DREAMS

 

** y1/2

Michel Franco se esfuerza por es el más internacional de los directores mexicanos surgidos en este siglo, pero en sus últimas películas, rodadas en inglés y con repartos internacionales, no se le ve tan cómodo y este último filme suyo, Dreams, que trata de ser una denuncia a la política migratoria de EEUU en clave de melodrama psicológico, no termina de ser convincente pese a sus buenas intenciones argumentales y su fuerza dramática servida principalmente por la estrella de la función, Jessica Chastain, que repite con el cineasta tras la interesante Memory. Rondada en USA y en México,la película presenta la relación imposible entre una rica empresaria y filántropa de san Francisco, Jennifer (Chastain) y Fernando (Isaac Rodríguez) un joven bailarín mexicano que vuelve a EEUU ilegalmente tras haber sido deportado años atrás y devuelto a Mexico, reencontrándose con Jessica. Una estadounidense rica y con aspiraciones de un aún mayor ascenso social y un latinoamericano pobre, sin apenas recursos pero que desea triunfar en lo suyo, la danza, buscando también a su manera ascenso social parecen y realmente son dos personas contrapuestas, pero la extraña relación entre ellos, más pasional y sexual que amorosa, parece querer derribar todas las barreras, pero el asunto no llega a ser como parece: Obviamente Jennifer no se encuentra cómoda ayudando y dando cobijo al emigrante ilegal Fernando por todos los problemas que puede causarla y por mantener su estatus dentro de la América del MAGA y ciertos acontecimientos no tardarán en producirse.

Aunque la película plantea bien el dilema moral de un personaje como el de Jennifer dentro de un universo mental bastante caótico en lo que a su relación con Fernando se refiere, y en esto ayuda el estupendo trabajo de una Jessica Chastain que demuestra que sabe hacer suyos los papeles de mujeres desconcertantes y contradictorias, el estilo narrativo es muy poco claro y parsimonioso haciendo imposible que lleguemos a captar el verdadero drama de su protagonistas, en especial el del bailarín, que pase al buen trabajo de Isaac Rodríguez podemos decir que el personaje no se encuntra aprovechado al cien por cien. El drama migratorio en EEUU aparece también de manera muy esquemática pero clara en su denuncia, aunque aquí en realidad importe más el drama personal que una historia con tinte social. Con bastante sexo más o menos explícito y unos momentos finales que parecen querer meterse en el thriller de una manera muy poco convincente, el filme termina siendo en ocasiones una pequeña mezcla no muy bien llevada de géneros. Una ocasión desaprovechada para hacer una buena película sobre un tema candente.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (DISCLOSURE DAY)

 

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De nuevo, expectación ante un filme de Steven Spielberg. El ya casi octogenario director, desde hace tiempo sin nada que demostrar ya, tenía un renovado punto de interés en esta su nueva película, y no era otro que su regreso al cine d extraterrestres, algo que remite irremediablemente a clásicos inmortales suyos como Encuentros en la Tercera Fase (1977) o E.T el Extraterrestre (1982). Es el primer filme el que a priori tiene mayor conexión con Disclosure Day con el tema de los avistamientos de ovnis, el contacto con seres extraterrestres, las maquinaciones gubernamentales por ocultar archivos ovni y un trabajo de documentación real tanto en archivos desclasificados, noticias, testimonios, imágenes y también algunas teorías; pero si en aquella irrepetible ocasión Spielberg salió triunfante y mucho con su grito de “no estamos solos” y su mensaje de concordia y entendimiento (también entre diferentes planetas) en una época en la que estas temáticas y su interés estaban casi en pañales, esta vez en plena era de internet, IA, redes sociales y teorías conspiratorias varias y sobre todo después que haya habido miles y miles de obras similares (en cine, literatura, televisión) en el terreno de la ficción y también en el documental, la cosa se percibe de una manera diferente: menos sorprendente y casi reiterativa en algunos aspectos. Así, este filme solo llega a ser una correcta obra de ciencia ficción -con su mensaje- que se sigue con interés y que atesora algún muy buen momento pero que en general no llega a ser ningún filme memorable ni tan siquiera equiparable en cuanto a calidad a algunos de los últimos Spielberg, como podría ser Los Fabelman, el remake de West Side Story, Los Papeles del Pentágono o El Puente de los Espías. Eso si, se nota la mano m,maestra de un gran director veterano que aún conserva ideas, vigor cinematográfico y sigue siendo un eminente narrador.

El guion que firma el un tanto sobrevalorado David Koepp a partir de un argumento del propio Spielberg, es interesante pero sin verdaderas aristas; en realidad se apuesta más por el thriller y el cine de espionaje que por la ci-fi y esto a veces ayuda al filme a la hora de mantener tensión y pulso narrativo pero otras veces resulta predecible y escaso. No hay nada que reprochar a la puesta en escena -grandiosa en el más puro Spielberg-, a lo bien invertido que está el presupuesto o a los efectos especiales, pero hay una sensación constante de no llegar a cotas más convincentes. Dos personajes centrales, Margaret Fairchild (Emily Blunt) una periodista y mujer del tiempo televisiva que repentinamente obtiene el don de leer el pensamiento, entender cualquier idioma y que sin ser ella consciente transmite un buen día ante las cámaras el mensaje de seres extraterrestres en su extraño idioma y Daniel Kelner (Josh O´Connor) un experto en ciberseguridad que trabaja secretamente para una misteriosa organización que trata de descubrir y rebelar archivos secretos sobre encuentros con alienígenas, son los que levan el peso de una historia en donde hay artefactos extraños que contiene información privilegiada, animales que transmiten habilidades a los humanos, una corporación secreta del gobierno USA poseedora de evidencias de vistas y contactos con seres extraterrestres- y de la que se ha escindido otra rebelde y aún más secreta- y un mensaje de que la humanidad tiene derecho a saber ciertas cosas y que muchos opinan que aún no estamos preparados. Y bueno, además algunas escenas de acción y persecuciones que no aportan nada aunque están muy bien rodadas e incluso remiten al auto homenaje de la serie Indiana Jones. Los momentos finales son tal vez los mas logrados e interesantes del filme y allí si que nos encontramos con aquel espíritu de cine evasión pero con sustancia del Steven Spielberg de los 80, aunque al final al veterano cineasta se le va la mano con sus a veces un tanto edulcorados golpes de efecto.

