sábado, noviembre 02, 2013

El Aparatito Lumiere LA VIDA DE ADELE (LA VIE D'ADÈLE)




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Un torbellino de reacciones, polémicas, alabanzas, censuras, reparos, encontronazos, satisfacciones cinematográficas y en fin, sentimientos encontrados es lo que ha suscitado la última Palma de Oro en Cannes, un filme francés directo, honesto y arriesgado cuya polémica precedente a su estreno en nuestras pantallas le puede otorgar cierta publicidad alimentada por el morbo. Y es una pena porque La Vie d’ Adele por si sola tiene poderosos argumentos cinematográficos -nada comerciales- que la conviertan en una obra tan degustable como desconcertante, sinuosa y desde luego que no convencible para todo el mundo. La historia de amor y convivencia entre dos mujeres jóvenes es lo que cuenta esta película durante tres horas- una duración tal vez excesivamente larga que pone en evidencia que sobra algún que otro minuto de metraje- de una manera descarnada, nada edulcorada y sin doble moral en un crónica de desarrollo de una relación de amor y sexo contada desde las tripas y desde el corazón. No se trata de una película lésbica, como muchos medios ya la han tildado, ni dirigenta preferentemente al colectivo homosexual y tampoco es probable que se convierta en una película de culto gay por numerosas razones. Abdel Kechciche, director galo de origen tunecino, se ha inspirado libremente en un cómic de culto obra de la joven dibujante y guionista Julie Maroh El azul es un Color Cálido, quien pese a saber que el director iba a hacer una adaptación libre de su cómic no se ha sentido del todo satisfecha con esta adaptación, polémica esta que es una menudencia comparada con otras que ha originado el filme. Con todo, el hecho de que una película basada en una bande desiné haya ganado el primer premio en Cannes es un punto de inflexión que desde luego que enaltece el noveno arte como una fuente de grandes historias y que debe de dignificar un campo habitualmente ignorado y desprestigiado al que el cine rara vez le ha hecho justicia.

La historia narrada durante varios años de la joven Adèle (Adèle Exarchopoulos), que en su adolescencia descubre su condición de lesbiana para entregar todos sus sentimientos, pasión y sexualidad a una aspirante a artista llamada Emma (Lèa Seydoux) una joven mas madura, vital y enigmática que termina aclarando el embrollo afectivo de Adèle, una joven que parece luchar contra si misma y que termina entregándose totalmente a Emma, algo de los que en ocasiones parece huir conforme pasa el tiempo. Aquí conviene señalar el absoluto embrollo conceptual-estilístico-formal de esta película que muchas veces lleva al desconcierto y a la duda sobre el sentido de lo que se esta viendo, ya que el director en su afán confeso por echarlo todo en esta historia ha contado con la complicidad de dos actrices realmente excepcionales cuyo trabajo (también premiado en Cannes) muchas veces va más allá de lo que se haya visto en las pantallas y en ese sentido muchas veces es difícil de describir las aristas cortantes y los recovecos de una historia hecha con emociones muy bien contadas y descritas pero enormemente cambiante y hecha de diferentes capas. Así, el tono sexual y erótico que preside el filme parece apropiarse de los puntos clave de la historia sin que la (nada edulcorada) historia de amor pierda peso ninguno, pero la manera en la que se presentan las relaciones sexuales entre las dos chicas (elemento pivotal en el filme) realmente sorprende: cerca de 20 minutos de sexo lésbico aparentemente real (salvo algún lógico “fingimiento”) bastante explícito que ha levantado algunas ampollas y que acerca esta película sutilmente al género pornográfico. El resultado final del filme, sin embargo, resulta lo suficientemente convincente si nos liberamos de prejuicios para eludir cualquier polémica fácil…algo de lo que no se libra su director, que ha sido denunciado por Lèa Seydoux por extenuar a las actrices intentando que “lo den todo” y por su intenso trabajo bajo un aparente yugo tiránico. El propio Kechciche antes de recibir la Palma de Oro se arrepintió de rodar esta película que aún le está trayendo muchos quebraderos de cabeza. Pero todas estas cosas aparte, tenemos ante nosotros una película inusual y honesta que será amada y odiada a partes iguales. Por lo menos el que aquí suscribe se enmarca dentro del primer grupo, aún considerando que no llega al nivel de absoluta obra maestra.

martes, octubre 29, 2013

TERRORÍFICO VIAJE POR LOS MONUMENTOS MÁS HORROROSOS Y ABSURDOS DE LA GEOGRAFÍA ESPAÑOLA



La geografía ibérica esta repleta de monumentos por doquier algunos muy antiguos y otros relativamente nuevos. España siempre ha sido además un país que esto de las estatuas monumentales para glorificar a fulanito o menganito siempre ha gustado más que a un tonto una tiza. Calles, rotondas, plazas o parques en los últimos años han sido testigos de la instalación de supuestas esculturas o estatuas que no son más que abominables engendros denominados por algunos “obras de arte”. El listado de monumentos-bodrio en España (casi siempre dentro de las coordenadas del arte moderno) es interminable, pero con solo mostrar una muestra significativa y genuina como la que aquí presentamos, uno puede hacerse a la idea del horror que supone para la ciudadanía toparse (aunque solo sea una vez en la vida) con tales despropósitos “artísticos”. He aquí a juicio de rayosc los monumentos más horripilantes de España, aún habiéndonos dejado a muchos en lista de espera. 



