NUREMBERG

 

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No se puede decir que esta nueva aproximación cinematográfica al histórico primer Juicio de Nuremberg (1945-46) no aporte nada nuevo a otras visiones del acontecimiento histórico que sentó en el banquillo a los mandatarios nazis supervivientes tras la II Guerra Mundial, de hecho el enfoque supuestamente psicológico y el centrarse en la figura del psiquiatra Douglas Kelly (encarnado con solvencia por Rami Maleck)- que atendió al lugarteniente de Hitler Hermann Göring (Russel Crowe, haciendo gala de su versatilidad) en prisión- añaden una cierta originalidad al tema, pero otra cosa es que el resultado sea pleno y acorde con las pretensiones de la empresa. Tomando como punto de partida un libro del periodista estadounidense Lack El-Hai, The Nazi and the Psiychiatrist ,Nuremberg, que indagaba en la relación entre Kelly y Göring, es una película ambiciosa y muy bien realizada que sin embargo no logra ser todo lo lúcida y compleja que debiera. James Vanderbilt, director hasta ahora de productos comerciales y de segunda fila, parece querer reivindicarse como un director serio y con argumentos y puede lograrlo. Por lo demás, el filme cumple con su cometido de testimonio histórico- muy buena ambientación- y de cierta (aunque superficial) indagación de las siniestras y delirantes motivaciones del nacionalsocialismo para jacer lo que hizo, aunque muchos echen de menos tal vez mayor seriedad y por que no menos tics de superproducción comercial. Este filme es de hecho una obra bastante diferente a la histórica ¿Vencedores o Vencidos? (1961), pero se agradecen sus novedades argumentales como el mostrar la vivencia del proceso desde la óptica de los nazis juzgados y el apartarse del tedioso género del cine judicial, el cual solo aparece con cuentagotas.

La película es mas bien un filme casi coral en donde a parte de los dos personajes destacados mencionados antes otros tienen relevancia encarnados por intérpretes solventes: John Slattery, Colin Hanks, Michael Shannon, Richard E. Grant, Leo Woodall o Andreas Pietschmann cumplen muy bien su función en un reparto internacional pero excesivamente centrado en el lado estadounidense y en donde el resto de países aliados que intervinieron en el juicio no son más que meros comparsas en esta película. Hay muy buenos momentos sobre todo cuando se trabaja con la tensión- los intentos de suicidio de los prisioneros- y la confrontación Kelly-Göring (inusual por el contexto) médico y paciente resulta a veces fascinante pero otras algo estéril, siempre magnificada por el excelente trabajo que hace Russel Crowe en la piel del ambiguo e hipócrita criminal nazi, logrando trasmitir la infame catadura moral del personaje. Un acierto el mostrar las imágenes reales de la época de los campos de concentración y de los resultados del holocausto en un muy buena recreación de los momentos del juicio propiamente dicho, que resulta de lo mejor del filme: solo por ese afán didáctico y de denuncia esta película ya merece la pena, así como su retrato de la psique fanática. Es muy oportuno que se sigan haciendo películas que recuerden elementos del pasado no tan lejano para que nada de eso se repita.

LA VOZ DE HIND (SAWT AL-HIND RAJAB)

 

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Se cuenta una historial real. Cine denuncia en estado puro y todo transcrito tal y como sucedió. Siguen siendo necesarias películas como esta que recuerdan la función concienciadora y social que debe tener el cine al igual que otros medios o disciplinas artísticas. Estamos ante un filme que consiguió por méritos más que evidentes el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y el Premio del Público en el Zinemaldi, una pequeña pero muy audaz -tanto en el plano temático como el cinematográfico- producción francotunecina con apoyo de importantes estrellas hollywoodienses y productores internacionales que muestra los desastres de la guerra, el drama de sus víctimas civiles e inocentes, la sinrazón y crueldad de los señores de la guerra y lo terroríficamente absurdo de muchas situaciones (militares, logísticas y borocráticas) en los conflictos bélicos. El genocidio de Palestina por parte de Israel es el amargo y trágico telón de fondo de una historia que sucedió en enero de 2024 y que en este filme en la cual se recrea se cuenta con un recurso tan insólito como escalofriante: el audio real de la llamada a la Media Luna Roja de Hind Rajab, una niña palestina de seis años única superviviente de un tiroteo que acabó con parte de su familia en un coche en el cual se encuentra escondida en medio de un asedio israelí.

En hora y media de metraje (la historia se desarrolla en poco más de 24 horas) y con prácticamente una sola localización (las oficinas de la MLR en Gaza) asistimos a una mezcla de docudrama y recreación dramatizada de un episodio que sobrecoge desde el comienzo y manteniente con un nudo en la garganta hasta el final. Un grupo reducido de actores palestinos, tunecinos e israelíes recrea al pie de la letra la conversación del personal de la MLR con la pequeña Hind (oímos los registros de sus llamadas telefónicas subtitulados) en lo que se convierte en todo un tour de force, una situación desesperada que los dedicados trabajadores y voluntarios no se ven capaces de resolver por culpa de improcedentes limitaciones legales, el caótico estado de las calles por la guerra y los pavorosos e inesperados ataques del ejército israelí. Motaz Malhis, Saja Kilani, Amhed Hlehel y Clara Khoury son los actores principales y realizan un encomiable trabajo trasmitiendo autenticidad, calor humano y angustia y sintiendo genuinamente lo que a buen seguro experimentaron los protagonistas reales de la historia. La realizadora tunecina Kaouther Ben Hania ha realizado un excelente trabajo que consigue con creces su objetivo de conmover y horrorizar al espectador y que además deslumbra con su puesta en escena verista, el manejo de los recursos documentales y la potencialidad del elemento audible y la recreación de escenas a partir de imágenes reales que en aquel día se filmaron en móvil y que también observamos en algunos momentos del filme en paralelo con las imágenes recreadas. Cruel, angustiosa, triste y emocional, La Voz de Hind es un filme que debe visionarse para recordar una funcionalidad importante del medio cinematográfico y para tener en cuenta esa absoluta carnicería que se está perpetrando en un lugar de la tierra.

LOS COLORES DEL TIEMPO (LE VENUE DE L´AVENIR)

 

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Una historia con dos diferentes marcos temporales distantes son potencialmente dos historias que al final convergen y en el caso concreto del arte cinematográfico pueden ser dos películas: esto ocurre con Los colores del tiempo en donde por una parte hay un marco contemporáneo y por otra una historia (que condiciona a la actual) desarrollada a principios del siglo XX, es decir, estamos ante un drama actual y otro de época (todo con algunos ribetes de comedia) que además cumplen su función y constituyen en conjunto una inteligente película que utilizando el melodrama, el romance y ciertas dosais de intriga constituye una loa a la cultura francesa y su rica historia. Cédric Klapisch un director hábil aunque más bien escorado al cine más comercial firma con clase un esforzado trabajo que no hace decaer el interés del espectador en ningún momento y que pone de manifiesto la versatilidad del director.

El punto de partida de la historia lo conforma una herencia, la de una vieja casa de campo cercana a París de la que deben de hacerse cargo treinta descendientes de los propietarios de la misma, abandonada desde los años 40 del siglo XX. Los familiares, la mayoría lejanos y que apenas se conocen entre ellos, nombran a cuatro representantes para realizar un inventario de la casa, los cuatro con diversas ocupaciones y edades que una vez en la vieja vivienda encontraran pinturas, fotografías y correspondencia que una vez pertenecieron a su antepasada Adèle, una joven campesina normanda que a finales del siglo XIX se trasladó la capital francesa en busca de su madre, que la abandonó siendo un ella un bebé. Así, mientras los cuatro desconocidos establecen inesperados vínculos entre ellos mientras tratan de descubrir la procedencia de los objetos y la historia de Adèle, se asiste también a una historia enmarcada en el París de los 1890, una ciudad en plena transformación social e industrial y también bulliciosa y efervescente en su actividad artística y cultural con el nacimiento de la fotografía, el auge de la cultura literaria realista y el triunfo del arte impresionista. Adèle en su viaje traba precisamente amistad con dos jóvenes artistas, Anatole, un aspirante a fotógrafo, y Gaspard, un aspirante a pintor, los cuales serán para ella los guías de una nueva realidad alejada de sus orígenes y en un entorno muy novedoso y algo desconcertante para ella sobre todo cuando el reencuentro con su madre no es el que ella esperaba. El pasado y el presente se van alternando en esta historia con un ejercicio narrativo espectacularmente hábil en donde destacan las escenas de época con una fotografía pictórica y unos entornos intencionadamente algo manieristas (homenaje al impresionismo y la fotografía antigua) pero bellos y efectivos.

