount) Music by Henry KriegerLyric by Siedah Garrett

“Our Town” from “Cars”(Buena Vista)Music and Lyric by Randy Newman

“Patience” from “Dreamgirls”(DreamWorks and Paramount)Music by Henry KriegerLyric by Willie Reale

No conozco ninguna, pero con tres nominaciones, Dreamgirls (película sobre la legendaria casa discográfica Motown) será con probabilidad la triunfadora en esta sección.

MEJOR PELÍCULA

“Babel” (Paramount and Paramount Vantage) An Anonymous Content/Zeta Film/Central Films ProductionAlejandro González Iñárritu, Jon Kilik and Steve Golin, Producers

“The Departed” (Warner Bros.)A Warner Bros. Pictures Production Nominees to be determined “Letters from Iwo Jima” (Warner Bros.)A DreamWorks Pictures/Warner Bros. Pictures ProductionClint Eastwood, Steven Spielberg and Robert Lorenz, Producers

“Little Miss Sunshine” (Fox Searchlight)A Big Beach/Bona Fide ProductionNominees to be determined

“The Queen” (Miramax, Pathé and Granada)A Granada ProductionAndy Harries, Christine Langan and Tracey Seaward, Producers

Confieso que me gusto mas The Departed, pero yo creo que el Oscar será finalmente para la obra maestra de Iñarritu, que la verdad también lo merecería (aún no siendo la mejor película del año). También Letters From Iwo Jima sería merecedora, pero a la Academia le van mas las historias tipo Babel

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN

“The Danish Poet” (National Film Board of Canada)

“Lifted” (Buena Vista)“The Little Matchgirl” (Buena Vista)“Maestro” (Szimplafilm)

“No Time for Nuts” (20th Century Fox)

Otra elección al buen tuntún. La Disney (por Buenavista) tiene dos nominaciones. Ojo

MEJOR CORTOMETRAJE

“Binta and the Great Idea (Binta Y La Gran Idea)”A Peliculas Pendelton and Tus Ojos ProductionJavier Fesser and Luis Manso

“Éramos Pocos (One Too Many)” (Kimuak)An Altube Filmeak ProductionBorja Cobeaga “Helmer & Son”A Nordisk Film Production Soren Pilmark and Kim Magnusson

“The Saviour” (Australian Film Television and Radio School)An Australian Film Television and Radio School ProductionPeter Templeman and Stuart Parkyn

“West Bank Story” An Ari Sandel, Pascal Vaguelsy, Amy Kim, Ravi Malhotra and Ashley Jordan ProductionAri Sandel

Voy a tirar para casa y le doy mi pronóstico a mi paisano Borja Cobeaga. También está Javier Fresser nominado, en una categoría con sabor ibérico.

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO

“Apocalypto” (Buena Vista) Sean McCormack and Kami Asgar

“Blood Diamond” (Warner Bros.) Lon Bender

“Flags of Our Fathers” (DreamWorks and Warner Bros., Distributed by Paramount)Alan Robert Murray and Bub Asman

“Letters from Iwo Jima” (Warner Bros.)Alan Robert Murray

“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Buena Vista)Christopher Boyes and George Watters II

Apocalypto tiene un sonido mas que imponente.

MEJORES MEZCLAS DE SONIDO

“Apocalypto” (Buena Vista)Kevin O’Connell, Greg P. Russell and Fernando Camara

“Blood Diamond” (Warner Bros.)Andy Nelson, Anna Behlmer and Ivan Sharrock “Dreamgirls” (DreamWorks and Paramount)Michael Minkler, Bob Beemer and Willie Burton “Flags of Our Fathers” (DreamWorks and Warner Bros., Distributed by Paramount) John Reitz, Dave Campbell, Gregg Rudloff and Walt Martin

“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Buena Vista) Paul Massey, Christopher Boyes and Lee Orloff

Lo que antes eran efectos sonoros. Apocalypto también podría ganar aquí, pero personalmente prefiero en este apartado a Blood Diamond

MEJORES EFECTOS VISUALES

“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest” (Buena Vista)John Knoll, Hal Hickel, Charles Gibson and Allen Hall

“Poseidon” (Warner Bros.)Boyd Shermis, Kim Libreri, Chaz Jarrett and John Frazier “Superman Returns” (Warner Bros.)Mark Stetson, Neil Corbould, Richard R. Hoover and Jon Thum

Un año mas las nominaciones en esta categoría son de lo mas rácano. La predicción es para al única que no he visto, aunque por lo que he podido contemplar en diferentes secuencias, los efectos por ordenador son sensacionales.

MEJOR GUION ADAPTADO

“Borat Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan” (20th Century Fox) Screenplay by Sacha Baron Cohen & Anthony Hines & Peter Baynham & Dan MazerStory by Sacha Baron Cohen & Peter Baynham & Anthony Hines & Todd Phillips “Children of Men” (Universal)Screenplay by Alfonso Cuarón & Timothy J. Sexton and David Arata and Mark Fergus & Hawk Ostby

“The Departed” (Warner Bros.) Screenplay by William Monahan

“Little Children” (New Line) Screenplay by Todd Field & Tom Perrotta

“Notes on a Scandal” (Fox Searchlight) Screenplay by Patrick Marber

La verdad es que no se que hace Borat nominada. The Departed (Infiltrados) es la película que espero que se lleve este oscar

MEJOR GUION ORIGINAL

“Babel” (Paramount and Paramount Vantage)Written by Guillermo Arriaga

“Letters from Iwo Jima” (Warner Bros.)Screenplay by Iris YamashitaStory by Iris Yamashita & Paul Haggis

“Little Miss Sunshine” (Fox Searchlight)Written by Michael Arndt

“Pan’s Labyrinth” (Picturehouse)Written by Guillermo del Toro

“The Queen” (Miramax, Pathé and Granada)Written by Peter Morgan

Babel tiene muchos, muchos boletos, siendo su mas importante competidor el filme de Eastwood. Ojo, no se descartan sorpresas tipo Oscar a Little Miss Sunshine. El guión de The Queen es objetivamente muy bueno, pero tiene pocas posibilidades.

el aparatito de Lumiere- APOCALYPTO

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Una espectacular e inusual superproducción histórica dirigida por Mel Gibson, en lo que supone el cuarto trabajo como director del ex-actor (si damos crédito a su anuncio de que dejaba la interpretación) australiano afincado en EEUU. Apocalypto es una historia ambientada en una Guatemala precolombina, hacia el siglo XVI, concretamente (o sea muy poco después del descubrimiento del nuevo continente pero cuando aún no habían llegado los europeos a esos territorios) en donde asistimos la lucha por la supervivencia de los últimos miembros de una tribu primitiva de la selva a la que los mayas- civilización mas avanzada y próspera- han exterminado prácticamente, raptando a sus supervivientes para ser ofrecidos en sacrificio a los dioses con el fin de que cese la sequía que esta diezmando a tal civilización precolombina.