Monumento a Cela. Padrón (A Coruña)
 


Comenzamos por riguroso orden geográfico de “lo primeros que miras en el mapa de la península ibérica” por tierras galegas. En Padrón se encuentra este monumento a su hijo (adoptivo) más ilustre, el escritor Camilo José Cela. Inaugurado en 2004 y situado en el Paseo del Espolón de dicha localidad coruñesa, el conjunto escultórico obra de Manuel Ferreiro Badía consta de un pedestal en cuya parte más alta se encuentra una estatua sedente de supuestamente de Don Camilo aunque bien podría tratarse del profesor Charles Xavier, de un microcéfalo de Todd Browning o de un muñeco de ventrílocuo, tal es el escaso parecido con Cela de esta efigie y el dudoso realismo de la representación.  Como se puede apreciar en la foto, las dos esferas de piedra delante del erguido pedestal provocan visto de frente el monumento un efecto visual que evoca inevitablemente a una de las más firmes obsesiones del literato Premio Nobel, con lo que se puede concluir que hasta cierto punto, el monumento le ha hecho justicia. Un claro ejemplo de lo que ocurre cuando a la representación artística deficiente de un personaje se le une un conjunto artístico sin nada de fuste: el esperpento total  


Paisaje Germinador. Gijón
 


Con claras influencias del cine de terror tipo La Cosa o Alien se erige esta escultura jodiendo un bello paisaje asturiano, concretamente en el parque del cabo de San Lorenzo en Gijón.  Esta escultura, obra de Miguel Angel Lombardía, según alguna guía “Se abre a cualquier lectura. Un ser de magma, un satélite espacial a punto de elevarse, un dinosaurio destartalado y herido, un cíclope que ve mar a través de su único ojo…”  Humilde aportación: un botijo mal hecho con tres patas. De todas formas, esta claro que a la gente esto de interpretar el arte se la suda y que esta escultura le parece una bazofia con el típico nombre rimbombante tratando de dar el pego de trascendencia. Puede que parezca que, efectivamente, es algo que germina del suelo, pero al menos podía ser algo más vistoso y no dar la sensación de que los hombres-excremento del espacio exterior ya están aquí y han venido para quedarse. Aunque el artista “permite acercarse” a la escultura de tres metros, cuanto mas de cerca se ve mas bizarra parece esta presumible sobra de bronce mal fundido.   


Monumento Cardenal Herrera Oria. Santander



En Santander, una ciudad en donde las estatuas abundan como setas y en donde te las puedes encontrar en los sitios mas insospechados (y además las hay de todo tipo), se encuentra este curioso adefesio que pasa por ser el monumento-estatua del Cardenal Ángel Herrera Oria (1886-1968). Inaugurado en 1999 junto a la iglesia de Santa Lucía, desde el primer momento suscitó las críticas por su lamentable apariencia estética. Lo cierto es que ante nosotros no vemos a ningún cardenal, obispo ni sacerdote sino a una apariencia semimonstruosa: un ser deforme de enorme cabezón, gigantescas manotas, indumentaria indefinida y total aspecto de ogro devorador que bien podía servir para cualquier tren fantasma de parque de atracciones. Se desaconseja visitar la estatua por la noche, ya que el susto puede ser de impresión. Siempre se piensa en cambiar la estatua por otra un poco menos horrenda (¡hasta sus propios autores se arrepintieron y se ofrecieron a hacer otra estatua!), pero el cardenal-ogro de momento sigue ahí, posiblemente ahuyentando a adeptos y haciendo disminuir la asistencia media a los oficios religiosos.


Hombre de Musgo. Béjar (Salamanca)
 


¿Quién dijo que un monumento no podía ser divertido? Un primer avistamiento Hombre de Musgo de Béjar provoca la risión sin límites y durante tiempo indefinido.  Ya pasado el descojono, cuesta trabajo creerse que esto sea un monumento y no el típico muñeco de cartón piedra para las fiestas del pueblo o un ninot de las Fallas. Lo cierto que esta estatua de acero policromado que recuerda a una versión gigante de figurita de juego de rol o estrategia (un orco, un troll, un gigante con cachiporra en ristre) tiene su origen en una leyenda histórica que devino en una tradición popular festejada en la localidad salamantina de Béjar. Según se cuenta, en el siglo XII unos lugareños acabaron con la dominación árabe en Béjar penetrando en la fortaleza desde el monte disfrazados de musgo. Basándose en esto se celebra allí anualmente la fiesta de los hombres de musgo, en la que el personal se disfraza con musgo. Y este monumento, instalado en 1987 obra de Ricardo Martín Vázquez, es todo un impagable hallazgo con su mezcla de naïfismo, arte popular, frikismo y esperpento. Seguro que muy apreciado por roleros o amantes de la fantasía épica y también un favorito entre el público infantil, este gigantesco muñeco de tres metros podría hacerle la competencia al mítico Gigante Verde de los guisantes americano que, cágate, también tiene su escultura colosal en USA. Pero nosotros nos quedamos con esta irrepetible versión charra del Capitán Cavernícola (al loro con el insecto de la cachiporra)   


Patata. Amorebieta (Bizkaia)



Ya el nombre popular (que no el oficial, ya que esta obra no lo tiene) no hace presagiar nada bueno. Y es que esta escultura abstracta de Andrés Nagel que desde hace varios años viene provocando las pesadillas de los conductores en la localidad vizcaina de Amorebieta- se encuentra en una rotonda urbana- lleva acumulando polémicas y polémicas además de suscitar el horror cuando es visionada. Este trípode con incierta forma ovoide, púas de erizo y  la inquietante protuberancia alargada que se erige hasta el cielo además de ser horrorosa no para dar preocupaciones y quebraderos de cabeza a las instancias municipales de Amorebieta, al poder judicial y a su autor, quien se opone firmemente al traslado de ubicación de su insigne obra, aunque el Tribunal Supremo haya dictaminado que este ente pueda ser trasladado cuando así lo crea conveniente el ayuntamiento y deje así de maldecir con su siniestra presencia el tránsito de los conductores. Ya se verá lo que pasa con al patata caliente.


Escombro. Botorrita (Zaragoza)


Otra mierda (y nunca mejor dicho) muestra de arte-tomadura de pelo con excusa de reciclaje y blablabla que por desgracia pueden ver muchos viandantes que pasan por la A 2101 dirección Fuentetodos, pueblo natal de Goya. Hecho como su nombre indica con escombros y residuos metálicos varios (una campana extractora, un deposito-bidón puertas metálicas y hierros varios) eso si convenientemente pintarrajeados con aerógrafo para ver si cuela. Dan ganas de llevar el conjunto escultórico a la chatarra directamente, pero al loro, ¡que esto es “land art”! (arte integrado en el paisaje aunque más bien lo desintegra con su extrema fealdad). Su autor, Miguel Angel Arrudi, y el año en que se osó instalar, 1995.


