Talking Heads, uno de los grupos estadounidenses más grandes de la historia, fueron una de las primeras bandas que explotaron el potencial del videoclip en toda su plenitud, llegando a crear en la época de apogeo del grupo (década de los 80), auténticas obras de arte, en colaboración con cineastas como Jonathan Demme o Jim Jarmusch. Pero muchas veces era el gran David Byrne, el polifacético líder de las Cabezas Parlantes, quien se ponía detrás de la cámara, como es en el caso de este vídeo, uno de los más revolucionarios de la historia.
Byrne, que en 1986 dirigió True Stories, filme de culto que resultó toda una influencia para realizadores tan excepcionales como los hermanos Cohen, siempre se preocupó en reflejar en sus vídeos y en sus canciones su visión irónica y mordaz de la vida cotidiana, de la política y de la sociedad norteamericana. Este Road To Nowhere, galardonado con varios premios, pasa por ser el mejor video musical de Talking Heads, sorprendiendo en 1985 por su excéntrico montaje al servicio de su humor ácido y sus curiosos y cómicos efectos especiales. No faltan tampoco homenajes a ese género cinematográfico tan norteamericano que es la Road Movie. La canción pertenece al álbum Little Creatures y es una de las más célebres de la banda neoyorquina y también de lo mejorcito de su repertorio. A disfrutar.
sábado, febrero 09, 2008
LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (13). TALKING HEADS: ROAD TO NOWHERE (1985). AMERICAN SATIRIC
jueves, febrero 07, 2008
LAS PELÍCULAS DE 2007: EL RANKING DE RAYOSC
Este es un ranking de películas estrenadas en 2007 (incluidas algunas estrenadas a principios de 2008 pero que entran en la terna de los premios cinematográficos de 2007) cuya crítica ha aparecido en RAYOS C EN LA OSCURIDAD. No he incluido películas que entraron en la lucha por los oscar de 2006 y que se esytrenaron a principiso de 2007 y alguna otra que no em ha dado tiempo ha incluirla en esta lista ya que la crítica se ha hecho recientemente.
Este ranking esta confeccionado con las "estrellitas", que en todo 2007 y enero de 2008 he otorgado a lso diferentes filmes. Claro está, a lo largo del año no he podido ver todos los títulos esperados, aunque creo que si los mas significativos, por ello es una valoración de lo que se ha visto en todo el año 2007 que intenta ser bastante completa. Alguna película ha sufrido alguna variación en sus puntos del 1 al 5 que en su dia otorgué, fruto de una reflexión mas apusada o también por razones de redondeo a algunas películas que tenían un "medio punto", que he redondeado hacia arriba o hacia abajo según he creido conveniente.
La mejor película de 2007 para Rayosc ha sido la alemana La vida de los otros, la única película con sus cinco estrellas de obra maestra (aunque en la crítica original solo puse cuatro). la mejor pelícual norteamericana American Gangster, la segunda mejor pelícual europea Once , la mejor iberoamericana Cautiva, y la mejor española Rec. La clasificación de las pelis con los mismos puntos de valoración se ha "desempatado" según la opinión sobre la calidad del filme de este que suscribe.
En otro post haremos la quiniela de los Oscar: de momento, os dejó con el ranking de 2007
1- La vida de los otros *****
25- Caótica Ana ***
41- 2 Días en París **
42-
lunes, febrero 04, 2008
El aparatito de Lumiere (Programa doble) - EXPIACIÓN / LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA
EXPIACIÓN (ATONEMENT)
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Impecablemente modelado y cincelado dramón de factura inequívocamente británica, aunque con participación norteamericana en su producción. Basada en una conocida novela de Ian McEwan, Expiación es una película que se esfuerza por conservar el carácter metaliterario que al parecer la novela original que no he leído) tiene, y lo cierto es que tanto narrativamente como en la construcción de la historia se ha conseguido un magistral juego de diferentes puntos de vista según el personaje y de distorsiones de la narración. El resultado final es un excelente drama con tintes psicológicos muy bien planteado y que transcurre de una manera apasionada y muy interesante de seguir. Muy bien ambientada a finales de los 30 y en
La película se divide en dos actos: primero el que se sucede a finales de los años 30 y en segundo lugar el que tiene lugar algunos años después en la contienda bélica. La historia gira en torno a una acaudalada familia, los Tallis cuya hija pequeña, Briony (Saoirse Ronan) es una niña de 12 años imaginativa, inteligente y con precoces habilidades literarias. Briony siente celos de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), una veinteañera coqueta y despreocupada enamorada de Robbie (James McAvoy) hijo del ama de llaves de la familia, amor que también comparte con Briony. Precisamente esa rivalidad y una serie de malentendidos propios de una mentalidad preadolescente y fantasiosa llevará a Briony a deshacer el romance entre su hermana y Robbie de una forma extremadamente terrible. Ya años después, en la guerra, una Briony de 18 años (Romola Garai) vivirá infeliz su acción.