Disclosure Day no pasará a los anales de las mejores películas de Spielberg, pero es muy grato este regreso del director a una de las temáticas que tan buenos resultados le han dado. Todo lo que ha hecho hasta ahora, tanto como director como productor, algún día se pondrá mas en valor y su kegado se podrá apreciar aún más si cabe.

IVAN & HADOUM

 

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Una más que prometedora ópera prima que muestra como el cine español aún puede deparar pequeñas sorpresas. Ian de la Rosa, realizador andaluz, debuta en el largo con este drama social con algún tinte autobiográfico del propio cineasta que consiguió el Premio especial y la Biznaga de Plata al mejor guion en el Festival de Málaga. Una historia ambientada en la árida Almería y protagonizada por jóvenes trabajadores de un invernadero industrial en donde las aspiraciones de cambio en un entorno modesto y hostil, la lealtad, las relaciones familiares y una historia de amor más o menos difícil que va aglutinando todo el relato, son los elementos esenciales del filme. Si a ello sumamos el insólito trasfondo de la relación entre los dos protagonistas, Iván (Silver Chicón), un muchacho trans, y Hadoum (Herminia Loh), una joven hispano-marroquí, tenemos una historia que a priori resulta muy interesante y de hecho sabe aprovechar todas sus de bazas. Entre Ken Loach y un spagetti western (es que estamos en Almería, claro) con algún elemento, por que no, sheakespeariano - Iván y Hadoum serían unos contemporáneos Romeo y Julieta- el filme sabe ser interesante, conmover y hacer pensar con un muy logrado estilo narrativo, una excelente dirección de (desconocidos) actores, un elaborado estilo realista y casi documental - los diálogos fueron casi improvisados- y una total credibilidad para contar una historia cotidiana pero no exenta de elemento epopéyico, amargo y dramático. Un debut más que interesante el de de la Rosa.

La experiencia del propio director como almeriense, de familia modesta y también persona trans se ha antojado fundamental a la hora de dotar a este film de su impronta naturalista y honesta. Los dilemas de Iván, que de carretillero se convierte por fin en encargado de planta para así obtener más ingresos para su familia - vive junto con su madre viuda, su hermana, y sus sobrinos en una modesta vivienda- al iniciar una relación con la trabajadora Hadoum en un momento en que ella y otras compañeras pueden perder su empleo, empiezan a pesarle decisivamente hasta hacerle reflexionar sobre si realmente se está convirtiendo en la persona que quería ser y que en parte tanto le había costado. La historia amorosa, cargada de sensualidad, exploración de una nueva sexualidad, intensidad y fidelidad – las escenas de amor y de sexo, muy bien rodados, son claves y simbólicas- , también irá moldeando la situación personal de los dos protagonistas en un trasfondo de rechazo e incomprensión desde varias instancias. Hay que mencionar también que los múltiples matices de esta historia no hubiesen sido posible sin la labor de todo el reparto, que rezuma naturalidad y espontaneidad por los cuatro costados, en especial sus dos primerizos actores protagonistas. El nuevo cine español sigue dando buenas noticias.

EL DRAMA (THE DRAMA)

 

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Comedia ácida y algo negra, The Drama trata de ser una película ligeramente diferente con su propuesta aparentemente transgresora pero en realidad sin salirse mucho de las coordenadas de una comedia romántica convencional -incluyendo el protagonismo de dos jóvenes interpretes bien conocidos- y con ello intentando captar el más amplio público posible. Con cierta crítica social y un componente psicológico muy logrado y con una sana e irónica mala uva, todo tocando tangencialmente ciertos aspectos de la vida moderna y de las relaciones de pareja, este filme divierte, a ratos se sigue con mucho interés pero a fin de cuentas tampoco supone ninguna obra maestra ni una pieza demasiado valiente ni atrevida, y es que en realidad no es cine indie, pero intenta parecer serlo. Más bien una comedia de actores, el principal acierto es un reparto eficaz donde brillan una de las actrices del momento, Zedaya, en un papel diferente a lo que ha hecho hasta el momento, un woodyallenesco Robert Pattinson, una muy convincente Alana Haim (la inolvidable coprotagonista de Licorice Pizza) y la revelación de Mamoudou Athie.

Una pareja a punto de casarse -tras mostrarnos la película el momento en que se conocieron y ciertos aspectos de su pasado- se encuentra en una delicada situación cuando un aspecto secreto de la adolescencia de ella, Emma (Zedaya), una joven aparentemente dulce, responsable y culta, sale a la luz ante la incredulidad de su prometido, Charlie (Pattinson) y sus amigos. Es entonces cuando Charlie comienza a ver a Emma con otros ojos sin saber a que carta quedarse y luchando con sus sentimientos , mientras que Emma intenta llevar la situación lo mejor posible hasta el día de la boda, pero ¿será posible que esto se mantenga durante un largo tiempo?. La película atesora buenos diálogos, momentos muy ingeniosos y lúcidos, pero otros instantes se antojan tediosos y rutinarios. Su condición de comedia urbana y de crítica costumbrista, eso si, juegan en favor de este filme y los instantes finales son de lo mejor del metraje. No arriesga como comedia negra ni tampoco mucho como película fuera de lo más estrictamente comercial, pero sin embargo se deja ver y divierte bastante, lo cual es un logro.

REBUILDING

 

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El cine independiente estadounidense sigue encontrando un filón inagotable en la temática llamada Americana, una exploración de la cultura, la historia, el lore y la geografía estadounidense que muchas veces- y sobre todo en el cine- converge con el western y hace inevitable no solo la cita a John Ford sino a John Steinbeck, Walt Withman, Mark Twain, Bob Dylan o Bruce Springsteen. La Norteamérica profunda tiende también a aparecer mostrando el lado oscuro del sueño americano, tal y como ocurre con este magnífico filme dirigido por Max Walker-Silverman, un realizador al que habrá que tener en cuenta, y que recurriendo a los elementos antes citados logra narrar un pequeña epopeya de la clase baja estadounidense en forma de drama trabajado y honesto que convence y conmueve. Un canto a la esperanza, la reinvención, la lucha, los seres queridos, la amistad y las relaciones familiares que triunfa en todos sus propósitos y que deja un más que positivo sabor de boca pese a todos los infortunios que muestra.