Caballo. Alcudia (Mallorca)
 


En tierras mallorquinas se encuentra esta escultura colosal de estilo inclasificable (podíamos decir naïf pero esto sería una afrenta para los artistas naïf) con reminiscencias papirofléxicas o de diseño en dos minutos de lo primero que a uno se le pase por la cabeza, en este caso un referente zoológico con connotaciones evidentemente fálicas. Esta cosa, situada en una rotonda- y que no hace demasiada justicia a una localidad bonita y monumental como Alcudia- representa un caballo con las patas delanteras imposiblemente levantadas para un bicho de su especie (diríase que se esta desperezando) y de tal guisa saluda (o se pitorrea) a los incautos conductores que tratan de acceder al puerto de Alcudia. Su autor, el italiano Aligi Sassu (1912-2000), fue mejor pintor que escultor y con este equino no se lució mucho desde luego.


Gurruño. Valencia



Valencia y alrededores han sido invadidos en los últimos años por un horrible ejército de monumentos de supuesto arte moderno. A esta categoría pertenece estos amasijos de hierro oxidado sitos en una rotonda (lugar preferente para instalar monumentos-engendros) valenciana. Poco he conseguido saber de esta chatarra, por lo que agradecería información adicional. Eso si, verla hace un daño colosal a la vista y al buen gusto.


Hombre del Rio. Córdoba



Otro genuino ejemplo de chorrez arística-conceptual en forma de “escultura flotante”, haciendo el canelo en las aguas del Guadalquivir a su paso por Córdoba. Esculpida en su mayor parte en poliéster y fibra de vidrio (para que flote) por Rafael Cornejo y Francisco Marcos representa a un hombre (o a un alien) flotando (o sentado) en el agua con sus piernas dobladas. La figura de más de 2,5 metros de ancho y casi 2 de alto tiene una parte no visible metálica que se encuentra bajo el agua y se encuentra anclada al fondo del Guadalquivir. Su cosa es ser una escultura “dinámica” que gire y se mueva por efecto de las corrientes y el viento. La actual es una segunda versión, ya que la primera, hecha de corcho blanco e inaugurada en 2006 no daba más que problemas al desprenderse de su anclaje a los diez días yéndose a tomar vientos hasta otro punto y después de suscitar una polémica por su supuesto efecto contaminante para el río. La figura actual de poliéster también ha dado guerra: a finales de 2007 una crecida del Guadalquivir rompió el anclaje y nuestro Hombre del Río se fue de nuevo a las chimbambas, quedándose varado y teniendo que ser sustraído por los bomberos. ¿Por qué cuanto más absurda es una escultura más problemas da?


Muñeco de nieve. Tenerife


La pregunta que todo el mundo se hace: ¿Qué pinta un muñeco de nieve en Tenerife? Tal vez sea una representación frustrada de algo que los canarios jamás podrán ver, pero tal ansia en modo alguno justificaría esta total atrocidad que se encuentra en Santa Cruz de Tenerife. A saber: un colosal hombre de nieve en tres partes (como un insecto maligno), sonrisa diabólica de protuberancias negras, cacerola en al cabeza y una especie de escoba en mano rige cual versión diabólica del Cristo Redentor de Corcovado, brazos abiertos incluidos, el tránsito en la rotonda de turno, sin duda alguna inquietando a conductores y paseantes ante una próxima muerte que esta criatura parece representar. Esta perturbadora mezcla de escultura inocente e infantil y presencia maligna fue realizada por el artista checo Jiri Deorg Dokoupil cuyo legado en España no debería hacerle sentir orgulloso precisamente. Ni las autoridades se preocupan en limpiar y mantener (en serio) al pretendidamente blanquísimo y cándido muñeco de nieve tal es la aversión que provoca.

lunes, octubre 28, 2013

LOU REED IS GONE UP TO THE SKIES


DESCANSE EN PAZ LOU REED (1942-2013) UNO DE LOS MÚSICOS MAS INFLUYENTES Y GRANDES DE LA HISTORIA. WE MISS YOU!

jueves, octubre 24, 2013

El Aparatito Lumiere LA HERIDA





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Hay películas que necesitan más de un visionado para poderlas valorar en su justa medida debido muchas veces a lo desconcertante, extraño o inusual de su propuesta (por diversos motivos) y La Herida, opera prima del cortometrajista y montador Fernando Franco es una de ellas. Este joven realizador ha querido firmar una película dura, áspera, realista y de incómodo visionado para presentar un retrato lo más fidedigno posible del día a día de las personas afectadas por el llamado Trastorno Límite de la Personalidad, un mal psicológico que resulta especialmente duro para quienes lo padecen. Queriendo inicialmente hacer un documental sobre esta enfermedad y ante la dificultad de dicho propósito que el propio director encontró, Franco ha decidido hacer un filme de ficción muy realista y verosímil con un pequeño presupuesto y aspecto casi de filmación amateur. Como resultado, un drama psicológico-social sin ningún edulcorante ni ningún subterfugio dramático que resulta alucinante y sobrecogedor sin efectismos y sin trampantojos. Una película que no deja indiferente y que no gustará a todo el mundo, pero su honestidad fuera de toda duda y su buen hacer cinematográfico la sitúan como una de las mejores películas españolas del año.

Planteada como el estudio experimental de un sujeto con este problema y como vive con el día tras día, la película se centra en Ana, una joven treintañera que trabaja en un servicio de ambulancias para trasladar a enfermos, reside junto con su madre divorciada y ha dejado atrás una relación presumiblemente tormentosa. Aquejada, tal vez sin saberlo, de Trastorno límite de la Personalidad, Ana (solo ante los ojos del espectador) muestra un profundo malestar con su vida y consigo misma mediante comportamientos extraños, decisiones un tanto desconcertantes y cambios repentinos de humor, además de otras conductas más inquietantes como la de infringirse autolesiones. Poco sabemos de la totalidad de circunstancias de la joven y en ese sentido todo lo presentado en la película se torna así mas extraño e inexplicable. Sin una estructura narrativa propiamente dicha, el sufrimiento de Ana y sus vaivenes emocionales son los que mueven la película entre un maleable fondo de drama social y estudio psicológico (aunque sin muchas explicaciones). El trabajo interpretativo de Marian Álvarez en el papel de Ana es de chapó: sobrecogedor, desgarrador, patético, emocionante. La actriz se ha esforzado en mostrar todos los matices de la gente con este mal y ha compuesto un personaje realmente turbador que consigue conmover al espectador especialmente en determinados momentos.  Y también es alabable el esfuerzo del director y guionista en presentar un documento tan realista como cinematográficamente excelente con profusión de primeros planos, planos secuencia y ambientación verista. Con un ritmo narrativo casi continuo y trufado de elementos aparentemente intrascendentes pero en realidad importantes (hay un par de  claves en la película, que aunque no aclarados dan que pensar) la película triunfa en su difícil y arriesgada propuesta. Puede que no convenza a todo el mundo y que la poco gratificante premisa argumental sea del desagrado de mucha gente así como que la dureza de muchas escenas afecte al espectador mas sensible,  pero La Herida tiene muchos boletos para ser una de las películas españolas más recordadas de los últimos años.    