Al igual que en su anterior La pasión de Cristo, la película esta rodada ye strenada en lengua original de los hechos, que en esta ocasión es la maya-yacuteca (subtitulado, claro), un idioma prácticamente desaparecido que con la ayuda de diversos asesores lingüistas se ha recuperado para la ocasión. También, como en la anterior película, se ha apostado por interpretes desconocidos, aunque al contrario que en La pasión de Cristo, no hay ni un solo actor internacionalmente célebre (en aquella ocasión estaban James Caveziel y Mónica Bellucci). Es mas, gran parte de los actores de Apocalypto no son intérpretes profesionales o es la primera película de cine en la que trabajan. Una apuesta arriesgada, rodada en plena selva, con muchos millones invertidos en vestimentas, atrezzo, extras, decorados de al civilización maya y cámaras de alta tecnología. Pero esta película no es ni mucho menos un vacuo espectáculo ni una típica superproducción histórica hollywoodiense, es un filme mezcla de drama y cine de aventuras, con un insólito y perfectamente conseguido carácter antropológico y naturalista que se ve como si realmente estuviéramos allí, en plena selva centroamericana en el siglo XVI. Minuciosa en todos sus detalles y atravesada por una violencia realista y sobrecogedora que ha causado cierto malestar en USA (aunque en realidad tampoco es para tanto), Apocalypto es hasta la fecha la mejor película como director de Mel Gibson, quien nos regala un espectáculo donde la tragedia, al aventura, lo histórico-antropológico, lo ecológico y lo simbólico se dan cita a partes iguales.


Mel Gibson como persona puede caer mal por su vanidad y por sus posicionamientos ultraconservadores, pero hay que reconocer que se ha revelado como un excelente director y que en esta faceta resulta incluso más competente que en su al parecer abandonado rol de actor. Apocalypto puede que no sea una película redonda pero que duda cabe que el mero hecho de poder desarrollar su inusual concepto es ya un enorme soplo de aire fresco en el casi siempre previsible cine hollywoodiense. Una historia de lucha por la supervivencia de un pueblo primitivo (la tribu yucateca) ante la hegemonía de los mas poderosos (los mayas) en una parábola sobre la opresión que siempre ejercen los pueblos mas ricos ante los mas débiles. También es la historia de la lucha personal de un hombre, el guerrero Ojo de Jaguar (Rudy Youngblood), por conservar su modo de vida y su familia, y en definitiva su libertad, ante el acoso salvaje y despiadado de los mayas, pueblo más avanzado que su tribu pero más despiadado y violento que se ensaña con los mas desvalidos para superar su propia decadencia y vencer a sus propios miedos. Para mostrarnos ese estado salvaje al que puede llegar el hombre movido por la codicia se recurre a imágenes y escenas muy violentas que rozan a veces lo gore pero que no resultan infumables en ningún momento; lo que realmente resulta impactante es la crueldad conceptual de ciertos momentos, mas que las imágenes.

Paisajes naturales deslumbrantes y una espectacular reconstrucción de una ciudad maya realzan los méritos de la película, que cuenta con un ritmo frenético y vibrante acorde con al epopeya que trata de describir logrado gracias a unos movimientos de cámara dinámicos e hiperveloces, especialmente en las escenas de persecución. Los desconocidos actores logran esforzadas y creíbles interpretaciones, en una mezcla de actores hispanoamericanos (Dalia Hernández, Gerardo Taracena, Raoul Trujillo) y norteamericanos (Rudy Youngblood, Morris Birdyellowhead), pero todos ellos con raíces indígenas. Una epopeya sobre la destrucción y la violencia que acompaña al desmembramiento y aniquilación de los pueblos, personalizado en esta película en las tribus primitivas y en los propios mayas, ya que a cada uno en su debido tiempo (unos durante toda la historia contada en la peli y otros se supone que después) les toca vivir esa situación.

El aparatito de Lumiere- THE PRESTIGE (EL TRUCO FINAL)

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El último filme de Christopher Nolan (Memento, Batman Begins) es una sensacional película que es hasta el momento, el mejor trabajo de este interesante director. Al igual que la estrenada hace pocos meses El ilusionista, la película se centra en el mundo de la magia y el ilusionismo a finales del siglo XIX, esta vez ambientado principalmente en Londres. El filme es la historia de una cruenta rivalidad entre dos magos que luchan desde el comienzo simultáneo de sus respectivas carreras por ser los mejores en los escenarios londinenses, después de haber participado ambos como ayudantes de otro mago. Angeir (Hugh Jackman) y Burdein (Cristhian Bale) ansiaban en sus comienzos cuando participaban ambos en aquel espectáculo por conocer todos los secretos del ilusionismo y perfeccionar las técnicas de los trucos. Un desgraciado accidente en ese número que costara la vida a la prometida de Angeir, también artista, les distancia y les convierte en enemigos, momento en el cual ambos se proponen ser el mejor mago de Inglaterra. El viejo ingeniero de los trucos (Michael Caine) que trabajaba con el maestro de ambos magos, se convertirá en ayudante y hombre de confianza de Angeir, colaborando en una lucha sin cuartel contra su rival por ofrecer el espectáculo más asombroso, con la culminación más apoteósica (el prestigio, que se llama en el mundo del ilusionismo)