Dusty (Josh O´Connor) un vaquero divorciado con un hija pequeña sufre la pérdida de su granja y de su rancho tras un pavoroso incendio forestal que también afecta a otros vecinos. Con una relación difícil con su exmujer Ruby (Meghann Fahy) y dispuesto a reconquistar a su hija, la pequeña Callie-Rose (Lily LaTorre). Dusty trata de superar su extrema situación trasladándose a un asentamiento de caravanas junto con otras personas que han tenido su misma mala suerte. Volver a empezar desde el principio, sin nada, es algo muy amargo pero el protagonista no se rendirá pese a los numeroso obstáculos con que él y su gente se encontrarán. Una historia muy bien contada enaltecida por una brillante fotografía al aire libre con un crepuscular oeste americano en todo su (decadente) esplendor y unos personajes entrañables en sus roles de perdedores con esperanzas. Josh O´Connor, actor británico de moda, esta muy creíble en su rol de norteamericano rural (en VO se nota su enorme esfuerzo en calcar el acento del west americano) y logra una interpretación emocionante y muy matizada, bien secundado por un reparto que hacen suyos sus papeles de hijos olvidados del American Dream, mencionando especialmente a la joven Lily LaTorre), una muestra de la inocencia de la infancia y la esperanza como muro de contención ante las situaciones más negativas y la veterana y últimamente redescubierta Amy Madigan, como la suegra del protagonista, el elemento de serenidad y experiencia que la historia requería. Un filme sensible, grandioso en su sencillez y muy efectivo que entusiasmará tanto a los aficionados al cine clásico como a los degustadores de películas con mensaje.

CORREDORA

 

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Tocando temas duros e incómodos, esta película es consciente de ello y de que tiene algo que contar y lanzar un mensaje y en ese sentido cumple con creces su propósito. Laura García Alonso, joven directora catalana, ha debutado con muy buen tino con este filme que desde el cine deportivo se adentra en drama psicológico en una inmersión muy certera y sincera sobre la salud mental de los deportistas de élite y la fragilidad de estos. La protagonista, Cristina (una excelente Alba Sáez), una chica de 20 años atleta velocista de brillante trayectoria y prometedor futuro llega al brote psicótico a causa de su autoexigencia y de su meticulosidad, hecho que parece en principio cambiar la percepción de si misma y de su carrera deportiva, pero en su propia cabeza las cosas no funcionan de manera tan sencilla y sus propios fantasmas amenazarán con volver a aparecer. Una personalidad muy compleja la de la protagonista, marcada por su deseo de ser siempre la mejor, la difícil relación por diversos motivos con su familia, y posiblemente algún oscuro aspecto que no el espectador no logra saber del todo pero que puede intuirse.

En su vertiente de drama sin concesiones, es muy interesante como se plantea la relación de Cristina con su familia: aunque tanto su padre viudo y casado en segundas nupcias (Alex Brendemühl) como su hermana (Marina Salas) tratan de ayudarla, siempre hay algún impedimento y elemento discordante, causado por Cristina generalmente, que hace que la tarea no sea fácil, con una sensación de impotencia muy bien captada en el filme. El mito de la autosuperación en el deporte aparece en esta historia en su lado más cruel en un filme que casi se acerca al terror psicológico y que diferentes escenas aparentemente catárquicas atenúan en un buen ejercicio narrativo. Muy recomendable para el público joven, de nuevo nos encontramos con un debut honesto y prometedor.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO (NUJUM ALÁMAL W AL’AMAL)

 

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Una muestra de cine hecho en países árabes, concretamente en Líbano, zona en donde con voluntad y talento se esta desarrollando cierta industria cinematográfica que ya ha dado algún título memorable en el los últimos años (Cafarnaum, 2019) y que con este estupendo nuevo filme esta reclamando un sitio en el panorama internacional: un drama con una curiosa historia de amor como telón de fondo, historia esta que transcurre en un largo periodo temporal y que está condicionada por la realidad de Líbano y sus circunstancias bélicas, económicas y sociales, siempre con un tono lírico y simbolista de corte intimista que hace del relato una crónica universal fuera de cualquier coordenado espaciotemporal. Premiada en Venecia con el Premio del público, esta película logra ser un trabajo sólido y muy agradable de ver dirigido con tino por el debutante en el largo Cyril Aris, un cineasta que apunta muchas maneras.

Nino (Hassan Akil) y Yasmina (Mounia Aki) son la pareja protagonista, dos jóvenes representantes del nuevo Líbano, ella una ejecutiva brillante pero al mismo tiempo una mujer sensible y decidida que trata de ascender en un país que también trata de buscar su desarrollo en un contexto hostil, y él un pequeño empresario hostelero que busca salir de la semipobreza pero también un ser ansioso de encontrar la felicidad en algo más que al rutina diaria. Ambos están marcados por sucesos traumáticos de su infancia de alguna manera relacionados con el sino histórico del Líbano y aunque se conocieron de pequeños en su edad escolar y llegaron a compartir curiosos secretos, perideron después el contacto y un hecho fortuito y absurdo provocará su reencuentro y las esperanzas de una vida en común. Con una combinación de momentos delicados, costumbrismo, imágenes poéticas y melodrama, la película logra en todo momento mantener con interés al espectador y hacerle partícipe de una historia que por momentos no parece ser tan feliz como sus protagonistas esperaban, pero que siempre resulta grata. La universalidad del mensaje logra hacer un filme que borra cualquier barrera cultural- aunque las circunstancias actuales de Líbano la han convertido en una sociedad muy occidentalizada, para bien y para mal- y que se alza como un trabajo sugerente y muy recomendable.