sábado, octubre 19, 2013

El Aparatito Lumiere EL MAYORDOMO (THE BUTLER)






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Con vocación de ser el Blockbuster (tardío) del año y con claras miras a los Oscar, The Butler es un loable y esforzado intento, a veces brillante y otras fallido, de rendir un homenaje a la lucha de la población afroamericana por sus derechos en el siglo XX y a la historia reivindicación de los derechos civiles en EEUU en general. Un realizador de raza negra, Lee Daniels (Precious) firma esta lustrosa superproducción histórica de clara vocación comercial centrada en la figura real (aunque “modificada”) de un veterano mayordomo afroamericano de la Casa Blanca llamado Eugene Allen, rebautizado en la película Cecil Gaines, que llegó a servir a siete presidentes de Estados Unidos abriendo muchas puertas para la dignificación social de la población negra en USA. En realidad, esta es una biografía libre de la vida de Mr.Allen, convertido en este filme en este filme prácticamente en otro personaje con otro tipo de circunstancias vitales diferentes a las reales. Este Cecil Gaines que interpreta magistralmente Forrest Withaker (ya suena para el Oscar al mejor actor) nos muestra su vida desde 1926 (nació en 1916) hasta 2008, desde su infancia como trabajador en plantaciones de algodón en Louisiana (y viendo como su padre moría a manos del patrón blanco) hasta la victoria de Obama con un nonagenario Gaines que vio en su vida todas las vicisitudes de la población negra por la conquista de sus derechos, claramente inferiores a los de los blancos hasta hace relativamente poco: el racismo de los años 20 y 30 con la amenaza del Ku Klux Klan,  la segregación que persistía en los años 50 (los negros aún no podían ni estudiar, ni viajar, ni estar prácticamente en los mismo lugares que los blancos), la lucha por los derechos de la población afroamericana en los 60 alentada por Martin Luther King, la irrupción del Black Power y los Panteras Negras a finales de esa década, la conquista varios derechos en los 60 y 70…un ambicioso fresco histórico de los afroamericanos en el siglo XX bien narrado y nada reprochable en su vertiente más didáctica, pero el empacho de pretensiones y un pulso dramático en la historia de Gaines bastante irregular terminan haciendo del mayordomo una película que aunque buena, no resulta especialmente memorable.     

La cuidada ambientación histórica en diferentes épocas esta bien conseguida y el eficiente trabajo en el maquillaje- especialmente cuando se trata de envejecer a los actores- es inmejorable, pero la película presenta sombras y luces. Aunque hay momentos de cine con mayúsculas (la superposición y alternancia de situaciones en algunas escenas, la efectividad de la hipérbole narrativa) muchas veces la acción dramática se desinfla dando al impresión de que la historia personal de Gaines no siempre se combina bien con la descripción de los acontecimientos históricos, por otra parte muy bien insertada en el desarrollo narrativo en sí. El personaje del hijo de Gaines, Louis (David Oyelowo), que representa la conciencia de la situación desfavorable del negro norteamericano en contraposición con la relativamente posición acomodada de su padre dentro del mundo de los blancos, a veces resulta extremadamente tópico, en cambio Gloria,  la esposa alcohólica de Cecil interpretada por una excelente Oprah Winfrey -en una de sus contadas apariciones interpretativas desde que se convirtió en la gran estrella de la televisión americana-  resulta un personaje convincente y más que lúcido. Un amplio reparto aformericano en donde se encuentran Cuba Gooding Jr., Colman Domingo, Nelsan Ellis o los cantantes Lenny Kravitz y Mariah Carey se esfuerza en estar a la altura de las circunstancias en este ambicioso filme histórico lo mismo que el resto del reparto, que incluye a cinco actores que interpretan a sendos presidentes USA, entre ellos Robin Williams (Eisenhower), John Cusack  (Richard Nixon) y Alan Rickman (Ronald Reagan). Demasiado encorsetado en formalismos y tics de blockbusters comerciales y ambiciosos y excesivamente americanada, The Butler es pese a todo una buena opción para ir al cine si se quiere aprender un poco de historia y disfrutar con un filme agradable sin más.

jueves, octubre 17, 2013

NIGHT SKIES, LA PELÍCULA QUE PUDO SER E.T




El filme de Steven Spielberg E.T El Extraterrestre (1982) en su tiempo la película más taquillera hasta el momento y que 30 años después continúa siendo uno de los filmes mas vistos de la historia, puedo haber sido una cinta algo diferente de lo que finalmente fue. Una serie de casualidades propiciaron que el guión que Steven Spielberg encargó al joven guionista y director John Sayles -hoy un conocido y reputado cineasta independiente-  fuese desechado en favor del libreto final de E.T The Extra-Terrestrial firmado por Melissa Mathison. El caso del guión no rodado/ modificado (según se mire) de Night Skies (Cielos Nocturnos) es uno de los más celebres “what ifs” de la historia del cine en los últimos 40 años en tanto que nadie sabe si aquel filme sobre extraterrestres que visitan la tierra que Spielberg pretendía rodar tras En Busca del Arca Perdida (1981) y que en definitiva no es más que una variante (aunque significativa) del futuro E.T hubiese llegado a tener tanto éxito y reconocimiento como la película sobre el extraterrestre perdido, que es ya todo un clásico de séptimo arte. Resulta además muy interesante comprobar, como veremos, como muchas de las ideas argumentales del guión de John Sayles no solo se utilizaron en E.T. sino en otros filmes de la factoría Spielberg como Poltergreist (1982) o Gremlins (1984). Ahora, un viaje fascinante a través de la intrahistoria del cine a bordo de una nave espacial, surcando aquellos frustrados cielos nocturnos  

