EL BUS DE LA VIDA

 

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Aunque la premisa pueda llevar a prejuicios (una feel good movie con el espinoso tema de la enfermedad del cáncer como telón de fondo) hay que decir que esta producción española sale totalmente airosa y su tono drama-comedia ni es excesivo ni se recrea en el sentimentalismo fácil. Si que hay algún tópico y lugar común y a veces puede resultar algo tramposa, pero en todo momento se impone la cordura gracias sobre todo a un trabajo del reparto bastante eficiente aunque sin estridencias. Ibon Cormenzana, uno de los productores más hábiles y exitosos del cine español (No habrá Paz para los Malvados, Blancanieves, Proyecto Lázaro, Abracadabra, Viaje al Cuarto de una Madre, El Arbol de la Sangre, As Bestas, Robot Dreams) además de director aventajado de unas cuantas películas (Jaizkibel, Alegria Tristeza, La Cima) firma una película muy agradable que sabe sacar sonrisas e ironía de una temática áspera a base de costumbrismo y una eficiente explotación de las relaciones humanas tejidas entre sus protagonistas, enfermos de cáncer. Dani Rovira, que padeció dicha enfermedad de la que salió airoso, era tal vez el intérprete llamado a encarnar al personaje central de este filme coral, Andrés, un profesor de música malagueño al que poco después de su lelgada a Orduña, Bizkaia, se le diagnostica un tumor cancirégeno en el oído. El intérprete andaluz realiza un buen trabajo en un personaje más complejo de lo que pudiera parecer, un hombre que tiene que enfrentarse ante una situación tremenda en un entorno en el que es un recién llegado con un bagaje pasado que le ha hecho sentir un ser fracasado y desposeído de algo que el siente que le pertenecía: el éxito como músico. Y el resto de intérpretes, se encuentra también a la altura de las circunstancias.

Los viajes que realiza Andrés al hospital de Basurto en Bilbao para tratarse de su enfermedad los hace en un autobús que recoge a los orduñatarras enfermos, un nutrido grupo intergeneracional que ha hecho piña y que mira con mezcla de sentimientos pero siempre con alegría su situación y destino, allí se encuentra un alumno suyo, el adolescente con inclinaciones musicales Unai (Pablo Scapligliati); Manuel (Elena Irureta) una mujer de edad avanzada que atesora un enorme optimismo o Luna (Araia Díaz), una niña con leucemia. Antonio Durán “Morris”, Amacay Gaztañaga, Iñigo de la Iglesia y Julen Castillo encarna a los otros ocupantes del bus, conducido por una decidida chica del pueblo que es además casera del protagonista, May (Susana Abaitua). La música juega un papel fundamental en este filme, trufado de interesantes canciones originales que figuran como creaciones originales de Andrés, con las que su amigo Victor Arcadia (Andrés Gertrudix) triunfa en el mundo de la música con este arrinconado. Son precisamente las partituras las que marcan el ritmo narrativo de la película, tal vez sin ellas todo habría sido más rutinario y con menos relieve. Por lo demás, al película tiene sus picos de buen hacer con otros más pasables y previsibles, pero la sensación final es que se ha conseguido una eficaz película cuya valentía y optimismo no deben caer en saco roto.

DEL REVES 2 (INSIDE OUT 2)

 