Nos ofrece la película - basada en una novela- sobrada información y demostraciones sobre diferentes y espectaculares técnicas de ilusionismo de finales del siglo XIX (¿serán reales?), muy bien presentadas y que resultan una auténtica gozada conocerlas. Y todo el mundo de la imaginación, la farsa y la ilusión en que se basa el espectáculo de la magia aparece espectacularmente reflejado en la peli, que juega brillantemente con el engaño y la ilusión también con el espectador, con alucinantes giros de guión y trampantojos de todo tipo. La narración no es estrictamente lineal en lo temporal, aunque a estas alturas ya estamos acostumbrados a tantas películas así, pero en eesta ocasión se recurso es necesario ya que es lo que otorga épica y grandiosidad a la historia, que al final se va transformando en toda un epopeya y un tratado sobre los límites de la realidad y el engaño y sobre la realidad que supera a la mas increíble de las ficciones. La película comienza de hecho con Burdein, interpretado por Cristhian Bale acusado de matar a Angeir tras años de intensa rivalidad profesional y personal. Burdein, para aclarar sus dudas, lee en al cárcel el diario del difunto Angeir, quien a su vez leyó el diario de Burdein para conseguir algo que el ansiaba- que era conocido por Burdein- y que le convertiría en el mejor mago que haya existido nunca. La clave se encuentra en la electricidad, y Angeir contactará con el Dr. Tusla (David Bowie) un científico-mago que asegura realizar increíbles experimentos en el límite de la magia con la energía eléctrica.

El enfrentamiento personal entre ambos magos, centrado en quien puede ofrecer el número mas asombroso, esta muy logrado, gracias principalmente al trabajo de ambos actores, Bale y Jackman. Uno ha conseguido la felicidad y vida familiar que al otro le fue arrebatada, y este trata de vengarse a toda costa, pero como en el ilusionismo, nada es lo que parece. La irrupción de una misma mujer en sus vidas, la joven Olivia (la omnipresente Scarlett Johannson), complicará las cosas al máximo. Un buen trabajo de reparto da credibilidad al lado humano de la historia, en donde también interviene Andy Serkis (el Gollum de ESDLA) como el ayudante de Tusla, y Pipper Pereabo, como la mujer de Burdein. No obstante, en cuanto a convicción y saber estar se lleva la palma Michael Caine.

La ambientación decimonónica del mundo del espectáculo (y en general) esta muy conseguida, con un fotografía en colores ocre y sepia y parca en iluminación. Buenas escenas en los elegantes y abarrotados teatros y en la ejecución de los números de magia. Una película apasionante, sorprendente e inteligente con unos espectaculares momentos finales y unas trampas de guión como pocas veces se ha visto. Una opción muy recomendable.

Rayos catódicos (cuando la tele valía algo)- THE YOUNG ONES: COMEDIA, CAOS Y DESORDEN (ANARCHY IN THE BBC)

Durante dos temporadas (en 1982 y 1984) la BBC concentró a un gran número de seguidores de una de sus primeras teleseries con la vitola de “alternativa”: The Young Ones (los Jóvenes), una inusual sitcom dirigida principalmente al público juvenil con un humor surrealista, absurdo y gamberro, inspirado en el cómic humorístico y en los dibujos animados pero con claras influencias de la tradición de la comedia británica que vivía en los 80 un momento de esplendor, y del mundo del vodevil. Todo ello invocando a los movimientos juveniles británicos del momento: New Wave, Punk, Mod, New Romantics, con una tendencia a situarse en el lado iconoclasta y trasgresor del Punk. Fue una arriesgada apuesta de la cadena pública británica que con el paso del tiempo se ha convertido en objeto de culto y en una influencia obligada de todos aquellos que trabajan en cualquier medio el humor anárquico y salvaje pero inteligente.

Algo pasa en la tele de la Tatcher
El 9 de Noviembre de 1982 La BBC 2 emitió el martes a las 9 de la noche hora británica el primero de los 6 episodios (de lo que iba a ser la primera temporada) de una nueva serie, The Young Ones, una comedia de situación que como muchas otras de la época en el Reino Unido (Caída y auge de Reginald Perry, Los Roper, El guardian de mi hermano), pretendía tener su amplia cuota de público, divertir y convertirse en un producto exportable para el extranjero, como lo eran muchas telecomedias británicas de principios de los 80 con gran éxito de crítica internacional. Pero había algo peculiar en aquella serie humorística: unos personajes jóvenes e incorrectísimos, un lenguaje callejero y a veces soez trufado de expresiones de jerga juvenil, unas situaciones surrealistas y fantasiosas y unos guiones impredecibles. Lo cultura juvenil popular entraba en la comedia británica junto con el humor salvaje y nonsense propio de los comediantes británicos menores de 30 años de aquella época forjados en el circuito de cabarets, pubs y pequeños teatros. El éxito de aquella primera temporada que concluyo en diciembre de 1982 fue enorme entre el público juvenil y entre los admiradores de la llamada “comedia alternativa” inglesa, defensores de un humor británico mas trasgresor inspirado en gente como Monty Phyton (una de las influencias mas notables en el humor de Young Ones), pero gran parte de los televidentes y de los responsables de la BBC (recordemos que estamos en la época mas dura del gobierno conservador de la Primera Ministra Margaret Tatcher) se asustaron ante tal display de sinsorgadas, tacos, y anarquía visual y conceptual propia de los cartoons, en donde la agresividad y la violencia ocupaban un (cachondo y nada serio) importante lugar. La serie tuvo en 1983 una versión teatral y entre mayo y junio de 1984 se emitió una segunda temporada con 6 nuevos episodios, aún mejores que los de 2 años atrás y que cosechó mayor éxito. Fue el reinado de la anarquía y el absurdo en la comedia británica como jamás se había conocido antes.