Funciona muy bien el reparto en donde destaca Suzanne Lindon como el personaje central- encantadora y convincente-, Jilia Piaton, como Celine una ejecutiva del siglo XXI que termina fascinada por la historia de sus antepasados, Zinedine Soualem como Abdelkrim, un profesor de secundaria decidido a encontrar valor artístico (y sentimental) a los hallazgos de la vieja casa y Abraham Wapler como Seb, un joven fotógrafo actual que hará un inesperado hallazgo que influirá totalmente en su concepción de la vida. Con elementos poéticos, fantasiosos y comediáticos y detectivescos, la película entusiasma, se hace gustar y termina siendo una gran película.

DRACULA (DRACULA: A LOVE TALE)

 

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Para muchos había expectativas óptimas ante esta enésima versión cinematográfica de la inmortal obra de Bram Stoker principalmente por su director, Luc Besson, que hace un año firmó con Dogman su ora maestra en una carrera de más de 40 años, pero ene sta ocasión el realizador galo ha optado por su versión más comercial y autocomplaciente para ofrecer un filme muy irregular aunque con varios elementos de interés que hacen de el un producto vistoso y puede que original aunque de todas todas decepcione a quienes deseen ver un filme terrorífico con todos los items esperables de la mitología del Conde Drácula. De nuevo rodando íntegramente en inglés y volviendo a dar protagonismo a la revelación de Dogman, el norteamericano Caleb Landry Jones quien compone un Drácula histrión a veces pero muy potente y seductor que consigue llevar todo el peso de la historia (esta claro que este actor va creciendo y mucho), esta revisión sin desdeñar elementos de horror dista mucho de ser gótica y es escasamente terrorífica -aún esta reciente el nuevo Nosferatu (2024) de momento la última gran versión al cine de Drácula- apostando por una estética algo engolada e historicista, con un glamour barroco de cómic y una imagen pictórica pero de pegote infográfico que se sirve del anacronismo intencionado para mostrar una imaginería de un siglo XIX (aunque la historia también atraviesa el medioevo en gran parte y los siglos XVII y XVIII) un poco forzada y manierista que resulta a veces en su pretensión autorreferencial y cuasi paródica pero otras chirría por su falta de culminación. En efecto, aay un cierto tono de comedia y un efectivo sentido del humor en este Drácula, que como su título indica se escora al elemento romántico – el ansia por alcanzar el amor inmortal- que subyacía en la historia original y de la que solo Coppola se había ocupado de manera convincente en su adaptación de 1992- y que aquí Besson trata de potenciar quedándose un tanto a medias y sin convencer del todo aunque el esfuerzo se agradece. Se toman demasiadas referencias visuales y de guión con respecto a la versión antes citada(el prólogo en los Cárpatos del siglo XV y con la historia del Príncipe Vlad, que por cierto son de los mejores y más conseguidos momentos del filme) pero al mismo tiempo son muchas las licencias con respecto a la historia de Stoker cambiando nombres de personajes- algo que no es una novedad en las adaptaciones del relato pero que aquí chirría demasiado- y la deconstrucción, reinvención o desaparición de otros, por lo hablar de la inclusión en la trama del elemento del perfume, que realmente no aporta mucho.

Tal vez la película hubiese sido un pestiño sin el concurso de Caleb Landry Jones quien compone un vampiro carismático, romántico y trágico sin perder ironía y sentido del humor en un reparto con tal vez algún error de casting como el de Zoë Bleu en el doble papel de Elisabeta la amante de Vlad Dlacul y de Mina Harker: no transmite la pasión ni el románticismo requerido. Guillaume de Tonquédec, Matilda de Angelis, Ewensn Abid y Cristoph Waltz en el papel de un sacerdote que pretende ser un trasunto de Van Helsing (un guiño a tropos habituales de la ficción terrorífica actual) completan un reparto esforzado que funciona especialmente cunado comparte escena con el protagonista. Un Drácula barroco, ambigüo, enamorado y burlón que resulta eso si muy interesante en una puesta en escena historiada e hiperbólica que a bien seguro hubiera firmado gustoso Ken Russell hace unas décadas. No es una gran adaptación pero puede gustar bastante si se acude a verla sin complejos y partiendo de la premisa de que el ito terrorífico no es la base de la historia

URCHIN

 

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Otro típico caso de película estrenada sin demasiada fanfarria pero que se revela como un gran filme ofreciendo dentro del crudo drama realista social asombrosos elementos onírico y pseudofantasiosos que hacen de su visión una experiencia envolvente y muy grata. Opera prima como director del joven actor Harris Dickinson, quien se reserva un significativo papel secundario en este filme, en un principio Urchin (pordiosero en inglés ) parece presentarse como una obra en la onda de Ken Loach: un joven sin techo y con evidentes problemas de adicciones de nombre Mike (Frank Dillane, un descubrimiento) vaga por Londres en busca de ayuda hasta que un violento hecho le mete en la cárcel; seis meses después con a ayuda de una asitenta social, Mike intentará reconducir su vida consiguiendo un empleo, pero las cosas no salen a pedir de boca en tanto que el muchacho arrastra tras de sí una personalidad difícil, inmadura y poco empática y ni tan siquiera la nueva gente con la que se va rodeando logrará ayudarle en su problemas, los cuales no parece capaz de solucionar por si mismo. Mike no es un personaje amable, ademas de un fracasado es un ser que pone muy poco de su parte y avanza escasamente en su desarrollo personal, pero aún así el espectador puede establecer cierta complicidad con él ya que la película nos muestra su -eso si- honesta lucha interna por medio de situaciones concretas (su intención de mejorar personalmente mediante audios de autoayuda) o muy bien traídas secuencias simbolicas de poso poético que el protagonista ve en su desordenada y enferma cabeza (la visión recurrente de una cueva, la mujer que toca el violín) y que representan sus miedos y la presencia de la fatalidad y la muerte.

La película tiene un tono narrativo muy matizado y lineal concentrado en no excesivo espacio de tiempo y eso nos ayuda a contemplar con mayor detalle la evolución de Mike y sus circunstancias, dando casi siempre un paso hacia delante y dos hacia detrás. Momentos que parece que pueden cambiar la suerte del personaje (la obtención de nuevos empleos, el inicio de una relación con una compa de trabajo) al final no lo hacen en una inteligente estructuración narrativa convirtiendo la crónica de Mike en un relato impredecible y de final muy incierto. La estética realista, más intimista y cálida que cruda, trata de mantener una distancia frente al cine social británico que todos conocemos y parece beber más del viejo Free Cinema de aquel país de hace unas décadas en una visión contemporaneizada en donde los insertos simbólicos, siempre con una estética sobrecogedora y sugerente, parecen dar muchas explicaciones que faltan: como el ambiguo final, que parece mirar a Bergman y al Kubrick de 2001 sin complejos en un múltiple ejercicio narrativo, estilístico y cinéfilo. Este filme no estará mucho en panatalla, por lo que conviene apresurarse a verla.

KARMELE

 

*** y 1/2

Cine histórico bien realizado y contado y que con ropajes melodramáticos y sentimentales se postula en realidad como un sólido trabajo de testimonio de una época y de una situación -la realidad desasosegante de los exiliados en los primeros años del Franquismo- que debería ser recordada con mayor frecuencia. Basada en una novela de Kirmen Uribe (La hora de despertarnos juntos) el filme se esfuerza en ser honesto y en tocar la fibra del espectador, algo que el realizador Asier Altuna consigue en la mayor parte de las veces del metraje mientras que en otras anda menos atinado a causa de un ritmo narrativo tal vez demasiado rápido y que da la sensación de que hace perder bastantes apuntes de la historia en camino. Con todo Karmele es una muy buena película que hace con tal vez menos medios de los deseados- la película se desarrolla en Euskadi, Francia y Venezuela pero se ha rodado prácticamente todo en suelo español- da todo lo que cabe esperarse de un drama de época.