S. Spielberg, a finales de los 70
Tras Close Encounters of the Third Kind (Encuentros en la Tercera Fase) (1977), Steven Spielberg (Cincinnati, 1946), el director joven de moda en Hollywood (junto con George Lucas) y el favorito de una nueva generación de espectadores que flipaba con el nuevo cine espectáculo trufado de fantasía y efectos especiales pero también con mensaje humanista contemporáneo -que este realizador cultivaba y que comenzaba a crear escuela-  tenía ofertas de guiones y películas por todos los lados y también bastantes ideas propias para un nuevo filme. Columbia Pictures, productora de ETF, hizo saber a Spielberg que deseaba una secuela de aquella película que puso de moda aún más si cabe el apasionante fenómeno OVNI y conmovió a medio mundo con su mensaje de “no estamos solos en el universo y nuestros vecinos son nuestros amigos”. Spielberg no estaba nada interesado en una secuela de aquella película aclamada por la crítica y el público pero no descartaba hacer una nueva película sobre extraterrestres sobre todo tras conocer interesantes supuestos casos reales de avistamiento de naves y encuentros con alienígenas en la investigación previa a ETF. No obstante, el director ya barruntaba la idea de que su próximo filme sería una comedia-superproducción como lo fue su siguiente trabajo 1941 (1979) y pensaba que en todo caso volvería al trema de los OVNIs y los extraterrestres después del rodaje de dicho filme.  Spielberg tampoco quería que Columbia realizase una secuela de ETF sin él y prometió al estudio una nueva película de visitantes del espacio que sería rodada posteriormente a 1941 o en todo caso solo producida por él, ya que como director tenía un contrato con Universal para la próxima película. Rodando 1941 el realizador sin embargo cambió de opinión y decidió postponer el proyecto de un nuevo filme de OVNIs para preparar hacia 1979 un filme semi autobiográfico sobre su infancia. Steven Spielberg había sufrido el divorcio de sus padres en 1960 con trece años y deseaba como un ejercicio de autoexorcismo realizar un drama sobre una familia con hijo pequeño donde el padre estaba ausente. Hay que decir que en aquel 1960 el joven Spielberg de 13 años de edad - según confesión propia- se creó un amigo imaginario en el personaje de un extraterrestre, una criatura llegada de otro planeta que podía ayudarle a paliar su soledad. Así es como se cimentó el amor del director a los temas sobre alienígenas. Este proyecto también se interrumpió ya que el director se embarcó en la preparación de Raiders of the Lost Ark (En Busca del Arca Perdida), ambicioso proyecto junto con George Lucas, lo mismo que se paralizó la idea de una nueva película de encuentros con extraterrestres. Sin embargo, hacia 1980, Spielberg escribió por fin un tratamiento de un filme de esas características, que tituló Watch the Skies (Mira los Cielos) – reutilizando el título provisional de Encuentros en la Tercera Fase- y que estaba basado en uno de los casos que investigó en la preparación de ETF: el famoso encuentro Kelly-Hopkinsville, un clásico de la ufología que tuvo lugar en un comunidad rural Kentucky en 1955. El misterioso caso recogía la supuesta visita de unos pequeños seres extraterrestres de orejas puntiagudas y enorme agilidad (los “duendes de Hopkinsville”) a la granja de una familia a la que aterrorizaron durante una noche golpeando ventanas y puertas y matando y mutilando al ganado, al tiempo que una serie de misteriosas luces fueron vistas en el cielo por varios habitantes del área.   

Recreación del encuentro Kelly-Hopkinsville, inspiración de Night Skies
La historia de Watch the Skies imaginada por Spielberg contaba la llegada a la tierra de once siniestros seres extraterrestres que encuentran una granja norteamericana en donde deciden llevar a cabo un experimento para averiguar cual de las especies animales terrestres constituye vida inteligente tratando de comunicarse con los animales de la granja para mas tarde diseccionarles y finalmente establecer un inquietante contacto con la familia ocupante de la granja a quienes atormentan y acosan. Claramente, Spielberg pretendía hacer un filme de terror con un tono muy diferente al de ETF, ya que aquí los extraterrestres aparecen como malvados. El director no se quedó muy satisfecho con el argumento y mientras se encontraba en la preproducción de En Busca del Arca Perdida (1981) pensó que otros guionistas podían dar más lustre a aquel tratamiento para convertirlo en un buen guión modificando lo que fuese necesario. Spielberg se dirigió a Lawrence Kasdam, guionista de En Busca…quien declinó la oferta y entonces pensó en John Sayles (Schenectady, 1950) director, novelista, guionista y actor ocasional que se había convertido desde finales de los 70 en el hombre de moda en el cine fantástico americano de bajo presupuesto gracias a los guiones de los últimos éxitos de la factoría del gran Roger Corman: Piraña (dirigida por Joe Dante, 1978) y La Bestia bajo el Asfalto (Lewis Teague, 1980) eran hasta el momento sus logros mas notables como guionista, aunque paralelamente se había revelado como un director independiente de enorme valía con el drama Return of the Secaucus 7 (1979), un éxito de crítica que fue el primer paso de una interesante carrera como cineasta Indie que continúa hasta la actualidad. Sayles- cuya historia de Piraña no era más que una variante de la magistral Tiburón, el primer éxito de Spielberg- aceptó el encargo a mediados de 1980. Una primera modificación fue cambiar el título a Night Sikies ya que Watch the Skies, frase que se pronuncia en el clásico de la ci-fi El Enigma del Otro Mundo (1951), estaba bajo control de copyright. Spielberg, pese a todo, aún estaba ansioso por rodar un drama familiar autobiográfico y los recuerdos de su amigo extraterrestre imaginario tarde o temprano iban a converger con aquella historia de alienígenas invasores, por lo que consideró seriamente en que el filme lo dirigiría finalmente otro director, con Tobe Hopper (La Matanza de Texas, 1974) como opción preferente.      