Deconstruyendo (¿o destruyendo?) la comedia de situación

La serie contaba las peripecias de cuatro estudiantes veinteañeros que compartían un piso en el norte de Londres. No eran universitarios cualquiera; se trataba de cuatro disfuncionales e inadaptados cuya principal preocupación eran cada uno de ellos mismos sin importarles un bledo el resto de sus supuestos amigos, lo que daba pie a que constantemente se estuviesen engañando y utilizando, metiéndose siempre los cuatro en apuros de lo más pintorescos. El cuadro era de lo más llamativo: Rick Pratt (Rik Mayall) un joven supuestamente anarquista y militante de izquierdas engreído y vanidoso, hipócrita hasta decir basta, homosexual reprimido, histrión, bocazas e irrespetuoso con sus compañeros de piso y en definitiva, un autentico indeseable que además se las da de gracioso aunque de gracia no tiene ninguna; Neil Pye (Nigel Planer) un trasnochado hippie, blanco de burlas y desprecio del resto de compañeros, el único que se ocupa de cocinar y de llevar a cabo las tareas del piso (obligado por el resto), un pesimista patológico y que se siente odiado por todo el mundo; Vyvian Besterd (Adrian Edmonson), un punk de pelo naranja (inspirado a partes iguales en Johnny Rotten y Joe Strummer) violento y maleducado que la goza lanzando bates de cricket a sus compañeros, derrumbando paredes, lanzando televisores por la ventana y maltratando a su hamster punky parlante, SPG (de Special Patrol Group), aunque se le da bastante bien idear inventos disparatados; Mike TheCoolPerson (Eltiolegal) (Christopher Ryan), un pijo de club bajito, mordaz e irónico, el menos freak de todos y líder del cuarteto, mujeriego, flemático y dado a proponer a sus amigos negocios imposibles, el único del grupo que va a su bola y no participa de la caricaturesca irracionalidad del resto. Los cuatros son alumnos del Scumbag College (Universidad de la Escoria). El piso- en el que se sucede gran parte de la acción- es físicamente un auténtico caos

Alexei Sayle, Nigel Planer, Rik Mayall, Chris Ryan y Adrian Edmonson

Junto a estos cuatro descerebrados se encuentra un quinto actor fijo en al serie, Alexei Sayle, quien en la primera temporada incorporó a Jerzy Balowsky, el gordito casero de origen eslavo de los protagonistas, además de a sus parientes en varios episodios: su sobrino Alexei Balowski, el cantantautor protesta, su hijo, el traficante de armas Reggie Balowsky o el convicto Brian Damage Balowsky. En la segunda temporada, Sayle, interpretó a otros personajes no pertenecientes a la descacharranate familia Balowsky, como un doble de Mussolini o un jeta llamado Brian “Estropicio” Jones. Las apariciones de estos personajes eran puntuales en los episodios la mayoría de las veces.

Una mezcla tan caótica como la de estos sujetos lógicamente no iba a derivar de una sitcom al uso y daba pie para experimentar y jugar con varios elementos que reforzasen la comicidad en su vertiente mas surrealista: aparición fugaz de personajes y escenas descontextualizadas, gags de tebeo o de dibujos animados, utilización de marionetas, personajes caricaturescos, y sobre todo situaciones absurdas en donde lo exagerado y la violencia descacharrante se sucedían. Por lo demás, los esquemas de los episodios seguían lo habitual en las comedias de situación, basándose en las vivencias domésticas de compañeros de piso, en este caso, solo que aquí las leyes del espacio-tiempo y de la lógica se trasgrederán con frecuencia. Era sencillamente llevar a cabo la premisa de realizar una telecomedia bajo el punto de vista de la cultura pop y punk y el surrealismo, en un ejercicio de modernidad ochentera poco habitual en el mundo de la televisión hasta aquella época en el campo de la ficción.

Rik en uno de sus momentos histriónicos

Comediantes alternativos en televisión
Los 12 episodios en total de “The Young Ones” duraban 35 minutos cada uno y fueron dirigidos todos por Geoff Posner. El productor de las serie fue el reputado Paul Jackson. Gran parte del éxito a nivel de culto y de la responsabilidad de lo bien que ha envejecido esta serie es debido a sus interpretes principales, que con el tiempo se han convertido en reputados rostros de la comedia en el Reino Unido, pese a que su fama internacional no sea muy grande. Uno de sus protagonistas, el genial interprete Rik Mayall, que dio vida a su tocayo, el insoportable Rick, fue además uno de los creadores de la serie.

Rik Mayall (Rick Pratt), un tipejo de cuidado

El origen de la serie se encuentra en el movimiento de la “alternative comedy” y en el circuito de los clubs de comedia que tuvieron gran vigencia en el Reino Unido a finales de los 70 y principios de los 80. En el local The Comedy Store, en Londres, el joven Alexei Sayle se había ganado fama con sus monólogos y sus personajes irascibles y agresivos. De la misma cuerda eran los universitarios Adrian Edmonson y Rik Mayall, quienes tenían en The Comedy Store un número titulado “20th Century Coyote” de un humor agresivo similar al de The Young Ones. Nigel Planer también actuaba en el local interpretando en ocasiones a un hippie. Estos actores se desligan de The Comedy Store y en 1981 abren su propio local, The Comic Strip, junto con otros jóvenes interpretes de la alternative comedy. El éxito de sus actuaciones en el club correo de boca en boca y en 1982 toda la troupe de The Comic Strip es fichada por el Channel 4 en el que harían su debut televisivo con la nueva serie de sketches cómicos The Comic Strip Presents….

Mayall, el más carismático de los jóvenes humoristas había interpretado en el escenario en el espectáculo Boom Boom… Out Go The Lights un personaje germen de su young one Rick Pratt, un joven marginal y bocazas también llamado Rik que pensaba desarrollar mas a fondo en el formato televisivo. Pero Mayall estaba convencido que su personaje podría dar mucha cancha en una telecomedia que resultase gamberra, junto con personajes como el que interpretaba Adrian Edmontsn, el punki pirado Adrian Dangerous, que formaba parte del repertorio de Boom Boom... (en el escenario) y de The Comic Strip Presents…(en la tele), con vistas de hacer una sitcom con personajes diferentes sacados de el efervescente cultura juvenil británica del momento.

