miércoles, noviembre 15, 2006

El aparatito de Lumiere: SCOOP



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Woody Allen, tras la muy positiva experiencia de Match Point, su mejor película en los últimos años, parece haberle cogido el gusto a esto de rodar en Gran Bretaña y vuelve con un filme ambientado en Londres y producido por BBC Films. Y como en aquella, vuelve a contar con la presencia de la joven y talentosa Scarlett Johannson, que en esta peli esta particularmente encantadora. El propio Woody vuelve a intervenir como actor, en una entretenida y conseguida comedia de intriga y asesinatos donde Johannson es Sondra, una joven americana estudiante de periodismo residente en Londres que tomando parte en el número de un mago también norteamericano, Sidney Waterman, encarnado con Allen, recibe en una falsa “cámara desintegradota de moléculas”, que forma parte del espectáculo, la aparición del fantasma de un prestigioso periodista recientemente fallecido (James Nesbit) quien le revela información sobre la identidad de un asesino en serie de mujeres que trae de cabeza a la opinión pública, acusando a un joven rico, apuesto y exitoso, Peter Lyman (Hugh Jackman), de ser el “asesino del tarot”, gracias a la información suministrada en el mismísimo limbo por su secretaria fallecida. La joven periodista recibe así el encargo post mortem de realizar la investigación periodística del año, tal como el fallecido plumilla deseaba. Sondra se dispone a investigar del aso con la colaboración (es un decir) de Sydney, también testigo de las fantasmagóricas apariciones del periodista difunto. Para ello, Sondra no dudará en infiltrarse en al vida de Lyman, cambiando su identidad, aunque termine enamorándose de el y descartando la idea de que el joven y seductor aristócrata sea realmente un asesino.


Una comedia muy entretenida, con golpes y diálogos ingeniosos y un guión sólido y muy bien elaborado, todo marca de la casa Allen. Ya se sabe que ha Woody normalmente le suele salir cada año una película buena, o muy buena o una obra maestra, y en este caso nos encontramos ante el primer ítem. Lo que no es óbice, claro está, para ser disfrutada como una entretenidísima película y de obligada visión para los amantes de las comedias negras o de enredos. Johannson esta muy bien como actriz de comedia en un registro muy diferente al de Match Point. Woody, en su línea, aunque la edad empieza a hacer estragos (físicos). Es una pena no ver esta peli en Versión original ya que nos perdemos cuando Woody y Scarlett tratan de hacerse pasar por británicos poniendo acento, efecto que en el neoyorquino debe de ser desternillante. La verdad es que mejor o peor, el cine de Woody Allen siempre es un soplo de brisa fresca cuando sus películas llegan a las carteleras.

lunes, noviembre 13, 2006

Rayos Catódicos (Cuando la tele valía algo): LOS CHICOS DE STONE (CHILDREN OF THE STONES). Tardes de terror juvenil británico.



Emitida en el Reino Unido a principios de 1977 y en España hacia 1980-81, Children of the Stones (conocida en España como Los chicos de Stone), es una de las series británicas juveniles mas recordadas de la historia de la televisión, como dan fe las numerosas páginas de Internet que la citan y el enorme interés que obtuvo el lanzamiento del serial completo en DVD hace pocos años. Constada de siete capítulos, Children of the Stones mezclaba elementos de Ciencia-Ficción, ocultismo, drama, acción y aventuras adolescentes en un marco inequívocamente inglés, un inquietante pueblecito del sur de Inglaterra donde sus habitantes parecían dominados por el influjo sobrenatural de un anillo de cromlenchs neolíticos que rodeaban la localidad. Aunque dirigido al público infantil y adolescente, Children of the Stones ha sido mucho mas que una serie juvenil: todo un objeto de culto entre los amantes del género fantástico en el Reino Unido y un claro ejemplo de cómo se puede hacer una buena historia de terror para niños y adolescentes que llegue a inquietar también a los adultos. Los Chicos de Stone esta al mismo nivel de culto -tal vez en un lugar superior- que otras series juveniles británicas míticas de los 70 y 80 como Choky o Dentro del Laberinto (esta última de sus mismos creadores).



Eran principios de los 80. No me acuerdo si fue en 1980 o en 1981, pero lo cierto es que fue en alguno de esos dos años, a finales de uno o a principios de otro. En la única cadena de televisión que existía entonces, Televisión Española, en su primera cadena, a eso de las siete de la tarde, en horario infantil y precedida de programas como Barrio Sésamo o dibujos de Hanna-Barbera, se emitía una teleserie inconfundiblemente inglesa en donde un padre y su hijo de unos 13 años se las veían con los extraños acontecimientos que se sucedían en un pueblo inglés provocados por una energía misteriosa emanada de unas inquietantes rocas megalíticas que se erguían en la campiña local, asunto en el que tenía que ver un misterioso personaje ricachón que vivía en una mansión como un auténtico señor feudal. Un crío de 6 años como era yo entonces con poco podía quedarse de un trama mas bien rocambolesca, pero lo suficiente como para darse cuenta del esquema básico de la historia, la atmósfera enormemente inquietante y desasosegante, e imágenes alucinantes de esas que se quedan clavadas en la memoria. Tal vez por lo inusualmente aterrador de su factura para tratarse de una serie teóricamente infantil, fue una serie que me llamó poderosamente la atención, como supongo que a muchos otros coetáneos míos, preparándonos para otras series anglosajonas infantiles posteriores de temática fantástico-suspense como Dentro del Laberinto, Bajo el volcán, o Choky. Sin ninguna noticia posterior sobre esta serie durante más de 20 años, por obra y gracia de internet (y sin recordar su nombre) me volví a topar con ella. Por lo visto, no he sido el único que ha considerado al programa como un objeto de culto personal. Y es que Children of The Stones se ha convertido en todo un hito televisivo en cuanto a series se refiere.

El profesor Brake (G. Thomas) y su hijo Matt (P. Demin) investigan la energía irradiada por los monolitos


Creadores de lujo

Children of The Stones, producida por la cadena regional británica HTV West fue rodada en verano de 1976 y emitida en entre el 10 de Enero y el 21 de Febrero de 1977 en siete capítulos semanales en la misma cadena, que al parecer emitía para todo el país aunque su sede se encontraba en el suroeste de Inglaterra. En los 70, dicha cadena pública se distinguía por producir series de ficción de enorme interés y calidad, superando en muchos casos a la BBC o a la productora Thames.

El director y productor de la serie, Peter Graham Scott, era precisamente un evadido de la BBC que trabajó por vez primera para otra cadena en esta serie. Scott, aceptó la oferta de dirigir una serie para el público adolescente e infantil que le propuso Patrick Dromgoole, productor ejecutivo de HTV. Ambos profesionales iban a ser los productores de Children of The Stones, con la dirección de Scott. Dromgoole, a parte de producir otras series para esa cadena, fue posteriormente el productor de otra serie infantil fantástica mítica, Into the Labyrinth (Dentro del Laberinto), también dirigida por Scott y que contenía la misma atmósfera inquietante de esta serie, y de Robin of Sherwood. El guión fue escrito por Jeremy Burnham y Trevor Ray, quienes tenían una trayectoria contrastada en la televisión.

El propósito de los productores era hacer una serie juvenil que combinase Ciencia-Ficción, brujería y parapsicología. El rodaje tuvo lugar en la pequeña localidad de Avenbury, Condado de Wiltshire, que requería de la condición principal para convertirse en escenario de rodaje de la serie: estar rodeada de un círculo de cromlench megalíticos, que en esta localidad datan del neolítico y son su principal y más conocido reclamo turístico. Avenbury en Los Chicos de Stone se iba a convertir en Milbury, un pueblo donde suceden cosas muy extrañas.


Sinopsis


Adam Brake (Gareth Thomas), un profesor de astrofísica viudo, llega la aldea de Milbury junto con su hijo de 13 años Matthew (Peter Demin) para estudiar el círculo megalítico que rodea el pueblo. Bracke, tiene intención de pasar allí tres meses y por ello inscribirá a Mattthew en el pequeño colegio local. Su llegada Milbury será accidentada, ya que el coche donde viajan padre e hijo esta a punto de chocar con una roca que aparece en el medio de la carretera y que desaparece una vez el coche logra esquivarla. En su lugar esta el ama de llaves de la casa donde vivirán los próximos meses, la señora Cabtree (Ruth Denning).