El tono político no abandona la historia, tal y como se puede suponer al tratarse de la crónica de una familia vasca exiliada en los comienzos de la dictadura. La familia de Karmele, muy bien encarnada por Jone Laspiur, abandona su pequeño pueblo de la costa vizcaina por su ideario nacionalista vasco y demócrata y el hecho de tener un hijo, el hermano de la protagonista, en prisión. El hecho de pertenecer a un grupo de canciones y danzas vascas que se exilia al completo y termina triunfando en Francia otorga un momento de felicidad a la familia, pero los padres de la joven (Nagore Aramburu y Javier Barandiaran) decidirán volver a Euskadi pese a que la realidad del entorno vasco y español ahora es claramente desagradable y opresiva mientras que la recién casada Karmele marcha a Venezuela junto con su marido, el músico y militante vasquista Txomin (Eneko Sagardoy) donde tras vivir allí unos buenos años se les plantea la posibilidad de volver a suelo ibérico y luchar contra el régimen en un momento en el que se ansiaba un triunfo aliado en la II Guerra Mundial que podía acabar con el Franquismo. Un relato de elecciones y disyuntivas que se pueden coger o no, dilemas amorosos, luchas idealistas que se quedan en nada, intrigas políticos algo light pero sobre todo un intenso sentido de melodrama inteligente. Bien interpretada y ambientada con mucho detalle y con un soberbio vestuario, Karmele resulta una película honesta e inteligente pese a algunos excesos melodramáticos en momentos puntuales y que viene a rescatar y recordar la fragilidad y los males endémicos de muchos aspectos de nuestra historia además de mostrar comportamientos y sentimientos humanos al límite de una manera creíble y verista.

UNA BATALLA TRAS OTRA (ONE BATTLE AFTER ANOTHER)

 

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En medio de una situación política estadounidense insólita y caótica donde cualquier cosa (perjudicial) puede ocurrir teniendo en el despacho presidencial a un sujeto como Donald Trump ha emergido una curiosa película que en clave de política ficción con un tono asaz desmadrado e incluso paródico ofrece la historia de una confrontación entre una organización terrorista revolucionaria norteamericana y el gobierno y el ejército de Estados Unidos aunque este sea solo el trasfondo de un relato aún más profundo de luchas introspectivas, intrigas militares, relaciones familiares imposibles, traiciones, y sobre todo denuncia de corrupción moral en la sociedad americana. Es un nuevo a cierto de Paul Thomas Anderson, director bien dotado y excelente narrador aunque irregular en su filmografía que en esta ocasión ha realizado un buen filme aunque lejos de los mejores momentos de Magnolia, Pozos de Ambición o incluso su inmediatamente anterior Licorice Pizza.

De nuevo con un reparto coral estelar- algo habitual en los filmes de Anderson- la película apuesta por una puesta de escena caótica y una historia de discurrir veloz al mas puro estilo noventero tarantiniano echando mano de los recursos del cine de acción tradicional ya que la cinta pretende ser engañosamente eso, un thriller de acción que en realidad esconde una crítica sociopolítica envuelta en tonos paródicos y recursos de comedia. Multitud de personajes,algunos escorados a la caricatura, desfilan por la película: Pat “Guetto” Calhoun (Leonardo Di Caprio) más tarde conocido como Bob Ferguson uno de los miembros destacados del comando revolucionario izquierdista 75 Francés, convencido de su lucha pero convertido en un guiñapo inseguro, toxicómano y paranoico cuando oculta su identidad tras ser apresados la mayor parte de sus camaradas, Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor), compañera sentimental de Pat, luchadora despiadada y fría y objeto del morboso deseo del principal antagonista del comando, el Coronel Lockjaw (Sean Penn) un repulsivo y fascistoide militar WASP obsesionado con encontrar diecisesis años después de la desarticulación del 75 Francés a la supuesta hija de Pat y Perfidia, Willa (Chase Infinity), ahora una adolescente desesperada con su padre que quiere conocer su pasado, y discípula de Sergio San Carlos (Benicio del Toro), que opera una red clandestina de ayuda a refugiados mexicanos que también cae de cabeza al ejército norteamericano y las facciones más duras del gobierno USA.

Paul Thomas Anderson trata tal vez de abarcar tematicamente demasiado (la tendencia de la extrema derecha más bizarra en EEUU, la situación de la inmigración ilegal procedente de Mexico, la falta de esperanzas y perspectivas entre la población joven estadounidense) y en cierta media la credibilidad del filme, lastrada también por su tono esperpéntico y de cómic, se resiente aún cuando las intenciones son muy sólidas. El uso descarnado de la violencia es bastante notable en un filme que no debe quedarse en un simple entretenimiento de acción e intriga. El reparto por otra parte funciona muy bien sobre todo con unos con un Di Caprio y Penn que ofrecen un buen duelo interpretativo con unos personajes que son una especie de versión bufa y deliberadamente cutre de los Jean Valjean y Javert de Los Miserables de Victor Hugo. Película con muchos argumentos cinematográficos, sin alardes, pero que con sus excesos mostrados puede hacer reflexionar.

LOS DOMINGOS

 

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Fue la película triunfadora en el Zinemaldia de Donostia ya puede considerarse la consagración como directora de Alauda Ruiz de Azua, ya que ha firmado un sugerente filme de inusual pero curiosa temática vista a ojos actuales en donde se desgranan las contradicciones y pasiones de la adolescencia, los conflictos familiares y el poder de las convicciones y las determinaciones. La premisa, una joven de 18 años recién cumplidos que decide ingresar en un convento de clausura como novicia en pleno 2025 en un momento historicosocial en donde la iglesia católica ya no atrae a los jóvenes podría indicar que nos hallamos ante una película de corte social con regusto a Ken Loach pero lo interesante es que Los Domingos no se queda solo en en eso: su tema central en el realidad la vivencia intelectual de la adolescencia, esa etapa donde se forjan las conciencias, se adquieren vivencias determinantes y se va fraguando la personalidad. Ainara, interpretada por un jovencísimo valor llamado Blanca Soroa, es una chavala cuyas convicciones religiosas y su profunda fe cristiana se han fraguado no solo en al educación religiosa que ha recibido en su colegio, si no en sus vivencias con su algo disfuncional familia, la pérdida temprana de su madre y la experiencia de su propia personalidad ya autopercepción. Puede parecer ambiciosa y algo compleja esta historia desde su plano psicológico, pero la película más que apostar por el intimismo y la introspección- que la harían pedante e infumable en este contexto- trata de sugerir el mundo interno de la protagonista y todo lo que le le lleva a tomar tal decisión, ante la incomprensión de su familia y de su entorno en un excelente ejercicio narrativo. No estamos ante cine religioso ni filosófico ni mucho menos ni tampoco a ante un filme dirigido al público adolescente, Los Domingos apuesta por ser una cinta de temática universal que muestra la fragilidad de la adolescencia y como esta es maleable y muy influenciable por todo contexto, para bien o para mal, ejercicio que Ruiz de Azua resuelve con solvencia y total credibilidad echando mano del costumbrismo y el psicodrama y logrando un filme honesto y muy interesante.

La película discurre mediante diferentes viñetas que plantean nuevos retos a Ainara en su decisión de optar por una vida diferente a la que familia y amigos esperaban de ella, situaciones que la película plantea casi como experimentos de campo para ver como la joven protagonista reacciona y actúa (puro recurso de la narrativa realista-naturalista tradicional) ofreciendo excelentes momentos dramáticos entre la cotidianidad y el estudio psicológico. La familia de la joven, aparentemente muy unida pero con demasiados sapos tragados en el pasado y resquemores, no parece el mejor contexto ante la situación de la aún dubitativa adolescente, con un padre viudo (Miguél Garcés) superado por todo pese a su aparentemente buena situación económica y que no sabe como manejar la nueva situación, una tía paterna (Patricia López Arnáiz) que descolocada parece descargar toda su ira contra su hermano y una abuela (Mabel Rivera) conciliadora en apariencia pero que parece conocer los verdaderos secretos de su familia. En medio, se encuentra una religiosa, la Madre Superiora de la orden (Nagore Aramburu) que tratará de guiar y encauzar a Ainara en un recorrido que acabará por influir a todos los que rodean a la muchacha. Un original planteamiento del tema de la maduración en una película coming of age de altos vuelos y un excelente ejercicio de drama psicológico.