El filme es buena muestra de saber hacer en casi todos los sentidos: interpretación, fotografía, escenografía, música. Destaca un genial plano secuencia en
*****
Julian Schnabel puede caer mejor o peor por su egolatría y afán de protagonismo (omnipresente en todo sarao artístico y cinematográfico en los cinco continentes), pero con este su tercer filme tras Basquiat (1996) y Antes de que anochezca (1999) ha conseguido una auténtica obra maestra llena de sensibilidad y buen hacer en todos los sentidos demostrando que además de ser un artista plástico excepcional es un grandísimo director. Esta debía de ser una excelente película ya que la historia que se cuenta es algo mas que material de primera magnitud: la historia real de Jean- Dominique Bauby, el redactor jefe de la famosísima revista francesa Elle que tras una embolia quedó paralizado siendo solo capaz de mover su ojo izquierdo: Recluido aislado en un hospital de larga estancia, Bauby, que hasta entonces había sido un ser vitalista y despreocupado pero de gran corazón y una enorme cultura deberá de hacer frente a su trágica situación, atrapado en su propio cuerpo pero gracias a la persistencia de su actividad mental y su imaginación logrará evadirse pudiendo además expresar todos su profundos pensamientos , inquietudes y temores ante la nueva situación gracias al parpadeo de su ojo intacto, mediante el cual dictará el contenido de un libro que pretende escribir con todas sus desesperadas reflexiones y su biografía: La escafandra y la mariposa.
Lo que mas sorprende y entusiasma de la película es sin duda la habilidad con la que se plasmas los sentimientos y el universo poético que en su dictada autobiografía Jean-Dominique expresa. Un prodigio de narración y de expresión cinematográfica que juega con todos los niveles imaginables: el irreal, el onírico, el realista, el de la realidad alternativa, el del monólogo interno. La interpretación de Mathieu Almaric es formidable, y el resto de intérpretes, entre los que se encuentran Emanuelle Seigner, Max Von Sydow y la donostiarra Olatz Lopez Garmendia, mujer de Schnabel, no se quedan atrás. Pura delicatessen.
domingo, febrero 03, 2008
LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (12). HOUSEMARTINS: HAPPY HOUR (1986). PUB Y PLASTILINA
En la segunda mitad de los 80, desde la localidad de Hull, en el sur de Inglaterra (cuna de grupos como Everyhing But The Girl), surgió una banda que tomó el relevo de los disueltos Madness en el rol de divertido grupo de pop costumbrista filobritánico apologista del humor inglés (y con bastantes argumentos musicales). Housemartins no cultivaban ni el Ska ni la ya desfasada en 1986 New Wave de los londinenses, sino que hacían un Beat Pop sesentero (inspirado en Kinks, Hollies, Herman´s Hermits) cruzado con conceptos musicales que se escapaban del pop de consumo inmediato de la época, como eran recursos folkies, pureza acústica y exploración de vías experimentales. En ese sentido, Housemartins se alineaban con la primera promoción del pop-rock alternativo británico (y que sirvió de inspiración al Brit Pop de los 90): The Smiths, Scritti Politti, Lloyd Cole and The Commottions, Aztec Camera, Waterboys, Blow Monkeys…
El grupo del futuro líder de Beautiful South Paul Heaton y su batería Hugh Withaker, el futuro Fatboy Slim Norman Cook y el futuro escritor de libros infantiles Stan Cullimore solo duró entre 1986 y 1988, pero fue mas que suficiente para que cosechasen varios éxitos y fuesen el grupo de Pop-Rock independiente con mas éxito popular del momento. Los vídeos del grupo siempre reflejaren el carácter cachondo de Housemartins, en la más pura tradición de la comedia británica, si bien no fueron tan hilarantes y originales como los de sus maestros Madness, aunque técnicamente fuesen mejores. Housemartins mezclaban su militancia izquierdista con mensajes cristianos y las inevitables pinceladas de la ironía británica.
