REINVENCIÓN Y UNIVERSALIZACIÓN: 10 ÍCONOS DE LA CULTURA POP (y 2)

ANDY WARHOL. LA MUTACIÓN SALVAJE DEL HACEDOR DE ICONOS

Vida y milagros:

Andy Warhol (1930-1987), pintor, diseñador gráfico, cineasta, pope del Pop Art y padrino una generación de artistas excéntricos desde su centro neurálgico de “The Factory” en Nueva York es el padre de elementos hoy comúnmente considerados como iconos pop: sus cuadros de las sopas Campbell o sus serigrafías de colorines primarios sobre Elvis, Mohammed Alí y sobre todo, de Marylin son ya todo un estándar de la cultura popular, tal y como él deseó. Pero el mismo, después de su muerte, ha devenido en icono pop por derecho propio. Cierto es que sus famosísimas obras son más populares que su imagen, pero el culto tan obsesivo que han tenido estas en los 80, 90 y 2000 logró crear curiosidad y admiración por el inigualable e excéntrico padre de las criaturas: Andy Warhol, genio y figura.

Nadie como el profetizó el culto pseudorreligioso que los objetos de consumo iban a tener con el paso del tiempo. Nadie como el supo convertir la banalidad, el vacile y la tomadura de pelo en genialidad. Y es que a el se debe, indirectamente, el concepto de icono de la cultura popular. Sin el, este post os aseguro que no existiría.

Segunda vida: su currículum icónico:

Ya antes de su fallecimiento en 1987 las latas de sopa concentradas eran ya todo un símbolo generacional, lo mismo que sus Marylins. Cuadros, carpetas, anuncios, elementos de decoración aparecían en hogares de de todo estudiante de arte, intelectuales, admiradores de las vanguardias, o gente con gustos creativos. En los 90 el público se fue ampliando y ya se podían encontrar obras de Warhol en los sitios más insospechados. Pero la propia y estrafalaria imagen del artista neoyorquino, en los últimos tiempos, ha conseguido situarse a la altura de sus creaciones: En fin, un tío con gafas de sol, pelo blanco grotescamente peinado (bueno, a veces era peluca) y con cara de palo, pues quieras o no, vende. Y ya, si te fijas en su impresionante elgado en la cultura popular a través de su Factory (películas experimentales, producción musical de la Velvet Underground, mecenazgo de artistas variopintos), es inevitable hacer una genuflexión.

No obstante, hay que advertir que tal vez su nombre sea aún más popular que su imagen. Mentar a Andy Warhol produce el visionado de sus obras, ams que el de su jeta. Y es que tampoco hay que pasar por alto que el warholinismo esta viviendo un momento de popularidad más grande que en vida del artista: no hay más que ver esa nueva tendencia de hacerse retratos en cuatro partes y colorados al estilo Warhol.

Estrechas relaciones:

A parte de las sopas y los retratos de celebridades pintados en acrílico, otras creaciones de Warhol son ya un icono pop: tenemos el plátano de la portada de The Velvet Underground and Nico, al que ya nos referimos en Rayosc en un monográfico sobre la cantante teutona. No hay que olvidar tampoco que muchos de sus retratados, son en mayor o menor grado, iconos de al cultura Pop: Elvis Presley, Kennedy, Jackie O…

Otros muchos artistas del Pop Art han creado clásicos de la cultura popular, como Roy Linchestein y sus cuadros-cómic, pero ninguno se convirtió en todo un personaje como Andy Warhol, ya un icono en sí.

Legado y significación:

Las predicciones de Warhol sobre la fama de la gente de la calle, el mundo del espectáculo y la sociedad del consumo se han ido cumpliendo una por una en los 90 y 2000. Solo por esto Warhol merecería un lugar preeminente en loa altares de la intelectualidad occidental. Sin que a ciencia cierta sepamos la distinción entre personajes, creador, creaciones, símbolos y significado (tal vez, como el pretendió), lo que esta claro es que el icono Andy Warhol ha superado con creces los 15 minutos de fama. La cultura popular le debe tanto a el…

SIMBOLO ROLLING STONES. ES SOLO UN DIBUJO, PERO ME GUSTA

Vida y milagros:

Sin duda alguna, el símbolo por excelencia del rock y la identificación genuina de una de las bandas más legendarias: The Rolling Stones. Ha llegado a trascender incluso al propio grupo (aunque no en cuanto a eclipsar su popularidad, ojo) en cuanto a símbolo independiente, requisito indispensable para todo icono pop.

En realidad, el célebre logo de los labios con la lengua fuera nació bastantes años después de la creación del grupo. Fue en 1971 cuando vio la luz, en al carpeta del álbum Sticky Fingers, uno de los mejores de la banda. El logo fue diseñado por el prestigioso grafista británico John Pasche, quien continuó haciendo variaciones del lenguaraz para los stones hasta mediados de los 70. En no pocas ocasiones, se ha atribuido erróneamente la creación del logotipo Stones al recientemente citado Andy Warhol, quien en realidad fue el que diseñó la portada de Sticky Fingers.

El logo ha ido apareciendo en prácticamente todos los discos de los Rolling y en postres y carteles promocionales oficiales, ya bien sea en su primigenia versión o en variaciones realizadas por diversos artistas contratados al efecto (de uno u otro color, con la lengua “complementada”)

Segunda vida: su currículum icónico:

El logo Stones nació con vocación de ser la imagen publicitaria o de marca que identificase al grupo, y ya desde el momento de su aparición cumplió su papel con creces, estando presente en camisetas, posters, pines (entonces llamados insignias). Lo impactante y sugerente de su diseño ha hecho que visualmente sea una imagen atractiva para incluso gente que los Rolling Stones, ni fu ni fa. Omnipresente en bares, tiendas de discos o viviendas privadas, nadie puede negar el poder de atracción de un dibujo que ha terminado de plasmar como nadie algunos de los principios más importantes de la filosofía rockera: despreocupación y cachondeo.

Estrechas relaciones:

En el mundo del rock muchos grupos y artistas, voluntaria o involuntariamente, se hicieron con un símbolo visual que los identificase, pero ninguno ha sido tan popular como el creado por John Pasche. No obstante, hay que admitir que la imagen cada vez mas representa una época, digamos, obsoleta del rock y prácticamente es inevitable identificarla exclusivamente con los viejos dinosaurios del rock, de los que los Rolling Stones son en la actualidad sus máximos exponentes.

Legado y significación:

Como símbolo genuino no solo de los Rolling Stones sino del Rock, y, por que no, del siglo XX, es lógica su oblicuidad en la cultura popular y en al vida cotidiana. Aunque el tiempo pasa factura, no se puede decir sin embargo que sea un símbolo desfasado y anticuado: ahí esta su aceptación intergeneracional, por motivos estéticos principalmente, aunque haya perdido ya gran parte o todo su sentido rebelde. Estaba bien hecho, fue impactante y conectó con el público: esas fueron las razones de su universalización. ¿Qué más se puede pedir?

BETTIE PAGE. LAS CONSECUENCIAS DE ADELANTARSE A SU TIEMPO

Vida y milagros:

En los años 40 y 50, el fenómeno de las pin ups o chicas de poster en EEUU hizo de una generación de modelos (del que salió alguna actriz, como Betty Grable o Marylin Monroe) auténticas estrellas del show business. En 1950 comenzó su carrera Bettie Page (Nashville, 1923), hasta entonces una actriz fracasada que provó suerte en el modelaje fotográfico pero introduciéndose en un terreno absatnte underground, atrevido y mal visto para la época: la fotografía erótica y de desnudos.