LA DEUDA

 

*** y 1/2

No ha quedado pero que nada mal esta esforzada mixtura de géneros en el tercer largo del actor metido a director (y guionista y productor) Daniel Guzmán. Un trasfondo social y humanista donde transcurre drama, thriller e incluso briznas de cine de acción. El fenómeno de los desahucios a vulnerables, por desgracia algo muy común en España en los últimos años, es la base que otorga sentido a la historia a pesar de que al principio parezca un mero McGuffin para un relato de intriga y melodrama personal de tono realista; es palpable como Guzmán- también en el papel protagonista del filme- ha querido hacer por encima de todo un filme denuncia contra las prácticas de los bancos en vivienda y la falta de escrúpulos a la hora de tratar a personas socialmente frágiles y para ello se ha valido de una historia con alta carga emocional y naturalista en la relación de sus dos personajes principales: Lucas, un hombre de cerca de 50 años con un pasado aparentemente turbio que vive junto a una anciana nonagenaria Antonia (Rosario García, actriz amateur que por desgracia no ha podido ver su película) a la que Lucas ayuda en sus quehaceres y establece con ella una relación maternofilial y de entrañable cariño mutuo. Una amenaza de desahucio a la mujer provocará en Lucas el sentimiento de obligación de hacer algo, pero su inclinación al lado turbio llevará a acontecimientos tremendos que complicarán su existencia y también complicarán en aún más las cosas para Antonia.

Hay que decir que en esta ocasión, tras la irregular Canallas (2025), Dani Guzmán se consolida como un buen director al que habría que tener en cuenta si se aventura a realizar más películas. Sencillamente, su habilidad en el manejo de un guión cambiante y con bastantes progresiones y su comentada buena mano con la hibridación de géneros sin unas excelentes credenciales y hacen de esta película una obra emocionante, emotiva y muy bien presentada. Puede que haya agujeros de guion y situaciones forzadas, pero como historia funciona muy bien. El propio Guzmán realiza un muy buen trabajo como actor en la piel de un sujeto atormentado e inseguro pero luchador y fiel a la amistad con Antonia (y con otros personajes) que desciende a los infiernos por su loca cabeza pero que es incapaz de ver sufrir a los demás, especialmente cuando es consciente de que él ha infringido el mayor daño. Y por supuesto, mención a a parte merece Rosario garcía, todo un dechado de naturalidad, ternura y credibilidad en un papel que ejemplifica la situación de muchas personas mayores en España: casi todas sus secuencias son magníficas y muy bellas. El reparto, nutrido, tiene a otras dos estupendas actrices en alza en sendos personajes clave: Susana Abaitua como Mara, una enfermera que terminará aliándose con los protagonistas en su cruzada e Itziar Ituño como Gabriela, una mujer cuyo destino ha sido marcado por la negligencia de Lucas. Escenas muy bien rodadas en las calles de Madrid (las -escasas- escenas de acción son también de recibo) y una estructura de thriller y cine negro tal vez algo de manual pero muy efectiva y que en realidad trata de expresar algo más amplían las virtudes de una película honesta y solvente que confirma el crecimiento como cineasta de Daniel Guzmán.

ADORABLE (ELSKLING)

 

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En sus no muy habituales aproximaciones a las pantallas ibéricas el cine noruego sigue convenciendo y gustando: aquel La peor persona del mundo (2021) mostró un cine melodramático muy elaborado pero creíble al mismo tiempo que recibió alabanzas unánimes de la crítica internacional y este pequeño pero muy eficiente drama psicológico firmado por la debutante Lilja Ingolfdsottir a pesar de ser un filme muy diferente a aquel en cuento a su temática, le recuerda bastante por su estilo conciso, su cierta profundidad introspectiva y por su habilidad para mostrar personajes situaciones y personalidades individuales que mueven la historia y otorgan sentido a la película. La autoestima y las relaciones de pareja son los ejes temáticos- totalmente interconectados- sobre los que gira esta película, centrada en al figura de su protagonista, María (Helga Guren), una cuatrentañera que con cuatro hijos de dos matrimonios y una devoción hacia su actual marido, Sigmund (Oddgeir Thune), aún no parece encontrar su lugar en al vida y sus ataques de nervios y de ira son cada vez más frecuentes en lo ques una evidente crisis personal que cada vez va a más: Sobra decir que el matrimonio termina resintiéndose y al final llegará una inevitable ruptura y, por supuesto, más crisis.

No es esta un película amarga ni dura ni de tono pesimista, sencillamente con su clarificador realismo naturalista consigue hacer llevadero un material dramático-psicológico que en otras manos podría ser indigesto, pero al final el trabajo de superación de su protagonista consigue añadir el tono esperanzador y amable que todo melodrama de calidad ha de tener. Entorno doméstico y urbano muy creíble en una película sencilla pero con bastante fundamento. Helga Guren consigue una interpretación muy hábil, sentida y honesta que constituye el principal argumento del filme en cuento sus excelencias. Posiblemente lleguen más buenas muestras del cine nórdico, una cinematografía que va ganando peso en las pantallas europeas.

MI AMIGA EVA

 

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Retorno de Cesc Gay y de manera convincente, esta vez con una película que hace superar el tibio resultado de sus anteriores últimos trabajos Sentimental (2020) e Historias para no contar (2022) y en la que demuestra una vez más que él es por encima de todo un estupendo director de actores. De nuevo en la comedia con tintes dramáticos y con tribulaciones de pareja por medio como eje temático, Gay ofrece un filme muy efectivo y con una historia aunque en apariencia minimalista en realidad muy jugosa en donde los ejes centrales son el paso del tiempo y la fidelidad de pareja. La protagonista, Eva, encarnada por una muy convincente y entregada Nora Navas, es una mujer de 50 años que pese a tener en apariencia una feliz y exitosa vida decide dar un cambio radical al conocer por causalidad durante un viaje de trabajo a Alex (Rodrigo de la Serna), un divorciado argentino residente en España de su edad cuya inesperada atracción mutua le hará replantearse a ella muchas cosas. Eva no tardará en romper con su marido, Víctor (Juan Diego Botto) para sorpresa de sus amigos y familia (tienen dos hijos adolescentes) y comenzará en ese momento una extraña, inocente y algo torpe huida hacia delante.

Queda claro que las pretensiones de esta película son las de indagar en la evolución y posible deterioro de una relación conyugal, algo que aquí se hace de manera tan directa como desenfadada y a ratos irónica pero siempre desde una manera sensible y muy creíble, siempre presentando al personaje de Eva como una mujer ansiosa por encontrar un nuevo rumbo y reencontrar el amor, la pasión y el bienestar que parece haber perdido. En ese sentido el trabajo interpretativo de Nora Navas es excelente consiguiendo trazar con total realismo un personaje contradictorio pero entrañable en su humanidad y realismo. Como en casi todo filme de Cesc Gay, el reparto es extenso y brilla con luz propia con unos diálogos inteligentes y chispeantes: Marian Álvarez, Miki Esparbé, Francseco Carril, Fernanda Orazzi, Ágata Roca y Mercedes Sampietro interviene en la cinta con personajes que tiene cada uno su momento de bien aprovechado lucimiento. Puede que se eche en falta el mejor Cesc Gay de En la ciudad o Truman pero su cine sigue siendo efectiva y realísticamente urbano, reconocible, entrañable, convincente y lleno de historias sencillas pero muy sugerentes.