El pueblo en apariencia es tranquilo y bucólico, lleno de gente sencilla y amable, y los Brake pronto trabarán amistad con algunos de sus habitantes, como el Doctor Lyle (Richard Mathews) y su hijo Kevin (Darren Hatch) y especialmente con la que va a se la ayudante del profesor Brake en su investigación, la conservadora del museo municipal Margaret Smythe (Veronica Strong) y su hija Sandra (Katherine Levy), de la misma edad que Matthew. Matthew, un chaval curioso, se da cuenta de que las familias de Milbury sin padre o madre tienen hijos del mismos sexo que el o la cabeza de familia (como en su caso) y advierte del extraño comportamiento de algunos, quienes pese a aparentar que viven felices en la aldea y no tienen ninguna preocupación actúan casi como zombies, mientras se saludan “Feliz día”.

Las Smythe, Margaret (V. Strong) y Sandra (K. Levy) con los Brake y el Dr. Lyle


Los Brake conocen también al lord de las tierras, el carismático Raphael Hendrik (Iain Cuthbertson), un hombre rico de enorme influencia en todo el pueblo y que vive en una mansión en el centro del mismo. Por otra parte, Dai (Freddie Jones), un mendigo en apariencia desequilibrado, advierte a los recién llegados de un gran mal que reside en la aldea. Matthew enseña a sus nuevos vecinos un inquietante cuadro que el mismo ha traído y que muestra a 53 personas bailando en corro alrededor de un círculo de piedra idéntico al de Milbury. En el centro del hueco del corro emerge una especie de haz de luz que se pierde hasta el cielo, en donde aparece una enorme serpiente. El cuadro inquieta a los habitantes de Milbury, pero Hendrik muestra un extraño interés en el.

Estudiando los monolitos, Adam descubre que bajo el suelo del pueblo hay un enorme disco de piedra rodeado por las piedras. Al tocar una de ellas percibe una especie de energía que casi le deja sin sentido. Matt, también empieza experimentar sensaciones extrasensoriales, que llevan a los Brake la conclusión de que el círculo de piedras emana una energía psíquica que se expande en todo el círculo que forma el pueblo rodeado por los monolitos. 53 es el número de habitantes que con los recién llegados tiene ahora Milbury, el número de personas que aparecen en el cuadro y el número de megalitos que rodean el pueblo. En la escuela, Matt advierte que un grupo de alumnos, los más brillantes, son inmunes al dolor, superdotados en matemáticas y se comportan de manera compulsiva y fría, saludando con el “feliz día” que ya había oído antes. Matthew sospecha que la energía de las piedras puede estar influyendo en el comportamiento de estos habitantes “felices”, que se van multiplicando inquietantemente y cada vez son mas los que van adquiriendo ese estado de de semi zombies sin voluntad propia.

Una noche, Matt descubre a los lugareños bailando en corro en el jardín de la mansión de Hendrick, que se encuentra en el centro de Millbury, y profiriendo extraños cánticos, en una escena idéntica a la del cuadro. Dai, el mendigo, le detiene cuando trata de aproximarse, cayendo luego frente a una piedra. A la manaña siguiente, Matt no puede recordar si se trataba de un sueño. En el colegio, Matthew, Sandra y Kevin descubren que son los únicos alumnos que no se han convertido en “los felices”. Por otra parte, Rafael Hendrik comunica a Adam uno de los grandes secretos del pueblo: los monolitos están alineados con una supernova en el espacio, que el mismo descubrió como astrónomo aficionado.


Matt, a causa de la energía emanada por los monolitos, puede ver lo que le ocurre a personas que no se encuentran presentes por el mero contacto con pertenencias suyas, de ese modo se da cuenta que el Dr. Lyle y su hijo han sido poseídos por la energía de las piedras al intentar salir del pueblo rebasando sin éxito el perímetro que marcan. Dai aparece muerto, pero posteriormente no logran dar con su cuerpo. Dai vivía en un refugio excavado en una roca, “el santuario”, que según el era inmune al mal del pueblo, del que el se protegía con un amuleto que Matt y Sandra encontrarán roto una vez desaparecido Dai. Ese amuleto es una serpiente idéntica a la del cuadro de Matthew.


Hendrik invita a Margaret y Sandra a cenar en su mansión. En un momento de la velada, Hendrik invoca un extraño rito y un haz de luz emerge de la mesa hasta las alturas convirtiendo a las dos mujeres en “felices”, mientras Hedrik se transforma durante unos momentos en un venerable druida. Hendrik, a excepción de los Brake, tiene a todos los habitantes de Milbury ahora bajo su influencia y los ha convertido en sus esclavos. Los recién llegados se dan cuenta que no pueden huir del pueblo ya que los monolitos que lo rodean se lo impiden. Deben de resolver el misterio y devolver a los habitantes de Milbury a la normalidad.


Los Brake descubren que el pueblo se encuentra en una especie de paréntesis temporal en donde en realidad el tiempo no transcurre normalmente, sino en una especie de ciclo temporal donde por algún motivo se van repitiendo hechos que tuvieron lugar originariamente en la época que los celtas erigieron los megalitos. Manipulando los relojes de la mansión hacen creer a Hendrik que el haz de luz que él invoca y que aparentemente fluye al espacio hasta la Supernova Hendrik les ha conseguido convertir en otros seres sin voluntad. No es así, y cuando se unen a los otros lugareños en la danza del corro ritual se rompe el círculo psíquico, transformando el haz de luz que emerge en el centro del corro a Hendrik en su apariencia de druida con barba blanca. Los habitantes se han convertido en piedras y los Brake han logrado huir al santuario de Dai. A la mañana siguiente, todos los habitantes han vuelto a la normalidad, Dai esta vivo y no hay ni rastro de Hendrik: no ha existido.



Técnicamente perfecta

Gareth Thomas, el actor que interpretaba al profesor Brake es en la actualidad un actor secundario muy prolífico en el RU. Es recordado por los teleadictos como el protagonista de Blake´s Seven (los Siete de Blake), una serie de ciencia ficción británica de principios de los 80, algo así como un “Star Treck” british, bastante curioso. Iain Cuthbertson, actor de carácter que interpretaba al villano Raphael Hendrik, vive en la actualidad y atesora una larga carrera esencialmente centrada en la televisión. En general, la crítica actual sigue alabando el trabajo de todo el reparto de la serie, también el de sus actores más jóvenes, en especial Peter Demin. El nombre mas conocido del reparto para el público internacional es sin duda Freddie Jones, legendario actor secundario británico que ha intervenido en El hombre elefante, Firefox, Dune y otras muchas producciones.

Peter Demin

Gareth Thomas Iain Cuthbertson

Freddie Jones

COTS como muchas otras producciones británicas de la época fue rodada en vídeo para las escenas de interior y en 16mm para las de exterior. Sin embargo, al contrario que en otras series británicas del mismo tipo de filmación, aquí predominaban los exteriores frente a los interiores de estudio, pudiéndose admirar unos bellos paisajes del sur de Inglaterra. Las crónicas actuales alaban lo bien que ha envejecido y lo cuidado de su producción. Su elemento misterioso y terrorífico estaba perfectamente conseguido, adecuándolo a la audiencia infantil y adolescente, pero con elementos de interés para los adultos. Era suspense y terror puramente británicos, en un paisaje genuinamente inglés y con elementos ancestrales de la historia de las islas británicas, como los monumentos megalíticos erigidos en el neolítico y que para los celtas se suponían que eran observatorios astronómicos (Stonehenge; por ejemplo). La teleserie contó con un asesor técnico para este tipo de temas.

Es especialmente mencionable la magnifica banda sonora de Sydney Sager, que posteriormente volvería a trabajar con Droomgole y Scott en Into the Labyrinth. Disponibles varios fragmentos descargables en la red, la música era de lo mas escalofriante de toda la serie, un tema de instrumentación minimalista, casi inexistente, donde predominaban las voces, interpretando una serie de gemidos, susurros y gritos hasta el paroxismo, que incluso hoy día pone los pelos de punta si se recuerdan algunas escenas en donde se podía oír, como la de la danza nocturna de los habitantes, de la que luego hablaremos. Sager haría posteriormente un trabajo similar en Dentro del Laberinto.


Guión enigmático

Uno de los principales atractivos según los amantes de la serie era su guión, tal vez un tanto simple, pero esto es solo en apariencia, ya que cuenta con bastante intríngulis. Es cierto que muchas cosas no se explican, como corresponde a una buena historia de terror a la inglesa, pero cavilando un poco (algo que los críos que veían la serie no podrían hacer), se pueden extraer varias conclusiones sobre el devenir de la historia del círculo de piedra de Milbury. En la página de Imdb, aparecen una serie de claves para entender todo el alcance de la historia, repleta de explicaciones ocultistas, que realmente parecen ser la aclaración de todo lo que se contaba en la serie.