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En 2015 Pixar revolucionó el mundo de la animación con Inside Out, uno de los mejores filmes de la productora asociada a Disney y una obra maestra de la animación. Aquella encantadora historia que se aproximaba con éxito a los intríngulis de la psicología infantil y sus emociones con unos personajes antropomórficos que representaban cinco sensaciones humanas (Alegría, Tristeza, Miedo, Desagrado e Ira) y que vivían una emocionante aventura cuando su “dueña”, la pequeña Rilley se mudaba a otra ciudad con su familia, como era de esperar ha tenido una secuela que nueve años después de la primera entrega trata de enganchar a un público infantil nuevo y también atraer al público adolescente (en esta ocasión sobre todo este) y adulto, algo que consiguió con la primera película y también en esta pero con un pero: es inferior a aquella en muchos niveles- aunque era difícil que fuese mejor, claro- todo ello principalmente por la ausencia de originalidad y por la reiteración pero también por una premisa que aunque aún más sugerente que la de la primera parte se antoja no muy bien desarrollada. Una pena por que tal vez podíamos estar hablando de una nueva obra maestra. Con todo, esta nueva Del Revés desde el punto de vista técnico es impecable- superior en ese sentido a la anterior- con un diseño y acabado de personajes muy matizado y que roza la perfección y con unos vistosos y cautivadores escenarios de ese mundo onírico dentro del cerebro humano en el que viven las emociones en esta historia, además de un movimiento de imagen y escenarios realista y espectacular. Pero en realidad no hay nada verdaderamente nuevo y falta aquella emoción que poseía Inside Out, pese que haya omentos aquí realmente emotivos y conmovedores tanto para el publico menor como para el adulto, algo que es muy difícil de conseguir en una historia.

Del Revés 2 nos presenta a un Rilley de 13 años (sólo han pasado dos años desde la anterior historia) recién entrada en la adolescencia cuyos cambios en su personalidad y auto percepción también afectarán a las emociones, encontrándose estas ante nuevas situaciones que no aciertan a comprender y con la llegada además de cuatro nuevos sentimientos: Ansiedad, Hastío, Vergüenza y Envidia que terminan expulsando a las cinco anteriores ante un reto vital y fundamental que vivirá la muchachita: su participación en un importante campus de hockey sobre hielo (deporte en el que destaca) y el dilema entre ser una ganadora involucrándose en el equipo de las guays, las populares y las estrellas o ser la Rilley de toda la vida- algo que ella empieza a rechazar- dejando a un lado por ello a sus mejores amigas. La historia de Rilley es tal vez lo mejor de la película -además los escenarios de la “vida real” están sensacionalistamente conseguidos- y se nota como los responsables del filme se han asesorado de adolescentes para ciertos momentos del filme brindando momentos creíbles, identificables y emotivos que todos nosotros hemos sentido alguna vez en nuestro interior especialmente a la edad de la protagonista, aunque se echa en falta una mayor explotación de los (complejos) matices de la pubertad quedándose la historia en un plano autocomplaciente, demasiado amable y por que no previsible. Y por otra parte, la narración concerniente a las emociones, las cuales vivirán una nueva epopeya para intentar que Rilley haga lo correcto, como hemos dicho antes no termina de cuajar. Es muy divertida a ratos la curiosa batalla entre las nuevas y viejas emociones, pero no se percibe aquel encanto de la primera entrega. Tal vez les falta carisma a los “nuevos” y en general un humor más desinhibido en general, algo que la entrega anterior bordaba aunque persiste esa ironía y esos homenajes a la cultura pop que hacía tan atractiva a aquella (aunque yo personalmente quitaría en esta a los absurdos personajes trasunto de Dora la Exploradora que no aportan mucho realmente)

Esta película esta haciendo unas taquillas estratosféricas en España a la hora de escribir estas líneas. Suele ocurrir con las películas de animación que pese a ser teóricamente para el público infantil terminan congregando a varias generaciones. Esta saga, pese a su relativa bajada en calidad actual, se lo merece también, por su honestidad, su sensibilidad, su afán pedagógico y aunque se permita también ciertas concesiones, pero sobre todo porque permite a los más pequeños conocer una sala de cine y el mundo maravilloso que pueden conocer a su alrededor.