LA ISLA DE AMRUM (AMRUM)

 

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Esta sugerente y en muchos momentos fascinante producción germana muestra como el poder de las imágenes puede contar una historia, aunque esta se trate de una crónica de sentimientos y emociones y la percepción de la vida a los ojos de un niño de 12 años. Con un trasfondo histórico tan significativo como es el del fin de la II Guerra Mundial en el contexto espacial del país provocador de le guerra y perdedor de la contienda; Alemania, la historia a priori podía dar mucho de si y efectivamente así ha sido. Basada en la infancia del guionista, cineasta, dramaturgo y actor Hark Bohn, quien falleció a finales de 2025 y al que va dedicado el filme, Amrum es una película que combinando el costumbrismo, la poesía visual, la crónica sociohistórica, el intimismo, el naturalismo y el melodrama consigue ser un trabajo cinematográfico de muchos kilates. Fatih Akin, director alemán de origen turco dirige la película con clase apoyado en una suntuosa fotografía, una puesta en escena calculada y muy meticulosa y un guion honesto y que dice mucho con una historia clara y mínima.

La isla de Amrum, el el archipiélago de las islas de Frisias Orientales, al norte de Alemania, es un escenario gélido, aislado e indómito además de rural, salvaje, primigenio e inocente, un lugar proclive para una historia en donde las fuerzas de la naturaleza campan a sus anchas influyendo a todos los personajes sobre todo en una situación de total cambio e incertidumbre. El pequeño Nanning (Jasper Billerberck, muy meritorio su trabajo) que en 1945 vive los últimos dias de la guerra en la pequeña granja de su madre y su tía junto a sus hermanos menores con un padre ausente que se encuentra en el frente, se encuentra de golpe y porrazo con una situación cambiante en donde conseguir alimentos básicos es una odisea, lel dinero en marcos ya no vale, el hambre y al pobreza acechan a su familia, llegan refugiados polacos a la isla, y muchos vecinos y conocidos, simpatizantes de los nazis, ven cambiar su estatus y su situación de la noche a la mañana: algo incomprensible para un miembro de las Juventudes Hitlerianas como él quien confiaba que su fe en el régimen Nacionalsocialista le iba a ayudar a ser alguien fuerte y poderoso. Nanning no obstante intentará luchar por su familia aunque tenga que rebasar los límites naturales de su isla, un entorno tan aislado del resto del país que hace todo aún más extraño e incompresible para él.

Con abundancia de imágenes de la naturaleza- incluyendo varias escenas con animales- y silencios muy sugerentes, Amrum consigue ser una película muy emotiva sin necesidad de artificiosidad sentimental y una muy convincente crónica sobre la pérdida de la inocencia, todo ello con estilo documentalista, naturalista y antropológico. Muy recomendable sobre todo para espectadores exigentes y degustadores de cine europeo de calidad. 

YO NO MORIRÉ DE AMOR

 

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Una nueva muestra de honestidad cinematográfica y de buen hacer en todos los sentidos, desde la directora debutante, Marta Matute, hasta un reparto que echa el resto y está totalmente metido hasta el fondo y comprometido con trasmitir la gravedad del tema que el filme trata: el drama de convivir con alguien querido - un familiar- con alzhéimer y como esto afecta a todo. Basándose en la propia experiencia de la directora con su medre, el personaje central es Claudia, la menor de las dos hijas, que desde los 18 años a los 23 esta joven, individualista, poco apegada a la vida familiar y un tanto egoísta, va experimentando un cambio en su comportamiento, en su autopercepción y en la visión de todo lo que le rodea, siendo cada vez más consciente del problema de su madre, de su familia y de ella misma. Júlia Mascort hace una desgarrada e intensa interpretación como Claudia, una chica que al principio no se hace querer por el espectador pero que poco o poco mostrará una evolución a la medida de que no solo la enfermedad de su madre se agrava, sino que ella misma a fuerza de sinsabores, compromisos y obligaciones que tiene que adquirir anteponiéndolos a su propios intereses, se convertirá en una persona más madura, siempre con el drama de la nueva convivencia familiar de fondo y el hecho de que als relaciones familiares van cambiando también. Un psicodrama naturalista y verista muy bien ensamblado que anuncia una gran directora y que dentro de su crudeza y dramatismo resulta convincente, poderoso y desgarrador. Como buen filme realista, se juega con la anécdota, las notas al pie de página, las pinceladas cotidianas y personajes secundarios fugaces pero significativos de una manera muy convincente. Su estructura narrativa con varios saltos en el tiempo elípticos que hace dividir el filme en varios actos o segmentos durante los cinco años y medio en los que transcurre la historia es un recurso muy oportuno que otorga ciertos silencios que mostrados de una forma más continuo o explícita hubieran resultado tediosos.

No solo Julia Máscot está de diez, Sonia Almarcha, que da vida a la madre, esta impresionante como una mujer aquejada por al enfermedad con momentos y escenas impresionantes, Laura Weissmahr como la hermana mayor treintañera y más responsable logra un contrapunto perfecto con Máscot y Tomás del Estal como el padre superado totalmente también resulta conmovedor e intenso. Una película sincera, directa y sin cortapisas que muestra que el cine español sigue generando más que prometedores nuevos directores (y directoras) y operas primas que resultan grandes películas.

EL SONIDO DE LA CAÍDA (IN DIE SONNE SCHAUEN)

 

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No resulta excesivamente fácil el visionado de este drama alemán, no ya solo por lo abultado de su metraje, sino por lo muchas veces confuso de su argumento y lo poco explicativas que son algunas situaciones presentadas, aunque su mensaje parece claro: el pasado muchas veces se impregna y afecta a las generaciones sucesivas que van habitando en un mismo espacio físico. Con pinceladas de realismo mágico, formas y fondos bergmanianos y un impacto visual absorbente e hipnótico con ciertas reminiscencias a David Lynch, esta película tal vez precise de una segunda visión para poder captar en plenitud todas sus virtudes, que son muchas, pero que a primera instancia resulta un trabajo un tanto frío pero sin embargo cautivador. El premio del Jurado en el festival de Cannes de 2025 avalan a esta película dirigida con clase y ambición por Marsha Schilinski.