Este Happy Tour fue en verano de 1986 su primer top 10 (nº 3) y a la larga se ha convertido en un himno de Pub. Movido y festivo, el tema muestra musicalmente la cara más lúdica y trivial del grupo con un vídeo acorde con las pretensiones del tema.
lunes, enero 28, 2008
El aparatito de Lumiere - LOS CRÍMENES DE OXFORD
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Martin (Elijah Wood), un joven doctorando en filosofía norteamericano viaja a Oxford con el fin de que el prestigioso profesor de lógica matemática Arthur Sheldon (John Hurt), dirija su tesis. Sheldon es un personaje genial pero desconcertante y poco accesible, cuyo su primer contacto con Martin provoca fricciones entre ambos a causa de las diferencias en ambos en cuanto a la concepción de ideas relacionadas con la verdad absoluta y las series lógicas. Una serie de crímenes acaecidos en la pequeña ciudad que parecen guardar relación con ciertas series matemáticas sobre las que ambos habían discutido propicia una alianza entre maestro y discípulo para tratar de ver cuales son las motivaciones de unos asesinatos que parecen seguir una pauta lógica y que podrían ponerles a ambos en peligro. La relación de Martin y Sheldon (actual y anterior) con la enfermera Lorna (Leonor Watling), es el elemento que provocará ams fricciones entre ambos a al hora de colaborar para resolver el misterio.
Aunque no conozco la novela original, es presumible que esta sea más intensa y concisa que la adaptación fílmica: la historia no solo se adapta mejor a un texto escrito narrativo con profusión de explicaciones, teorías y ensayos filosóficos y matemáticos insertados en los diálogos, si no que además es perceptible que se pierden bastantes cosas por el camino, principalmente a nivel de explicaciones detalladas, sub narraciones, ejemplos gráficos, etc. En resumidas cuentas, al película tiene un marcado sustrato intelectual que entusiasmará a degustadores de novelas de intriga culta tipo El Nombre de
Que nadie espere tampoco sustos fáciles ni imágenes sanguinolentas. De
De
domingo, enero 27, 2008
REINVENCIÓN Y UNIVERSALIZACIÓN: 10 ÍCONOS DE LA CULTURA POP (y 2)
Vida y milagros:
Andy Warhol (1930-1987), pintor, diseñador gráfico, cineasta, pope del Pop Art y padrino una generación de artistas excéntricos desde su centro neurálgico de “The Factory” en Nueva York es el padre de elementos hoy comúnmente considerados como iconos pop: sus cuadros de las sopas Campbell o sus serigrafías de colorines primarios sobre Elvis, Mohammed Alí y sobre todo, de Marylin son ya todo un estándar de la cultura popular, tal y como él deseó. Pero el mismo, después de su muerte, ha devenido en icono pop por derecho propio. Cierto es que sus famosísimas obras son más populares que su imagen, pero el culto tan obsesivo que han tenido estas en los 80, 90 y 2000 logró crear curiosidad y admiración por el inigualable e excéntrico padre de las criaturas: Andy Warhol, genio y figura.
Nadie como el profetizó el culto pseudorreligioso que los objetos de consumo iban a tener con el paso del tiempo. Nadie como el supo convertir la banalidad, el vacile y la tomadura de pelo en genialidad. Y es que a el se debe, indirectamente, el concepto de icono de la cultura popular. Sin el, este post os aseguro que no existiría.