En la primera mitad de los 50, la bella Bettie Page protagonizó innumerables reportajes fotográficos muy atrevidos para la época: lencería, topless y lo que fue mas revolucionario, ¡sadomasoquismo! No era extraño que las fotos de Pge circulasen semiclandestinamente por los USA, que escandalizasen a al opinión pública y que la modelo fuese obligada a declarar en el Subcomité de Delincuencia Juvenil del Senado norteamericano. Muchos de los negativos de sus fotos fueron destruidos por dicho comité, pero se han conservado muchos más.

En 1957, Bettie Page dejó repentinamente su carrera de modelo al convertirse al Cristianismo. A partir de ese momento se aleja totalmente de la vida pública, dedicada a tareas apostolares y de pedagogía religiosa. Sigue viva en la actualidad, tiene 84 años, aunque solo ha dado señales inequívocas de vida desde principios de los 90, concediendo escasas entrevistas (con motivo de su revival iconográfico en los últimos tiempos) y solo dejándose ver en una ocasión, en 2003, siendo ya una ancianita de 80 años.

Segunda vida: su currículum icónico:

Bettie Page tuvo un breve momento de mini popularidad como escandalosa musa erótica de 1950 a 1957, pero su desaparición pública posterior hizo que su figura cayese en el más absoluto de los olvidos. A finales de los 70, sin embargo, se editan libros de recopilación de sus fotografías que captan la atención tanto de mitómanos del glamour de los 50 como de seguidores de revistas como Playboy. En los 80 las reediciones de antiguas fotografías de Page se suceden y sorprenden a amantes de la fotografía y fanáticos del mundo de la moda por su atrevimiento en relación con la época en las que se tomaron, además de por la singular belleza de una starlette que era para muchos una desconocida.

Total, que en los 80 Bettie Page se convierte en objeto de culto entre públicos variopintos, abarcando el mundo de la moda, las artes plásticas, la fotografía, la industria porno, el cine serie B, la nostalgia de los felices 50, el sadomasoquismo y la cultura underground. Nuevas generaciones de estudiantes de arte y jóvenes afterpunks adoptan a la Page como icono y la imagen de la modelo se convierte en un símbolo erótico y contracultural. En los 80 y 90 se suceden artículos y reportajes en prensa y se ensalzará el prototipo de belleza de

Bettie como ejemplo del genuino canon de la época inmediatamente posterior a la II Guerra Mundial con un insólito plus fantaerótico-sexual. El dibujante Dave Stevens toma como modelo a Page para la heroína femenina de su cómic Rocketeer. En 1990 la propia Page se convierte en protagonista de un cómic. A finales de los 90 algunos cortometrajes de Sado-Bondage protagonizados por la modelo y actriz se editan en DVD, y en 2006 se estrena el filme biopic The Notorious Bettie Page , en donde Gretchen Mol encarna a Bettie.

Estrechas relaciones:

Aunque la belleza de Bettie Page no difería demasiado de otras sex symbols de los 50, es evidente que su morena imagen (cuando en los 50 “los caballeros las preferían rubias”) añade un elemento diferenciador al canon por entonces imperante que resulta fascinante. Además, esa insólita mezcla de glamour del Hollywood clásico con la cultura Playboy de finales del siglo XX resulta tan explosiva como culturalmente interesante por su carácter anticipatorio.

Legado y significación:

Musa de nuevas generaciones de cinéfilos y consumidores de cultura popular, hay que reconocer que Bettie Page aún no puede ser considerado un icono pop en su plenitud ya que su popularidad aún no es tan mayúscula como otros elementos presentados en esta serie, pero que duda cabe que esta en vías de serlo. No hay más que aproximarse a sus fotografías o a su fascinante biografía para descubrir la singularidad del personaje. Fotogenia absoluta, glam, perversión, descaro pre rockero, encanto underground. Muchos atractivos en una imagen única.

THE ARTFUL DODGER (EL TRUHÁN). REINVENCIÓN POP EXTRATEMPORANEA

Vida y milagros:

De todos los personajes creados por Charles Dickens (1812-1870), principales o secundarios, Artful Dodger (traducido en castellano como El Astuto Truhán, El Perillán o El Tramposo), el pequeño y habilidoso landronzuelo de los arrabales de Londres al servicio del pérfido Fagin en Oliver Twist (1838 ), es sin duda el mas universal y entrañable. Aunque en la novela su rol era secundario –se encargaba de introducir a Oliver en los ambientes rateriles y se convierte en su mejor amigo dentro del mundo suburbano de Londres – su imagen es la más conocida de la inmortal novela, superando a la del propio Oliver. Su conocida estampa de preadolescente ataviado con levita varias tallas más grande, chalina, y sobre todo su viejo pero vistoso sombrero de copa (su elemento más característico) es ya tan popular en la literatura universal como la armadura y la bacía de Don Quijote. Sin duda alguna, uno de los personajes de Dickens más populares y un auténtico icono de la literatura juvenil.

Segunda vida: su currículum icónico:

Dickens se preocupó por dotar al pequeño delincuente en las páginas de Oliver Twist de encanto y carisma, basados en su picardía y su carácter de encantador granuja, más inteligente que muchos adultos. A lo largo de todo el siglo XIX, con el éxito de la novela, Dodger se estableció como el prototipo del ladronzuelo infantil de la Inglaterra de comienzos de la revolución industrial. En las adaptaciones cinematográficas de Oliver Twist fue siempre un personaje tratado con mimo, siendo los mejores Truhanes de la historia Anthony Newley en la adaptación de David Lean de 1948, y Jack Wild en la versión musical Oliver! dirigida por Carol Reed en 1968.

Precisamente fue el musical teatral de Lionel Bart en el que se basó la película de Reed el que en la década de los 60 puso a Dodger en su momento de mayor popularidad elevándole a al categoría de símbolo de la cultura popular. El personaje tenía allí mayor protagonismo que en la novela y en los sucesivos montajes que se realizaron en el RU en la década de los 60 fue encarnado por futuras estrellas del rock, por entonces niños: Davy Jones (Monkees), Steve Marriot (Small Faces) o Phil Collins se pusieron la mítica chistera para dar vida al ladronzuelo. Jack Wild retomó el personaje del Truhán cantarín en el cine y su interpretación la valió una nominación al oscar con 16 añitos.

Jack Wild, por el éxito de Oliver! Es el Dodger cinematográfico más recordado, consiguiendo hacer de su caracterización todo un icono que fascinaba tanto a niños como a adultos. Pronto surgieron bares y discotecas a principios de los 70 con el nombre de Oliver utilizando como imagen a Dodger/Jack Wild con su enorme levita y su sombrero. La imagen de Dodger fue adoptada a fianles de lso 60 y principios de los 70 por jóvenes mod y hippies que veían al héroe dickensiano como una encarnación del callejerismo, la rebeldía y la libertad: las chisteras y los abrigos largos de muchos jóvenes contraculturales y músicos de rock estaban directamente remitidos al personaje, reinventado como icono de el generación pop y beat. La chistera de Richie Blackmore, de Deed Purple, tenía un solo padre.

A finales de lo 70, con la desaparición de las melenas y barbas fruto de la revolución punk, la fiebre directa o indirecta por Dodger languidece y el culto al pequeño antihéroe se reduce a la literatura y al cine. Pero ahí continua, y el hecho esta ahí: siempre que se trata de visualizar a un personaje de Dickens, ¿quién viene primero a la cabeza?