DESCANSA EN PAZ (HANDTERING AV UDODE)

 

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Un drama que parte de la premisa de un filme de terror puede ser una obra muy sugerente y atrayente y esto es lo que consigue ser esta producción noruega, opera prima de la joven directora Thea Hvistendhal basada en una novela de John Ajvide Lindqvist. Un extraño apagón en Oslo y localidades de alrededor a provocado que los difuntos se levanten de sus tumbas y vuelvan a sus casas, o al menos eso les sucede a tres personas fallecidas (se supone que el fenómeno es más generalizado, pero esto a penas se ve en toda la película) que días (o horas) después de su muerte inexplicablemente reviven. Se narran tres historias independientes con tres inusuales “zombies” y sus familias y allegados como protagonistas, centrándose en el duelo de los seres queridos y su reacción ante su inesperado regreso. Efectivamente, esta es una historia emocional y de sentimientos atravesada por una melancolía bastante notoria (escuela nórdica, claramente) y cierta ternura que lidia con la fatalidad y lo kafkiano ante una situación muy terrible en diferentes aspectos, absurdamente inexplicable, enormemente triste y también inquietante y hasta terrorífica. Que nadie vaya a verla creyendo que es una película de terror o de zombies, pues se llevará una decepción. Es este un filme sorprendente e incómodo que pese a todo trata de alabar (y lo consigue) el amor y el cariño por encima de todo.

Un niño de cinco años hijo de madre soltera desenterrado por su desesperado abuelo poco después del momento en que un extraño sonido (que llevará al apagón) se apodere de la ciudad, el reencuentro de una pareja de mujeres ancianas pocos días después del fallecimiento de una de ellas, una madre de familia que revive en el hospital pocas horas después de un accidente de coche mortal. Cada una de las familias vive el regreso entre la lucha casi titánica contra la tristeza y la desesperación recuperando algo que ya daban por perdido aunque ahora sea de una forma grotescamente diferente, la incredulidad y la alegría por recuperar el amor perdido y el miedo y la esperanza. Las personas muertas pese a todo ya no son como antes, son los no muertos de las historias de terror pero en un contexto real. Hay un muy buen trabajo actoral entre los que se encuentran dos rostros ya conocidos internacionalmente como son los de Renate Reinsve como la madre del niño fallecido (la historia más conmovedora) y Anders Danilsen Lie como el marido de la mujer fallecida en accidente, ambos vistos en La Peor Persona del Mundo. Una película diferente que podrá gustar a públicos variopintos siempre que acepten su extraña pero sugerente y a su manera poética premisa.

MEMORY

 

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No está nada mal el debut estadounidense del mexicano Michel Franco (Nuevo Orden) en lo que se barrunta ya una carrera en la meca del cine para este realizador. Un drama psicológico a dos bandas con dos personajes en una situación dramática y angustiosa pero principalmente desde el punto de vista de uno de ellos. Jessica Chastain es sin duda lo mejor de este filme en el papel de una mujer con un pasado turbio e infeliz (alcoholismo) y un presente aún incierto pero del que trata de salir a trancas y barrancas de la que a su vida llega un hombre (Peter Sarsgaard, también excelente y galardonado con la Copa Volpi a mejor actor en el Festival de Venecia),de mediana edad como ella, con demencia incapaz de recordar muchas cosas recientes. Silvia al principio rechaza a Saul, quien parece desear inicialmente amistad, ya que no se ve ni con ánimos para establecer contacto con una persona enferma que además parece que puede hacer aflorar el resurgimiento de otros aspectos del pasado de la mujer, pero al final termina aceptando un puesto de cuidadora de Saul y entre los dos terminará surgiendo una relación especial que pronto se verá con serias dificultades por la problemática naturaleza de sus protagonistas.