LOS LAZOS QUE NOS UNEN (L´ATACHEMMENT)

 

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La paternidad/maternidad, la soledad, el duelo y el deseo humano por establecer relaciones es lo que toca este drama con alguna pincelada de comedia que firma la cineasta francesa Carine Tardieu y que sin ninguna empalagosidad y sin el recurso a la lágrima fácil consigue conmover y contar mucho. Una mujer de cerca de sesenta años, soltera y muy centrada en su vida profesional y en sus creencias de militancia política y social de la noche a la mañana se encuentra que su vida cambia por la nueva amistad conun joven viudo, su vecino que acaba de perder a su mujer en el parto de su hija, y con la el hijastro de este de seis años, un niño sensible y curioso al que cuidará durante bastantes momentos a partir del hecho luctuoso. Una historia de personajes y sobre todo de seres humanos y sus sentimientos que necesita poco para ser atractiva, honesta y efectiva.

Sandra, interpretada por una excelente Valeria Bruni Tedeschi, experimenta un cambio en su modo de vida y en la percepción de las relaciones humanas y familiares cuando un desesperado Alex (Pio Marmaï) acude en su ayuda y la existencia de su familia (él, su hijastro y su hija bebé) termina convergiendo inesperadamente con la de Sandra. Bruni Tedeschi consigue que el personaje pueda transmitir todo el mensaje de la historia sin que sea demasiado simpático ni acesible pero al mismo tiempo resulte comprensible y entrañable, especialmente cuando el pequeño Elliot (César Botti, encantador) se convierte en una especie de hijo adoptivo para ella y ella su madre sustituta para él. Situaciones sentimentales y familiares claramente identificables en la vida misma se suceden y asistimos a momentos agridulces, entrañable, dramáticos, inesperados… todo contado con suma sencillez pero total efectividad cinematográfica. Un bonito trabajo que muestra una vez más que incluso con pretensiones modestas el cine francés es muy grande. 

ON FALLING

 

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El diseccionar ciertos aspectos incómodos de la vida real actual en una suerte de nuevo naturalismo no es algo agradable para el público, pero siempre se antoja necesario. La sorpresa del Zinemaldi de 2024 con premio a mejor dirección incluido fue para una película de estas características, un interesante y muy bien planteado filme de denuncia social británico-portugués dirgido por la joven realizadora lusa Laura Carreira, un nuevo valor a tener en cuenta que en este su debut en el largo de ficción ha contado con el apoyo de la productora de el ya retirado Ken Loach, Sixteeen Films: y es que esta película tiene un indudable estilo Loach al que la directora y guionista ha añadido cierto tono sureuropeo y un componente emocional -desde el punto de vista femenino- muy oportuno. Con muy poco se cuenta una historia amarga, cruel y casi trágica enmarcada en una ciudad escocesa y con una joven inmigrante portuguesa como protagonista, Aurora (Joana Santos). La chica, que trabaja en el almacén de una empresa de distribución por correo con un horario a turnos e interminable percibiendo un bajísimo salario, intenta subsistir en su nueva ciudad pero toda su vida parece convertirse en un infierno debido a la precariedad económica en la que se encuentra.

La casi anodina y austerísima existencia de Aurora se presenta ante nosotros como el resultado de una serie de factores que por desgracia están muy arraigados en las sociedades occidentales: inmigrantes que llegan con lo puesto a su nuevo destino, trabajos muy mal remunerados y con horarios prohibitivos, compañías multinacionales hipócritas y codiciosas, vidas sociales que por consecuencia de la falta de tiempo y dinero son casi inexistentes, precariedad en la vivienda de alquiler, la dificultad de convivir en pisos compartidos...la protagonista puede albergar alguna esperanza sobre su suerte futura, pero casi no se dan las condiciones para nada. La historia es esquemática, los diálogos no muy abundantes pero toda situación tiene su (enorme) significación. En bastantes momentos conmovedora y triste, On Falling triunfa en su propósito de mostrar una realidad brutal y desagradable y resulta un filme honesto y muy efectivo desde su magisterio narrativo. Hacen falta más filmes así.

LO QUE APRENDÍ DE MI PINGÜINO (THE PENGUIN LESSONS)

 

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Puede que la historia suena a muchas otras, pero el relato de The Penguin Lessons. Basado en e el libro de memorias del mismo título del ex profesor de secundaria británico Tom Michell resulta luminoso, simpático y muy esclarecedor para estos tiempos en que vivimos pese a que la acción transcurre en 1976. Esta coproducción angloespañola rodada en Argentina (y en España) con la mayor parte del reparto procedente del país sudamericano resulta una comedia-drama con tintes históricos y de superación muy bien presentada e hilvanada que sin grandes estridencias logra ser un filme más que convincente. Peter Cattaneo, siempre recordado por ser el responsable de la ya clásica Full Monty (1997) presta su oficio tras las cámaras y el siempre eficiente Steve Coogan pone su buen hacer y carisma dando vida a Tom Michell, un hombre inadaptado en un entorno que le es extraño y que además en ese momento estaba iniciando una parte muy oscura de su historia: ambos, huelga decir, aportan la entrañable idiosincrasia british requerida mientras que el resto del conjunto trata de navegar en el contexto argentino aunque siempre gane la primar opción. Un pingüino, adoptado como mascota por Michell, será el encantador y curioso mcguffin y elemento vertebrador de la historia convirtiendo esta crónica real en una sutil y sugerente fábula que hace incluir a este filme en el nicho de películas con animales, pero siempre con mensaje y espíritu adulto.

El protagonista, que haya al pingüino Juan Salvador (nombrado así en homenaje a Juan Salvador Gaviota, el libro de Richard Bach) en una playa de Uruguay embadurnado de petróleo, consigue salvarlo y convertirlo en su animal de compañía, introduciéndole en las clases del elitista colegio inglés de Buenos Aires en los que da clase y convirtiéndole en una entrañablemente querida mascota del centro, al tiempo que hallará en el ave el confesor de todas sus inquietudes. Michell mientras que trata de hacer su existencia y la de Juan Salvador lo más plácidas y normalizadas posibles pese a los cambios en la vida de ambos, ve con estupor como el país en donde vive y trabaja ahora se ve inmerso en una espiral de fanatismo, intolerancia y violencia propiciado por en gobierno dictatorial militar que llegó al poder tras el golpe de estado: la confianza en su mascota y el cuidado hacia ella parecen una vía tratar de atajar y combatir esta nueva realidad. Momentos de drama,de crónica histórico-política y de comedia se citan en un filme delicioso e interesante con un marcado mensaje de tolerancia. Puede que no pase muy percibida en este e, pero posiblemente esta película tenga su seguimiento de culto en próximos años.

ROMERÍA

 

**** y 1/2

Carla Simón se está afianzando como una de las mejores cineastas españolas contemporáneas. Es una directora que en tres largometrajes ha demostrado tener un discurso cinematográfico propio y se ha destapado como una narradora total con el mérito añadido de que casi todo su cine hasta el momento ha sido autobiográfico: una infancia y adolescencia difíciles con la ausencia de sus progenitores, toxicómanos y muertos en plena juventud por el SIDA, que la directora no ha dudado en narrarnos en un emotivo díptico que esta Romería complementa con Verano de 1993 (2017), otra joya como esta que nos ocupa. Es posible que esta nueva película no sea mejor que aquella, pero por si sola Romería es una película intensa, sensible, cambiante y sincera que muestra de un modo muy personal las sensaciones de una adolescente, alter ego de la directora y guionista, que busca lo que verdaderamente les sucedió a sus padres cuando entra por primera vez en contacto con su familia paterna en un entorno que le es totalmente extraño. Un viaje de maduración, descubrimiento y autoafirmación en donde utilizando el naturalismo documentalista próximo al tono de Verano combinándolo con experimentación, poesía visual y simbolismo se nos ofrece un relato tan encantador y atrayente como sutilmente terrible a veces y sobre todo muy creíble.