Estrechas relaciones:

En los 60 Dickens se había convertido en un autor de culto en círculos estudiantiles fascinados por la visión relista de la Inglaterra del XIX plasmada por el autor, lo que propició que otros elementos de su universo creativo se convirtieran en objetos de moda. En la California prepsicodélica, por ejemplo, el líder de los Byrds Roger McGuinn introdujo el uso de las gafas de pequeñitas y cuadradas al estilo Pickwick. La imagen del propio Oliver Twist también compitió con la de Dodger por ser el icono dickensiano por excelencia, pero el angelical huerfanito pidiendo un plato mas de comida fue batido por el astuto y harapiento carterista.

Legado y significación:

Símbolo inmortal de la literatura universal, The Artful Dodger vivió sus quince minutos de fama como icono de la cultura pop, estatus que por desgracia no ha podido mantener aunque ha dejado su impronta. Sin embargo, en cada nueva versión cinematográfica o teatral de Oliver Twist, el crío que le toca encarnar a Dodger sabe que le toca una gran responsabilidad, ya que debe de dar vida a todo un referente de la cultura popular, la encarnación de la perdida de la inocencia infantil en ambientes sórdidos y adversos, pero sin haber cedido un ápice de sentido del honor y ternura.

CHÉ GUEVARA. HASTA EN LA SOPA SIEMPRE

Vida y milagros:

Ernesto “Ché” Guevara, (Rosario 1928- La Higuera 1967), uno de los personajes centrales del siglo XX, ha suscitado tal fascinación que toda su influencia a nivel universal en política, filosofía, ética, arte, literatura, mundo militar y guerrillero e incluso en estética, por aceptación o por también rechazo, es irresumible en unas líneas. Mucho se ha escrito y dicho sobre el legendario guerrillero revolucionario y político panamericano, argentino de nacimiento pero protagonista fundamental de la revolución cubana y de la historia del país caribeño en general, por lo que no vamos a aburrir al personal una vez más. Pero si algo resulta significativo y fascinante en la figura del Ché es sin duda su fulminante proceso de conversión en icono pop.

Prototipo del luchador romántico y sempiterno inspirador de la izquierda, la evocación de su nombre se encuentra eternamente unida a su imagen mas célebre y que con el tiempos e ha convertido en una de las efigies mas universales de la historia: la fotografía tomó Alberto Korda como instantánea en un acto político y que ha terminado por convertirse en uno de los retratos de políticos mas conocidos de todos los tiempos, por no decir el que mas. Tras su muerte en Bolivia, la generación contestataria de los 60 adopta al Ché como referente y a partir de ese momento la foto de Korda da la vuelta al mundo convirtiéndose en objeto de culto casi religioso para toda una generación.

Segunda vida: su currículum icónico:

Desde finales de los 60 la imagen del Ché de Alberto Korda se ha venido reproduciendo año tras año y en los lugares y productos más insospechados. Primero comenzó como poster y graffiti y después el merchandising de la nueva izquierda en los 70 se encargó de difundir en todo el mundo (al menos en países en donde su figura por algún u otro motivo político no estuviese demonizada) el conocido rostro. Camisetas, posavasos, posters, mecheros, pegatinas…sería interesante inventariar cuantos artículos y productos se habrán hecho con la imagen del Ché Guevara en los últimos 40, aunque la lista sería eterna.

Total, que el Ché Guevara es todo un icono universal, y su obsesiva omnipresencia le ha convertido prácticamente en un objeto de consumo de una manera tan involuntaria como descontrolada. No es raro el caso de gente que lleva la imagen del guerrillero sin saber realmente quien era ni que hizo ni que significó lo que hizo. La múltiple deconstrucción que su célebre retrato ha experimentado, en algunas ocasiones lo ha reducido a un mero artilugio ornamental, muchas veces con vivos colores psicodélicos o al estilo Warhol. En fin, una reinvención pop tan fascinante como mercantilizada.

Estrechas relaciones:

A parte de ser objeto de veneración izquierdista, el Ché también es referencia habitual en la exaltación nacionalista (de cualquier signo, modalidad y ámbito) y en no pocas justificaciones burdas de la violencia con las que el Ché no hubiese comulgado. Pero también es un objeto de culto para snobs, gente con ganas de quedar de “guay” (y de izquierdas nada) y buenrrollistas en general, muchas veces sin comprender en su totalidad la esencia del personaje. Muchas veces da la impresión de que el Ché se esta revolviendo en su tumba ante algunos colectivos de seguidores que dicen que le adoran.

Legado y significación:

Como símbolo romántico de la lucha por la libertad y los ideales, el Ché Guevara siempre ha funcionado y funcionará con eficacia. Su megadifundida imagen forma ya parte de la cultura popular universal. Prácticamente, resulta imposible concebir un día al semestre en el que no se haya visto su efigie en alguna parte. Hasta lo mas revolucionario ya es un artefacto pop.

LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (11). FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD: TWO TRIBES (1984). PARANOIAS GUERRA FRIA

El grupo revelación de 1984 fue la banda de Liverpool Frankie Goes to Hollywood. Este grupo de Funk Rock logró el hito de poner sus tres primeros singles en el número 1 de las listas británicas, un hito que solo habían conseguido hasta al fecha, en la década de los 60, sus vecinos Gerry and The Pacemakers. En realidad, FGTH, era un grupo apañadito en lo musical, pero contaban con bastantes buenas canciones, la voz imponente de Holly Johnson, y sobre todo, la producción totalmente espectacular e innovadora para la época, por parte de Trevor Horn. Horn, el mejor productor del momento, había creado en 1983 el sello Zang Toob Toom (ZTT), junto con el periodista Paul Morley, y su intención fue lanzar al grupo más escandaloso desde los Sex Pistols, y el más exitoso desde los ya disueltos Police. Contrataron a este grupo, que se movía por los ambientes gays de Liverpool, y con su primer single, Relax, himno hedonista apoyado por una agresiva campaña publicitaria y por un vídeo escandaloso, fue la comidilla del momento. La BBC, pensó que tanto la canción como el vídeo eran una cochinada, y las prohibió, lo que no impidió el ascenso al número 1 de Relax, a principios de 1984.

El segundo single del grupo (que no editaría álbum hasta final de ese año), buscó repetir polémica, y Horn y Morley propusieron al grupo escribir un tema sobre lo malita que estaba la política internacional a mediados de los 80, con el enfrentamiento de los bloques capitalista y comunista en le llamada Guerra Fría. Two Tribes se promocionó con el mejor vídeo de FGTH – cuyos videoclips siempre fueron espectaculares- y uno de los mejores de los 80. Godley & Creme, unos de los mejores creadores de videoclips de la historia dirigieron este divertido corto que simboliza muy bien la encarnizada lucha entre las dos grandes superpotencias de entonces: EEUU y URSS.

Un sucio ring atestado de público y medios de comunicación es el escenario en donde dos actores caracterizados del presidente norteamericano Ronald Reagan y del número 1 del Kremlin Constantin Chernenko (en el post de presentación de esta sección dije que era Brejnev, mea culpa), llevan a cabo una grotesca especie de lucha libre en donde se golpean en todas las partes imaginables y se hacen todo tipo de aberraciones. Este videoclip marcó época por todas sus connotaciones sociopolíticas y es incluso más recordado que la propia canción. Y no ha envejecido nada mal.

El aparatito de Lumiere - AMERICAN GANGSTER

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Excelente filme de género negro-mafioso inspirado en acontecimientos reales. Lo que cuenta es la rocambolesca historia del gangster afroamericano neoyorquino Frank Lucas, que en los años 70 amasó una inmensa fortuna gracias a sus negocios con al droga y llegó a ser prácticamente el dueño de Harlem. Dirige el legendario Ridley Scott, que tras sus últimos fiascos firma una gran película. American Gangster es una biografía vista desde la perspectiva de un sueño americano alcanzado mediante el crimen y el delito, en la figura de un ciudadano que en aquel tiempo (años 60) su condición racial no le ayudaba a aspirar a grandes cotas en la sociedad; así, mientras unos afroamericanos habían conseguido que sus derechos se equiparasen a los de la población blanca gracias a la lucha civil y otros habían alcanzado notoriedad social gracias a ser estrellas del espectáculo o el deporte, Lucas optó por una vía también muy habitual en la cultura americana: el crimen organizado.