El final de la historia, además, incluía una espectacular sorpresa final tras el Happy End de rigor, aclarando además algunos de los enigmas planteados y que explicarían todo el devenir de la narración, aunque al principio dicho fianl resulte completamente enigmático. Esa sensacional coda, engrandece aún más las virtudes de esta fenomenal y apasionante historia fantástica, intrincada y enrevesada hasta el final.



Una valoración personal

Ya no se hacen series ni películas para críos así. Ni para quinceañeros. El terror adolescente actual parece reducirse a los sustos fáciles, los asesinos en serie, y los chavales cayendo uno detrás de otro, víctimas del anterior. COTS ofrecía mucho más, terror psicológico de primera magnitud, adaptado también ala mentalidad infantil, en un entorno tan sencillo como un pueblecito donde pasaban cosas realmente inexplicables, teniendo a preadolecentes como testigos. Aquí los televidentes más jóvenes eran tratado como personas inteligentes

Aunque es una serie de culto en el Reino Unido, especialmente entre los amantes de lo fantástico- su lanzamiento en DVD fue todo un acontecimiento- en España esta serie no es tan recordada como otras similares que ya hemos citado. Una situación tanto injusta y que hace mas necesaria la reivindicación de este serial como inspirador de una generación que ido conociendo diferentes encarnaciones del género fantástico

Al igual que muchos otros que vieron la serie de niños, mis no demasiado concretos recuerdos sobre ellas son que, efectivamente, era una serie muy atrayente, tanto en el aspecto visual como el de la historia (lo que mi corta edad me permitía comprender), y en donde habían no pocas cosas que a un crío le resultaban aterradoras: esa pintura en tonos oscuros y nocturnos con aquellas tétricas figuras danzando en corro ante una especie de cilindro de luz que se elevaba hasta el cielo, con una especie de serpiente contemplando la escena desde las alturas. Que mal rollo. Por no hablar de la escena en al que Matt descubre a los habitantes del pueblo danzando en plena noche al aire libre de la misma manera que aparecía en aquel cuadro, todo filmado con cámara nocturna en tonos azulados, con los primeros planos de los rostros inexpresivos de los lugareños, acompañado todo con aquella música tan siniestra (esta escena, en flashbacks, se repitió en varios capítulos). Todo el rollo de la energía y los poderes de Matthew, era verdaderamente inquietante. Decir que gracias a esta serie conocí la existencia de los monumentos megalíticos.

Una serie genial. A ver si alguna cadena de estas local, que tanto son dadas a reponer algún que otro oldie televisivo se anima y repone Los Chicos de Stone (sigo sin entender porque le pusieron este desconcertante título en España, ¿qué porras es Stone?), o quien sabe, podría editarse aquí el DVD. En todo caso, Children of The Stones, ha resultado ser un referente del fantástico británico contemporáneo y un hito televisivo infantil y juvenil. Si las series de TV actuales dirigidas a este público se hiciesen así, otro gallo le cantaría a la paupérrima ficción televisiva de hoy.

jueves, noviembre 09, 2006

Una próxima sección : RAYOS CATÓDICOS (CUANDO LA TELE VALÍA ALGO)

Bajo este epígrafe debutará próximamente una nueva sección que con periocidad bastante mas esporádica que "El aparatito de Lumiere" recordará algunos programas y series de televisión míticos, de cuando la tele, pues eso, valía "algo", y el imperio de la telebasura no había hecho su aparición.
Será un ejercicio muchas veces de nostalgia, pero sobre todo nos servirá para recordar algunos trabajos televisivos míticos por su calidad (a veces mas que por su éxito) o injustamente olvidados. También tendremos ocasión de semblar la trayectoria de presentadores, periodistas, directores o actores que por algun u otro motivo dejaron huella, especialmente en las televisiones españolas.
Pronto, espero, llegarán los primeros rayos catódicos a este blog para mezclarse con los rayos c. Hasta entonces, les espero.

martes, noviembre 07, 2006

El aparatito de lumiere: INFILTRADOS (DEPARTED)


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Martin Scorsese regresa a las pantallas, tras haber dirigido dos de sus mejores películas en los últimos años como fueron Gangs of New York y El Aviador. Esta película confirma que el veterano y gran director italoamericano, sigue teniendo capacidad para hacer grandes películas con una trayectoria más de 30 años detrás de las cámaras. Si buen este Departed, no es tan exultantemente brillante como Gangs of New York, su última obra maestra, sus virtudes son mas que evidentes. Scorsese vuelve al cine de gangsters y de mafias con renovado tino, haciendo un remake de una película de Hong Kong que el realizador neoyorkino traslada al universo de las mafias irlandesas de la ciudad de Boston. En este película- que entre sus productores se encuentra curiosamente Brad Pitt- , Scorsese se ha rodeado de un reparto encabezado por algunos una triada de eficaces y guapitos actores treintañeros con probado éxito en taquilla y que sin duda atraerán al público (especialmente femenino) a las salas: Leonardo Di Caprio, Matt Damon y Mark Wahlberg. Y junto a ellos la siempre imponente presencia de un genio de la interpretación del que poco hay que decir puesto que su nombre se presenta a si mismo: Jack Nicholson, en el papel de un carismático y peligrosos capo de la mafia irlandesa, Frank Costello.


Departed es una muy bien contada historia de delincuencia y corrupción policial, que pese al parecer al principio una historia policiaca sin ninguna novedad significativa y tal vez previsible, pronto enseña sus cartas y, con inteligentes pliegues en la trama en un ejercicio de refinada papiroflexia de guión, la historia va subiendo y subiendo de interés hasta llegar a un apasionante crescendo, que pese a que podía haber sido mas espectacular, no defrauda en absoluto. Billy Colloran (Leonardo Di Caprio) un joven criado en los proletarios barrios irlandeses de Boston en donde el crimen organizado y las mafias campan por sus anchas es admitido en la policía del Estado de Massachussets, pero pese a creer que de ese modo ha conseguido una vía de desvinculación con el mundo de la delincuencia en el cual ha crecido (y al que perteneció su fallecido padre), tendrá que involucrarse en el hasta las cejas como topo de la policía, a petición de un comisario también de origen irlandés (Martin Sheen), para de una vez por todas atrapar al buscadísimo Costello, en cuya banda se infiltrará Billy. El joven policía se ve inmerso en una situación un tanto esqizofrénica, en donde se tendrá que desdoblar en dos personajes, el Billy delincuente, que llega a sentir una auténtica fascinación por Frank Costello, y por otro el Billy policía, cuyo deber será propiciar la caída de sus nuevos “compañeros profesionales”, lo que supone también negarse a si mismo, a su pasado, a al menoría de su padre y al mundo en el que el creció. Paralelamente, el sargento Sullivan (Matt Damon), un joven y brillante policía de la misma promoción que Billy y también de origen irlandés, se encargará también de poner en jaque a Costello y sus muchachos encarándose también con un mundo en el que también creció y al que al parecer, por algún motivo u otro, no se deja nunca de pertenecer. Aunque uno sea policía.

Una reflexión sobre el pasado y la formación de la personalidad en forma de drama policial es lo que nos ofrece Martin Scorsese. No es una película psicológica en el sentido estricto de la palabra ni una reflexión sobre la doble personalidad y sus consecuencias, mas bien una fábula moral donde estos elementos aparecen como catalizadores de un mundo que una vez mas es el reverso del sueño americano (algo tratado en otras ocasiones por Scorsese y otros directores de su generación) en donde no hay ni héroes ni villanos y en donde el mal aparece hasta en los contextos en donde al justicia debería de imponer su ley, un mundo irracional que atrapa a sus protagonistas desde su infancia y que los envía a un callejón sin salida en donde siempre está la omnipresente muerte. Mundo perfectamente retratado en este film, dinámico y con un gran guión, aunque requiere la atención constante del espectador para seguir su en ocasiones algo confusa trama. Realistas escenas de tiroteos y crímenes -marca de la casa de la generación de los “Moteros Tranquilos-Toros Salvajes”, con la que se conoce a los Coppola, De Palma, Mallick, Hopper y el responsable de esta peli, entre otros- con algún momento soberbio gracias a tomas espectaculares. Realmente, “Marty”, en cuanto tiene historias de gangsters entre manos, ofrece lo mejor de si mismo en cuanto a puesta en escena.