Segunda vida: su currículum icónico:
Ya antes de su fallecimiento en 1987 las latas de sopa concentradas eran ya todo un símbolo generacional, lo mismo que sus Marylins. Cuadros, carpetas, anuncios, elementos de decoración aparecían en hogares de de todo estudiante de arte, intelectuales, admiradores de las vanguardias, o gente con gustos creativos. En los 90 el público se fue ampliando y ya se podían encontrar obras de Warhol en los sitios más insospechados. Pero la propia y estrafalaria imagen del artista neoyorquino, en los últimos tiempos, ha conseguido situarse a la altura de sus creaciones: En fin, un tío con gafas de sol, pelo blanco grotescamente peinado (bueno, a veces era peluca) y con cara de palo, pues quieras o no, vende. Y ya, si te fijas en su impresionante elgado en la cultura popular a través de su Factory (películas experimentales, producción musical de
No obstante, hay que advertir que tal vez su nombre sea aún más popular que su imagen. Mentar a Andy Warhol produce el visionado de sus obras, ams que el de su jeta. Y es que tampoco hay que pasar por alto que el warholinismo esta viviendo un momento de popularidad más grande que en vida del artista: no hay más que ver esa nueva tendencia de hacerse retratos en cuatro partes y colorados al estilo Warhol.
Estrechas relaciones:
A parte de las sopas y los retratos de celebridades pintados en acrílico, otras creaciones de Warhol son ya un icono pop: tenemos el plátano de la portada de The Velvet Underground and Nico, al que ya nos referimos en Rayosc en un monográfico sobre la cantante teutona. No hay que olvidar tampoco que muchos de sus retratados, son en mayor o menor grado, iconos de al cultura Pop: Elvis Presley, Kennedy, Jackie O…
Otros muchos artistas del Pop Art han creado clásicos de la cultura popular, como Roy Linchestein y sus cuadros-cómic, pero ninguno se convirtió en todo un personaje como Andy Warhol, ya un icono en sí.
Legado y significación:
Las predicciones de Warhol sobre la fama de la gente de la calle, el mundo del espectáculo y la sociedad del consumo se han ido cumpliendo una por una en los 90 y 2000. Solo por esto Warhol merecería un lugar preeminente en loa altares de la intelectualidad occidental. Sin que a ciencia cierta sepamos la distinción entre personajes, creador, creaciones, símbolos y significado (tal vez, como el pretendió), lo que esta claro es que el icono Andy Warhol ha superado con creces los 15 minutos de fama. La cultura popular le debe tanto a el…
SIMBOLO ROLLING STONES. ES SOLO UN DIBUJO, PERO ME GUSTA
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Vida y milagros:
Sin duda alguna, el símbolo por excelencia del rock y la identificación genuina de una de las bandas más legendarias: The Rolling Stones. Ha llegado a trascender incluso al propio grupo (aunque no en cuanto a eclipsar su popularidad, ojo) en cuanto a símbolo independiente, requisito indispensable para todo icono pop.
En realidad, el célebre logo de los labios con la lengua fuera nació bastantes años después de la creación del grupo. Fue en 1971 cuando vio la luz, en al carpeta del álbum Sticky Fingers, uno de los mejores de la banda. El logo fue diseñado por el prestigioso grafista británico John Pasche, quien continuó haciendo variaciones del lenguaraz para los stones hasta mediados de los 70. En no pocas ocasiones, se ha atribuido erróneamente la creación del logotipo Stones al recientemente citado Andy Warhol, quien en realidad fue el que diseñó la portada de Sticky Fingers.
El logo ha ido apareciendo en prácticamente todos los discos de los Rolling y en postres y carteles promocionales oficiales, ya bien sea en su primigenia versión o en variaciones realizadas por diversos artistas contratados al efecto (de uno u otro color, con la lengua “complementada”)
Segunda vida: su currículum icónico:
El logo Stones nació con vocación de ser la imagen publicitaria o de marca que identificase al grupo, y ya desde el momento de su aparición cumplió su papel con creces, estando presente en camisetas, posters, pines (entonces llamados insignias). Lo impactante y sugerente de su diseño ha hecho que visualmente sea una imagen atractiva para incluso gente que los Rolling Stones, ni fu ni fa. Omnipresente en bares, tiendas de discos o viviendas privadas, nadie puede negar el poder de atracción de un dibujo que ha terminado de plasmar como nadie algunos de los principios más importantes de la filosofía rockera: despreocupación y cachondeo.
Estrechas relaciones:
En el mundo del rock muchos grupos y artistas, voluntaria o involuntariamente, se hicieron con un símbolo visual que los identificase, pero ninguno ha sido tan popular como el creado por John Pasche. No obstante, hay que admitir que la imagen cada vez mas representa una época, digamos, obsoleta del rock y prácticamente es inevitable identificarla exclusivamente con los viejos dinosaurios del rock, de los que los Rolling Stones son en la actualidad sus máximos exponentes.