La película nos propone una lucha dialéctica enfrentando a Frank con el policía Richie Roberts, un oasis de dignidad dentro del asquerosamente corrupto cuerpo de policía de Nueva York. Roberts se verá no pocas veces tentado por entrar en el lucrativo pero sórdido mundo de la mafia policial, pero tras años de lucha interna (consigo mismo y con su condición de policía) y problemas familiares, la investigación a Frank Lucas terminará redescubriendo en el su amor a su profesión y acrecentará su sentido de la justicia, aunque su verdadera aspiración es en realidad convertirse en abogado. Es curioso, pero hasta prácticamente los tres cuartos de hora finales hay dos películas diferentes que cuentan las historias de dos personajes que ni tan siquiera se conocen entre si, a partir de un momento dado, cuando Roberts entra en la investigación a Lucas, entonces ambas historias convergen y entonces vemos mas similitudes entre ambas de lo que parecía al principio: la crónica de un sórdido ascenso que se verá redimido y el relato de la redención de un policía que no quiso ascender mediante el delito y el chantaje.

Pese a su larga duración (más de de dos horas) la película se sigue con apasioando interés gracias al sólido guión de Steve Zaillian. Hay muy buenas escenas dirigidas con oficio y ambición por una mano maestra y en general al recreación del NY de los años 70 esta muy, muy bien conseguida y con todo lujo de detalle, en especial a lo que al mundillo negro del barrio de Harlem se refiere. Las interpretaciones de la pareja protagonista, Denzel Washington y Russel Crowe (en su tercera colaboración con Scott) son perfectamente creíbles y bastante curradas. Básicamente, la peli es una crítica a la hipocresía de la sociedad americana y a su descontrolado culto al éxito y el dinero, con algún momento bastante mordaz. Genial película que no defraudará a los amantes del buen cine

LOS VIDEOCLIPS DE TU VIDA (10). SOUNDGARDEN: BLACK HOLE SUN (1994). EL LADO SURREALISTA DEL GRUNGE

Soundgarden, el tercer grupo en discordia del movimiento Grunge en Seattle en los 90 (los otros dos eran, como todo el mundo sabe, Nirvana y Pearl Jam) firmó en 1994 uno de los videos mas imaginativos y recordados de la década pasada, este Black Hole Sun, perteneciente a su álbum Superunknown, el cuarto trabajo de la banda. Dirigido por Howard Greenhalgh, el video del tercer single de Superunknown, llamó la atención por su elaborada factura de postproducción, repleta de efectos especiales digitales verdaderamente novedosos para la época.

El vídeo es un de un tono marcadamente surrealista y bizarro, una sátira despiadada del American Way of Life, la religión y de la vida familiar americana, utilizando y deformando (nunca mejor dicho) clichés de teleseries yankis y la iconografía propia de los USA de ensueño, mostrando algo así como unos estrafalarios “reversos” del sueño americano, con bastantes detallitos macabros (obsérvese esa Barbie a la parrilla) y catástrofe final. La inspiración es claramente de David Lynch, con elementos de la sátira gráfica. El videoclip recibió numerosos premios y ayudó bastante a popularizar a la banda de Chris Cornell entre audiencias poco habituadas al grunge y al hard rock en general. La verdad es que la factura visual del vídeo, 14 años después, sigue siendo encomiable.

El aparatito de Lumiere - VIAJE A DARJEELING

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Wes Anderson, director independiente de culto en los últimos años por títulos como Academia Rushmore, Life Aquatic o The Royal Tenebaums, presenta su nuevo largometraje, en donde vuelve a reincidir en el humor absurdo e iconoclasta que había caracterizado sus anteriores trabajos. Aunque muchos esperaban algo más de la nueva película del director, lo cierta que esta divertida comedia ácida y “comiquera” en realidad ofrece más de lo mismo. La principal originalidad, eso si, es enmarcar la historia en un exótico y sugerente paisaje como es la India, en donde se moverán en una hilarante road movie tres peculiares hermanos norteamericanos.

Los hermanos Francis (Owen Wilson), Peter (Adrien Brody) y Jack (Jason Swartzman), que llevaban un año sin hablarse desde la muerte de su padre, se reencuentran en la India, el país místico por excelencia, lugar a través del cual deciden hacer un viaje espiritual con el fin de reencontrarse a si miamos y de solucionar todos sus problemas, tanto los personales (que son varios y a cada cual mas estrafalario) y de convivencia entre ellos tres. Pero el destino físico será un convento en donde se encuentra ejerciendo de monja su madre, que abandonó la familia tiempo atrás. En una India a medio camino del realismo y de la exageración turístico-caricaturesca asistimos a las pintorescas desventuras del curioso trío: Un mediocre con ínfulas de líder que en realidad no vale nada (Francis), un hipocondríaco con problemas en su vida conyugal (Peter) y un bajito torpe y enamoradizo con ambiciones intelectuales (Jack). Ciertos exagerados rasgos escenográficos, de vestuario y de atrezzo nos dicen que, efectivamente, estamos ante una sátira, pero por otra parte, hay momentos naturalistas que retratan la realidad social de la India con amargura pero con ternura e instantes dramáticos muy bien suavizados con una inteligente ironía.

Anderson demuestra sabe conjugar magistralmente drama, sarcasmo, ternura y comedia, tanto física como de diálogos, algo que pocas veces se hace bien, pero a al película le falta algo. Sus tres estupendos interpretes llevan todo el peso de al película y sin ellos este Viaje a Darjeeling no sería lo mismo, el efecto road movie es muy gratificante y la manera de retratar la India es, pese a no ser muy profunda, bastante acertada y coherente, pero se hecha en falta mas solidez en el guión y algunos momentos memorables, tanto en lo cómico como en lo dramático. Al final la peli no da lo que promete al principio y es una pena. El recurso de preceder el filme con un cortometraje que n realidad es un prólogo de la historia, Hotel Chevalier, dirigido por Anderson y protagonizado por Jason Swartzman en su papel de Jack y Natalie Portman, es original pero al final toda su significación se pierde en agua de borrajas. Una película divertida, original e interesante que puede que no sea plato para todos los gustos.

REINVENCIÓN Y UNIVERSALIZACIÓN: 10 ÍCONOS DE LA CULTURA POP (1)

Es difícil definir que es esto de la cultura popular o la cultura pop, aunque mas o menos cada conocedor y utilizador del término tenga su idea clara del concepto. Si por cultura popular entendemos todo aquello que, teniendo un origen espontáneo y creado por el pueblo (y practicado masivamente) esta presente en el comportamiento, costumbres, vida, creencias, producción cultural y artística, e instituciones de la colectividad (es decir, en toda manifestación del ser humano), entonces la cultura popular abarcaría muchos campos que normalmente no se consideran generadores de cultura, como podrían ser elementos tan dispares y escasa o nulamente conectados entre si como la decoración casera, los festejos locales, los chistes, las fiestas de disfraces y de máscaras, las reuniones de amigos, los juegos y juguetes de los niños, las leyendas urbanas, el interés por la prensa rosa, etc. Y claro está, se incluirían también las manifestaciones menos “cultas” y teóricamente menos trascendentes de disciplinas y artes como la literatura, la música, las artes plásticas, la arquitectura, el diseño, el cine… En realidad, cada vez que se menciona el término Cultura Popular o Cultura Pop casi siempre se evoca únicamente por parte de periodistas, críticos, analistas o escritores todo lo relacionado con el lado digamos más popular de las disciplinas artísticas y culturales. En ese sentido, la relación de la Cultura Pop con el mundo del espectáculo es total, dada la capacidad del cine, la música o la televisión de generar todo tipo de relatos y constructos que se quedan grabados a fuego en el imaginario colectivo.