Rok Mayall y su entonces novia, Lisa Meyer, escribieron algunos guiones para la futura teleserie, incluyendo al personaje del hippy que interpretaba Nigel Planer, e incluyendo un nuevo personaje, un tío mas o menos normal que compartía vivienda con los tres freaks y que iba a interpretar Peter Richardson, otro de los miembros de The Comic Strip. En realidad, The Comic Strip presents… iba a contar muy poco con Mayall, Planer, Edmonson y Sayle ya que el proyecto del primero pronto se hizo realidad, solapándose su estreno televisivo con el de The Comic Stirp… Paul Jackson fue el productor que más se intereso por el proyecto de Mayall y Meyer y finalmente logro convencer a la BBC para producir una serie de humor grueso y corrosivo. Un tercer guionista, Ben Elton, antiguo compañero de Rik y Adrian Edmonson en la Universidad de Manchester, se unió al asunto. Los tres decidieron llamar a la serie The Young Ones (los jóvenes) en referencia no solo al sector de edad de la sociedad británica sobre el que se pretendía hacer sátira sino más bien a la canción y película de Cliff Richard de finales de los 50, artista este del que continuamente se hará mofa y befa en la serie por lo errático de su carrera y lo ñoño de su propuesta musical.

Ben Elton

Peter Richardson, que iba a interpretar el papel de Mike, finalmente se cayó del proyecto y fue sustituido por Christopher Ryan, quien no tenía hasta el momento experiencia en la comedia. Alexei Sayle con sus personajes de la familia Balowsky, escribió sus propios monólogos y frases, algo en lo que era un consumado maestro. Una pléyade de actores secundarios iban a acompañar a los cinco protagonistas, la mayoría procedentes del circuito del cabaret y de la comedia alternativa que debutaban por primera vez en otro medio, muchos de ellos alcanzando renombre posteriormente; a ellos nos referiremos más adelante.


Humor Cartoon

En su primera temporada, The Young Ones enseñó sus cartas y sorprendió al público con su humor anárquico e iconoclasta. En realidad, aunque los plots de los episodios estaban basados en la (imposible) convivencia de los peculiares estudiantes lo que primaba era su estilo de guiones y de absurdo narrativo, en donde se introducían elementos irreales y grotescos muchas veces saliéndose del argumento y de los personajes: los cuatro jinetes del apocalipsis como músicos de Heavy Metal y el jinete del Hambre exclamando: “tengo hambre” a lo que el jinete de la Guerra responde “¡que novedad!”, Dios apareciendo como un maduro playboy (interpretado por el veterano DJ Alan Freeman) con albornoz y gafas de sol en una mesa de ejecutivo flaqueado por dos ángeles en purpurina (“¿Qué se pensaban, que era una mujer?”) y matando a Jerzy desde el cielo, un fragmento muy sui generis de El hombre elefante donde Joseph Merrick es un elefante de verdad, una familia en la etiqueta de un paquete de cereales cobrando vida y hablando, otros personajes de carteles y anuncios con vida propia (los tripulantes de un barco del siglo XVIII, bebedores en un anuncio de cerveza), animales y cosas hablando (muchas veces por medio de marionetas), un castillo medieval donde aparece un bufón antepasado de Balowsky…el concepto de guión coherente no existía en The Young Ones, se aprovechaba cualquier idea graciosa para introducir gags descontextualizados a modo casi de sketches independientes. Eran unas historias deliberada (y divertidamente) confusas, aunque cada capítulo tenía su coherencia relacionada con la vivencias de lo ocupantes de la desastrosa vivienda, donde lo mismo aterrizaba una bomba atómica que no terminaba de explotar, que se inundaba todo Londres o que se decidía que el “saco de las hostias” Neil se enrolase en el cuerpo de policía para conseguir ingresos extra para los muchachos. Estaba claro que los dibujos animados y los cómics eran influencias esenciales en el humor de la serie.

"No es un cerdo, es un hurón seriamente deformado"

Los diálogos, ingeniosos y típicamente británicos (y muy a lo Monty Python), estaban adornados con expresiones coloquiales, jerga juvenil y tacos, y constituían uno de los elementos más atractivos de la serie. Eran especialmente curiosas las inclusiones de imágenes rápidas, casi subliminales, que no tenían ningún otro fin que el meramente gamberro. Son muy comentadas entre los fans las imágenes en algunos episodios donde aparece fugazmente y de fondo- sin razón alguna- una persona de pelo largo peinándose.

Una de las novedades mas significativas que introdujo la serie fue la presencia de actuaciones musicales de grupos y solistas reales, algo insólito en una serie de ficción. Estas actuaciones- una canción por episodio- se introducían casi (y voluntariamente) con calzador ya que no guardaban relación temática con el guión. Los invitados en las dos temporadas del serial fueron claros exponentes de la efervescente escena pop y rock británica de la primera mitad de los 80, y aumentaban así el atractivo de la serie para el público juvenil. La New Wave, el incipiente pop alternativo británico, el ska, el Heavy Metal, el Punk Rock, y en definitiva, los ritmos mas en boga del momento (sin concesiones a la banalidad de los New Romantics, algo muy significativo) se dieron cita en el programa. Por la casa de los chicos y en las calles desfilaron canatndo sus temas mas conocidos The Dammed, Motorhead, Amazulu, Nine Below Zero, los Dexy’s Midnight Runners de Kevin Rowland o el supergrupo formado para la ocasión Ken Bishop´s Nice Twelve, formado entre otros por Jools Holland o Stewart Copeland, haciendo una versión del Subterranean Homesick Blues de Dylan. Mención aparte merecen las apariciones de Madness, un grupo cuya estética y humor en sus videos encajaba perfectamente con el espíritu de la serie, tal vez por ello la banda de Suggs y Chas Smash actuase en dos episodios en sendas temporadas, interpretando sus inmortales House of Fun y Our House.