Legado y significación:
Como símbolo genuino no solo de los Rolling Stones sino del Rock, y, por que no, del siglo XX, es lógica su oblicuidad en la cultura popular y en al vida cotidiana. Aunque el tiempo pasa factura, no se puede decir sin embargo que sea un símbolo desfasado y anticuado: ahí esta su aceptación intergeneracional, por motivos estéticos principalmente, aunque haya perdido ya gran parte o todo su sentido rebelde. Estaba bien hecho, fue impactante y conectó con el público: esas fueron las razones de su universalización. ¿Qué más se puede pedir?
BETTIE PAGE. LAS CONSECUENCIAS DE ADELANTARSE A SU TIEMPO
Vida y milagros:
En los años 40 y 50, el fenómeno de las pin ups o chicas de poster en EEUU hizo de una generación de modelos (del que salió alguna actriz, como Betty Grable o Marylin Monroe) auténticas estrellas del show business. En 1950 comenzó su carrera Bettie Page (Nashville, 1923), hasta entonces una actriz fracasada que provó suerte en el modelaje fotográfico pero introduciéndose en un terreno absatnte underground, atrevido y mal visto para la época: la fotografía erótica y de desnudos.
En la primera mitad de los 50, la bella Bettie Page protagonizó innumerables reportajes fotográficos muy atrevidos para la época: lencería, topless y lo que fue mas revolucionario, ¡sadomasoquismo! No era extraño que las fotos de Pge circulasen semiclandestinamente por los USA, que escandalizasen a al opinión pública y que la modelo fuese obligada a declarar en el Subcomité de Delincuencia Juvenil del Senado norteamericano. Muchos de los negativos de sus fotos fueron destruidos por dicho comité, pero se han conservado muchos más.
En 1957, Bettie Page dejó repentinamente su carrera de modelo al convertirse al Cristianismo. A partir de ese momento se aleja totalmente de la vida pública, dedicada a tareas apostolares y de pedagogía religiosa. Sigue viva en la actualidad, tiene 84 años, aunque solo ha dado señales inequívocas de vida desde principios de los 90, concediendo escasas entrevistas (con motivo de su revival iconográfico en los últimos tiempos) y solo dejándose ver en una ocasión, en 2003, siendo ya una ancianita de 80 años.
Segunda vida: su currículum icónico:
Bettie Page tuvo un breve momento de mini popularidad como escandalosa musa erótica de
Total, que en los 80 Bettie Page se convierte en objeto de culto entre públicos variopintos, abarcando el mundo de la moda, las artes plásticas, la fotografía, la industria porno, el cine serie B, la nostalgia de los felices 50, el sadomasoquismo y la cultura underground. Nuevas generaciones de estudiantes de arte y jóvenes afterpunks adoptan a
Bettie como ejemplo del genuino canon de la época inmediatamente posterior a 
Estrechas relaciones:
Aunque la belleza de Bettie Page no difería demasiado de otras sex symbols de los 50, es evidente que su morena imagen (cuando en los 50 “los caballeros las preferían rubias”) añade un elemento diferenciador al canon por entonces imperante que resulta fascinante. Además, esa insólita mezcla de glamour del Hollywood clásico con la cultura Playboy de finales del siglo XX resulta tan explosiva como culturalmente interesante por su carácter anticipatorio.
Legado y significación:
Musa de nuevas generaciones de cinéfilos y consumidores de cultura popular, hay que reconocer que Bettie Page aún no puede ser considerado un icono pop en su plenitud ya que su popularidad aún no es tan mayúscula como otros elementos presentados en esta serie, pero que duda cabe que esta en vías de serlo. No hay más que aproximarse a sus fotografías o a su fascinante biografía para descubrir la singularidad del personaje. Fotogenia absoluta, glam, perversión, descaro pre rockero, encanto underground. Muchos atractivos en una imagen única.