Si hay alguna manera por la cual un elemento de la Cultura Pop llega a universalizarse en la vida de las personas (en la cultura occidental, preferentemente), es mediante la imagen. La imagen desde principios del siglo XX ocupa un lugar preeminente en nuestra cultura y servida por vehículos como el cine, los mass media visuales, la fotografía y las artes visuales es el principal objeto de identificación de cualquier cosa o concepto en la vida moderna. La Cultura Pop y la imagen han ido siempre de la mano desde la segunda mitad del siglo pasado. La creación de una serie de iconos que ya son parte de todo el imaginario de la sociedad actual es uno de lo elementos mas apasionantes que nos podemos encontrar dentro del análisis de la Cultura Popular.

El cine, la literatura, la música… han surtido toda una amplia gama de símbolos e imágenes aunque no todos han logrado perdurar en generaciones diferentes. Muchos de los que no lo han hecho, sin embargo, dejaron su impronta como definición y símbolo de una época, y tampoco son escasos los que en un (oportuno) momento dado han resurgido. Muchos se han reinventado y deconstruido para trascender a la disciplina y el ámbito del que surgieron, y otros, por su perfección y genialidad, necesitaron mas bien poco para traspasar las barreras de las disciplinas y los contextos. Hemos seleccionado 10 iconos, 10 imágenes que por su significación en el momento presente o por su vigencia durante bastante tiempo se han convertido en imágenes de una enorme cotidianeidad, logrando estar presentes en los más insospechados y dispares contextos de la vida diaria, requisito indispensable para ser un icono pop. Personajes reales, de ficción, logotipos…Aunque se podían haber escogido muchos otros más, ofrecemos 10 ejemplos más o menos significativos de la universalización de los símbolos de la Cultura Popular.

LA PANTERA ROSA. UN CARTOON NOIR E IN

Vida y milagros

Uno de los mas famosos personajes de animación de todos los tiempos, que jamás estuvo asociado a ninguna de las grandes productoras de animación, aunque alrededor de el se construyó la división de dibujos animados de United Artist, DePatie-Freleng Enterprises. Como todo el mundo sabe, el personaje nació en una película de acción real, La Pantera Rosa (The Pink Panther) (1963) de Blake Edwards, que inició la serie del Inspector Closeau, también conocida como de La Pantera Rosa, ya que casi todos los títulos hacían referencia al concepto, que era en realidad el nombre de un diamante que desaparecía cada dos por tres y cuya búsqueda se encargaba al torpe inspector francés, encarnado por el gran Peter Sellers.

La Pantera Rosa fue creada gráficamente y animada por Fritz Freleng, e hizo su primera aparición en los títulos iniciales de The Pink Panther., que eran enteramente de dibujos animados. Era un animalejo felino humanizado de color rosa chillón, con aires aristocráticos y de ladrón de guante blanco que fumaba en boquilla larga y no se dejaba atrapar por la caricatura del inspector, ante los compases de la famosísima música de Henry Mancini. La pantera repitió aparición animada en los restantes títulos de la serie que incluían el nombre del personaje en el título (a excepción de El nuevo caso del inspector Closeau y El rey del peligro) El éxito de la película y la gracia que hicieron esas secuencias animadas llevaron a United Artists a firmar a Ferlingun contrato indefinido para realizar cortometrajes de dibujos sobre el personaje. La pantera hizo su debut como personaje independiente en 1964 en el corto para cines The Pink Phink, al que seguirán otros muchos durante los 60, tanto para cine como para televisión, los cuales obtendrían un enorme éxito, hasta el punto de que la Pantera pasa a convertirse en uno de los personajes cartoon ams populares del momento. Sus aventuras, siempre con el tema Pink Panther de Henry Manzini, eran casi exclusivamente mudas y se inspiraban en el cine mudo y los dibujos de la Warner. Tenían la peculiaridad de tener un colorido minimalista pero chillón y un humor bastante surrealista, todo ello de clara inspiración sesentera y psicodélica. Su popularidad se ha venido manteniendo con el paso del tiempo y ya es uno de los personajes de dibujos animados mas conocidos de la historia y sus cortos son auténticos prodigios del humor visual. En los 70 tuvo varios shows televisivos. La Pantera Rosa siempre estará ligada de un modo u otro a Blake Edwards (su verdadero creador), la música de Mancini y el Inspector Closeau y su intérprete, Peter Sellers, algunos de cuyos gags en la serie de fims de animación real de La Pantera guardaban similitud con los de los dibujos animados del “felino rosado”

Segunda vida: su currículum icónico

La Pantera Rosa nació en una época, los años 60, en la cual la maquinaria del merchandising, si bien no era tan fuerte como en tiempos posteriores, si que tenía ya peso específico: pronto surgieron cómics, muñecos, juguetes…La Pantera se distinguía de otros personajes de animación de la época en lo pop y psicodélico de sus desventuras y en su diseño entre cool y publicitario. El hecho de estar “apadrinada” por Blake Edwards y Sellers, director y actor que eran de lo mas “in” del momento y todo un referente para la generación “ye-ye” propició que la imagen del felino fuese adoptada de un modo snob por mods, hippies, chicas “birds”…Fue un precedente, con un paco mas de fundamento conceptua,l de la deconstrucción como iconos de personajes de cómic como Snoopy en la década de los 80 (por parte de chicas adolescentes de “o sea, sabes?”) .

No era de extrañar, dadas las circunstancias, que el nombre de “Pink Panther” bautizase durante los 60 y 70 multitud de discotecas, boites y salas de fiesta por todo el planeta (una de las discotecas mas importantes de París lleva ese nombre). Pasados los 60, la Pantera Rosa ha continuado perdurando como sinónimo de elegancia extravagante y es inevitable que la preminencia del color rosa se asocie al personaje. Cualquier producto de color rosa ha requerido muchas veces la presencia publicitaria o como mascota del felino, sin olvidar iniciativas basadas directamente en el personaje, como los cereales Pink Panther Flakes, que se comercializaron en 1973 en USA (y que eran rosas), o sin ir mas lejos, el legendario pastelito de la empresa mexicana Bimbo, que hoy se sigue comercializando en España, La Pantera Rosa, también coloranteado en rosa, y que desde hace 30 años ha protagonizado meriendas y aperitivos de generaciones de españolitos.

Estrechas relaciones

El Inspector Closeau, que con tanto ahínco perseguía el diamante “Pantera Rosa”, también tuvo una versión en dibujos animados, que se emitió en los 70 en el Show de la Pantera Rosa, titulada The Inspector. En general, el personaje del Closeau esta totalmente ligado a la Pantera, aunque jamás ha llegado a los niveles de popularidad ni de icono del “estúpido felino rosado”, tal y como le definía el inspector de cartoons en algunos episodios en los que ambos personajes aparecieron juntos. Y eso que en el mundo del cine hablar dela Pantera Rosa es hablar de Closeau o de Peter Sellers

Legado y significación

Como hemos dicho antes, al pantera Rosa se ah quedado como imagen de la elegancia decadente y extravagante y de la pose aristocrática snob. Pronto pasó la época en la cual el personaje era de lo más cool. Curiosamente, las connotaciones golfas y pícaras del personaje nunca dejarán de evocar al mundo de la noche (sobre todo si se recuerda el nocturno y jazzístico tema de Mancini) y por que no, sus excesos (al propio Sellers el nombre de la película le recordaba a un Bar de alterne). Con todo, hay que reconocer que la popularidad y la presencia del icono de la Pantera Rosa esta remitiendo en los últimos años, siendo muchas veces desconocido por las últimas generaciones, lo que es una pena ya que este personaje es todo un patrimonio del humor y el entretenimiento la cultura occidental.