El filme resulta atrayente y con muchas dosis de sugestión gracias a la espléndida albor de sus dos protagonistas. Aunque no resulta fácil al principio ponerse en la piel del personaje de Silvia por la poca simpatía que este suscita por su extraño y desconcertante carácter (y por los propios prejuicios que podemos hacernos en los primeros compases del personaje) pronto entenderemos el drama de esta chica y las dificultades mismas en todo el entorno que le rodea (su hija adolescente, su hermana y la familia de esta, su madre). Saul por su parte, es otro ser al límite que se pone a prueba a si mismo y la propia Silvia: Peter Sarsgaard hace un gran trabajo aunque da la sensación que el personaje podría dar más de si. Sin grandes alardes pero rodada de manera correcta y sensible, Memory podría resultar un punto de inflexión en el reconocimiento internacional de Michel Franco aunque no sea su mejor filme.

LA PROMESA DE IRENE (IRENA´S VOW)

 

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Una insólita e increíble historia real es la base de esta película, un drama ambientado en la Polonia ocupada de la II Guerra Mundial y narra la historia de Irena (Irene en el filme) Gut, una joven polaca de origen ruso que tras la llegada de los alemanes deja de trabajar como enfermera forzosamente para servir en la residencia de un oficial nazi en donde esconderá un grupo de jóvenes judíos cuyo destino iba a ser la muerte. Hecha de una manera eficaz y con una ambientación cuidada la película en realidad parte de la obra teatral homónima sobre la historia de Irena Gut que el dramaturgo estadounidense Dan Gordon estrenó en 2009 y que el mismo adapta de manera más que correcta a la gran pantalla: la reducción de espacios, la meticulosa dirección de actores y las estupendas interpretaciones tienen indudable filiación teatral que esta adaptación en forma de producción polaco-canadiense sabe llevar hasta el terreno genuino del cine sin que se noten apenas las limitaciones del mundo de los escenarios. La directora quebequesa Louise Archambault hace un buen trabajo en un filme de estas características (drama sobre el nazismo y la persecución al pueblo judio) aunque sin ningún logro especialmente reseñable y sin la intensidad dramática que existe en otras historias de este tipo. Con todo, resulta una película muy interesante de ver y con muy buenos momentos.

En el papel de Irene nos encontramos a la francocanadiense Sophie Nélisse, quien ya sorprendió siendo una niña en otra película sobre el nazismo, La ladrona de libros (2013). Su interpretación es todo lo enorme que requiere el papel: una muchacha desposeída y humillada durante la guerra como casi toda al ciudadanía polaca en la guerra, que en su nuevo e indeseado rol de doncella del oficial nazi Rugner (el británico Dougray Scott, también muy bien) se convertirá en el ángel salvador de varios ciudadanos judíos de ambos sexos. Escondidos precariamente de las autoridades en el sótano de la residencia de Rugner. Nélisse aporta al personaje real la intensidad requerida y sabe aportar y mostrar la complejidad del mismo ya que se trata de una mujer que debe renunciar muchas veces a su dignidad y sus principios todo por salvar otros seres humanos. Un mensaje muy oportuno para estos tiempos que corren. Hay escenas realmente impactantes (el interrogatorio a la mujer del bebé, el ahorramiento de algunos judíos), una muy bien llevada subtrama de la ambigua e hipócrita atracción de Rugner por Irena, un tono de suspense bastante atractivo y en general un tono histórico estupendamente logrado, pero como se ha dicho antes falla la intensidad. Con todo, un buena opción para una tarde o noche de cine.

SEGUNDO PREMIO

 