Si hay algo que deba admirarse de este filme sobre todas las cosas es la valentía de su premisa y concepto, un ejercicio de introspección y ahuyentación de demonios interiores que Simón ya comenzó con su ópera prima y que aquí ofrece una especie de culmen-catarsis con el paso de la adolescencia a la madurez como metáfora-telón de fondo. Marina, encarnada por una gran promesa que atiende al nombre de Llucia García, a punto de cumplir 18 años, llega a Galicia desde Catalunya para conocer a su familia paterna- tios, primos y abuelos- conseguir de ellos un documento legal para sus futuros estudios y sobre todo conocer los últimos días de sus padres en la costa de Vigo y las islas Cíes, ayudada por la lectura del diario de su madre, cuya narración en la voz de Carla está presente en toda la película. La muchacha reconstruye esos días con dichas lecturas, fotos y el testimonio de sus familiares, los cuales la acogen con aparente cariño y entusiasmo aunque ella no tardará en darse cuenta de que esconden y ocultan tanto sentimientos como circunstancias especiales derivadas de las visicitudes de sus padres, las cuales marcaron a la familia. Los propósitos de sentirse aceptada, encontrar la verdad y sobre todo llegar a conocer a aquellos frágiles seres que le dieron vida se convierten en sus obsesiones, sentimientos que aparecen muy, pero que muy bien reflejados en el filme, mediante diálogos, silencios, escenas...Ha resultado un total acierto el recurso de la lectura del diario (con textos aparentemente reales de la madre de la directora) con momentos emocionalmente y visualmente de todo tipo.

En los últimos compases del filme se recurre a lo onírico y lo simbólico cuando la protagonista pone cuerpo y rostro a su padres, con los rasgos de ella misma y de su primo (y amor platónico) (Mitch Martín) en curiosas y cuidadas escenas que culminan con una extraña coreografía al son de Siniestro Total con marcado e inquietante poso poético. Las relaciones familiares, el daño que supuso el consumo de droga en una parte de la juventud en las década de 1980 y la búsqueda de la verdad expiadora son otros temas que hacen su oportuna aparición en la historia. Tristán Ulloa, Miryam Gallego, José Angel Egido, Maria Troncoso, Alberto Gracia, Sara Casasnovas y un buen puñado de muy jóvenes competentes actores secundan con oficio y muy buen hacer un espléndido reparto. Una de las mejores películas españolas del año.

LOS ROSE (THE ROSES)

 

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La novela de 1981 The War of the Roses (cuyo título original hacía juego de conceptual con aquella histórica guerra inglesa) de Warren Adler fue origen de una película de 1989 dirigida por Danny de Vito y protagonizada por Michel Douglas y Kathleen Turner que con el tiempo se ha convertido en una comedia de culto por su retrato ácido , satírico y descarnado de la guerra entre sexos. Esta nueva versión tiene la peculiaridad de que introduce el humor y la idiosincrasia de la ficción británica en el relato a pesar de contar un un director estadounidense (Jay Roach) y ser un coproducción USA/UK en su mayor parte rodada en el primer país: contar como el enfrentado matrimonio/ex matrimonio Rose con los nuevos grandes de la escena británica Olivia Colman y Benedict Cumberbatch es un lujazo que este filme aprovecha al máximo con una puesta en escena muy teatral, excelentes secundarios que refuerzan la historia y un discurrir muy ágil y entretenido que no desaprovecha la influencia de las nuevas tecnologías en los comportamientos de los personajes. La esencia de humor negro de la fuente original se mantiene aunque las variaciones con respecto a esta sean notables. Los diálogos son otro punto fuerte que permiten el lucimiento de la pareja protagonista al tiempo que dejan claro el nuevo enfoque más british de la empresa.

Ivy (Colman) y Theo (Cumberbatch) forman una nueva encarnación de los Rose donde él es un arquitecto otrora exitoso y caído posteriormente en desgracia que ve como el éxito profesional de su mujer en el mundo de la hostelería le pone en una tesitura secundaria relegándole a un peculiarmente asumido rol de amo de casa y padre en el hogar de los dod hijos del matrimonio mientras que la relación conyugal se desmorona. Comienza entonces una sucesión de viñetas y momentos que van desde lo esperpéntico a lo más cotidiano logrando la complicidad del espectador. La película en ese sentido cumple con creces su objetivo de ofrecer una más que entretenida inteligente comedia negra pero en realidad no se aventura a ofrecer nada realmente nuevo dentro de una comedia-drama de sexos y todo puede que suene a repetido hasta la saciedad, claro. No obstante, el esfuerzo pro lograr que la película sea algo más que una nueva versión de la novela original es digno de mencionar así como es un auténtico regalo contemperar la química y el buen hacer de sus dos protagonistas con los que sin ellos la película hubiese sido completamente distinta.

AMOR EN CUATRO LETRAS (FOUR LETTERS OF LOVE)

 

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El bello paisaje de Irlanda siempre ha aparecido idealizado y engrandecido en no pocos filmes (El Hombre Tranquilo, La Hija de Ryan), y es por ello de lo más normal que una película- de época, a ser posible- enmarcada en la Irlanda rural siempre concite bastante interés cinematográfico, aunque que luego la peli sea mejor o peor es otra cosa. En el caso de esta esforzada y lograda adaptación de la novela Four Letters of Love de Niall Wlliams nos encontramos con un filme muy sugerente y bonito de ver que si bien también explota el verdor de la costa de Eire (tanto la del este como la del oeste) no se conforma con ser una postal y ofrece una historia de amor enmarcada en un curioso realismo mágico que sin ser especialmente original o conmovedora resulta inteligente, sensible y eficiente. Un reparto de lujo- en su mayoría irlandés y con algunas de las más conocidas estrellas internacionales irlandesas del momento- se mueve con soltura en esta fábula romántica que consigue evitar inteligentemente el empalago gracias a la ironía, el simbolismo y cierto componente fantástico que, sin llegar a funcionar constantemente durante todo el metraje, en sus mejores momentos lega momentos redondos.

Una historia de amor convergente en un momento del tiempo entre un muchacho del este, Nicholas Coughlan (Fionn O´Shea) y una joven de la costa oeste, Isabel Gore (Ann Skelly) cuya historia coincide de manera casi casual. es un lienzo en el cual encontramos bajo una patina de costumbrismo elementos del ya comentado realismo mágico, crónica familiar, comedia, surrealismo y melodrama. Pierce Brosnan, como el padre de Nicholas, aporta un personaje curioso -un funcionario metido repentinamente a pintor bohemio a causa de un supuesto mensaje divino- pero que va perdiendo fuelle y no consigue la emotividad que se presumía, mientras que Helena Bonham Carter y Gabriel Byrne como los padres de Isabel si que se antojan como personajes más sólidos. La religión, la casualidad y el destino son los tropos por los que la película apuesta para dar cuerpo al relato amoroso que a veces peca de ser pretenciosamente intelectual pero que termina conteniéndose gracias a un excelente trabajo narrativo, aunque da al sensación de que en letra escrita la historia funciona mucho mejor. Excelente fotografía y más que interesante banda sonora y en definitiva un filme elegante y degustable que conviene ver son prejuicios.

BLUE SUN PALACE

 

** y 1/2

Una pena que este filme no alcance sus propósitos de ofrecer un drama psicológico sólido y con fundamento y se quede en un trabajo más que correcto -sobre todo desde el punto de vista formal- ya que su discurrir demasiado mortecino lastra a una película que podía ser una excelente obra (no se si maestra). Su interesante doble temática, por un lado la sensación de perdida y de duelo de personas queridas y la necesidad de buscar un reemplazo a estas para hallar la felicidad y por otro, aunque en menor mediada, la adaptación de personas inmigrantes en un nuevo entorno cultural (en este caso chinos y taiwaneses en Nueva York) daba para bastante, y aunque no se puede reprochar a su directora y guionista Constance Tsang pasar de largo ni tocar ligeramente estos aspectos, la sensación es que se ha desaprovechado una oportunidad.

El aspecto antropológico de esta historia es lo más interesante dentro de un relato con demasiados altibajos, moroso en sus explicaciones y un tanto desconcertante en algunas resoluciones. Didi (Haipeng Xu), una joven china que trabaja en un salón de masajes en Queens parece en un principio la protagonista de este filme hasta que su trágica muerte otorga ese rol a su amiga y compañera de piso Amy (Wu Ke-si), rota por la desaparición de su mejor amiga y desconcertada con la relación que el antiguo novio de esta, Cheung (Lee Kang-shen), un hombre casado, quiere iniciar con ella. Hay buenos momentos, retazos de buen cine y por aquí y por allá mensajes interesantes, pero la cosa no termina de funcionar del todo. La película podrá tener sus admiradores, pero la sensación es que no consigue llegar totalmente a sus propósitos.