BARBARELLA. LA REBELIÓN GALÁCTICA DE LA MUJER OBJETO

Vida y milagros

Muchos personajes de cómic han llegado al status de icono pop, pero el caso de Barbarella siempre ha resultado peculiar. Creado en Francia en 1962 por el dibujante Jean Claude Forest, Barbarella fue unos de los primeros cómic eróticos de distribución masiva. Barbarella era unas atractiva joven que vivía en e futuro viajando a través del espacio. Sus aventuras mezclaban pues la ciencia ficción y el erotismo. Siempre con ajustadas mallas o medio en bolas, Barbarella no dudaba en tirarse a media galaxia mientras vivía delirantes y fantasiosas aventuras con robots, científicos locos, criaturas extrañas. La revolución sexual de los 60 y el nuevo papel liberado de la mujer propiciaron la aparición de una serie de esas características, uno de los más claros ejemplos del cómic erótico de todos los tiempos y también una referencia icónica dentro de la ciencia ficción, dado lo original y bizarro de muchas de sus aventuras.

En 1968, Roger Vadim, director de Y Dios creó a la mujer película que lanzó a Brigitte Bardot (y en cuya imagen Forest se inspiró muy posiblemente para crear a su heroína), realizó una adaptación cinematográfica producida por DinoDe Laurentis, en una decisión bastante sorprendente ya que una película de ciencia ficción en aquella época no era muy habitual, con el añadido del atrevido tono erótico. Jane Fonda, casada en aquel entonces con el polémico Vadim, encarnó a la maciza heroína espacial, algo de lo que años más tarde se arrepentiría, dadas las ideas feministas de la actriz y la supuesta condición de mujer objeto del personaje. La película fue un fracaso de crítica y público, pero a partir de finales de los 70 pasa a convertirse en un filme de culto tanto apar los amantes del temprano cine erótico (aunque todo es relativamente Light en la película a ojos actuales) como de la ciencia ficción (aunque sus efectos especiales vistos hoy son de risa)

Segunda vida: su currículum icónico

En realidad, la película Barbarella a la larga ha sido más popular que el cómic original, aunque las historietas siempre han sido objeto de culto entre los amantes del cómic. Barbarella personaje de tinta estaba inspirada en su imagen y comportamiento las jóvenes de moda del momento, haciendo incidencia en una liberación sexual bastante pronunciada en el personaje. No obstante, el filme de Vadim es mucho mas objeto de culto que los cómics en la actualidad: reinterpretado como un monumento a lo kirsch, a al bizarría y a la peculiar concepción de la revolución sexual de los 60, la película pese a sus videntes carencias tiene su estrafalario atractivo. Su imagen, colorista y comiquera, era totalmente pop ypsicodélica. Jane Fonda, enfundada, en aquel minifaldero atuendo, es la imagen oficial de Barbarella y la que ha sido y sigue siendo objeto de veneración por parte de amantes de lo fantástico, frikis de la ficción científica y admiradores de las modas de los 60.

Es muy habitual ver posters o fotografías de Barbarella (en dibujo o encarnada por Fonda) en tiendas o convenciones de cómics, lo mismo que su traje resulta un disfraz mogollón de cuco para lucir las mozas en encuentros y concentraciones frikis. Tampoco es raro ver la imagen de Fonda/Barbarella en postales, carpetas, fotos en bares. Y es que Barbarella filme es sinónimo de Pop; de allí que multitud clubs, bares y discotecas a lo largo de este mundo hayan adoptado el nombre del lúbrico personaje de Forest, por no hablar night clubs, dada la naturaleza totalmente sexuada del personaje, como el célebre Barbarella de Orlando.

Pero si en algún campo de la cultura popular ha influido el personaje ese es el de la música, dada sobre todo la estética de boite sementera del fime de Vadim. El grupo británico Duran Duran es sin duda la influencia más llamativa y conocida del personaje en el campo musical. La banda, creada a finales de los 70, tomó su nombre del personaje del Dr. Durand Durand (quitándole las d finales), uno de los villanos de la película. El grupo también incluyó diálogos de la película en alguno de sus temas en los 80, y en 1997 grabó la canción Electric Barbarella, como homenaje definitivo a la película que les prestó el nombre. Otros grupos como Matmos también toman su nombre de personajes de Barbarella, sin olvidar la inspiración en el personaje de canciones de Prince, Fuzzbocks, The Bongos, Scott Weiland o Jamiroquai o en videoclips de Kylie Minogue. Como nexo común de estos artistas en sus referencias a Barbarella, siempre se trata o bien de enfatizar aspectos eróticos o de idealizar a la mujer sexy, desinhibida y con aptitudes para el baile. También hay que citar fuera del campo de la música a nombres de productos inspirados en conceptos y nombres del cómic.

Estrechas relaciones

La imagen de Barbarella (siempre asociada a Jane Fonda) es un canon de belleza múltiple: puede ser de la mujer de moda de los 60, de la heroína de cómic fantástico o de la joven provocativa y casquivana de vestuario sexy y extravagante. Ha habido muchas heroínas posteriores de cómic fantástico erótico o sexy (Uranella, Vampirella) con parecidos hasta en el nombre, pero ninguna ha resultado tan genuina y encantadora como Barbarella.

Legado y significación

El nombre de Barbarella evoca sexualidad, diversión, erotismo, fantasía, extravagancia. El hecho de ser la primera gran heroína erótica del cómic inspiró a toda una generación que vio en este personaje la perfecta encarnación de la liberación sexual de la mujer. ¿Influencia en el mundo del marketing sexual? Totalmente evidente, desde atrezzos y vestuario hasta juguetes eróticos (aquel Orgasmatrón…). Esa ciencia ficción tan imaginativa y exagerada para la época es un aliciente más del atractivo del personaje. Mucho ejemplar del personal masculino ha fantaseado alguna vez viendo a Barbarella en camareras, gogós, reinas de la noche…my pretty pretty Barbarella

DARTH VADER. LA FASCINACIÓN POR EL SEÑOR OSCURO

Vida y milagros

Uno de los villanos mas carismáticos de la historia del cine y todo un icono del séptimo arte: Sobra cualquier presentación del personaje, el villano de la saga Star Wars, de George Lucas, encarnación del mal, o mejor dicho del peligro de caer en la tentación del mal (el Lado Oscuro de la Fuerza, en la saga galáctica), convirtiendo a una persona bondadosa su monstruosa antítesis. Darth Vader, un lord sith, caballero Jedi abducido por el lado oscuro, en las 3 primeras y genuinas entregas de al serie creada por Lucas se convirtió en uno de los villanos que mas hizo flipar a al chavalería de al época. Con un aspecto robótico, enteramente ataviado de negro, inquietante máscara, casco similar al de los samuráis, larga capa, respiración fuerte y claramente audible y voz cavernosa y metálica, su imagen resultaba imponente. Su espectacular look tenía un lugar preeminente en el cartel de al primera entrega y siguió teniéndolo en las otras dos. Aunque son muchas las imágenes de personajes u otros elementos que se asocian con La Guerra de las Galaxias, Darth Vader tiene un lugar principal en la menoría colectiva cada vez que se cita la saga

En las 3 primeras entregas, se narraba la ascensión como caballero jedi del joven Luke Skywalker, campeón del triunfo de las tropas rebeldes sobre el imperio e hijo de Lord Vader, al que el propio villano le revela dicha condición en El Imperio Contraataca en una antológica escena, y la redención de Darth Vader, otrora Anakin Skywalker, noble y valeroso Jedi seducido por el lado oscuro de la Fuerza. En la segunda y más mediocre terna de episodios precuela, se nos narraba la historia de Anakin antes de convertirse en Darth Vader, por obra del pérfido canciller Palpatine / Darth Sidious. En las tres primeras entregas, Darth Vader fue incorporado por el ex atleta y actor prácticamente de figuración británico David Prowse, aunque la voz fue doblada por James Earl Jones, cuyo profundo timbre de voz ha terminado asociándose al personaje.