La interpretación de Jack Nicholson, es sencillamente antológica, tal vez de las mejores de este actor en los últimos años. ¿Un nuevo Oscar para su colección? Puede. No obstante, se hace un poco extraño oír a este actor sin su voz castellana habitual, la de Rogelio Hernández, ya que esta vez lo dobla otra veterano y excelente profesional, Arseni Corsellas (Sean Connery, Chartlon Heston). Di Caprio le gana el duelo interpretativo a su coetáneo Matt Damon. Con su tercera película con Scorsese, Di Caprio comienza a ser tan habitual en el cine de este director como lo fue en su día Robert De Niro.

Una muy buena e inteligente película que recupera el encanto del cine de mafias de los 70 y 80 pero con una perspectiva más contemporánea y adaptada al cine de acción actual.

domingo, noviembre 05, 2006

NICO, LA MUSA MALDITA




Curiosa y extraña figura en el Show Bussiness en los últimos 40 años, Christa Päffgen, más conocida como Nico (1938-1988), ha llegado hasta nuestros días como prototipo de cantante maldita dentro del mundo del Rock. Su nombre siempre estará asociado al mítico primer LP de la Velvet Underground, pero Nico además fue autora en solitario de una obra musical singular, barroca y underground que en la década de los 70 se adelantó a su tiempo profetizando el Pop Siniestro de los 80, el Indie-Rock de los 90, la World Music y ciertos apuntes estilísticos de cantautores alternativos de los últimos 25 años. Y no solo su obra musical es objeto de curiosidad: modelo, actriz, femme fatale, bohemia intelectual a la europea, su polifacética leyenda la ha encumbrado como una de las más fascinantes figuras femeninas de la era pop, lastrada por su malditísmo. Federico Fellini, Andy Warhol, Brian Jones, Alain Delon, Philippe Garrel o Lou Reed son algunas de las figuras del espectáculo que pasaron por su vida, la vida de una musa maldita.


Una chica que quería ser modelo

Christa Päffgen, de acuerdo con la mayoría de las fuentes vino al mundo en Colonia, Alemania, el 16 de octubre de 1938. Siempre se ha especulado con el origen húngaro de esta mujer, hasta el punto que muchos críticos y periodistas afirman que en realidad nació en Budapest. También hay discrepancias obre su fecha de nacimiento, que quienes defienden la cuna húngara de Nico sitúan el 15 de marzo de 1943. Es más probable (prácticamente seguro) que naciese en realidad en 1938 a juzgar por el aspecto que aparentaba en sus últimos años de vida.

Aunque alemana de nacimiento, Christa Päffgen fue en realidad una artista internacional que residió en varios países sin arraigarse en ninguno. Aunque abandono sus estudios muy temprano(a los 13 años), Nico a parte de alemán, hablaba inglés, italiano, español y francés perfectamente. La joven Christa, que aún no había adoptado su nombre artístico, comenzó a trabajar como modelo en Berlín a mediados de los 50 cuando era una adolescente, después de haber trabajado un tiempo como vendedora de lencería y moda en Colonia, trabajo con el que entró en contacto con el mundo de al moda. Su peculiar belleza teutona cautivó a fotógrafos y cazatalentos. En Ibiza, isla que jugará un papel decisivo en su vida, el famoso fotógrafo Tobias, con quien se encontraba haciendo un reportaje la bautizó Nico en homenaje al ex novio de este el cineasta Nico Papatakis.

Hacia 1957 encontramos a Nico en París con su caché como modelo sensiblemente aumentado y trabajando en revistas tan prestigiosas como Vogue o Elle. Su fama en la capital de la moda sin cumplir los 20 años era enorme. La publicidad en Italia y en Francia se la rifaban a finales de los 50 ya que su fotogenia y cualidades interpretativas eran innegables. Obviamente, el cine no tardó en llamar a su puerta.


Fellini, La Dolce Vitta y la Chica Terry

Nico debuto en el cine en 1958 en La Tempesta de Alberto Lattuada. Pese a que vivía entre Paris y Roma en aquellos años, tampoco tardó en rodar una película en inglés, For the Fist Time, junto con el famosos cantante Mario Lanza. Y en 1959, Nico entra en la historia del cine como actriz de reparto en La Dolce Vita de Federico Felllini, en un papel no muy extenso pero que se hizo notar. En 1960, en una decisión que cambiará el curso de su vida, Nico se muda Nueva York para tomar clases de interpretación junto a Lee Strasberg. En esa primera mitad de los 60, Nico vivirá entre la Gran Manzana y París tratándose de centrar sine excesivo éxito en su carrera interpretativa pero viviendo mayormente de su aún intacta cotización como modelo. No obstante, hay que aclarar que por entonces las modelos estrella no tenían ni la astronómica cotización ni la gran popularidad que tienen en al actualidad, aunque su nombre era muy conocido en el mundo de la moda. Nico intervendrá en esos años en diferentes anuncias para la prensa y telvisión, destacando por inmediatez geográfica la campaña publicitaria que llevó a cabo en España en 1962 anunciando el Coñac Terry, lo que la otorgo una gran popularidad anónima en nuestro país (fue conocida como “la chica de Terry” o “la chica del coñac”)


Nico canta

Paralelamente, en esos primeros 60, Nico intervino en la película francesa Strip-Tease (1963), en donde llevará por primera vez a cabo una nueva faceta, que será por la que es más recordada: la canción. Nico interpretó en aquel filme el tema que le da título, compuesto por Serge Gainsbourg. A falta de trabajo de relevancia en el cine, Nico se dedicó a seducir a estrellas como Alain Delon, ya por entonces famosísimo actor, con quien tuvo en 1962 a su hijo Ari, cuya paternidad no fue reconocida por el interprete hasta mucho tiempo mas tarde.

La carrera cinematográfica de Nico hacía aguas por todas partes, pero aún no había explotado como era debido su otro talento, el musical. Dotada de una singular voz semimasculina, en 1965 llamó la atención del gutarrista de los Rolling Stones Brian Jones, quien le produjo aquel año el single "I´m not saying", su primera publicación. Inquieta y con ambiciones, Nico se codeaba con lo mas granado del Show Bussiness e intuyó que en el Swinging London y en sus jóvenes estaba una de las llaves del éxito. Aunque era ya algo mayor en relación a la edad de los intérpretes de Rock y Pop del momento, se sintió enormemente atraída por la creatividad y rebeldía que irradiaba el mundo del Pop, pasando varias temporadas en Londres. No obstante, será en su habitual residencia americana donde conocerá a Bob Dylan, quien se sentirá fascinado por ella, hasta el punto de que la actriz y modelo le inspiraría una canción, "I'll Keep It With Mine".

Warhol, The Factory y The Velvet Underground (peel slowly and see)
Cuando parecía que el futuro de Nico volvía a estar en Europa, a finales de 1965 conoce a Andy Warhol, el artista multidisciplinar pope del Pop Art. La imagen de “chica del momento” de la joven convenció a Warhol para que inteveniese en sus películas experimentales producidas por su Factory neoyorquina: Warhol y el director Paul Morrissey tuvieron bajo sus órdenes a Nico en sus filmes Chelsea Girls, The Closet, Sunset, e Imitation of Christ. Nico se había convertido en el periodo 1966-67 en la musa de The Factory y de Andy Warhol.


En 1967, Andy Warhol contrató para The Factory a un peculiar grupo de Rock, The Velvet Underground, un cuarteto neoyorquno de música y letras realmente marginales y oscuras que había sembrado escándalos en sus actuaciones en Californa y que pese a todo contaba con el aval de ciertos beatniks franceses que quisieron sin éxito que el grupo se instalase en Francia, y del recientemente fallecido Brian Epstein, manager de los Beatles, quien estuvo a punto de ficharlos como protegidos. Warhol quería añadir la música a su multidisciplinar universo, y el grupo, tosco y marginal como su nombre, era perfecto para sus pretensiones. La banda estaba liderada por Lou Reed, cantante y guitarrista, y tenía como segundo de a bordo a John Cale, multiinstrumentista, ambos músicos con inteligencia y ambiciones artísticas. Warhol les propuso actuar en las perfomances de su bizarro espectáculo Exploding. Plastic. Inevitable, una orgía de música, proyecciones y ballet. Convencido de que la voz y la presencia de Nico iban a ser determinantes para el grupo y para el espectáculo, les obliga por cláusula contractual a aceptar a la alemana como co-cantante junto con Reed. El grupo accede con reservas, pero pronto se darían cuenta del norme potencial artístico de Nico. Mas allá del efectismo del espectáculo en directo- Con Nico vestida de dominatrix látigo en mano- la banda se dispondrá a grabar su primer LP, con el aval de Warhol.