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La tendencia de los bopics musicales (de figuras de la música, se entiende) llega al cine español y con este más que interesante filme de Isaki Lacuesta se apunta además a hacerlo de una manera más o menos no convencional. El artista retratado desde luego bien merecía una biografía fuera de usos: Los Planetas, la banda granadina que en los 90 fue el grupo quintaesencial del Indie Rock español y que suscitó amores y odios con una extensa y prolífica carrera que llega hasta hoy: cacofonías guitarrísticas y guitarras pesadas pero estilizadas, a veces con melodías cercanas al pop otras veces con experimentos más noise dando cobertura a la peculiar voz de su líder Jota Rodríguez, el un tanto difícil y algo petulante rostro del rock alternativo español por excelencia. La premisa desde donde se parte ha sido un experimento un tanto arriesgado por parte de Lacuesta ya que ha contado con un reparto de músicos (en su mayoría de la escena granadina) en lugar de actores profesionales para dar vida a los miembros de la banda, ha dotado al filme de cierta poesía visual a base de imágenes y momentos fantasiosos, ha puesta algunas narraciones “en boca” de los alter egos ficticios de sus protagonistas (dando su versión de los ehchos) y ha ocultado casi todos los miembros reales de los miembros de los planetas, sólo pronunciándose en todo el filme el nombre de la primera bajista, May. Por lo demás, para cubrir cuatro años de la existencia de los Planetas (1996-1998) se apuesta como esqueleto del filme un estilo realista y cuasi documental que intencionadamente contrasta con las licencias estilísticas antes comentadas produciendo un efecto atractivo y estimulante. Una película muy interesante, en definitiva, apta para no fans o incluso desconocedores de los Planetas pero que se queda en lo muy correcto sin pasar a cotas mayores

Daniel Ibañez y Stéphanie Magnin, son los únicos actores con trayectoria que interviene como miembros de la banda y en cierto sentido son el corazón del filme: el primero, como un no nombrado Jota, borda el rol de un autoconsciente líder que busca mantener el grupo a toda costa pese a las fugas, los desvaríos toxicológicos del guitarrista (interpretado por Cristalino), los problemas y trabas planteados por la discográfica multinacional, y la propia percepción de dificultad existencial del guitarrista y cantante del grupo por su estilo de vida desordenados, sus también flirteos con las drogas y el shock que supuso su ruptura sentimental y profesional con la bajista, interpretada de manera muy convincente por Magnin. Este intento de traslación del sopuesto universo mental de Jota (y de la música de su banda) parece presentarse como objetivo principal del filme, pero tal ambiciosa intento se queda unas veces en lo intrascendente y otras en lo pedante. Con todo, la omnipresencia de la música del grupo y sus mejores temas - interpetados por el reparto- resulta un aliciente aunque sea solo por el elemento nostalgia noventero que a buen seguro entusiasmará a muchos, así como las curiosas recreaciones de algunas de las portadas de sus discos y en definitiva todo lo relacionado con el indie musical de los noventa que esta película trata de homenajear. Una buena película aunque Isaki lacuesta ha estado más inspirado otras veces.

FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX (FURIOSA: A MAD MAX SAGA)

 

** y 1/2

En 2015 George Miller, cineasta que bien ha podio tener una carrera más brillante a la que ha tenido, resucitó 30 años después su creación más celebre, la franquicia Mad Max con un nuevo filme de la franquicia Mad Max: Furia en la carretera, un esforzado y efectivo intento por actualizar el personaje y su estrafalario y violento universo distópico con una secuela-reboot que no aportaba nada nuevo a lo antes visto pero si ofrecía una actualización a lo grande trufada de espectacularidad. Se presumían más nuevas entregas del caballero andante futurista Max Rockatansky dentro de las áridas arenas de un desierto australiano postapocalíptico y el veterano cineasta del sur aunque nueve años más tarde ha respondido con una precuela de Furia en la carretera centrada en el nuevo personaje que apareció en aquella , al rebelde heroína Furiosa, interpretada en aquella ocasión como treintañera por Charlize Theron y ahora como una joven veinteañera por Anya Taylor-Joy ( y casi ni rastro de Max, sólo aparece fugazmente interpretado por un figurante). Lo malo que esta nueva entrega parece limitarse a dar más y más vueltas sobre los hallazgos del anterior filme (es decir, multitudinarias escenas de persecución y acción aún más espectaculares que las de las pelis de la franquicia de los años 80, una escenografía en espacios abiertos abrumadora) y se enroca además en una historia previsible y sin ninguna novedad con respecto a la saga Mad Max . Vuelven a aparecer los sempiternos elementos de la franquicia desde su segunda entrega (la primera de 1979 era futurista pero no apocalíptica) con sus personajes con varias taras físicas y mentales, sus temáticas centrada en la automoción y la gasolina y su violencia desatada, todo ello con el print bizarro y salvaje de rigor; pero hay poca emoción y una constante sensación de haber visto todo antes.