John Sayles
Sayles desarrolló el argumento de Spielberg modificándolo sensiblemente e inspirándose en Perros de Paja de Sam Peckimpah y en el western Drums Along the Mohawk (1939) de John Ford pero respetando la inspiración en el caso real que tomó el propio Spielberg. El guión de Night Skies, que nunca se convirtió en película, no se ha publicado jamás pero varias copias han caído durante en años en manos de críticos, cineastas y productores y hoy en día se conoce todo su contenido. La historia se desarrolla en un pequeño pueblo rural del oeste de EEUU en donde se encuentra la granja en la que vive la familia protagonista y en donde han aparecido  varias reses y ganado muertos con extrañas mutilaciones, además de avistarse unas luces por parte de algunos vecinos. Desde el comienzo del guión se sabe que el causante de estas muertes es una criatura monstruosa de la que solo se ve su mano con un dedo retráctil y huesudo con el que mata a los animales de granja mediante el mero contacto, presumiblemente por la noche.  Ed, el padre cincuentón de la familia, teme que esas extrañas muertes lleguen también a su ganado al tiempo que trata de mantener a una familia mas bien disfuncional: Ruth, una madre ultrarreligiosa y obsesiva; Watt, un hijo mayor veinteañero que se siente ninguneado y que quiere unirse al ejército; Tess, la hija adolescente que aspira a convertirse en pianista pero que no pudo aceptar una beca para cuidar a su pequeño hermano autista, Jaybird, incapaz de hablar e ignorado por su padre; y finalmente una abuela que sirve de elemento cómico de la historia.  Tras establecer cada miembro de la disfuncional familia sus respectivas hipótesis sobre los orígenes de las mutilaciones del ganado (Ed cree que es un chantaje del gobierno y Watt es el primero que piensa que eso ha podido ser obra de ocupantes de platillos volantes), se produce el primer encuentro extraño un miembro de la familia cuando Watt percibe que una extraña nube solitaria le persigue al anochecer y su coche se para repentinamente. Más tarde, Tess, su novio y el sheriff del pueblo son testigos de unas luces que brillan cerca de unos restos de animal violentamente muerto. También el pequeño Jaybird ve unas luces cerca de la casa mientras su familia, consternada ante los extraños acontecimientos, cena inadvertidamente sin saber que esa misma noche serán testigos de algo espeluznante (y aquí es cuando comienzan los acontecimientos más claramente inspirados en el   encuentro Kelly-Hopkinsville)      

A continuación de esto, las cinco criaturas extraterrestres causantes de las muertes de los animales hacen acto de presencia al cien por cien, descritas como seres pequeños “similares a duendes” con poderes como levitación, facultad de paredes y techos, telepatía y telequinesis. No parece especificarse mucho sobre el aspecto de los seres, salvo que todos tenían largos dedos retráctiles, pero según parece fueron imaginados con diferencias físicas entres los cinco. El guión otorgó nombres propios a los aliens (llamados colectivamente en el libreto… ¡E,Ts!): Skar, su malvado líder con cara similar a un insecto y una luz en su dedo índice con al que mataba a los animales,  Hoodoo y Klud los peligrosos colaboradores de Skar, Squirt, que sirve como elemento cómico, y Budee, la excepción en forma de un extraterrestre más bondadoso que no tardará en amistarse con Jaybird. La historia de E.T. ya estaba gestándose.

Los “E.T.s”, tras ejecutar las vacas y gallinas del establo, se dirigen a las inmediaciones casa y comienzan el hostigamiento a la familia de granjeros golpeando ventanas y puertas y después tres de ellos entran en el comedor donde les tratan de acorralar. Ed les dispara con su rifle pero las criaturas parecen inmunes. El bondadoso Budee en cambio permanece en la habitación de Jaybird dibujándole un mapa de estrellas y signos misteriosos (Jaybird solo se comunica mediante formas geométricas dibujadas). Parece que entre los dos comienza a establecerse un vínculo de amistad, pero Buddee huye cuando Tess entra en el cuarto y grita al ver a la criatura. Los E.Ts huyen justo cuando llega el sheriff, que ha acudido alertado por los disparos. Este es testigo de los desmanes originados por los alienígenas pero no queda ni rastro de ellos. Ed pide al sheriff que pese a todo no diga a nadie lo que el y su familia han visto esa noche. Poco después de marcharse el agente, los seres vuelven a la casa espiando cada uno de ellos a los diferentes miembros de la familia. Mientras la abuela advierte la presencia del extraterrestre Squirt en la cocina estableciéndose una cómica lucha entre ellos dos, Ed y Watt sorprenden a los malignos Skar y  Klud en el establo, quienes utilizan su telequinesia para  hacer “revivir” a un caballo mutilado y propinar una coz a Ed. Tess y Jaybird consiguen huir cuando Skar irrumpe en la habitación del niño pero no pueden ir muy lejos: la familia se encuentra de nuevo acorralada en su casa por los E.Ts y cualquier intento de huida es abortado por los poderes psíquicos de los seres. Jaybird, sin embargo, consigue salir de la casa atraído por las luces de las pequeñas naves espaciales que entre tanto habían vuelto a aparecer en las inmediaciones de la vivienda-granja. Skar le lleva a un lugar para diseccionarlo como a los animales de la granja, pero Buddee se interpone originando una pelea entre los dos extraterrestres.    
Ovnis en Cape Town, USA (foto real)
El resto de la familia mientras tanto lucha contra los otros tres extraterrestres, que han activado el tractor destrozando las paredes de la casa. Tess, por su parte, trata de hacer volver a Jaybird tocando en el piano su melodía favorita. Utilizando todos sus poderes, los E.Ts comienzan a aniquilar la vivienda y parecen dispuestos a matar a sus ocupantes cuando una nueva y más grande nave espacial llega justo en el momento en que Jaybird regresa. Los cinco E.T.s huyen y de la nave en forma de platillo emerge un enorme alienígena de forma estilizada y alargada (descrito en el guión como “con forma de ciprés”) que se comunica mediante la voz de Jaybird al ponerle la mano en la cabeza. El alien asegura a la familia que hay muchas razas en el universo, algunas que se creen con el derecho de “coger lo que quieren de otros mundos”. Promete que en lo sucesivo no se verán en problemas similares a los vividos últimamente y dicho esto otorga a Jaybird fugazmente el don del habla, que el niño aprovecha para decir a su familia que les quiere mucho. Tras esto, el extraterrestre se va en su nave. Al día siguiente, la familia trata de reconstruir la casa y rehacer sus vidas, con Ed más volcado en Jaybird que antes. Las últimas escenas muestran a  herido y maltrecho Buddee en un bosque de la tierra, abandonado por sus compañeros.