Segunda vida: su currículum icónico

Realmente, el diseño de Darte Vader era espectacular y ya tras el estreno de Star Wars (1977), hasta el momento la película mas taquillera de la historia, el público se quedó con el personaje como símbolo de la película, y años después, de toda la saga. El feroz merchandising de la primera película (que no tuvo precedentes en la historia del cine en su momento) se ocupó de difundir la imagen de este moderno caballero negro por todas partes: juguetes, posters, electrodomésticos, anuncios, disfraces, material escolar, camisetas, ropa interior, y así un largo etcétera. Ni el final de al primera saga tras El Retorno del Jedi (1983) remitió el furor de la cultura occidental por Darth Vader, cuya imagen era recurrida en campañas publicitarais, juegos, muñecos…En resumidas cuentas, Darth Vader no tardó en convertirse en un villano mítico no solo de la historia del cine, sino de cualquier manifestación cultural. Ha sido siempre, generación tras generación, uno de los “malos” preferidos por el público infantil.

La prueba de que Darth Vader es un villano perfecta y modelicamente concebido, es que se mire como se mire, es la total encarnación del mal. La maestría de Lucas en plasmar el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal en sus líneas básicas se aprecia en el hecho de que para mucha gente la imagen de Darth Vader y todo lo relacionado el Lado Oscuro de la Fuerza es la mejor expresión del mal en su concepción metafísica. En resumidas cuentas, que Darth Vader no es solo un malvado de leyenda, sino un tipo universal, a la manera de los que creaba Shakespeare. Claro está, que lo básico y elemental de su maldad también se ha prestado a múltiples parodias en el mundo del espectáculo y a no pocas bromas políticas.

Estrechas relaciones

En realidad no hay mucha unanimidad a la hora de decir cual es la imagen que define e identifica a Star Wars. Para muchos son los androides C3PO y R2D2 y para otros Luke Skywalker y su sable de luz. Pero la negra y brillante estampa del siniestro sith parece imponerse si nos atenemos al número de veces que puede encontrase su imagen en cualquier medio.

Legado y significación

El Lado oscuro, el mal, la caída del Jedi, la tentación por el reverso tenebroso, la Fuerza….Conceptos sabiamente manejados en las historias de George Lucas que tienen su encarnación en el personaje. Jamás un personaje de ficción ha suscitado tanta fascinación por el mal entre el público como Darth Vader. Más allá de su privilegiado lugar iconográfico en el mundo del entretenimiento, la identificación del personaje como encarnación absoluta de la maldad y lo oscuro muestra que más que un icono Pop infinitamente reproducido, Darth Vader es toda una leyenda.

SOL ROJO ANTINUCLEAR. DE LA REIVINDICACIÓN A LO POP

Vida y milagros

Este es un caso típico de cómo un logotipo puede llegar a convertirse en todo un icono de la cultura popular. Logos de todo tipo y origen han experimentado este proceso, pero el caso del Sol Rojo es mas llamativo en cuanto se trata de un símbolo de reivindicación, en este caso de la causa ecologista y antinuclear, que en cierto sentido, ha trascendido su propósito original al universalizarse su inconfundible imagen del sol con cara sonriente, mas allá del (también célebre) slogan que se incluía conjunta e inseparablemente en el propio logo: ¿Nucleares? No, gracias.

Este símbolo nació a principios de los 70 en el movimiento antinuclear danés y desde finales de la década se fue difundiendo internacionalmente hasta el punto de que fue adoptado como el símbolo antinuclear internacional. Su presencia fue enorme a principios de los 80 en todo lugar en donde se proyectaba construir o se estaba construyendo una central nuclear (véase, por ejemplo, la central nuclear de Lemoniz). El logo en cuestión es un círculo amarillo en cuyo interior se encuentra un sol rojo con un rudimentario rostro humano feliz. Rodeando al sol aparece escrito el mítico slogan antes citado, en caulquier lengua del planeta. A partir de la segunda mitad de los 80, por saturación o por una menor presencia pública de la lucha antinuclear el sol rojo comenzó a “eclipsarse”, en forma de reducción de sus apariciones en la vida cotidiana. Aunque continua siendo el símbolo antinuclear por excelencia, su presencia en la sociedad ya no es lo que era.

Segunda vida: su currículum icónico

En los 70 la idea de las excelencias del marketing y del merchandising había llegado a amplias capas de al población y no solo al mundo empresarial. Por ello, el movimiento antinuclear en todo el mundo decidió promover su causa difundiendo la imagen del sol rojo por todos los medios: camisetas, bolígrafos, pegatinas, pines, libros, revistas, publicidad, etc. Cualquier zona o región con un conflicto ocasionada por al existencia de una nuclear (o su proyecto) se exponía a que el sol rojo amaneciese en cualquier parte. Ya no valían solo las pintadas, había que modernizarse. Total, que el logotipo del sol antinuclear y su slogan llegaron a principios de los 80 a convertirse en todo un omnipresente icono, así como en un símbolo de rebeldía y de lucha.

Tan obsesiva llegó a ser su presencia, que las parodias o al chanza no tardaron en aparecer en chistes gráficos o pintadas callejeras. Hasta inspiró toda una gama de sloganes y símbolos reivindicativos, algunos tan bizarros como “¿Maricón? Si, gracias” (visto con mis propios ojos). Ya en al segunda mitad de los 80, tras algunos fracaso de la lucha antinuclear, el pobre sol rojo perdió sus “quince minutos” de fama.

Estrechas relaciones

El sol rojo esta prácticamente al mismo nivel de popularidad que el símbolo de al paz o del la lucha por al libertad de expresión en cuanto a símbolos reivindicativos, aunque su vigencia no ha sido tan universal ni tan atemporal.

Legado y significación

Supuso una verdadera novedad la utilización del merchandising para popularizar el movimiento y el logotipo que lo identificaba. Naïf y buenrrollista, el solecito rojo supuso tal innovación que hoy es considerado todo un estándar de la cultura popular, aunque hoy ya sea prácticamente una especie extinguida en cuanto a términos de popularidad. Pese a todo, muchos logos de reivindicación que surgieron después (la o okupa, por ejemplo) beben conceptualmente del emblema antinuclear.

AUDREY HEPBURN. LA IMAGEN ANGÉLICA.

Vida y milagros

Mito hollywoodiense, Audrey Hepburn (1929-1993) pertenece a esa privilegiada lista de personas reales que se han convertido en auténticos iconos. Con una filmografía plagada de grandes películas, (Desayuno con diamantes, Sabrina, My Fair Lady, Charada, Guerra y Paz) a parte de sus indudables cualidades interpretativas y sus inolvidables papeles, lo que siempre perdurará de la Hepbrun en el recuerdo del público es su belleza y elegancia, francamente irrepetibles.