THE ARTFUL DODGER (EL TRUHÁN). REINVENCIÓN POP EXTRATEMPORANEA
Vida y milagros:
De todos los personajes creados por Charles Dickens (1812-1870), principales o secundarios, Artful Dodger (traducido en castellano como El Astuto Truhán, El Perillán o El Tramposo), el pequeño y habilidoso landronzuelo de los arrabales de Londres al servicio del pérfido Fagin en Oliver Twist (1838 ), es sin duda el mas universal y entrañable. Aunque en la novela su rol era secundario –se encargaba de introducir a Oliver en los ambientes rateriles y se convierte en su mejor amigo dentro del mundo suburbano de Londres – su imagen es la más conocida de la inmortal novela, superando a la del propio Oliver. Su conocida estampa de preadolescente ataviado con levita varias tallas más grande, chalina, y sobre todo su viejo pero vistoso sombrero de copa (su elemento más característico) es ya tan popular en la literatura universal como la armadura y la bacía de Don Quijote. Sin duda alguna, uno de los personajes de Dickens más populares y un auténtico icono de la literatura juvenil.
Segunda vida: su currículum icónico:
Dickens se preocupó por dotar al pequeño delincuente en las páginas de Oliver Twist de encanto y carisma, basados en su picardía y su carácter de encantador granuja, más inteligente que muchos adultos. A lo largo de todo el siglo XIX, con el éxito de la novela, Dodger se estableció como el prototipo del ladronzuelo infantil de
Precisamente fue el musical teatral de Lionel Bart en el que se basó la película de Reed el que en la década de los 60 puso a Dodger en su momento de mayor popularidad elevándole a al categoría de símbolo de la cultura popular. El personaje tenía allí mayor protagonismo que en la novela y en los sucesivos montajes que se realizaron en el RU en la década de los 60 fue encarnado por futuras estrellas del rock, por entonces niños: Davy Jones (Monkees), Steve Marriot (Small Faces) o Phil Collins se pusieron la mítica chistera para dar vida al ladronzuelo. Jack Wild retomó el personaje del Truhán cantarín en el cine y su interpretación la valió una nominación al oscar con 16 añitos.
Jack Wild, por el éxito de Oliver! Es el Dodger cinematográfico más recordado, consiguiendo hacer de su caracterización todo un icono que fascinaba tanto a niños como a adultos. Pronto surgieron bares y discotecas a principios de los 70 con el nombre de Oliver utilizando como imagen a Dodger/Jack Wild con su enorme levita y su sombrero. La imagen de Dodger fue adoptada a fianles de lso 60 y principios de los 70 por jóvenes mod y hippies que veían al héroe dickensiano como una encarnación del callejerismo, la rebeldía y la libertad: las chisteras y los abrigos largos de muchos jóvenes contraculturales y músicos de rock estaban directamente remitidos al personaje, reinventado como icono de el generación pop y beat. La chistera de Richie Blackmore, de Deed Purple, tenía un solo padre.
A finales de lo 70, con la desaparición de las melenas y barbas fruto de la revolución punk, la fiebre directa o indirecta por Dodger languidece y el culto al pequeño antihéroe se reduce a la literatura y al cine. Pero ahí continua, y el hecho esta ahí: siempre que se trata de visualizar a un personaje de Dickens, ¿quién viene primero a la cabeza?
Estrechas relaciones:
En los 60 Dickens se había convertido en un autor de culto en círculos estudiantiles fascinados por la visión relista de
Legado y significación:
Símbolo inmortal de la literatura universal, The Artful Dodger vivió sus quince minutos de fama como icono de la cultura pop, estatus que por desgracia no ha podido mantener aunque ha dejado su impronta. Sin embargo, en cada nueva versión cinematográfica o teatral de Oliver Twist, el crío que le toca encarnar a Dodger sabe que le toca una gran responsabilidad, ya que debe de dar vida a todo un referente de la cultura popular, la encarnación de la perdida de la inocencia infantil en ambientes sórdidos y adversos, pero sin haber cedido un ápice de sentido del honor y ternura.
CHÉ GUEVARA. HASTA EN
Vida y milagros:
Ernesto “Ché” Guevara, (Rosario 1928-
Prototipo del luchador romántico y sempiterno inspirador de la izquierda, la evocación de su nombre se encuentra eternamente unida a su imagen mas célebre y que con el tiempos e ha convertido en una de las efigies mas universales de la historia: la fotografía tomó Alberto Korda como instantánea en un acto político y que ha terminado por convertirse en uno de los retratos de políticos mas conocidos de todos los tiempos, por no decir el que mas. Tras su muerte en Bolivia, la generación contestataria de los 60 adopta al Ché como referente y a partir de ese momento la foto de Korda da la vuelta al mundo convirtiéndose en objeto de culto casi religioso para toda una generación.