Son cuatro historias las que se nos cuentan- de manera no lineal- en esta cinta, todas con la mirada infantil y adolescente como nexo de unión y el trasfondo de la historia (o mejor dicho, la intrahistoria) de Alemania en el siglo XX y siempre con una vieja casa rural en un paraje campestre en la frontera entre las antiguas RDA y RFA como escenario. Allí, en los comienzos de la Gran Guerra, la pequeña Alma, la menor de varias hermanas y un hermano con una familia marcada por la pobreza, la superstición y obsesionada con evitar que el único hermano varón vaya a la guerra, descubre la relación entre la vida y la muerte llegándose a obsesionar con dicho tema. La historia del tullido Fritz, el hermano de Alma, sigue en la época de la II Guerra Mundial con su sobrina Erika y el descubrimiento de su incipiente sexualidad, mientras que en los años 80 Angelika, sobrina de Erika, también descubre su madurez en un entorno extraño y viciado del cual desea salir para buscar su libertad, hasta llegar a los 2020 en los que la adolescente Lenka y su familia, son los ocupantes de la ya destartalada casa campestre de la familia anterior, la cual pretenden arreglar aunque parece que el edificio de alguna manera esta influyendo en la sensible muchacha.

Los recuerdos, los fantasmas del pasado y todos los momentos que reviven- en esta historia casi todos desagradables- es algo de lo que se ocupa este filme de una manera un tanto gélida y con una estilización un tanto onírica e inquietante que puede que no sea del gusto de todo el público. Casi utilizando recursos de cine de terror (atmósfera perturbadora, juegos de efectos de sonido) la película sin embargo sabe moderar el drama y atesora varios momentos muy valiosos mientras que en otros se hace tediosa y, por que no, algo pretenciosa. No obstante, resulta un filme interesante y original cuya premisa por increíble que parezca muchas veces es cierta.

MICHAEL

 

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Era evidente que algún día tenía que hacerse y se hizo: la biografía cinematográfica de Michael Jackson. El denominado Rey del Pop (1958-2009) fue un figura clave en la historia de la música popular y su repercusión también desde el plano sociológico, cultural y dentro de la industria del entretenimiento mundial fue enorme, pero también es cierto que su peculiar personalidad y sus extravagancias -muy acentuadas desde mediados de los 80 una vez alcanzó el cenit de su fama- le convirtieron en un personaje muy polémico, algo que se acentúo desde la década de los 90 con las acusaciones vertidas hacia su persona. Una biografía audiovisual con pretensiones de definitiva sobre Michael Jackson- tal y como se presenta este esforzado y muy interesante filme que pese a todo no convencerá a todo el mundo- estaba claro que iba a pasar por alto los aspectos mas oscuros sobre el personaje y así ha sido, gracias al hecho de que este biopic llega solamente hasta 1988, pero no sería justo desdeñar por ello el hecho de que este filme consigue lo que se propone: ser un homenaje a Michael Jackson, a su música y a su legado captando claves de su extraña y compleja personalidad, sus tormentosas relaciones familiares -familia y trabajo-negocio fueron lo mismo para los Jackson- y su manera de vivir el éxito. Dirigida de manera efectiva por un fan confeso como Antoine Fuqua, muchas veces parece que la abundancia de canciones y recreaciones de actuaciones resten ritmo al filme, pero los momentos narrativos propiamente dichos están muy buen dispuestos pese a que la acción cronológicamente avanza demasiado rápido. Eso si, se echan en falta momentos ilustrativos de la historia de Michael y de la familia Jackson y la ausencia de tres de sus ocho hermanos - totalmente ignorados en el guion- así como un enfoque más crítico que al parecer llegó a plantearse en este filme, aun así el resultado es satisfactorio aunque, claro está, los fans de Jackson disfrutarán los que más con esta película.

El hecho de que varios de los Jackson estén involucrados en este proyecto -como ya lo estuvieron es una miniserie biográfica sobre la familia en los años 90- añade al resultado una cierta honestidad que tampoco debería ignorarse, pero si de colaboración familiar hablamos la más notable en este filme este filme es indudablemente la de su actor protagonista, sobrino del propio Jackson, Jaffar Jackson: el hijo de Jermaine se sumerge en la personalidad de su tio, en su voz (recomendable ver en VO para apreciar como Jaffar imita a la perfección el peculiar timbre de Michael), sus gestos, su forma de bailar, e incluso los diferentes aspectos de una personalidad perfeccionista, inmadura, excéntrica y hasta cierto punto imprevisible. Y por si fuera poco en casi toda la película está prácticamente clavado. También es digna de mención la interpretación del pequeño Juliano Krue Valdi como Michael niño y el excelente papel de Colman Domingo como el patriarca y primer manager de Jackson 5 Joseph Jackson, mostrando la personalidad egocéntrica, ambiciosa y déspota con la que este hombre pasó a la historia: su relación con sus hijos y sobre todo con el benjamín Michael aparece muy bien reflejada en esta película explicando muchos porque de las peculiaridades del cantante. Nia Long como la madre Katherine Jackson también aporta lo suyo pero su personaje podría tener más peso específico en esta película, como también el resto de hermanos de Jackson.

Muy buenas recreaciones de las diferentes épocas- años 60, 70,80- y de diferentes actuaciones, videoclips y conciertos ( en especial los de 1984 y 1988) para un bonito y vistoso espectáculo cinematográfico y musical que puede que no lo cuente todo pro que termina siendo una película atractiva y vitalizante.

INCONTROLABLE (I SWEAR)

 

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La historial real que se narra en este filme británico resulta tan cautivadora como sorprendente para muchos por lo relativamente poco conocido de su temática. Se nos cuenta la historia real de John Davidson (1971) un británico que se convirtió en celebridad por su activismo para visibilizar el síndrome de Tourette, una rara enfermedad neurológica que provoca severos tics y movimientos compulsivos y tics verbales y vocales que incluyen tacos e insultos involuntarios, mal que él mismo padeció y que lógicamente condicionó su adolescencia y juventud. Su historia de superación es bastante conocida en el Reino Unido - como él, que ya a los 17 años fue objeto del documental John´s Not Mad (1989)- y esta película, honesta y excelentemente narrada- le hace justicia. Con retazos de cine social british - incluyendo pequeña sombra de Ken Loach- y un optimista planteamiento que juega con la Feel Good movie, el melodrama y la comedia (en este caso involuntaria y servida por las consecuencias del síndrome que parece el protagonista), I Swear es una película amable, didáctica, emotiva y hecha con buen cine, muy bien dirigida por Kirk Jones y excelentemente interpretada por Robert Aramayo -premiado con el BAFTA a mejor actor 2026- un formidable actor llamado a darnos en el futuro muy buenos momentos interpretativos que se preparó el papel conviviendo con el auténtico Davidson durante unos meses: su interpretación es memorable y elaboradísima tratando de reflejar con total fidelidad los síntomas del Tourette hasta el punto de que realmente se piense que estamos ante una persona con dicha enfermedad. Por supuesto, también resulta excepcional el trabajo del actor que interpreta a John en su adolescencia, Scott Ellis Watson, una revelación.