Es cierto que Furiosa atesora algunas de las imágenes ms espectaculares de todos los filmes de Mad Max, como las batalles motorizadas con las motocicletas como protagonistas y sus multitudinarias escenas son de quitar el hipo, pero la historia no llega a ningun lado. Se nos cuenta como Furiosa llegó a ser sicaria y una de als esclavas sexuales del pérfido señor de la guerra Inmortan Joe (interpretado por Lachy Hulme sustituyendo al fallecido Hugh Keays-Byrne) después de haber sido secuestrada de niña por otro caudillo loco y sanginario, el jefe motero Dementus (Chris Hemsworth, luciendo napia postiza) quien se convertirá en su némesis una vez Furiosa es adulta. Otros nuevos personajes como el aliado de Furiosa Preatorian Jack (Tom Burke), el sabio Hombre Historia (George Shevstov), el asesor militar de Dementus Comedor de Gente (John Howard) o el Mecanico Orgánico (Angus Sampson) eso si resultan tan curiosos y atractivos como antiguos personajes de este universo, pero y personalmente me quedo con los viejos Ganso, Humungus, Wez, Papagayo, el Maestro Golpeador o Tía Ama (hay leves referencias-homenaje a algunos de estos personajes y otras situaciones de los filmes anteriores en esta entrega). Pero el caso es que Mad Max parece ya no dar más de si y aunque se cambie de protagonista y Furiosa sea realmente un personaje fascinante, poca cosa se puede sacar ya.

LA MUJER DORMIDA

 

** y 1/2

Siguen los intentos de hacer buen cine de género en España y se puede decir que se está consiguiendo pese a ciertos prejuicios del público, la crítica y por que no de la propia industria cinematográfica española. Este filme dirigido por Laura Alvea, en lo que supone el debut en solitario en largometraje de esta realizadora tras haber dirigido algunos filmes y documentales junto con José F. Ortuño, resulta un thriller psicológico-sobrenatural estimulante y bien narrado sustentado sobre todo en las interpretaciones de sus dos protagonistas, Javier Rey y Almudena Amor que junto al papel pivotal de Amanda Goldsmith ocupan casi toda la totalidad del metraje: una película de actores en un relato de intriga puede dar de mucho y en esta ocasión la cosa no decepciona al menos en parte. La Mujer Dormida si bien cumple su función de inquietar y hacer participe al espectador de la historia, también es cierto que en no pocas ocasiones no consigue encontrar su tono. Pese a todo, resulta un trabajo esforzado pese a sus pocos medios y que no debería pasar desapercibido.

Una aislada vivienda unifamiliar en el sur de España es el escenario casi único en donde se vive una historia de lucha contra el pasado, de huída de recuerdos dolorosos, de horribles secretos ocultos y todo condicionado por al presencia casi fantasmal de alguien que aunque no está muerto casi lo está: Sara (Amanda Goldsmith) la esposa de Agustín (Javier Rey), que se encuentra en estado vegetativo como consecuencia de un intento de suicidio pocos años atrás. La llegada a la vivienda de Agustín y Sara de la joven enfermera Ana (Almudena Amor), la verdadera protagonista de la historia, además de añadira a la existencia de Agustín una nueva dimensión en relación a su situación con Sara, provocará en la propia muchacha una serie de extrañas e inquietantes vivencias de las que no encuentra explicación y que parecen provocadas por la extraña influencia de la “mujer dormida”, al tiempo que la propia Ana va enterándose por medio de los vecinos del pueblo de las desconcertantes circunstancias que rodeaban al matrimonio y del intento de suicidio de Sara. Gracias a un competente montaje, al película consigue que el elemento sobrenatural del filme, basado en las extrañas vivencias de Ana, sea creíble y haga pensar al espectador. El elemento más psicológico y dramático, centrado en la relación entre Ana y Agustín y en la vivencia de esta de todas sus nuevas circunstancias termina sobresaliendo en la segunda parte del filme, pero sur resolución final, inteligente pero hecha avanzar con cierta torpeza, puede resultar algo tópica y demasiado parecida a otros filmes de temática similar. Una mención especial al buen trabajo de Almudena Amor, una actriz cada vez más en alza que si bien hace un papel muy parecido al que realizó en otro filme fantástico, La Abuela, tampoco merecería estar encasillada en este género: una intérprete con muchos recursos.