WEAPONS

 

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La considerable taquilla conseguida por este filme pone de manifiesto lo bien que funcionan comercialmente los filmes de terror sobre todo en fechas vacacionales y especialmente cuando sus premisas pueden resultar a priori atractivas. Y la verdad que la de esta película lo era (bueno, en realidad hemos visto muchos filmes con planteamientos parecidos), pero a medida que transcurre el metraje todo transcurre con más de lo mismo y ninguna idea realmente no ya innovadora si no con cierta solidez para una buena película de género terrorífico. Zach Cregger es un director (y también actor) que trata de hacer lo que puede pero no consigue que Weapons sea una película memorable en su mezcla de thriller, imposible terror psicológico y horror sobrenatural. Los muchos agujeros en un guión que trata de ir un paso más allá con puntos de vista de diferentes personajes y una narración no lineal y la aparición de supuestos “sustos” e imágenes impactantes que meten a la peli en un terreno de la previsibilidad más absoluta son deficiencias de bulto que hacen que el filme no termine de ser convincente, pero no habría que obviar el esfuerzo por crear una atmósfera perturbadora, esta vez sí, lograda y con personalidad en su mezcla de la cotidianidad, el realismo y lo insólito-perturbador, unos personajes por lo general bien trazados y un buen manejo de las pistas falsas.

El hecho de que, como en este caso, la infancia sea el centro de una historia terrorífica con tintes psicológicos añade siempre interés pero lamentablemente aquí no se da un paso adelante y todo se diluye en pos de tics comerciales y horror e intriga de manual con el aspecto psicológico claramente relegado. La desaparición conjunta una noche de 17 niños de un mismo aula de un colegio de Pennsylvania que huyeron todos corriendo hacia un lugar indeterminado es el inquietante arranque de una historia que se va desinflando por momentos y que ni siquiera la aparición de un supuesto personaje clave, una estrafalaria y supuesta bruja tía del único niño del aula que no huyó (interpretada por la una vez reputada y hoy un tanto olvidada Amy Madigan) otorga estímulo al filme y en lugar de ello nos encontramos con una sucesión de tópicos del terror sobrenatural en medio de una historia que no responde a muchos interrogantes. El reparto en si es esforzado en papeles de mayor enjundia, como en la joven e incomprendida profesora (Julia Garner), el despechado padre de familia que emprende una investigación por su cuenta (Josh Brolin), un policía con mucho que esconder (Alden Ehreinreich) o un chorizo yonki que termina por precipitar los hechos (Austin Abrams). Otra oportunidad perdida para hacer terror de calidad, y mira que van.

MATERIALISTAS (MATERIALISTS)

 

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No se trata de una simple película de temática amorosa ni tampoco una película sobre matchmakers profesionales (la ocupación de su protagonista), esta es una historia sobre las relaciones, el origen,la finalidad y el fracaso de esta, las incompatibilidades de pareja, la búsqueda por huir de la soledad, la obsesión por la aceptación social y en definitiva una interesante reflexión sobre el amor y las relaciones. Un drama con algún ribete de comedia que se aleja de los tópicos del mal llamado cine “romántico” norteamericano y también de una tentadora vertiente comediática facilona para mostrar un filme honesto y sencillo y efectivo pese a algunas irregularidades en su transcurso. Celine Song, responsable de Vidas Pasadas (2023) no es ninguna cineasta del montón y con esta película lo demuestra aunque parcialmente ya que esta producción está por debajo de aquella. No obstante, Materialists cumple su cometido y lo hace con el buen trabajo de su triada protagonista: Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal, intérpretes en un interesante momento de popularidad en sus respectivas carreras que consiguen llevar a la película a un muy buen término.

Una antiheroína como su protagonista femenina, Lucy, no parece el personaje arquetípico de una película sentimental: bajo su apariencia de supermujer de éxito profesional en una empresa para establecer contactos amorosos (o sea, matchs) se esconde una joven frustrada, actriz fracasada y paradójicamente no muy afortunada en las relaciones que parece encontrar la felicidad a costa de procurársela a otros (o al menos eso cree ella); el encuentro con el pariente de unos clientes, un hombre apuesto, con recursos y aparentemente con éxito parece que podría iniciar un cambio en su existencia pero al mismo tiempo vuelve a irrumpir en su vida un ex novio al que las cosas le han ido no muy bien pero con el que no tardará en empatizar. De ambos recogerá Lucy nuevas reflexiones sobre el amor y al vida en pareja mientras situaciones nuevas parecen querer romper el equilibrio emocional de todos. Puede que la película no mantenga su intensidad durante todo el metraje y que algunas situaciones parezcan forzadas, pero la película resulta bonita de ver y bastante honesta.

INDOMABLES (ON SWIFT HORSES)

 

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Esforzada y elegante producción independiente estadounidense basada en una novela de Shannon Pufahl que ofrece un melodrama sustentado en premisas sentimentales, eróticas y emocionales con el telón de fondo de aspectos más turbios del sueño americano precisamente en una época donde este estaba ensalzado e idealizado. Un director televisivo como Daniel Minahan se esfuerza en ofrecer un filme que va más allá de planteamientos minimalistas y predecibles y la película, sin grandes alardes, logra ser un trabajo sólido e interesante. Es un filme de actores en donde un quinteto de jóvenes intérpretes funciona como un reloj cada uno en complejos y despistantes roles. El australiano-vasco Jacob Elordui es el rostro más visible del elenco y uno de los dos personajes catalizadores: Julius Walker un joven idealista de ambigua moral dedicado a negocios dudosos y al juego que irrumpe en la vida de su hermano Lee (Will Poulter) y su cuñada Muriel (Daisy Edgar-Jones) - el otro personaje clave- cuando estos llegan a California. Pese a que parece que Julius desea a quedarse a vivir con su adorado pero escéptico hermano y con la apasionada y aparentemente ingenua Muriel, al final este decide marcharse a Las Vegas a trabajar en un casino, donde conocerá el amor junto con otro hombre, su compañero Henry (Diego Calva) y la sordidez del mundo del juego en Las Vegas. Mientras tanto, Muriel, cansada de su rol del ama de casa perfecta y fascinada por Julius y su libre modo de vida decide a espaldas de su marido dedicarse a las apuestas de cabellos además de iniciar una relación sentimental con su vecina, Sandra (Sasha Calle), atraída por lo prohibido de la homosexualidad en un contexto tan represivo como el de los EEUU de la postguerra.

Funciona muy bien la narración en este filme con unos intérpretes que se esfuerzan con sus engañosos personajes aunque al fin de cuentas tampoco es que les otorguen demasiado relieve. Elordi y Edgar-Jones están excelentes cada uno en sus papeles como dos seres que en realidad se complementan cada uno con sus circunstancias especiales, especialmente la segunda que resulta todo un descubrimiento. Buena ambientación de época y una interesante fotografía aderezado todo con una interesante banda sonora con temas clásicos de los 50 y otros nuevos. Se percibe cierto resabio al primer Terrence Malick o a Hal Ashby en la manera tan setentera de plantear la película, una pequeña gemita que no debería pasar desapercibida en cartelera.

AQUEL VERANO EN PARÍS (LE RENDEZ-VOUS DE L’ETÉ)

 

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Una pequeña pero deliciosa película de perfil psicológico que pone de manifiesto lo mucho que pueden dar de si las historias sencillas con este trasfondo y más si se trata de protagonistas con problemas y carencias con las que mucha gente puede sentirse identificada. Una ciudad en plena efervescencia y literalmente modificada en sus rutinas y “tomada” como lo fue el París olímpico de 2024 es a donde se dirige la protagonista de nuestro relato, Blandine (Blandine Madec), una treintañera insegura y marcada por su reciente ruptura sentimental que decide para unos días con su medio hermana y su sobrina y aprovechar para ver a su ídolo deportivo, la nadadora Béryl Gastaldello (una joven que en la realidad también padece problemas mentales), pero el periplo será accidentado prácticamente desde el primer momento. Dirige una joven cineasta, Valentine Cadic, que ha conseguido una película sencilla y delicada con enorme expresividad pese a la aparente cotidianidad y costumbrismo de su propuesta, una película intimista y tragicómica que supone un buena experiencia apra el espectador exigente.