Cinco entrañables hooligans

El presentar personajes potencialmente marginales y cargados de defectos fue una novedad en el mundo de las telecomedias que en los 90 se convertirá en una moda; en ese sentido The Young Ones se adelantó a su tiempo. Los personajes de la serie son arquetipos caricaturescos de la subcultura juvenil británica mediante los cuales se trataba e mostrar muchos aspectos criticables de la sociedad británica, supuestamente bajo el punto de visto de sus cinco protagonistas principales: la política de vivienda, las diferencias de clase, la política tatcherista, el mundo de las universidades de elite, el desempleo, la mediocridad de la televisión y del mundo del espectáculo, el acomodamiento de la burguesía británica, etc. Casi se seguía en los guiones y diálogos el ideario anarco de Rick o la desazón punk de Vyvyan. En un lugar y una época (primera mitad de los 80) donde el neoliberalismo campaba por sus anchas, esta serie suponía un buen azote

La Universidad de la Escoria Vs. Los Footlights de Oxbridge

La química entre los cuatro desastrosos ocupantes del piso propiciaba todas las situaciones hilarantes que cabía imaginar. Neil, un anacrónico reducto hippie de los 70 en los 80 era vilipendiado por sus compañeros, especialmente por Rick, y sufría en muchos capítulos las más aberrantes humillaciones: al instalar una bombilla obligado por sus amigos se convierte en una aspiradora humana, le hacen enrolarse en la policía en contra de sus criterios pacifistas y en el capitulo final de toda la serie se descubre que su larga melena es una peluca. Hasta la mano de un telespectador ficticio le pinta unos bigotes sobra una pantalla que muestra un primer plano suyo (aunque al tratar luego de borrarlos borra toda la imagen de Neil y aparece en su lugar el hombre elefante cantando Twist and Shout). Su pesimismo, pasividad y eterna cara de palo contrasta con el estúpido entusiasmo de Rick, el optimismo resolutivo de Mike y la agresiva hiperactividad de Vyvyan. No obstante, es necesario para la vida en el piso, ya que es el único que hace el trabajo doméstico. Pero en realidad no es el más despreciado del grupo, este título le pertenece a Rick Pratt, bocazas y desconsiderado. Rick se las da de activista de izquierdas, pero no deja de lanzar perlas conservadoras en muchos episodios. Es en realidad un tory vergonzante, que oculta el hecho de que proviene de una familia acomodada. Falso intelectual, se autoproclama “el poeta del pueblo”, “el portavoz de una generación” y para colmo “el mas popular del piso”, cuando en realidad sus compinches le odian. Rick también trata de ocultar que le gusta el caduco Cliff Richard pero no puede hacer nada por disimular su pluma y amaneramiento aunque nunca reconoce su homosexualidad. Sus intentos por erigirse en el lider del grupo en lugar del flemático Mike son valdíos y sus chistes y ocurrencias no logran suscitar ningún interés real, aunque casi siempre cuenta con al ayuda de Vyvyan para llevar a cabo sus descacharrantes ideas. Rik Mayall convirtió a su personaje en el mas carismático y central de al serie, gracias a su histriónica interpretación.

Vyvyan (cuyo nombre femenino tal vez sea un homenaje a la modista Vivien Westwood, creadora de la estética punk), es el muchas veces catalizador de cuantos sucesos exagerados y absurdos se suceden. Destructivo y comedor de televisores, ratas y palomas entre otras cosas, llega a ser decapitado en un episodio pero se autocoloca el mismo su cabeza, se queda embarazado y recibe en otro capítulo al visita de su madre a la que no veía en 10 años, una camarera ex ladrona que le recrimina pellizcándole en los genitales. El caos que genera Vyvyan hace muchas veces que objetos y animales tomen vida y mantengan coherentes conversaciones, como su hamster SPG. En la serie, el empleo de animaciones de muñecos y marionetas posibilitaba estos surrealistas golpes de efecto, como las intervenciones de SPG, un basto títere con la misma cresta roja que Vyvyan y acento escocés, fan de las películas de Tiburón (llega a conocer a su ídolo en el capítulo de la inundación, cuando este aparece en el piso de los chicos) y harto de la estupidez de los cuatro jóvenes. SPG es muchas veces el objeto de la irascibilidad de su dueño- que no lo da de comer para que el resto no lo encuentre cebado y apetecible- y detesta que Vyv le ponga el desodorante de Rik porque no quiere oler como “el sobaco de un estudiante” En el último episodio, muere en el radiador del coche de Vyvyan y convertido en un angelito sube al cielo despidiéndose de su dueño “¡adios, julay!”.

Destaca también la habilidad de Vyvyan para inventar cosas, como una pócima para evitar que alguien se convierta en maniaco homicida con un hacha que produce precisamente el efecto contrario. También se le ocurren majaderadas de la ingeniería como conectar una bomba al timbre de casa o añadir un motor de alta potencia a la aspiradora, aspirando todo lo que encuentra a su paso, incluido un hippie único amigo de Neil. Mike, por su parte, bastante hace con liderar el cuarteto y lanzar de vez en cuando sus punzantes observaciones. Luce aparentes modelos de joven clubber, una veces de tipo mod, otras de tipo rocker y posee una mentalidad de empresario sediento de dinero fácil que muchas veces lleva a cómicas situaciones ya que prefiere el timo y el engaño a la honestidad. Aunque se las da de muy vivido y de exitoso con las mujeres, no es más que un charlatán que al final confiesa su virginidad, algo que por otra parte comparte con el resto. Es el único al que respeta Vyv, pese a su baja estatura.

Los cuatro estudiantes de la Universidad de la Escoria se ven envueltos en variopintas situaciones: deben hacer frente a la demolición de su vivienda en el primer episodio, llevan a cabo un surrealista atraco a mano armada en el último capítulo, reciben la repentina visita de los padres de Neil, un matrimonio de clase alta, el mismo día que un ex convicto (interpretado por Alexei Sayle) irrumpe en su casa o deciden concursar en el programa University Challenge por la Universidad de La Escoria contra los pijos de al Universidad de Oxbridge. En el último episodio de toda la serie “Vacaciones de verano” Jerzi Balowski les expulsa de la vivienda (“esta es la casa mas desastrosa de la televisión, y si no, que Dios me mate”), y tras robar un banco y sufrir un accidente que deja inútil el coche de Vyvyan se hacen con un bus de dos pisos que choca contra un gigantesco cartel de Cliff Richard dejando el vehículo en llamas con los muchachos aparentemente muertos. Este bestia final dejaba definitivamente cerrada la serie en verano de 1984 en vistas de no hacer mas temporadas, una decisión muy inteligente.