La historia de este joven escocés, pese a que posee algunos momentos no muy agradables principalmente por sus problemas familiares- su familia se rompió a consecuencia de su enfermedad- por su sensación de desdicha una vez aparecieron los primeros síntomas a los 13 años y por cuando ya veinteañero le costó encontrar un hueco en la sociedad y conseguir un trabajo, resulta como hemos dicho muy reconfortante y esperanzadora conforme las situaciones se suceden y cambian y el propio John evoluciona y asume que su mal no puede suponerle ninguna barrera y puede conseguir lo que quiere pese a que siempre sus movimientos compulsivos, sus repentinos gritos, insultos y tacos en el momento más inoportuno o su tendencia a escupir al comer a primera vista resultan para todos algo improcedente y desagradable. La aparición en la vida de John Davidson de los Achenbach, la familia de su amigo Murray, será clave para su situación y su felicidad, encontrando en ellos una verdadera familia y en la matriarca, Dottie (una genial Maxine Peake) una verdadera madre. Momentos emotivos e intimistas conviven con pasajes más o menos graciosos (y entrañables) que hacen del visionado del filme una delicia. No debe pasar desapercibida esta película por la cartelera.

CALLE MÁLAGA

 

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Carmen Maura es esta película. Si que es cierto que este filme, una coproducción entre Marruecos, España, Francia, Alemania y Bélgica rodada en Tánger en español, parte de la historia familiar de la directora, la marroquí Maryam Touzani (El caftán azul, 2022), cuya abuela española llegó al protectorado español de Tánger al igual que muchos otros íberos en el siglo XX. pero María Ángeles, la protagonista, encarna en realidad a otra generación de españoles y españolas que nació allí y que sienten que en ese lugar están sus raíces en un entorno en donde la cultura magrebí y la europea conviven. Y desde luego que Maura a sus 80 años está soberbia en esta cinta, mostrando que aquel carisma que conquistó al público en la década de los 80 no se ha perdido un ápice porque esta actriz es sencillamente una intérprete irrepetible, con personalidad y con un encanto que ahora en la tercera edad se resiste a abandonarla. En este drama con ribetes de comedia, curioso en su emotividad y su costumbrismo- esto ultimo le conecta con muchos trabajos que la actriz ha realizado en el pasado- Carmen Maura nada como pez en el agua en un relato en realidad universal que nos habla del envejecimiento, de los conflictos generacionales, de la nostalgia, del sentimiento de pertenencia, del amor a edades avanzadas y de la lucha por las cosas que se aman, todo contado de manera tierna y sencilla pero al final con grndes resultados.

Marta Etura, otro de los pocos rostros españoles dentro de un reparto mayormente marroquí, da vida a Clara, la hija de María Ángeles, que residente en Madrid y recien divorciada visita a su madre viuda y le comunica que quiere vender el piso de Tánger en la calle Málaga para paliar su apurada situación actual, algo a lo que la mujer al principio se opone con rotundidad aunque posteriormente parece ceder, pero eso será un estratagema ya que María Ángeles no esta dispuesta a perder el hogar donde nació y todos sus recuerdos. Una lucha incansable la de esta mujer que le llevará a ingeniosos planes en los que hallará la complicidad de sus vecinos de la calle y también inesperadamente de Abslam (Ahmed Boulane), un anticuario que dará un nuevo sentido a su vida. Entre el melodrama y la feel good movie, Calle Málaga consigue ser una película muy sólida y agradable, y gran parte de culpa la tiene la actuación de Carmen Maura. Porque -como ella decía hace más de cuatro décadas- Carmen, tú vales mucho.

PROYECTO SALVACIÓN (PROJECT HAIL MARY)

 

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Desde hace tiempo la ciencia ficción cinematográfica ya no tiene el encanto que tuvo, pongamos, hasta finales de los 90. Sobra decir que con la proliferación y perfeccionamiento de los efectos especiales (ya con el uso de la tecnología electrónica) ya poco o nada nos sorprende en cuento a imágenes, construcción de escenas, escenarios y todo tipo de efectos. Esto es lo que ocurre con esta space opera basada en una novela de Andy Weir, un filme de anticipación catastrófica con amenaza a la tierra y su posterior salvación, tal y como indica el título en castellano, cuya larga duración (156 minutos) juega en su contra, teniendo además un estilo narrativo reiterativo y poco sorprendente para un filme de este tipo. Un profesor de ciencias de secundaria, Ryland Grace (Ryan Gosling), se despierta en una nave tras un periodo de hibernación de once años sin recordar nada, pero pronto será consciente de la misión que le encomendaron una década atrás: usar sus conocimientos para evitar la extinción del sol debido a una misteriosa sustancia interplanetaria que se detectó. Una vez más la manida premisa de “salvara la tierra” aunque como novedad aquí por lo menos no hay escenas grandilocuentes o momentos de épica barata y si un cierto componente de comedia-drama que atraviesa toda la historia -con un Gosling omnipresente y también en los flashbacks en la tierra con otros actores- pero también una dificultad más que evidente para mantener el interés de la historia que en no pocas ocasiones se hace poco atrayente.