En 1967 se publica The Velvet Underground and Nico, con 11 temas cuatro de los cuales estaba cantados por la alemana (el resto por Reed): “Sunday Morning”, “Femme Fatale”, “All Tomorrow´s Parties” y “I´ll Be Your Mirror”. El disco pese a que la crítica lo defenestró y el público lo dio la espalda por su por entonces durísimo contenido de apología de las drogas (“Heroin”) o el sadomasoquismo (“Venus in Furs”) y su tono sombrío, se convirtió en los 70 en un LP de culto, especialmente entre los amantes del Rock Urbano, el Glam y el Art Rock, y hoy en día es considerado como una obra maestra del Rock y uno de los mejores discos de la historia. Las canciones que interpreta a Nico en el son las más tranquilas y mediotempistas del disco, siendo el primer trabajo musical donde la intérprete mostraba sus enormes bazas artísticas: una voz fuerte pero versátil y cristalina con un timbre peculiar y moldeable. Nico mantuvo una relación sentimental con Lou Reed, y ya metida de lleno en los cículos pop, también mantuvo romances con Jim Morrison, Tim Buckley, Iggy Pop y Jackson Browne, además de su anterior y fugaz relación con Brian Jones.

Pese a que disco The Velvet Underground and Nico llevaba le firma Andy Warhol para hacerlo atractivo al público y en la portada diseñada por el artista aparecía un plátano que se podía pelar (una de las mas atractivas y famosas portados de LPs de todos los tiempo), esas estrategias de marketing tampoco funcionaron en al trayectoria comercial del LP. A mediados de 1967 Nico decide abandonar la banda, que no tardará en marcharse de la Factory e iniciar una brillante trayectoria como uno de los grupos mas influyentes de la historia del Rock. Nico, por su parte debuta en solitario a finales de aquel año con Chelsea Girl. El disco fue una producción de lujo en la cual tomaron parte como compositores Bob Dylan, Tim Hardin, su novio en aquel tiempo Jackson Browne y sus ex compañeros de la Velvet Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison. El LP era un curioso album de Folk-Pop que hoy en día es una pieza de culto. No obstante -como toda la obra posterior de Nico- su éxito se redujo a círculos arties, hippiosos y de músicos “entendidos”, además de compositores de vanguardia.



Una artista diferente

En 1969 publica su segundo trabajo, Marbel Index, en donde debuta como compositora. Con arreglos de John Cale, que ya había abandonado la Velvet e innovadora producción de Frazier Mohawk, el disco es un vanguardista anticipo del Art Rock de los setenta (Peter Gabriel, Brian Eno, King Crimson), aunque tiene también alguna inspiración Folk. Ese año, 1969, conoce al director francés Philippe Garrel, con quien tratará de retomar su carrera interpretativa durante la decada de los 70, pero por aquellos años Nico estaba fundamentalmente centrada en la música. La artista compone y canta la canción “The Falconer”, para el film Le Lit de la Vierge, en 1969.

Deserthore (1970), incidía en al misma línea que el LP anterior, pero volvió a pasar desapercibido. Tres años después apareció The End. John Cale, como productor, es el artifice formal de los dos discos, en donde toca el británico Brian Eno, ex de Roxy Music que ya había iniciado su carrera en solitario como precusr del ambient. Si bien ambos LPs fueron un fracaso comercial, Nico se había hecho un nombre como música de culto entre la camarilla del rock. Su talento como compositora e intérprete era innegable. Fue invitada por el británico Kevin Ayers a su histórico concierto de junio de 1974 en donde se juntaron todos los frikis vanguardistas del rock del momento: Eno, Robert Wyatt, Mike Oldfield, John Cale y los propios Nico y Ayers. El evento quedó registrado en un disco irrepetible June 1, 1974.


Drogas y decadencia

La vida personal de Nico tampoco iba muy bien. Depresiva y atormentada, se refugio princiapmente en la relación que había comenzado con Philippe Garrel, con el que comenzó a vivir en París a principios de los 70, lo que no evitó su adicción a la heroína. Nico intervino como actriz en siete films del director entre 1970 y 1979 en algunos de los cuales llegó a ser ayudante de dirección. Con el paso de los años su carrera en el mundo del cine de la mano del director galo irá bajando enteros a medida que su relación sentimental se iba deteriorando y su adicción a las drogas la iba alejando del mundo exterior y de la vida pública. En 1975 había interrumpido su carrera musical y sus apariciones públicas se redujeron drásticamente (el último concierto en el que intervino en los 70 fue el conocido bolo del grupo Tangerine Dream en la catedral de Reims en donde varios de los asistentes orinaron en el templo produciendo un gran revuelo y polémica). Sus discos en la segunda mitad de los 70 se convirtieron en objetos de culto tanto para la generación punk como para los músicos vanguardistas como Laurie Anderson, Kate Bush o más veteranos como Can o Tangerine Dream.


En 1979 Nico rompe definitivamente con Garrel, abandona Francia y decide regresar a Nueva Cork. A principios de 1980 vuelve a los escenarios en el mítico club CB GB, causando gran expectación y una buena sensación. Su figura mítica intenta restaurase por parte de sus fans. Nico decide volver a vivir de la música y tras unos conciertos en clubs decide hacer una pequeña gira de 12 conciertos en el Medio Oeste norteamericano con gran éxito de crítica. En 1981 publica su nuevo disco en ocho años, Drama of Exile, rock urbano fusionado con ritmos del este de Europa que anticipa la World Music. En 1982 se publica un LP en directo de su gira americana, Heroine y otro de su posterior gira europea Do or Die. Nico pasará temporadas estivales en una casa comprada en Ibiza, el lugar donde nació su nombre artístico.


Muerte en la isla

Nico, hasta su muerte en 1988, no pudo superar su adicción a las drogas y a principios e los 80 su aspecto era el de una mujer mayor de lo que en realidad era. Hacia 1983-1984 vive en Barcelona tratando de superar sus problemas, sin éxito, recordado la época de la “chica de Terry”. En 1985 Nico publica su último LP de estudio Camera Obscura, de lo mas arriesgado de su obra, acometiendo standars jazzísticos con un atrevido tratamiento instrumental. Por aquellos años se traslada a Salford, una localidad cercana a Manchester donde compartirá piso con dos estudiantes. Sus actuaciones en directo se sucederán, pero sin el encanto de otros tiempos. La demanda de material de Nico por parte de fans y mitómanos hará que varios LPs sacados de sus actuaciones se publiquen durante la década de los 80. Nico, en sus últimos años, muy poco capaz de controlar su vida por sus problemas mentales y físicos fue utilizada por su nuevo manager, Alan Wise, haciéndola vivir un falso romance con el músico John Copper Clarke, debido a motivos de marketing. Nico convivirá con Clarke entre 1986 y 1987.

En 1988, Nico se propuso dejar la heroína, reformó sus habitos alimenticios y comenzó a practicar deporte. En Julio del 88 se encintraba en su residencia veraniega de Ibiza junto con su hijo Ari. El día 18 de ese mes, paseando en bicicleta Nico sufre un ataque al corazón que le hace caer de su bici. Llevada al hospital, se le diagnostica una hemorragia cerebral y fallece horas mas tarde. Tenía 49 años. Es enterrada en Berlín en la tumba de su madre.

Desahuciada por el gran público y devorada por sus demonios interiores, Nico engrosa la lista de Beautiful Losers del Rock, pero su obra musical sigue siendo una de las más singulares de la música moderna. Su polifacética personalidad y su amplia lista de amistades dentro del mundo del entretenimiento hacen de esta mujer uno de los personajes mas fascinantes del mundo del espectáculo en al segunda mitad del siglo XX, una bella musa caída. La musa maldita.

miércoles, noviembre 01, 2006

El aparatito de Lumiere: PEQUEÑA MISS SUNSHINE



***

Divertida y original comedia negra en forma de Road Movie, que describe el viaje y las desventuras de una singular familia de Nuevo Mexico: un matrimonio cuarentón formada por un padre fracasado y cuyas deudas han llevado a la familia al umbral de la pobreza y que paradójicamente vive de dar clases sobre éxito y autorrealización personal, una madre que trata de llevar a su familia como puede y que reprocha continuamente a su marido, un hijo adolescente que harto de su familia renuncia a hablar y se comunica con ellos mediante notas, un abuelo cocainómano y resentido con la sociedad, el hermano de la mujer, que debido a sus tendencias suicidas se ha ido a vivir con al familia de su hermana, y por último la pequeña Olive, una niña que pese a ser gordita y gafosa sueña con concursar en certámenes de belleza infantil, hasta que al fin le llega una oportunidad de participar en “Little Miss Sunshine”, un concurso que tiene lugar en California (este tipo de concursos de belleza infantil, por increíble que parezca, existen de verdad en USA y son mas o menos del tipo que describe la peli). El resto de al familia decide llevar a Olive al concurso tras enterarse que ha sido admitida a pesar de que su economía solo les permite trasladarse en una destartalada furgoneta Volkswagen sin frenos. Comienza así un caótico viaje de Nuevo México a California, realizado principalmente para lograr que de una vez por todas alguien de la familia tenga éxito en la vida, en una especie de desquite colectivo de todos sus miembros.