Spielberg dio el visto bueno al guión de John Sayles encantado con los cambios introducidos, especialmente lo tocante al extraterrestre bondadoso, que le recordaba al extraterrestre imaginario que creó en su infancia. El hecho de que tras el despiporre de acción que iba a suponer En Busca del Arca Perdida Spielberg prefiriese dirigir un filme más tranquilo al estilo de un melodrama intimista originó que perdiese definitivamente interés en dirigir Night Skies, por lo que sería una película dirigida por otro realizador. No obstante, la producción de NS siguió adelante y aún sin elegir director, a finales de 1980 Spielberg encargó al artista de maquillaje y creación de criaturas Rick Baker (Binghamton, 1950) el diseño y ejecución de los muñecos que iban a representar a los “E.Ts”. Baker se había ganado una enorme reputación como el mejor maquillador artístico cinematográfico hasta la fecha y como uno de los mas brillantes técnicos de efectos especiales del momento gracias a sus interesantes trabajos con prótesis corporales y muñecos-marioneta, como demostró con el bebé asesino con colmillos de Estoy Vivo (1974), el traje del gorila en el remake de King Kong (1976) (diseñado junto con Carlo Rambaldi) o la caracterización del hombre “deshaciéndose” expuesto a la radioactividad en Viscosidad (1977). Baker estaba trabajando con John Landis en aquellos días en el diseño de los efectos especiales de maquillaje de la película que le proporcionará su primer Oscar: Un hombre Lobo Americano en Londres (1981). El artista, que admiraba la obra de Spielberg, aceptó con entusiasmo la creación de los cinco extraterrestres.   

Rick Baker
En el rodaje de En Busca...  Spielberg cada vez se reafirmaba más en la necesidad de rodar un próximo filme más reposado, melodramático y espiritual al estilo de Encuentros en la Tercera Fase  en lugar de una película de acción, sobre todo cuando Night Skies iba a ser dirigida por otro director (ya bien Tobe Hooper o incluso el propio John Sayles). Rick Baker, mientras Steven Spielberg se encontraba rodando en Túnez, estuvo trabajando en los extraterrestres de NS y llegó a construir un modelo de Skar el líder de los alienígenas cuyos movimientos animatrónicos filmó en un video que envió a Túnez a Spielberg y su socia la productora Kathleeen Kennedy, a quienes les encantó el monstruo de latex. No existe en la actualidad ninguna imagen del muñeco en cuestión como tampoco parece ser que se conserva el prototipo que jamás fue utilizado. Spielberg ya tenía el guión de NS en el set del rodaje de la primera entrega de la serie Indiana Jones y un día se le ocurrió leérselo a Melissa Mathison, la novia (y futura esposa) de Harrison Ford y reputada joven guionista (El Corcel Negro, 1979). La escritora se conmovió e incluso lloró con la parte de la historia en la que un extraterrestre “tierno, dulce y bondadoso” se amista con un niño proveniente de un hogar desestructurado. A Spielberg se le encendió la bombilla y pensó que eso era lo que quería dirigir, un filme tierno y familiar que le recordara a su infancia aprovechando una sugerente idea dentro del género de la ciencia-ficción: un extraterrestre bondadoso perdido en la tierra que encuentra protección en un niño al que también protege al mismo tiempo. A principios de 1981, terminado el rodaje de En Busca Spielberg encargó a Melissa Mathison el guión de una nueva película bajo al premisa argumental antes descrita, descartando entonces rodar NS. Esto no le gustó demasiado a John Sayles como tampoco a Rick Baker, que se había gastado 700.000 dólares en la fabricación del muñeco animatronic del extraterrestre -que no se iba a utilizar ya que Spielberg deseaba otro tipo de alienígena para el nuevo proyecto- y en otros diseños. Aunque el director contaba con Baker para este nuevo filme, el creador de maquillaje y efectos especiales mostró su enojo con Spielberg y se descolgó del proyecto, momento en el que Spielberg contacto con Carlo Rambaldi, “padre” de los extraterrestres de ETF y creador del muñeco de E.T.

Primera y última página del guión de NS por J.Sayles

Mathison tituló a su guión inicialmente E.T and Me (E.T. y Yo) y como se puede apreciar, incluso en su versión final contiene bastantes elementos de la historia de NS: un extraterrestre bondadoso que inicia una amistad con un niño en un hogar con problemas (en este caso con el padre ausente, como ocurrió en la infancia de Spielberg) creando un vínculo casi vital, dedos alienígenas brillantes, poderes psíquicos y telepáticos del extraterrestre, familiares del niño escépticos ante la nueva extraña visita…y la utilización del nombre E.T (si se tiene por cierto que Sayles usó ese término en su guión) Una historia mucho más familiar y apta para el público infantil sin los elementos terroríficos de NS. A decir verdad y comparando el guión de E.T con el de NS, el de Mathison- salvando las diferencias de base de género cinematográfico en cuanto uno era un melodrama y el otro una película de terror y suspense- es mucho mas coherente y consistente que el de Sayles, que era más bien propio de un filme para adultos con multitud de escenas violentas (disparos por doquier), desagradables (las mutilaciones y disecciones a animales), desnudos del personaje de Tess e incluso escenas de sexo: NS fluctúa entre el drama, el terror, la acción y la comedia de una manera un tanto anárquica y el potencial dramático del personaje del niño autista Jaybird  especialmente en lo relativo a la relación con su hermana (que le protege) y con su padre (que le ignora por su discapacidad) parece insuficientemente planteada. El resto de personajes tampoco parecen estar excesivamente trabajados (el fervor religioso de la madre, que ve a los alienígenas como demonios, tiene una sensación de deja vu de otras historias) en esa versión aparentemente definitiva del guión en donde hay también bastantes agujeros especialmente en lo tocante a los E.Ts. De no haber sido dirigida por Spielberg – como había sido la decisión definitiva- es muy posible que NS no hubiese sido una película especialmente memorable.     