A finales de lso 60, agobiada por sus problemas personales y divorcios, Hepburn se semirretiró actuando solo de manera eventual (Robin y Marian). En 1988 se convirtió en embajadora de buena voluntad de UNICEF, función que siguió desempeñando hasta su muerte por cáncer en 1993. En el recuerdo quedan momentos memorables que esta mujer dio a la historia del cine, como su interpretación de la canción Moonriver de Henry Mancini en Breackfast at Tiffany`s , su genial creación de la florista cokney en My Fair Lady . Siempre susceptible de encabezar una lista de las mujeres más bellas o elegantes de todos los tiempos, Audrey Hepburn es todo un icono atemporal de belleza y glamour.

Segunda vida: su currículum icónico:

La imagen de Hepbrun fue, en su momento de mayor popularidad, los 50 y 60, explotada con la maestría que solo en Hollywood se sabe hacer, noe n vano era uno de los rostros mas bellos del momento. Tras su semirretiro a finales de los 60, su persona y figura cayeron un poco en el olvido, pero en los años 80, las nuevas generaciones de cinéfilos redescubren su mito y sus cualidades: interpretaciones delicadas, sensualidad, inteligencia, múltiples facetas en las que todo lo hacía bien (cantar, presentar actos benéficos) y una irrepetible imagen. No había habido nunca una persona como Autrey Hepburn. Sus películas se convierten en objeto de culto y pronto imágenes suyas aparecen por doquier en anuncios, prensa, revista. Desayuno con diamantes, se convierte en la principal proveedora de imágenes de la actriz para posters, postales, fotos de recuerdo.

Su muerte acrecienta su mito y poco a poco la imagen de la actriz se multiplica en decoración casera, cuadros o retratos en establecimientos hosteleros. Su voz cantando Moonriver es un must en las emisoras de radio de oldies. Y es que la belleza de Audrey fue tan, tan grande que es obligatorio recordarla.

Estrechas relaciones

El canon de belleza que Audrey Hepburn involuntariamente creó, siempre se asocia con mujeres delgadas, delicadas, dulces, elegantes y con gusto en el vestir. Una mujer de estas características no dejará de recordar nunca a la gran actriz, lo mismo que un tipo de mujeres de rasgos dulces y delicados. La prensa se desvive por nombrar entre las actrices actuales la nueva Audrey Hepburn, pero es imposible: solo hubo y habrá una. Aunque Son muchas las actrices que se han convertido en iconos pop, la presencia de Audrey es tan sumamente singular que es inevitable situarla en los primeros lugares de la lista de los símbolos inmortales de la belleza femenina.

Legado y significación:

Poco más se puede decir. En los últimos años, el culto creciente al que su imagen esta siendo sometida corrobora que siempre se echarán de menos los auténticos prototipos.

CONTINUARÁ

El aparatito de Lumiere (programa doble )- DESEO, PELIGRO / EL ESPIA

DESEO, PELIGRO

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El director taiwanés Ang Lee regresa al cine chino después del mayor éxito comercial de su carera, la cinta norteamericana Brokeback Mountain. Lee vuelve pues a sus orígenes, con un drama de intriga coproducción entre China, Hong Kong y USA ambientado en el primer país, casi en su totalidad en la ciudad de Shangai, en los años 30 y 40, época de la guerra entre China y Japón y de la II Guerra Mundial. Wong Chia Chi (Wei Tang), el personaje central, es una joven china que en sus años universitarios se enrola como actriz en un grupo teatral estudiantil compuesto por jóvenes idealistas que rechazan la ocupación que esta sufriendo su país en manos de los japoneses. Kuang Yu Min (Lee-Hong Wang), el líder de la agrupación, es un activista político al que una serie de contactos con la resistencia brindarán a los jóvenes la oportunidad de luchar combatir y de eliminar con sus propias manos a los colaboradotes chinos con los invasores: la estrategia será irse a Shangai y- utilizando su experiencia como actores- hacerse pasar por miembros de la alta sociedad de la ciudad (caracterizada por su tendencia a la traición y a pactar con el enemigo nipón) y su séquito. Wong Chia Chi, una joven inteligente y activa pero sumamente inocente e insegura será el arma principal, al tomar la personalidad de una rica mujer que debe convertirse en la amante de un influyente personaje político de la ciudad (Tony Leung) y uno de los principales objetivos del curioso comando “actoral”.

La película habla de traiciones, falsedades, personalidades múltiples, engaños e hipocresía, tratando de construir el fresco histórico de una oscura etapa en la historia de China, y que precedió a la llegada al poder de los comunistas, con todo lo que ello conllevó para la historia de este país. De todas formas, la película más que por los acontecimientos, se de canta por los personajes, sus sentimientos y sus relaciones, con como elemento central: una joven ingenua metida en un berenjenal que le llevará a consecuencias personales bastante inesperadas, hasta el punto de que su propia personalidad parece zozobrar dramáticamente. El sexo, con unas escenas bastante explícitas, cumple un papel central.

En general, la película navega bien entre el drama, el cine de espías y la crónica intimista, pero sus intenciones parecen poco claras. Aunque hay un importante esfuerzo por retratar el sentir de una época en un lugar determinado y la situación de todas las personas de cualquier condición que allí vivían, su estilo excesivamente teatral en lo escenográfico (no demasiados escenarios de exterior) y lo divagante de cómo se resuelven las situaciones no hacen de este filme una película demasiado emocionante ni estimulante. Pese a todo, hay momentos buen cine servidos con oficio por un director de la talla de Ang Lee, que en esta ocasión ha demostrado su talento a medias.

EL ESPÍA

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Basada en hechos reales, El Espía es un thriller más bien fallido aunque cuenta una historia ciertamente interesante: la de un cargo del FBI, Robert Hanssen (Chris Cooper), al que sus superiores deciden espiarle e investigarle por medio de Eric O´Neill (Ryan Phillipe) un joven aspirante a entrar como agente en el cuerpo federal y cuya tapadera será trabajar como ayudante y secretario de Hanssen. Eric, que de cumplir bien su misión será promocionado a agente del FBI, en un principio tiene que averiguar si su “jefe” es, como se sospecha, un pervertido que frecuenta burdeles y tiene pornografía de todo tipo en su ordenador, pero pronto se encuentra con una persona muy compleja, ultraconservadora y ultracatólica, irascible, mas inteligente de lo que aparenta y que de una manera un tanto extraña acogerá a Eric como su discípulo, tratándole de inculcar a trancas y barrancas sus extravagantes y retrogradas ideas sobre la religión. Pero hay algo más: en realidad, Hanssen, durante la guerra fría estuvo ejerciendo de chivato para la KGB, algo que los mandatarios del FBI tardan en decírselo a Eric O´Neill por seguridad.

La película esta estructurada en la difícil convivencia de los dos agentes del FBI en la mascarada que Eric tiene que interpretar para investigar a su jefe. El exagerado catolicismo de Hanssen, el cual marca toda su vida personal y profesional, aparece como una amenaza para el joven y confuso O´Neill, católico no practicante, ya que ve en el corrupto agente una especie de dios terrible dispuesto a juzgar sus actos. Está muy bien conseguido este juego psicológico del gato y el ratón, gracias a las estupendas interpretaciones de los dos actores principales, pero la película, en cuanto a thriller, no termina de arrancar en ningún momento. Hay mucho dialogo y poca acción física. No obstante, en sus instantes finales, es cuando el filme se vuelve mas interesante, encontrando allí sus mejores momentos. Tal vez la historia real de partida da lo que da cinematográficamente hablando, pero el material daba para algo más que una película mínimamente pasable.