El doble de Mussollini: Sayle en acción

Mención aparte merecen los múltiples papeles de Alexei Sayle, centrados en la familia Balowski principalmente. Los diálogos de sus personajes, la mayoría escritos por el, resultan geniales, especialmente en la segunda temporada. El doble de mussolini jefe de la policía local de día y concursante de Eurovisión por la noche, con mal recuerdo de los guateques de su juventud (“bailando, una chica me pegó un puntapié y cuando le pregunte por que lo había hecho me contestó “¡por haber invadido Creta!””), el conductor de un tren de los Ferrocarriles Británicos asaltado por un bandido mexicano al que le suelta un monólogo en contra de las dos universidades elitistas británicas (representadas en la serie por al ficticia Oxbridge) o el ex convicto Brian “Estropicio” Jones que asalta el piso de los chicos, son algunas de sus creaciones mas memorables.


La importancia de ser una serie de culto

Si bien la primera temporada de la Young Ones, a finales de 1982, obtuvo un éxito discreto a causa de la controversia que su atrevimiento suscitó, la segunda, en 1984, consiguió una relativamente importante audiencia y mayor éxito de crítica. Lo cierto es que la segunda temporada es mejor que la primera en todos los sentidos (gags, diálogos, escenografía). Entre una temporada y la otra, entre Febrero y mayo de 1983 los cinco protagonistas realizaron una gira teatral por el RU con sus personajes en al serie, la cual fue un éxito que propició que se realizase al segunda temporada. En años sucesivos, los 12 episodios se han ido reponiendo en las televisiones británicas con notable éxito, lo que señala el nivel de culto al que ha llegado tal singular producto.

Aunque teóricamente los protagonistas de la serie murieron en el último capítulo, Mayall, Edmonson, Planer y Ryan retomaron sus roles a finales en 1986 en el especial televisivo Comic Relief cantando en un video el tema del “idolatrado” en al serie Cliff Richard “Living Doll” (la sintonía del programa es la version del tema del artista “The Yong Ones” interpretada por ellos cuatro) junto con el propio Richard y el guitarrista de los Shadows Hank Marvin. Editada como single, la canción llego al número uno en las listas británicas. Ya en 1984 Nigel Planer grabó como Neil la versión de Traffic “Hole on my shoe” que llegó al número dos.

Los Footlights, rivales de nuestros amigos. ¿los reconoces?
La escuela Young Ones ha seguido influyendo en la comedia británica hasta la actualidad. Poco tiempo despues que terminase definitivamente la serie, en 1986, Mayall, Planer y Edmonson junto con Ben Elton como guionista se reunieron en la serie Filthy Rich & Catflap, con un concepto similar que Young Ones. A principios de los 90; Mayall y Edmonson estrenan la telecomedia Bottom (La pareja basura), también de similar estilo al de la serie que nos ocupa.

Los interpretes de Young Ones se han prodigado, a parte de en los proyectos que acabamos de citar, en estos años en bastantes series y películas. El genial Rik Mayall ya tuvo una show propio a mediados de los 90 en donde interpretaba a varios personajes en diversos telefilmes escritos y producidos por el mismo. Es un comediante muy reputado el RU y ha intervenido en bastantes filmes, aunque muy pocos estrenados en España. Con su amigo Adrian Edmonson ha formado pareja profesional en diversos proyectos durante varios años. Ben Elton, el coguionista de la serie, por su parte, es un importante productor y autor teatral y de musicales, además de escritor y columnista. Suyo es por ejemplo el libreto del musical homenaje al grupo Queen We Will Rock You, con gran éxito en los países en donde se ha estrenado.


El lanzamiento de la serie en DVD en 2004 fue una buena noticia para los fans del programa, aunque se ha criticado lo pobre de una edición carente de extras.


Invitados de lujo: aquí esta hasta el Dr. House
Antes de finalizar, hay que referirnos ineludiblemente a la pléyade de actores secundarios que desfilaron en las dos temporadas de la serie, la mayor parte de ellos desconocidos entonces pero que con el paso del tiempo llegarían a convertirse en estrellas de la escena británica e internacional. La filosofía del productor Paul Jackson Mayall, Lisa Mayer y Ben Elton era dar oportunidad a jóvenes promesas de la comedia británica procedentes del mundo de la “alternative Comedy” o del cabaret de comedia, quienes aparecerían en roles muchas veces episódicos o también interpretarían varios personajes en episodios diferentes.

Y así, nos encontramos a Mel Smith y Griff Rhys Jones, futuro dúo cómico Smith & Jones, Robbie Coltrane (que llegó a aparecer en tres capítulos), Jennifer Saunders, Gareth Hall y Norman Pace (Hall & Pace), Andy de la Tour, o los mismísimos Stephen Fry, Hugh Laurie (House) y Emma Thomson, que junto con Ben Elton (que apreció como actor en varios episodios) conformaban el elitista y snob equipo de la Universidad de Oxbridge que concursaba contra la Universidad de la Escoria en el University Challenge. Estos tres actores, curiosamente, en su día fueron alumnos de Cambridge y pertenecieron a su grupo de teatro, Cambridge Footlights. No hubiese sido raro que Rowan Atkinson (Mr. Bean) apareciese en esa serie, ya que pertenecía a la misma generación de cómicos y provenía de la cantera de Not The Nine O’Clock News (Estas no son las noticias de las nueve), el programa de donde surgieron Smith & Jones. También apareció en Young Ones Terry Jones, de Monty Python, en el papel de un vicario.

Emma Thopson (Money Sterling)-Izd

Stephen Fry (Lord Snot)- der.