Los primeros compases del filme comienzan bien y prometen una historia intimista y potente con un protagonista con todas las características de admirable antihéroe, pero la aparición de el coprotagonista del filme, un aliénigena inteligente con aspecto de araña pétrea que también busca la salvación de su planeta a bordo de su nave, convierta a la historia en una insulsa buddy movie con dudoso pulso comediático. No obstante sería injusto no tener en cuenta lo bien que están conseguidos los escenarios de las naves y lo más que correcto que funcionan las escenas de los flashbacks donde descubrimos todas las circunstancias que llevaron a Grace a su misión, así como la utilización de una sorprendente banda sonora donde nos podemos encontrar desde Miriam Makeba a Violeta Parra cantada por Mercedes Sosa o Neil Diamond. La ciencia ficción en el cine tal vez debe replantearse porque lo cierto es que ya parece que hay poco que contar o mejor dicho, se quiere contar casi siempre los mismo

AMARGA NAVIDAD

 

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Puede que esta nueva película de Almodóvar no aporte mucho, ni temática, ni estilística ni cinematográficamente a su dilatada filmografía, pero por lo menos hace constatar que el veterano cineasta manchego ha evolucionado y se ha adaptado bastante bien a los requerimientos del cine y la narrativa en la época actual, aunque esto no sea suficiente para filmar una gran película, como es en el caso que nos ocupa. Como ya hizo en Dolor y Gloria (2021) el director nos presenta un alter ego como protagonista o en este caso mejor dicho eje catalizador, aunque este personaje interpretado por un entonado Leonardo Sbaraglia esté a años luz en todos los sentidos del que encarnase Antonio Banderas incluida su conexión con el propio Pedro Almodóvar: aquí Raúl Durán además de ser un cineasta bastante más joven que el de Calzada de Calatrava es el narrador de una historia dentro de otra historia y ese es su rol principal, dejando el verdadero protagonismo a su creación en el guion que él escribe y que nosotros vemos hecho ya película, la también directora de cine Elsa (Barbara Lennie) cuya historia, paralela a la de Raúl,de alguna manera converge en la historia y circunstancias de Raúl y en la de las personas que le rodean. Esta estrategia narrativa, nada novedosa en realidad tanto en el cine como en otros medios pero grata y siempre interesante, discurre de manera correcta en este filme pero sin ninguna sorpresa ni situación de relieve; podía esperarse más pero es que desde hace tiempo Almodóvar ya no sorprende tanto. Ha conseguido un melodrama sutil y con buenos momentos pero incluso por debajo de sus últimos filmes, lo cual no quita que sea un filme interesante aunque no provoque entusiasmo.

El recurso semiautobiográfico, esta vez de carácter autorreflexivo sobre el paso del tiempo y la dificultad por mantener las relaciones humanas en su estado óptimo (amor, amistad) no se encuentra tan bien desarrollado como en Dolor y Gloria y da la sensación de que todo está demasiado apresurado mientras que la relación y la combinación entre entre las dos historias funciona de manera más bien previsible. Las secuencias de la historia de Elsa atesoran eso si los mejores momentos del filme con una Barbara Lennie que encarna a una mujer ansiosa por salir de la mediocridad profesional y convertirse en una gran cineasta mientras todas las personas de su alrededor inmediato- su pareja Bonifacio (Patrick Criado), sus amigas Patricia (Vicky Luengo) y Natalia (Milena Smit)- caen en crisis por una u otra razón al tiempo que la propia Elsa también entra en caída. Barbara Lennie está muy bien en este filme en donde como suele ser habitual en el cine de Almodóvar las interpretaciones son de kilates y suyo es el mejor trabajo en la cinta junto con el de Aitana Sanchez Gijón como Mónica, amiga y asistente personal de Raúl: no tiene muchos minutos en este filme pero están muy bien aprovechados como un personaje nexo de unión entre la ficción inventada por el personaje de Sbaraglia y la realidad. Pedro Almodóvar va a cumplir 76 años y poco más se le puede exigir ya. Está sabiendo madurar dignamente y esto muy pocos cineastas o creadores pueden decir, por lo que pese a no ser ninguna obra redonda esta película tiene su valor.

LA HIJA PEQUEÑA (LE PETIT DEMIÈRE)

 

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Nadia Melliti, actriz francesa de origen argelino de 24 años ganó el premio a la mejor actriz en el último Festival de Cannes por su papel de una joven francesa musulmana que se debate ente la fidelidad a su religión y las imposiciones de esta para vivir su vida y su sexualidad en esta hábil e inteligente película que bebe del naturalismo urbano más descarnado y el retrato de la realidad adolescente (femenina) para trazar un fresco psicológico intenso y dramático. Con el trasfondo de la multiculturalidad y la multirreligiosidad actual europea y una voluntad por tratar el asunto LGTBI de una manera clara y directa pero no necesariamente militante, el filme sin contar mucho y siempre centrándose en su protagonista, Fátima, y su drama interno, resulta un película honesta y cruda que aunque su explícito tratamiento de la sexualidad pueda resultar para muchos algo indigesto termina siendo un filme convincente aunque sin demasiados alardes. Nadia Melliti esta sensacional en un papel difícil y requerido de enorme entrega revelándose como una actriz a tener muy en cuenta.

La película está basada en la novela biográfica de Fatima Daas con lo que es imaginable la honestidad de la historia, un relato en donde vemos durante el periodo de un año como la adolescente de origen argelino Fatima, la menor de tres hermanas de una familia cuyas padres llegaron a Europa para hallar una mejor vida para sus hijas, descubre su condición de lesbiana en su último curso de Bachillerato mientras empieza a encarar las supuestas responsabilidades de la vida adulta y universitaria, conoce a nuevos amigos, se enamora de varias chicas, descubre el sexo, y se encuentra con el lado lúdico de los primeros años universitarios y con la dimensión más desmadrada de la cultura queer. Pero su condición de mujer musulmana – aunque la muchacha se muestre bastante occidentalizada- chocará con su estilo de vida y el sufrimiento interno será cada vez más grande. Aunque la temática religiosa no aparezca con preponderancia en este filme esta claro que es el aspecto que mueve la historia, pero no el único: las dudas de una postadolescente que descubre un mundo nuevo y aún no tiene muy clarificados sus sentimientos influyen poderosamente en el elemento psicológico de la historia, que es en realidad lo más poderoso y atrayente del filme y que se logra básicamente por el espléndido trabajo de Melliti. Con una interpretación pasable o mediocre esta película hubiese sido bien distinta. Hafsia Herzi, la joven directora - actriz metida a realizadora con este su tercer filme- demuestra ganas por contar una buena historia aunque a veces el ritmo narrativo y todas las derivaciones que se establecen en la historia así como un exceso de personajes no muy desarrollados y otros prescindibles impiden que esta sea una película más redonda. Con todo, una película a tener en cuenta.