El buen trabajo de la actriz Blandine Madec es el faro que guía la película dentro de un contexto muy creíble: es muy fácil empatizar con esta encantadora pero internamente desnortada y solitaria muchacha que pese a todo no se rinde y busca el bienestar y la felicidad por encima de todo. Buenos diálogos y momentos sutiles enaltecen una pequeña pero efectiva cinta que saca a relucir temas como la soledad no deseada, la incomunicación, la dificultad de las relaciones familiares, la hipocresía social y la búsqueda de la estabilidad emocional. Como en muchos casos, es la grandeza de las modestas pero efectivas películas.

BON VOYAGE, MARIE

 

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Podría haber sido un melodrama del montón, pero esta comedia francesa con tintes dramáticos cumple en todos sus propósitos y resulta un filme agradable, divertido y sobre todo muy honesto. Una temática tan delicada como el de la últimas voluntades, la eutanasia y la aceptación de la muerte precisaba de un tratamiento digno y con las dosis justas y necesarias de sensibilidad y drama y en ese sentido este filme responde. Una road movie con personajes cotidianos, imperfectos y cargados de problemas en busca de un final digno para su protagonista, la vitalista anciana Marie (Hélene Vincent), una mujer enferma de cáncer cuya muerte se avecina y que quiere viajar a Suiza para solicitar la eutanasia, hecho que le oculta a su irresponsable e inmaduro hijo Bruno (David Ayala) y a su rebelde nieta adolescente Anna Enya Baroux) pese a que termina engañando a esto para que le acompañen en el viaje en una auto caravana. Y junto a ellos el antihéroe de esta historia, el excéntrico y un tanto inseguro pero al fin de cuentas noble y generoso cuidador de ancianos Rudy (Pierre Lottin, un rostro ya habitual en las últimas comedias galas) quien siendo el único conocedor del secreto de Marie se convertirá en su más fiel confidente y amigo al tiempo que trata de arbitrar los vaivenes de la disfuncional familia de esta en un viaje estrambótico pero lleno de momentos significativos

La relación entre Marie y Rudy es el principal bastión argumental de este filme, en donde se establece entre ellos una relación maternofilial que parece venir a suplir la falta de entendimiento de la señora con su descendencia, aunque al final todos los personajes a parte de Marie sufrirán una evolución positiva a partir de las diferntes vivencias experimentadas durante el viaje. Una película amable y con el equilibrio justo de Feel Good Movie, comedia y melodrama que hará las delicias de los aficionados a las comedias con mensaje y las historias sentimentales con fundamento.

JURASSIC WORLD: EL RENACER (JURASSIC WORLD: REBIRTH)

 

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El declive total de una saga. Fue una idea no muy afortunada el revivir la franquicia en los 2010 y peor aún querer inflarla de secuelas: ya vamos por la cuarta en lo que va de siglo (la séptima en global) y ya nada sorprende ni entusiasma, ni siquiera unos vistosos efectos especiales y buenos momentos de cine de acción y catástrofe. Gareth Edwards, director de Godzilla (2014) y Rogue One es el encarguero de turno en esta nueva entrega en donde únicamente pone oficio mientras que David Koepp, otrora guionista comercial de fuste y cierto prestigio (es el responsable del libreto de las dos primeras entregas, dirigidas por Steven Spielberg) firma un guión totalmente flojo y tópico. Y llegados a este punto hay una cosa que llama cada vez más la atención: ¿por que los dinosaurios y sus diferentes especies cada vez tiene menos protagonismo en esta saga? ¿donde quedó aquella oda a los seres que una vez dominaron la tierra y que inauguraron en los 90 del siglo XX una sana y curiosa dinomanía? ¿que pensaría el autor de la nivela original, Michael Crichton (1942-2008) de lo que estan haciendo con su creación y con sus “dinos”?. Spielberg en su faceta de productor ejecutivo tiene claro que el resurgimiento de la saga Jurásica es muy rentable en estos tiempos de blockbuster y franquicias que corren, pero los seguidores de aquellas películas y los que admiraron el Jurassic Park original de 1993, aún con sus (muchos ) defectos empiezan a cansarse de una operación comercial que hace aguas y va de mal en peor

La presencia en el reparto de Scarlett Johansson y Mahershala Ali parece querer otorgar algo de prestigio, pero ellos -como todo el reparto- se encuentran francamente perdidos e incómodos. Aquí las intrigas médico-genéticas (otra vez) son la base de la trama y una jauría de irreales dinosaurios genéticamente modificados (y alguno originario) son los bichos- en su mayoría malos- de la historia, sueltos como están en una isla desierta del pacífico donde se encuentran los restos de un laboratorio genético sonde se creaban los nuevos dinosaurios para el clausurado parque Jurassic World. A la trama de la búsqueda por parte de un equipo de guías, inversores y expertos del ADN de las especies mas grandes de dinosaurio que hayan sobrevivido en esa isla para su uso farmacéutico, se une la de una familia que ha naufragado al ser atacada por un nuevo dinosaurio marino y que llega a la isla al margen del resto del grupo: las dos historias que parecen querer tener autonomía propia estan enganchadas muy forzosamente en una historia con muchos agujeros. Referencias spielbergianas a Tiburón o incluso ET parecen autohomenajes tontos y obvios, en una película que está mas cerca de el cien actual de monstruos gigantes y catástrofes increíbles que de la saga de los años 90. Esperemos que ya no hayan más entregas o que la cosa cambie drásticamente, si es que a estas alturas puede cambiar.

UN LIKE DE BOB TREVINO (BOB TREVINO LIKES IT)

 

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Una interesante y esforzada aunque inofensiva dramedia que pone de manifiesto una vez más que los meses estivales son proclives para historias intimistas con mensaje, efectivas y sin complicaciones y que además pueden resultar buenas películas. Esta producción independiente norteamericana basada en una historia real al parecer vivida por su directora y guionista, Tracie Laymon, tiene su base argumental en el tema de las redes sociales por una parte y en la soledad del ser humano de hoy por otra, con la inevitable relación de ambos aspectos por medio . La incomunicación, la necesidad de afecto y las relaciones familiares deficientes hacen acto de presencia en esta historia entre tierna, cálida y a veces cruel siempre con un curioso sentido del humor que la enaltece y la hace no caer en la ñoñería, aunque eso sí los compases finales decepcionen un poco. Lily Trevino (Barbie Ferrereira, un joven descubrimiento) una muchacha de 25 años de un pequeño pueblo estadounidense, tiene una vida social pobre, se esfuerza en su trabajo de cuidadora (y compañera de piso) de Daphne una joven con movilidad reducida pero de armas tomar (Lolo Spencer) y la relación con su padre, Bob (French Stewart), un ser egoísta y que apenas se preocupa por su hija, va de mal en peor. Tampoco las visitas a una psicoterapeuta ayudan mucho y tras un desencuentro con su progenitor quiere volver a establecer el contacto con este y en facebook encuentra a otra persona llamada Bob Trevino al cual en primera instancia le confunde con su padre. Este Bob Trevino (John Legizamo) sin embargo resulta ser un hombre casado cincuentón, amable y atento, con el que tras conocerse Lily establecerá una relación de amistad o más bien paterno-filial cumpliendo el nuevo Bob el rol del padre que la joven añoraba.

Hay buenos momentos de buen melodrama en este modesto filme que descansa en sus sólidas interpretaciones y en especial en el (muy) buen hacer de Barbie Ferreira, encantadora y con solvencia de registros que otorga gran credibilidad al personaje y a la historia como una mujer desubicada pero dispuesta a encontrar un nuevo sentido ene su vida con su nueva amistad, mientras que John Legizamo está más que correcto encarnando a un hombre con una trágica circunstancia que también ha encontrado una nueva vida en su relación de amistad con Becky. Un bonito mensaje de esperanza el que desprende el filme que además viene a ensalzar el aldo positivo de las redes sociales como una nueva manera de reestablecer relaciones humanas siempre que sean bien utilizadas y no se pierda lo más importante: el contacto personal.