Volviendo a E.T, Columbia Pictures no parecía entusiasmada con el importante cambio en el proyecto de la tan deseada nueva película de extraterrestres de Spielberg y decidió no apoyarlo. La compañía MCA finalmente compró el proyecto a Columbia gracias a al amistad de su presidente Sid Sheinberg con Spielberg. El resto, ya es historia: E.T the Extra-Terrestrial, estrenada en EEUU en verano de 1982, fue la película mas taquillera de 1982 y hasta ese momento la película más taquillera de la historia, convirtiéndose en todo un fenómeno social. La sombra del guión de Night Skies además de en esta película estará presente en otras posteriores producidas por Spielberg en su compañía Amblin Entreitenement a lo largo de los 80, lo que indica que el libreto fue bastante conocido tanto dentro como fuera del círculo de Spielberg o Sayles a pesar de no ser publicado: Poltergreist (1982) dirigida precisamente por Tobe Hopper (y por Spielberg) en donde unas fuerzas maléficas acosan a una familia en su entorno hogareño; Gremlins (1984) con unos seres malvados y catastróficos excepto uno tierno y amistoso; Nuestros Maravillosos Aliados (1988) que volvía a narrar la llegada a la tierra de unos seres extraterrestres dispuestos a ayudar a los humanos. Ya fuera de las producciones Spielberg, la impronta del guión de NS se puede apreciar en filmes como Critters (pastiche del tema de Gremlins) o Sings de M. Night Shyalaman. John Sayles, en un evidente acto de reafirmación también tocó el tema del contacto humanos-extraterrestre en su curiosa The Brother from Another Planet (Hermano de Otro Planeta) (1984) en donde un extraterrestre esclavo con apariencia de joven humano de raza negra y poderes sobrenaturales llega a Nueva York. 

Night Skies no se llegó a rodar, pero sin el guión que John Sayles escribió a principios de los 80 tal vez E.T nunca hubiese existido ni tampoco Gremlins, Poltergreist u otros filmes. El hecho de si la cancelación del proyecto de Night Skies llevó al rodaje de E.T El Extraterrestre es algo que no obstante se puede poner en duda ya que la idea del extraterrestre amigo en realidad ya existía en la cabeza de Steven Spielberg desde bastante tiempo atrás del proyecto,como todo seguidor del director neoyorquino conoce, pero aún resulta más interesante para los cinéfilos la conjetura de si Night Skies, de haberse rodado en lugar de E.T (dirigida o solo producida por Spielberg) hubiese sido una película tan significativa e influyente como la a menudo considerada obra maestra de Spielberg. Posiblemente no lo hubiese sido, por lo comentado antes, y en ese sentido podemos estar agradecidos a aquel repentino cambio de opinión de Steven Spielberg a principios de 1981 que dio como fruto uno de los mejores filmes de los últimos 40 años. Desde entonces, se puede avistar cualquier cosa mirando los cielos nocturnos.     

martes, octubre 08, 2013

MIS RETALES FOTOGRÁFICOS (XXIII)

El reflejo verde (2013)

Arboles oscuros (2013)
Montañeros (2013)

Bajo un prisma sin luz (2013)
Leño y Hojas (2012)

Top of the Morning (2013)

lunes, octubre 07, 2013

El Aparatito Lumiere GRAVITY




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Hay que reconocer que muchas películas tiene justificado su pase en 3D, y Gravity, más que interesante filme del mexicano instalado desde hace ya bastantes años en Hollywood Alfonso Cuarón, cumple todos los requisitos de una película en tres dimensiones con vocación de ser algo más que un mero espectáculo. Es cierto que aquí los efectos especiales son los amos de la función en un filme ambientado (¿a tiempo real?) en el espacio, pero Gravity es sobre todo un felizmente resuelto experimento en donde lo visual y las imágenes priman sobre la acción y los escasos diálogos y soliloquios de tan solo dos actores importantes están perfectamente integrados con la imagen y esta a su vez con la narración en una historia tan mínima como a veces poco creíble pero siempre angustiosa y tensa. El hecho de ser una película con astronautas como protagonistas, con el espacio como único escenario y con varias naves y satélites pululando por ahí no significa, ojo, que estemos ante un filme de ciencia-ficción, ya que lo que se nos cuenta es una historia de astronautas de la NASA más o menos científicamente posible, por lo que muchos medios de comunicación bien podrían haber evitado clasificar en el género de ficción científica a esta película y así evitar despistar a los espectadores.      

Sandra Bullock y George Clooney son los dos astronautas protagonistas de esta desesperada historia de supervivencia; el un veterano a punto de retirarse y ella una médico, novata en esto de la exploración espacial. Una catastrófica casualidad convertirá una rutinaria misión de reparación de un satélite en una situación límite en un entorno tan insólito como indescriptible como es el de la inmensidad del espacio exterior. La doctora Ryan, literalmente perdida-atrapada en el cosmos necesitará de la ayuda y experiencia del astronauta Matt, pero la cosa es realmente complicada y angustiosa. El filme sabe transmitir perfectamente una total sensación de vacío, miedo y “vértigo” al cosmos gracias a que logra ponernos en la piel de Ryan y hacer que compartamos su pánico. Unas espectaculares y poderosas imágenes espaciales consiguen transmitir tanto fascinación como belleza y por que no, horror y desesperación. El soberbio guión que ha firmado Cuarón junto con su hijo Jonás no se anda con tonterías y pese alguna concesión sentimental o propia del efectismo más ramplón, camina con paso firme hasta tal vez los compases finales de la película en la que una serie de situaciones nada creíbles desdibujan un filme que hasta el momento había cumplido con creces. La interpretación de Sandra Bullock es magnífica y muy convincente, componiendo un personaje a la altura de una historia que mezcla magistralmente el estudio psicológico de la angustia con el de la crónica realista de una supervivencia ante situaciones límite. Un filme poco usual que no será plato para todos los gustos pero que resulta enormemente evocador y degustable.