Segunda vida: su currículum icónico:
Desde finales de los 60 la imagen del Ché de Alberto Korda se ha venido reproduciendo año tras año y en los lugares y productos más insospechados. Primero comenzó como poster y graffiti y después el merchandising de la nueva izquierda en los 70 se encargó de difundir en todo el mundo (al menos en países en donde su figura por algún u otro motivo político no estuviese demonizada) el conocido rostro. Camisetas, posavasos, posters, mecheros, pegatinas…sería interesante inventariar cuantos artículos y productos se habrán hecho con la imagen del Ché Guevara en los últimos 40, aunque la lista sería eterna.
Total, que el Ché Guevara es todo un icono universal, y su obsesiva omnipresencia le ha convertido prácticamente en un objeto de consumo de una manera tan involuntaria como descontrolada. No es raro el caso de gente que lleva la imagen del guerrillero sin saber realmente quien era ni que hizo ni que significó lo que hizo. La múltiple deconstrucción que su célebre retrato ha experimentado, en algunas ocasiones lo ha reducido a un mero artilugio ornamental, muchas veces con vivos colores psicodélicos o al estilo Warhol. En fin, una reinvención pop tan fascinante como mercantilizada.
Estrechas relaciones:
A parte de ser objeto de veneración izquierdista, el Ché también es referencia habitual en la exaltación nacionalista (de cualquier signo, modalidad y ámbito) y en no pocas justificaciones burdas de la violencia con las que el Ché no hubiese comulgado. Pero también es un objeto de culto para snobs, gente con ganas de quedar de “guay” (y de izquierdas nada) y buenrrollistas en general, muchas veces sin comprender en su totalidad la esencia del personaje. Muchas veces da la impresión de que el Ché se esta revolviendo en su tumba ante algunos colectivos de seguidores que dicen que le adoran.
Legado y significación:
Como símbolo romántico de la lucha por la libertad y los ideales, el Ché Guevara siempre ha funcionado y funcionará con eficacia. Su megadifundida imagen forma ya parte de la cultura popular universal. Prácticamente, resulta imposible concebir un día al semestre en el que no se haya visto su efigie en alguna parte. Hasta lo mas revolucionario ya es un artefacto pop.
miércoles, enero 23, 2008
LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (11). FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD: TWO TRIBES (1984). PARANOIAS GUERRA FRIA
El grupo revelación de 1984 fue la banda de Liverpool Frankie Goes to Hollywood. Este grupo de Funk Rock logró el hito de poner sus tres primeros singles en el número 1 de las listas británicas, un hito que solo habían conseguido hasta al fecha, en la década de los 60, sus vecinos Gerry and The Pacemakers. En realidad, FGTH, era un grupo apañadito en lo musical, pero contaban con bastantes buenas canciones, la voz imponente de Holly Johnson, y sobre todo, la producción totalmente espectacular e innovadora para la época, por parte de Trevor Horn. Horn, el mejor productor del momento, había creado en 1983 el sello Zang Toob Toom (ZTT), junto con el periodista Paul Morley, y su intención fue lanzar al grupo más escandaloso desde los Sex Pistols, y el más exitoso desde los ya disueltos Police. Contrataron a este grupo, que se movía por los ambientes gays de Liverpool, y con su primer single, Relax, himno hedonista apoyado por una agresiva campaña publicitaria y por un vídeo escandaloso, fue la comidilla del momento.
El segundo single del grupo (que no editaría álbum hasta final de ese año), buscó repetir polémica, y Horn y Morley propusieron al grupo escribir un tema sobre lo malita que estaba la política internacional a mediados de los 80, con el enfrentamiento de los bloques capitalista y comunista en le llamada Guerra Fría. Two Tribes se promocionó con el mejor vídeo de FGTH – cuyos videoclips siempre fueron espectaculares- y uno de los mejores de los 80. Godley & Creme, unos de los mejores creadores de videoclips de la historia dirigieron este divertido corto que simboliza muy bien la encarnizada lucha entre las dos grandes superpotencias de entonces: EEUU y URSS.