Tiene momentos y diálogos verdaderamente desternillantes este filme, rodado con carácter indie e irreverente, en donde unos pocos actores llevan todo el peso de la película. Es difícil establecer cual es el personaje más logrado, ya que todos los miembros de la familia están en su punto y tienen su momento estelar a lo largo de la peli. Una curiosa historia de una lucha sin cuartel contra el fracaso y la mediocridad, que culminará cuando los personajes adviertan que el objetivo del viaje es una realidad mucho más asqueante.

martes, octubre 31, 2006

¿"JÁLOGÜIN"?

Mañana dia 1 de Noviembre es el día de todos los santos, también conocido como día de los difuntos. Tradicionalmente, en la piel de toro, es el dia en que en que se visita los cementerios para honrar a los difuntos, y de paso, aparece esa tradición tan ibérica del papeo típico de cada festejo o celebración, en este caso los huesos de santos.
Gracias a la tele y el cine, desde hace años hemos tenido noticia de que ese 1 de noviembre en los EEUU, se celebraba el día de todos los santos de manera característica y peculiar: Todo el mundo se disfrazaba ese día, como si de un carnaval adelantado se tratase, preferentemente de monstruos, vampiros, diablos, brujas y otros mitos de terror, los adultos se montaban unos fiestones con las cosas de mucho miedo y tal como leiv motiv, los críos iban de casa de al vecindad casa pidiendo algo así como "truco o trato" (aunque ha habido traducciones para todos los gustos) , y les daba por poner cara a las calabazas, en claro homenje al Jinete Sin Cabeza de Washington Irving. Era, es Halloween, la fiesta de los espantos, el aquelarre, el me das o te doy, o también la fiesta de todos los santos, según se le pusiese en los cojones al traductor de turno.
Nos partíamos de risa con la estupidez de los usacas en esas fiestas, que creíamos que nunca ibamos a celebrar aqui, y mira por donde, de tanto verla en la tele o en el cine ya hasta hemos empezado a celbrarla en las fechas de todos los santos. En fín, que la globalización y la colonización cultural traen a veces efectos perniciosos. ¿Terminaremos celebrando el día de acción de gracias?. Vete a saber. La verdad es que con esto del Jálogüin ya hay nueva excusa para disfracerse y pasárselo en grande, para algunos. No obstante, hay que reconocer que ese concepto de la fiesta en si, al del terror y sus mitos, tiene su atractivo y su cosa y esta resultando un buen pretexto para que alguna cadena de TV de ponga algún clásico indispensble del género. Esperemos, no obstante, que a los niños no les de ir de casa en casa haciendo el Mike o la Dorothy.

martes, octubre 24, 2006

El aparatito de Lumiere: HIJOS DE LOS HOMBRES



*** y 1/2

Una muy interesante y lograda película de ciencia-política-ficción ambientada en el año 2027 que demuestra que los efectos especiales no son necesarios para este tipo de cine. Se trata de una producción norteamericana aunque ambientada y rodada en el Reino Unido, ya es la adaptación de una novela inglesa, con un reparto también casi exclusivamente británico. Y sin embargo, el director es mexicano, Alfonso Cuarón, quien junto con Guillermo del Toro y González Iñarritu son la avanzadilla internacional del cine mexicano. El director de Y tu mamá también y Harry Potter y el prisionero de Azkaban firma su mejor película hasta la fecha, una película de laque un director americano o incluso inglés no habría sacado tanto jugo.

En este año 2027 ya no hay niños en la tierra debido a una epidemia de infertilidad en todas las mujeres del planeta. Los más jóvenes tienen 18 años y la humanidad esta en consecuencia abocada a la desaparición. Una sociedad sin niños y condenada a muerte trae consigo unos gobiernos injustos totalitario, la irracionalidad destructiva del ser humano, el empleo desmedido de la violencia por todas las personas en cualquier ámbito, la desconfianza en el prójimo, la proscrición de la cultura y el arte, la perdida de los valores éticos, y en fin, el caos y la total miseria moral. Un panorama nada halagüeño que Cuarón describe con tonos grises y sombríos en un Londres casi devastado por sus propios habitantes sin ningún motivo y donde sobrevivir es toda una odisea. Ese escenario y premisa de la película, totalmente aterradores, es lo mas impactante de esta cinta, repleta de escenas y situaciones extremas que no dejan indiferente a nadie y que producen un auténtico mal rollo. Un ambiente, sucio, polvoriento, captado por una fotografía magistral ayuda a la presentación de un fresco verdaderamente sobrecogedor.

Grupos rebeldes, tildados de terroristas por los gobiernos, llevan a cabo una lucha por la supervivencia que deriva en lo salvaje, mientras que los medios de información no dejan de manipular y confundir. Theo (Clive Owen), un gris periodista, por medio de su amiga Julia (Julianne Moore) entra fortuitamente en contacto con los Peces, un grupo de resistencia contra el gobierno británico quien le encomienda vigilar a una joven africana refugiada (Cheiwetel Ejiofor), en una sociedad caótica en donde los refugiados políticos han aumentado hasta niveles aberrantes, y ayudarla a huir hacia el Proyecto Humano, una sociedad escondida que trata de huir de la destructiva situación a la que ha llegado el ser humano y de la que nadie sabe su existencia cierta. Jasper (Michael Caine), un hippy setentón, es una de los escasos reductos de humanidad que Theo encuentra como aliado y ayudará a nuestro protagonista a llevara a cabo su propósito.

Una historia tremenda que trata de reflexionar sobre la perdida de los valores de la sociedad actual y que pinta un futuro nada halagüeño en donde no se la razón de muchas cosas, aunque se puede intuir, como tampoco sabemos a ciencia cierta por que han dejado de nacer niños (¿tal vez porque se han negado a ello?) en un complicado y circular juego de causas-consecuencias. Muy bien dirigida y con una imponente puesta en escena, a esta película le falta un poco de más ritmo y sobre todo mayor concreción; tal vez si tuviese más de ello hubiese sido una grandísima película. No obstante, con lo que tiene, que es bastante, resulta un muy buen filme.

lunes, octubre 23, 2006

EL REY ARTURO: LA CONSTRUCCIÓN DE UN MITO (Y III)


El mito del Rey Arturo se extendió por toda Europa en el siglo XIII gracias a las obras de Chértein de Troyes, y numerosas versiones apócrifas y leyendas de romance anónimas surgieron sobre el tema. Pero fue la leyenda de la Búsqueda del Santo Grial la que en mayor medida estimulo la imaginación de los escritores que a partir del XIII retomaron el mito artúrico, un mito surgido de manera indeseada y totalmente ajena a la intención que su creador, Chrétien, le quiso imbuir y que se ha convertido en el principal referente de los mitos de Arturo en la cultura universal hasta la actualidad e incluso ha trascendido a las leyendas artúricas mismas.


La Vulgata y la Búsqueda del Santo Grial


El Arturo que escribió Troyes es considerado por la historia de la literatura como uno de los momentos cumbres de la novela de caballerías, influyendo en muchas de las obras del mismo tipo que reescribieron hasta bastantes siglos después, además de universalizar el mito en toda Europa. El cuento del Graal, obtuvo ya en los soglos XII y XIII enorme éxito, siendo muchos los autores franceses e ingleses que realizaron suspropias versiones inmediatamente, aunque tampoco se atrevieron a decir que era exactamente el susodicho Graal, algo que Chértein no pudio hacer en su obra ya que al dejo inacabada. Pero un suceso importante tendrá lugar en una fecha indeterminada a finales del XII (o a principios del XIII, según algunos autores), que será la publicación del ciclo artúrico en inglés vulgar por parte de la iglesia inglesa (redactad posiblemente por monjes cistercienses), conocida como La Vulgata , y que verdaderamente impulsó y culminó en cuanto a desenlace la historia artúrica, dándola a conocer a todo el mundo. Esta obra esta compuesta por cinco partes en donde se recogen todas las historias anteriores conocidas. Como principales aportaciones, decir que se establecen definitivamente los nombres anglosajones de los personajes (Gawain, Percivale, etc.), se recupera el personaje de Merlín -como ya hicieran los inmediatos continuadores de Troyes, el cual lo omitió en su obra-, se consolida el elemento fantástico (Avalon, la magia de Merlín) y sobre todo, da identificación al Graal, llamada “The Holy Grial” (el Santo Grial), el cual es descrito como la famosa reliquia que en aquel tiempo (y en la actualidad) se decía encontarse en la abadía de Glastonbury: el Caliz que Cristo utilizó en la última cena y en la cual uno de sus discípulos no apóstoles, José de Arimatea recogió su sangre en el lecho de muerte.