LOS BUENOS PROFESORES (UN MÉTIER SÉRIEUX)

 

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Últimamente están llegando a las pantallas bastantes filmes ambientados en el mundo escolar y desde el punto de vista docente, tal y como era el caso de la alemana Sala de Profesores; el hecho de que la mayoría de estas películas lleguen desde Europa reflejando realidades no muy diferentes a la del Estado español constituye un punto de interés añadido tanto para los amantes del cine realista y social como para todos aquellos que dedicados a las labores de enseñanza o con hijos en edad escolar sientan interés por este tipo de cine y esta producción francesa sin ser nada del otro jueves cumple con creces todos estos aspectos. La finalidad de Los Buenos Profesores es la de acercarse a las dificultades de los maestros y maestras de secundaria en el empeño de su profesión muchas veces ocasionados por trabas burocráticas y del sistema en general así como, ya en el aspecto más intimista, mostrar las contradicciones internas de varios de ellos. Buenos propósitos y bien tratados y expuestos pero tal vez de una manera demasiado esquemática y previsible, lo que no impide que esta sea una película creíble, veraz e interesante y degustable por un público amplio.

El hábil director y guionista Thomas Liti (Un médico en la campiña) sabe lo que se hace y otorga a su filme unas buenas cualidades de drama coral costumbrista con algún inserto de comedia echando mano sobre todo de su excelente capacidad como director de actores, con un numeroso reparto entre los que se encuentran algunos de los nombres más interesantes de la escena francesa actual con lógicamente extraordinarias actuaciones : Adèle Exarchopoulos, William Lebghil, Louise Bourgoin, Mustapha Abourachud, Bouli Lanners, el veterano y actor fectiche de Liti François Cluzet y el joven valor en Valentin Lacoste, quien interpreta a Benjamin, el joven nuevo profesor que desencadenará toda la trama. Benjamin, un veinteañero doctorando en ciencias, inteligente pero inseguro y condicionado por las exigencias de triunfo de su familia, acepta a regañadientes el puesto de profesor de matemáticas en un instituto, cargo que pese a todo su empeño parece superarle y que a partir del encontronazo con un conflictivo alumno se encontrará ante un grave problema que además afectará a sus compañeros profesores, solidarios con el pero limitados y desorientados de un modo u otro y además cada uno con sus problemas personales. La manera en lo que las circunstancias de cada uno de los profesores afectan tanto a su labor docente como a su percepción de diferentes aspectos es un item central en esta historia que el guión sabe lidiar muy bien pero tal vez sin demasiado profundidad. Es más interesante como se plantean las diferentes contradicciones de cada uno de ellos, algunas realmente desconcertantes, algo que se logra gracias a unas muy buenas interpretaciones -es impresionante como Exarchopoulos está madurando como actriz desde La vida de Adèle -y con momentos a veces turbadores como el protagonizado por la profesora de biología (Louise Bourgoin) en los últimos compases de la película. ¿Estamos ante la irrupción de un nuevo subgénero cinematográfico? Puede. Pero por el momento, es grato que existan películas con esta temática que recordemos retratan una parte importante en la vida de las personas: la educación reglada.