lunes, enero 21, 2008
El aparatito de Lumiere - AMERICAN GANGSTER
****Excelente filme de género negro-mafioso inspirado en acontecimientos reales. Lo que cuenta es la rocambolesca historia del gangster afroamericano neoyorquino Frank Lucas, que en los años 70 amasó una inmensa fortuna gracias a sus negocios con al droga y llegó a ser prácticamente el dueño de Harlem. Dirige el legendario Ridley Scott, que tras sus últimos fiascos firma una gran película. American Gangster es una biografía vista desde la perspectiva de un sueño americano alcanzado mediante el crimen y el delito, en la figura de un ciudadano que en aquel tiempo (años 60) su condición racial no le ayudaba a aspirar a grandes cotas en la sociedad; así, mientras unos afroamericanos habían conseguido que sus derechos se equiparasen a los de la población blanca gracias a la lucha civil y otros habían alcanzado notoriedad social gracias a ser estrellas del espectáculo o el deporte, Lucas optó por una vía también muy habitual en la cultura americana: el crimen organizado.
La película nos propone una lucha dialéctica enfrentando a Frank con el policía Richie Roberts, un oasis de dignidad dentro del asquerosamente corrupto cuerpo de policía de Nueva York. Roberts se verá no pocas veces tentado por entrar en el lucrativo pero sórdido mundo de la mafia policial, pero tras años de lucha interna (consigo mismo y con su condición de policía) y problemas familiares, la investigación a Frank Lucas terminará redescubriendo en el su amor a su profesión y acrecentará su sentido de la justicia, aunque su verdadera aspiración es en realidad convertirse en abogado. Es curioso, pero hasta prácticamente los tres cuartos de hora finales hay dos películas diferentes que cuentan las historias de dos personajes que ni tan siquiera se conocen entre si, a partir de un momento dado, cuando Roberts entra en la investigación a Lucas, entonces ambas historias convergen y entonces vemos mas similitudes entre ambas de lo que parecía al principio: la crónica de un sórdido ascenso que se verá redimido y el relato de la redención de un policía que no quiso ascender mediante el delito y el chantaje.
Pese a su larga duración (más de de dos horas) la película se sigue con apasioando interés gracias al sólido guión de Steve Zaillian. Hay muy buenas escenas dirigidas con oficio y ambición por una mano maestra y en general al recreación del NY de los años 70 esta muy, muy bien conseguida y con todo lujo de detalle, en especial a lo que al mundillo negro del barrio de Harlem se refiere. Las interpretaciones de la pareja protagonista, Denzel Washington y Russel Crowe (en su tercera colaboración con Scott) son perfectamente creíbles y bastante curradas. Básicamente, la peli es una crítica a la hipocresía de la sociedad americana y a su descontrolado culto al éxito y el dinero, con algún momento bastante mordaz. Genial película que no defraudará a los amantes del buen cine
miércoles, enero 16, 2008
LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (10). SOUNDGARDEN: BLACK HOLE SUN (1994). EL LADO SURREALISTA DEL GRUNGE
Soundgarden, el tercer grupo en discordia del movimiento Grunge en Seattle en los 90 (los otros dos eran, como todo el mundo sabe, Nirvana y Pearl Jam) firmó en 1994 uno de los videos mas imaginativos y recordados de la década pasada, este Black Hole Sun, perteneciente a su álbum Superunknown, el cuarto trabajo de la banda. Dirigido por Howard Greenhalgh, el video del tercer single de Superunknown, llamó la atención por su elaborada factura de postproducción, repleta de efectos especiales digitales verdaderamente novedosos para la época.
El vídeo es un de un tono marcadamente surrealista y bizarro, una sátira despiadada del American Way of Life, la religión y de la vida familiar americana, utilizando y deformando (nunca mejor dicho) clichés de teleseries yankis y la iconografía propia de los USA de ensueño, mostrando algo así como unos estrafalarios “reversos” del sueño americano, con bastantes detallitos macabros (obsérvese esa Barbie a la parrilla) y catástrofe final. La inspiración es claramente de David Lynch, con elementos de la sátira gráfica. El videoclip recibió numerosos premios y ayudó bastante a popularizar a la banda de Chris Cornell entre audiencias poco habituadas al grunge y al hard rock en general. La verdad es que la factura visual del vídeo, 14 años después, sigue siendo encomiable.