Esta supuesta reliquia y su historia eran muy conocidas en el Reino Unido, estando la iglesia inglesa convencida de su autenticidad (según la tradición, San José de Arimatea llegó a Inglaterra desde la Galia para evangelizar y allí fundo el monasterio de Glastonbury, llevándose consigo la copa), y hasta entonces jamás nadie la había llamado Holy Grial. Fue tal la popularidad de la versión de la Vulgata que los continuadores artúricos del XIII retomaron la historia del Santo Grial tal y como fue descrita en La Vulgata: como columna vertebral de la historia del rey Arturo y de los Caballeros de la Mesa Redonda. A partir de ese momento, ya tal como los religiosos querían, la historia de Arturo tendrá-y tiene- un enorme componente religioso, que es la busqueda de la reliquia de las reliquias.


En la Vulgata, tal y como describía Troyes, el caballero Perceval tiene un encuentro con el Grial en el castillo del Rey Pescador, pero no preguntará sobre el herido monarca, un error por su parte que provocará la muerte de este. Mas tarde, Percival tratará de redimir su error buscando junto al resto de los caballeros el Santo Grial a petición de Arturo, en lo que vendría a ser la epopeya culminante de los caballeros de la Mesa Redonda. Lancelot, el mejor caballero, estaba convencido de ser el campeón del Grial, pero al estar cometiendo adulterio con la Reina Ginebra, Dios le privó de ganarlo, siendo Perceval, el arrepentido, al final “El caballero del Grial”.

La belleza de esta historia del Santo Grial, ha sido una razón suficiente para que haya sido retomada continuamente en sucesivas versiones. Pero es realmente significativo como a partir de ese momento a todos los supuesto cálices de la última cena supuestamente hayados se les ha venido denominando “el Santo Grial”, creyendo que ese es su genérico nombre e ignorando que la palabra grial es una anglización de un palabra bretona (graal) surgida en el XII de la imaginación de un literato, y no una palabra hebrea del siglo I. El mito del Santo Grial de Glastonbury (conocido por la historia por ese nombre a partir de este momento), el de San José de Arimatea, ha sido materia de estudio de historiadores, antropólogos y hasta de expertos en lo esotérico, dando además errónea veracidad originaria a su nombre rebautizado y lo que es mas lamentable, conectándolo originariamente con los mitos artúricos, olvidándose de que su inclusión fue tardía e impostada, por motivos evangelizadores (nótese además como el lugar de Glastonbury, identificado con Avalon, ya estaba unido a la leyenda artúrica). El significado religioso de al reliquia junto con lo sugerente de la mitología artúrica han dado lugar a toda una serie de teorías descabelladas y sin fundamento, en donde se olvida el verdadero origen de la palabra y del mito. No es necesario citar cierto best-seller, donde se especula un absurdo origen de la palabra y el concepto de Santo Grial, obviando el auténtico origen de los mismos. Hay que decir que según algunos autores (Rollerston) la derivación de Graal a Grial provendría de una palabra latina que no vino ni pintada al efecto: cratella (vasija).

Volviendo a la búsqueda del grial y la historia de Perceval, hay que destacar que esta última tuvo tanto éxito que apareció como romance independiente en varias ocasiones en los últimos siglos de la edad media. A principios del XIII el francés Gautier pone en acción a Perceval junto con Gauvain (Gawain), describiendo algunos prodigios producidos por la reliquia. Tanto este autor como Wolfram Von Eschenbach prosiguen con el carácter cristiano del Grial. Este último en su Parzibal (hacia 1200), escrito en alemán, el elemento religioso es aún mayor y el personaje central es tratado de manera bastante independiente respecto a la Mesa Redonda. Aquí el error de nuestro héroe (tratado como una leve falta) es que se equivoca de pregunta al rey herido, llamado Anfortas. Esta obre, buena muestra de al literatura alemana medieval, demuestra hasta que punto los mitos de Arturo se habían extendido por Europa y habían adquirido propia personalidad en muchos de sus personajes.

El tema de la búsqueda (la del Santo Grial), es por otra parte, un tema recurrente en el imaginario europeo y occidental, cuya significación en toda la leyenda arturiana será enorme (la búsqueda de la perfección, de lo maravilloso), hasta tal punto de convertse casi en el leiv motiv de todo el mito arturiano, mas allá de loas 12 batallas descritas en todas las historias.

Los siglos pasaron. Las historias también. En el siglo XV se producirá por fin al autentica culminación de la historia del Rey Arturo, gracias a Thomas Mallory.


La Morte D´Artur de Thomas Mallory: el ciclo se cierra


La obra La Morte D´Artur escrita por Thomas Mallory en 1469 o 1470 y publicada en 1485 es ya la plasmación de la historia del Rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda tal y como es conocida universalmente. La muerte de Arturo, esta basada en todas las fuentes anteriores evolucionadas, de la que es un compendio. Expertos en literatura consideran esta obra como la primera novela moderna de la literatura inglesa, excepcioanlmente escrita y con un extraordinario tratamiento de la figura de Arturo, sus hazañas y todos los demás personajes.

A finales del siglo XV, huelga decir que la figura de Arturo de Inglaterra era ya el prototipo del buen y justo soberano y gobernante, características que están subliamadas en esta obra. Conviene decir, respecto a su autor, que hasta la fecha se ha conocido muy poco de Thomas Mallory, hasta el punto que muchos dicen que se trata de un pseudónimo. Varios personajes se disputan la verdadera identidad de Mallory, que al parecer vivió una vida tan novelesca como sus escritos.

En La muerte de Arturo se establecen varias aportaciones definitivas: ya se mencionan todos los nombres de los 12 caballeros de la Mesa Redonda (si incluimos al traidor Mordred), completando a los ya conocidos (Galahad, Perceval, Tristán, Kai, etc) con otros creación del autor, siendo el mas significativo en la historia Bors. Aparece un nuevo personaje que será fundamental en al historia, Morgan La Fay (Morgana), hermana de Arturo y que aprende las artes mágicas de la mano de Merlín, el fiel consejero hechicero del monarca. Auténtica villana en esta versión definitiva, usando sus poderes, Morgana consigue acostarse con Arturo y engendrar a Mordred, que en esta obra en consecuencia pasa a ser no solo sobrino sino también hijo del rey. La hechicera será la que inculque la ambición y la maldad en el joven, con vistas a convertirse en el futuro en el nuevo rey. Muy posiblemente este malévolo personaje sea un trasunto de la Morrigan irlandesa, una bruja de la mitología celta precristiana de aquella isla. El elemento mágico se refuerza también con el protagonismo otorgado a Vivian, la Dama del Lago, compañera y maestra de Merlín, que ofrece a Arturo la espada Excalibur, una vez rota la suya (en versiones posteriores, Excalibur y la espada de la piedra son la misma arma). Mallory introducirá elemntos de los siglos XIII y XIV adaptando los avateres de la historia a las épocas mjor conocidas por el público, describiendo justas, armaduras y otorgadon el título de Sir a los caballeros.

En la obra de Mallory, Arturo, tras ser proclamado rey de Inglaterra, se hace con al obediencia de 11 pretendientes al trono que se convertirán en sus primeros caballeros, combatiendo con el en las doce batallas contra los germanos y contra los romanos. Tras el periodo bélico, temiendo que la ociosidad de la paz llevase a sus caballeros a luchar entre ellos pidió al sabio Merlín soluciones, quien decidió proponer una serie de pruebas extraordinarias a todos los caballeros, la mayor parte de las cuales ya fueron descritas en las obras anteriores (Gawain y el Caballero Verde, La Dama de la Fuente, etc.). También cuanta Mallory el adulterio de la esposa de Arturo con su mejor caballero y amigo, Lancelot, ignorado en un principio por todos. La última prueba de Merlín, la definitiva, será la búsqueda del Santo Grial, en la cual Lancelot fracasa por su pecado, siendo al final conquistado por Percival, en compañía de Galahad (en algunas versiones posteriores es este caballero el campeón del Grial) y Bors. La pérfida Morgana, que gracias a su magia conocía el asunto de la reina con el caballero, lo saca a la luz. La reina es sentenciada a muerte, Lancelot la rescata y huye con ella y el rey les persigue por toda Inglaterra, dejando el reino en las irresponsables manos de su heredero Mordred, tal y como su madre deseaba, quien siembra el caos. Arturo consigue recuperar a su mujer y la recluye en un convento, huyendo Lancelot y terminando sus días como eremita en penitencia por su grave falta de traición. Al regresar a Camelot, Arturo se encuentra con una guerra originada por su hijo-sobrino y con la Mesa Redonda disuelta (lancelota había matado antes accidentalmente a Gareth). En Salisbury (y no en Glastonbury, como decía la tradición) tiene lugar el duelo a muerte entre padre e hijo en la que ambos se matan mutuamente.