La inexplicable escasa distribución de The Young Ones en España
The Young Ones solo ha sido emitida en España en televisión analógica por cadenas autonómicas. Es incomprensible como ninguna cadena estatal la haya emitido nunca. Ni tan siquiera TVE, en los 80 la única cadena a nivel de todo el país existente, se interesó nunca por la serie, tal vez por su trasgresor contenido, que no encontraría hueco en la ficción televisiva que se emitía por entonces en España.

Hubo que esperar hasta 1987 para que Young Ones llegase a España, de la mano de televisiones autonómicas. Primero en Cataluña, en TV3, durante verano de ese año y a finales del mismo en Euskadi, en el primer canal de ETB, con el título de Gazteak. En primavera de 1988 se emite en el segundo canal de ETB la serie en castellano, con el título de Jóvenes. Es en esos años donde preadolescentes en los últimos cursos de EGB conocimos y alucinamos con semejante serie, algo jamás visto en la tele en España. Posteriormente la serie llegó a las telvisiones de Galicia, Madrid, en esta última ya en los años 90. Pero el hecho es que la mayor de la población del estado español desconoce la existencia de esta serie, incluso en aquellos fans de este tipo de humor. La edición en 2005 del DVD de la serie en España ha venido a paliar este déficit, algo que ya llevaban reclamando los que de una manera u otra conocían la existencia del programa y deseaban haberlo visto en su momento.

El aparatito de Loumiere- BABEL

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Alejandro Gonzalez Iñarritu, director mexicano que deslumbró a medio mundo con Amores Perros y con 21 gramos, esta rodada ya en Estados Unidos, vuelve a la carga con una película que, hasta este momento, podemos decir que se trata de su obra maestra. De nuevo producida en USA, Babel es una película muy ambiciosa que sale triunfante de su reto. Como en sus dos últimas películas anteriores, Iñarritu reincide en la temporalidad no lineal en la narración, y al igual que en Amores Perros entrecruza varias historias con personajes diferentes (cuatro en este caso) en donde hay varios acontecimientos que suponen los puntos de unión. La peculariedad en este filme es que estas cuatro historias no se entrecruzan físicamente apenas ya que se suceden en cuatro puntos del planeta: Marruecos, Estados Unidos, México y Japón. En algún momento diversos personajes de diferentes países se encuentran en el mismo espacio-tiempo, pero no llega a haber interacción real. Pero no solo esta premisa narrativa resulta ambiciosa, también lo es la temática y el mensaje del filme: las consecuencias de la ley del caos (lo del aleteo de la mariposa en Tokio, ciudad que por otra parte es significativamente uno de los escenarios de la peli) en un mundo globalizado, en donde no se sabe muy bien si lo que vemos se corresponde al caos o al azar o a precisamente el empequeñecimiento del mundo, vía turismo, inmigración, etc.

Babel es ante todo una película muy dramática en donde se describen diferentes tragedias ocasionadas por el juego de causas-consecuencias caótico; situaciones que además no tiene que ver nada las unas con las otras. Narrativamente, la manera en al que se nos presenta esta premisa es un espectáculo total, una gozada que hace que el espectador siga apasionado todo el transcurso de al historia sin perder un ápice de su atención, a pesar de que ni temporal (las escenas, como hemos dicho, no se suceden en estricto orden cronológico) ni espacialmente haya coherencia total. Un collage hecho de cuatro partes (en realidad dos de ellas se suceden en un mismo país, Marruecos, y el escenario americano desaparece pronto para dar paso al mexicano) en donde además de las propias historias y sus concomitancias, se van sucediendo otros hechos paralelos fruto de las cuatro historias principales. Un auténtico maremagnum de acontecimientos tan bien presentados y tan coherentes y creíbles que parece que se han basado en hechos reales.

La deslumbrante historia guionizada por el gran Guillermo Arriaga, el colaborador habitual de Gozalez Iñarritu en tales menesteres, arranca en Marruecos cuando a una humilde familia de cabreros del desierto llega un rifle regalo de un vecino, quien a su vez lo había recibido de un turista japonés. Los dos hijos varones, dos chavales de 12 y 13 años juegan con el arma a disparar a automóviles que circulan por al carretara y un disparo llega a un autobús turístico en el que queda malherida Susan, una turista americana (Cate Blanchett). El autobús para de emergencia en una aldea y el marido de Susan (Brad Pitt) pide un traslado a un hospital pero las precarias condiciones del país y los vaivenes diplomáticos dificultan la operación mientras su esposa agoniza. En el domicilio de San Diego del matrimonio americano, la asistenta mexicana (Adriana Barraza), una inmigrante ilegal que lleva trabajando en USA 16 años ante la imposibilidad de dejar a los dos niños del matrimonio solos cruza la frontera con ellos hasta México para poder asistir a la boda de su hijo, acompañados por su sobrino Santiago (Gael García Bernal). En Tokio, Chieko (Rinko Kikuchi) una adolescente sordomuda hija del hombre que hizo llegar el rifle a Marruecos (Koji Yakusho) vive atormentada por las limitaciones que supone su minusvalía a la hora de conocer chicos y entablar relaciones sexuales y por la extraña muerte de su madre. No se suceden las historias una tras una sino que se van superponiendo con digresiones temporales. Una cadena de dramas humanos extendidos a lo largo y ancho del planeta marcados por la injusticia, las limitaciones del ser humano y en definitiva por una sociedad enferma. Es especialmente fascinante ver como casi todos los personajes principales tienen miserias que ocultar que corren peligro de salir a flote pero que al final, cuando se reconduce la situación caótica, vuelven a estar ocultas una vez más; aunque al final serán los mas pobres (mexicanos, marroquíes) los que paguen las consecuencias mientras que los mas poderosos (americanos, japoneses) podrán seguir con su vida.

Todos los escenarios están muy bien conseguidos, con un naturalismo documental y un carácter hiperrealista que un director norteamericano no hubiese conseguido jamás. Secuencias como las de la boda mexicana, la aldea marroquí o las de la vida urbana en Tokio (es especialmente fascinante la secuencia de la discoteca) son de un valor antropológico y sociológico enorme. En fin, una peli deslumbrante de principio a fin de lo mejor que se ha visto en el año que ya ha terminado.