La muerte de Arturo inspirará la imaginación de toda Europa durante siglos y convertirá al monarca en un personaje inmortal. Hallazgos sobre el verdadero Arturo dux bellorum britano-romano otorgaron una dimensión de realidad a al leyenda, como la teoría muy defendida desde el siglo XVIII de que Camelot era Tintagel (Cornualles), donde se conservan aún unas imponentes ruinas de una fortaleza britona, obviando que las primeras crónicas situaban el cuartel general de Arturo en Caerlon (Gales), algo que historicamente parece cierto. No obstante, es muy posible que el verdadero Arturo residiese en aquel lugar durante un tiempo.

Han sido muchas las obras literarias posteriores a La Morte D´Artur que han tratado del Rey Arturo, siendo la mas citable los Idils que el autor romántico Alfred Tennyson escribió en el XIX, relanzando el mito arturiano. Literatura (Steinbeck), cine, televisión, teatro, se han hecho eco de la figura del legendario monarca, que hasta nuestros días ha llegado como uno de los mitos mas importantes de la historia de al humanidad: el buen soberano amante de la justicia y la amistad y enemigo de la traición, la vileza y el desdén.


Merlín el mago: un mito en si mismo


Dentro del ciclo artúrico, el personaje que sin duda reviste de mayor importancia y que mas ha trascendido dentro de la fabulación es el mago Merlín. Como ya vimos en los capítulos anteriores, fue citado por primera vez por Geoffrey de Monmouth en su pseudohistórica Historia de los reyes de Britania, con el nombre de Merlinus. Ya a partir de ese momnto se convierte en un personaje central de las historias artúricas escritas- aunque Troyes no lo citase tal vez por contraponerse esa figura mágica con el amor cortes que impregnaba sus escritos- apareciendo como un mago y sabio de enorme poder que es consejero de Arturo además de ser su mentor en su juventud, como también lo fue de su padre, Uther Pendragon.

Aunque, como vimos, no se hace mención de él en las primeras leyendas orales británicas y tampoco se le cita en las lais bretonas conservadas, gracias a Monmouth su figura se extendió en el ciclo artúrico tanto en gran Bretaña como en Francia, de hecho es muy posible que en Bretaña este personaje ya interveniese en las leyendas artúricas (perdidas) como lo demuestra su inclusión en los romances en francés de Robert de Wace en el siglo XII, quien bebía fundamentalmente de las fuentes populares galas sobre Arturo. En todo caso, la figura de Merlín es claramente una reminiscencia del mundo mágico de los druidas celtas y es descrito siempre con atribuciones físicas y ocupacionales de esta mítica casta sacerdotal precristiana. Ya vimos que las primeras referencias a un tal Myrddin, posible raíz del personaje, aparecieron en Gales en la época romana, sin relación con Arturo, con atribuciones casi divinas.

Pero lo cierto, es que este personaje pudo existir de tomar ciertas algunas teorías. A un personaje llamado Myrddin el loco se le cita algunos poemas de los códices galeses Libro Negro de Carmarthen y Libro Rojo de Hergest. Este Myrddin era un britón del norte (de Escocia o el norte de Inglaterra), bárbaro picto no latinizado a juzgar por su nombre céltico, que luchó en la batalla de Arferydd en 573, es decir, unos cuantos años después de las batallas que el historiador Nennius atribuía a Arturo. De existir Myrddin según estos códices, no llegó a conocer a Arturus. Según estos documentos, Myrddin perdió la razón como consecuencia de aquella batalla en la que tomó parte y vivió durante largo tiempo en un bosque del suroeste de Escocia. Se cree que el verdadero nombre del personaje era Lailoken y que fue bautizado Myrddin cuando la hiostoria llegó al sur de Gran Bretaña por el empuje de los invasores anglosajones. Myrddin el loco, tomado como tal, ejerció como bardo y profeta según estas primeras leyendas británicas inglesas. En Gales, según algunas estelas funerarias e inscripciones muy antiguas, existía una deidad con su mismo nombre, ¿derivación, casualidad? En todo caso, este Myrddin el loco tenía muchas características de los druidas celtas: adivinación, curanderismo, etc.

Existe otra tradición anterior a la primera mención por Geoffrey de Merlín dentro del ciclo de Arturo. Es la correspondiente al ya mencionado Nennius en el siglo IX, quien como vimos dio la primera noticia histórica de un militar romano britano llamado Arturus. El habla de Ambrosio Aureliano, que vivió en la Britania en la época del imperio romano, y que de niño profetizó la muerte del rey britón usurpador Vortigern. Algunos textos anteriores al IX (Tildas, S.VI) ya mencionaron este nombre como un caudillo militar que derrotó a los sajones en el siglo VI, y que podría identificarse con el propio Arturo, o bien se trata de una coincidencia de nombres (podía ser en la sociedad romana) o podrían tratarse de parientes. ¿Fueron Merlín y Arturo el mismo personaje histórico? No parece posible a juzgar por toda la información posterior, con todo, la coincidencia resulta desconcertante. Según Nennius, Ambrosio no tenía padre conocido (insinuaba, como se creía en la época, que su progenitor podría haber sido una criatura maléfica que engatusó a su madre)

Geoffrey tomó la crónica de Nennius sobre Ambrosio para caracterizar a su Myrddin, al que rebautizó Merlinus en lugar de Merdinus, su latinización natural, ya que este nombre recordaba a la palabra normanda “merde” (mierda). De las historias sobre Myrddin el loco, el autor inglés solo usó el chamanismo del personaje, fijando su atención en el Ambrosius de Nennius relatando su profecía infantil y, en conexión con las creencias medievales, atribuyendo la paternidad del personaje al Diablo, de quien Merlín heredó el don de la videncia pero no su maldad. Curiosamente, este autor llama Ambrosio al hermano de Uther, el padre de Arturo. Geoffrey describe a Merlinus, nacido en Carmarthen, como preceptor y maestro de Uther, pero no guarda relación directa posterior con Arturo, a pesar de ser el, gracias a sus artes mágicas, el responsable del nacimiento del monarca. Es muy significativo que este autor atribuya a Merlín el transporte de los dólmenes de Stonehenge desde Irlanda a Inglaterra, conectando la religión celta con el personaje e incidiendo así en su carácter druídico. Geoffrey llegó a la conclusión de que Merlín era un druida, como se podría deducir libremente por sus historias anteriores. Su relación con la familia de Arturo fue una invención propia, en la que pudo influir la relación de nombres de personajes antes aludida. El autor también incluyó una serie de profecías (que escribió antes de su Historia de los reyes de Britania) atribuidas a Merlín.


En las versiones posteriores el personaje va tomando forma. Wace, quien lama a Merlinus Merlin, no aporta mucha novedad, pero Layamon escribió que el niño Merlín. Tras la profecía de Carmarthen fue entregado a 12 caballeros para ser custodiado mientras el rey Vortigern interrogaba a su madre para averiguar el misterioso origen parental del niño. No se menciona en estos autores la relación de Merlín con Arturo como consejero, sino como maestro de Uther y responsable de la concepción de Arturo. Robert de Boron, uno de los continuadores de Chrétien de Troyes, ya menciona al mago Merlín consejero del Rey Arturo y creador de la Mesa Redonda, hijo de un ángel caído y una doncella.

Las versiones posteriores incidirán en la caracterización de Boron, siempre teniendo presente la magia de Merlín como herencia del mundo druídico y de las creencias precristianas. Así, Merlín fue discípulo mágico de la hechicera Viviana, con la que vivía en una casa de cristal y maestro en las artes de hechicería de Morgana, la hermana de Arturo, según Mallory. No cabe duda que Merlín ocupa en el mundo de la imaginación un lugar tan importante como el del propio Arturo.