HOPPERS

 

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A estas alturas huelga decir que todos los años Pixar cumple con su cita de estrenos (a veces dos pelis en un año) y es quien estructura -ya bien sea desde el prisma de Hollywood o incluso internacionalmente- la oferta de cine de animación, cometido que en realidad quien lo cumple es su compañía madre, Disney, ya que esta sin la colaboración de la empresa fundada a finales de los 80 por John Lasseter sigue lanzando sus filmes, ya la mayoría también con animación por ordenador. Es por ello que en la ya extensísima filmografía de Pixar además de obras maestras y filmes que ya son clásicos de la animación se pueden encontrar filmes meramente pasables e incluso algunos mediocres, pero el gran mérito es que siempre el nivel es alto, aunque la calidad -y por que no decirlo, la repercusión comercial- haya bajado algo en los últimos años. Hoppers, su último trabajo, no es una película memorable pero es una buena película y demuestra el oficio y la profesionalidad de los responsables de la productora aunque su modus operandi sea básicamente aplicar casi la misma fórmula a sus historias, pero bueno, estamos hablando de cine dirigido al público infantil. En esta ocasión nos encontramos con una historia con mensaje medioambiental y de convivencia contada con animales entre su condición real y antropomorfizada bajo una premisa de ficción científica desatada. Una localidad norteamericana con un humedal- ecosistema en donde habitan diferentes especies animales (sobre todo castores) es el escenario principal, un plan para destruir dicho ecosistema por el candidato a alcalde sin escrúpulos de turno es el McGuffin, y una joven de 19 años que ha transferido su mente a un castor robot gracias a un sofisticado sistema tecnológico ideado por la universidad de la ficticia ciudad de Villacastor, es la protagonista. La historia, bonita, con cierto encanto pero sin mucha originalidad, se deja ver y hace de la película un producto bastante aceptable, que gustará a los más pequeños e interesará a los mayores.

La protagonista, Mabel, una universitaria de 19 años, cumple su función- crucial en un filme de este tipo- de ser un personaje con personalidad y carismático y por cierto algo alejado de los modelos más manidos de los protagonistas -masculinos o femeninos- del cine animado. Una activista ecologista, enfrentada con un alcaldable villano de opereta, cuyo amor por los animales de su entorno la lleva a literalmente infiltrarse en sus vidas gracias fingiendo ser una castora que debe de convencer a los castores del lugar para que vuelvan a habitar el lago del bosque local e impedir así que se construya una autovía en dicho entorno natural. La premisa ci-fi, inspirada en claramente en Avatar, lógicamente funciona de manera paródica en una historia comediática y llena de humor exagerado con sus consabidas dosis de ternura, acción y algún momento muy conseguido. Desde el punto de vista técnico, la cinta se queda en un estado más bien discreto pero con bastantes logros sobre todo en el diseño de los paisajes y la espectacularidad de algunas secuencias sobre todo a partir de la segunda mitad del filme. Muy conseguida la interacción y la comunicación entre los personajes humanos y los animales a base de un curios recurso en la imagen y la caracterización de estos y muy oportuno y conveniente el mensaje de entendimiento y de convivencia entre especies y entre diferentes. Pixar cumple de nuevo cen un director que se estrena en esta función en la compañía, Daniel Chong, y se seguirá esperando como casi siempre un nuevo conejo que salga de su chistera, aunque como se dice muchas veces, sea siempre el mismo conejo. Pero bienvenidos sean sus filmes.

HASTA LA MONTAÑA (BERGERS)

 

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Esta agradable y visualmente atractiva producción canadiense tiene muy buenas intenciones y en bastantes momentos funciona correctamente, pero no consigue despegar ni llega a ser una película memorable durante todo su metraje. Su carácter de fábula contemporánea en donde jóvenes de ciudad con aparentemente la vida resuelta y profesiones más o menos exitosas van a vivir del pastoreo en plena montaña con la oportuna crítica social a los parámetros de la vida actual y la exposición de como las contradicciones de esta afectan a lo que debía ser una actividad y vida idílica es lo más atractivo de esta historia, en donde tampoco tampoco falta la nuestra de larealidad de una vida -la campestre- en realidad muy dura y llena de dificultades. Rodada en francés (es un filme de Quebec) en paisajes de los Alpes franceses, Bergers es una película que entretiene y se deja ver pero que con un guión muy mínimo no consigue emocionar, y eso que sus intérpretes se esfuerzan y su fotografía resulta sugerente y a veces grandiosa en sus paisajes montañosos naturales.

Un joven publicista de Montreal llamado Mathyas (Felix-Antoine Duval) deja atrás todo y viaja hasta la Provenza francesa para dedicarse al pastoreo de ovejas en plena montaña, sin tener ninguna experiencia en el asunto. Al principio todo es muy difícil -especialmente su inicial situación de soledad- pero pronto irá cogiendo experiencia aunque los problemas seguirán surgiendo por doquier. Su amiga Élise (Soléne Rigot), una funcionaria desencantada, terminará acompañándole en su aventura compartiendo dificultades, esperanzas y relación sentimental. El sabor de boca que deja esta película es grato, pero sin estridencias. El hecho de que se trata de la propia historia real de Mathyas Lefeubre, quien basándose en su propia novela autobiográfica ha coescrito el guión junto con la directora Sophie Deraspe, ha de tenerse muy en cuenta: que haya personas con una historia así es digno de elogio, y si lo cuentan, más todavía.

LOS MISERABLES. EL ORIGEN (JEAN VALJEAN)

 

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La inmortal novela de Victor Hugo, Los Miserables (1862) esta metida hasta el tuétano en la cultura francesa, es habitual que de vez en cuando se revise allí en cualquier medio este clásico literario del romanticismo teñido de realismo (significativa mixtura para la época en la que las dos grandes tradiciones culturales decimonónicas se fusionaron) Las adaptaciones cinematográficas, televisivas y teatrales de la extensa novela han sido numerosas y no solo desde Francia- lo del musical ha terminado desvirtuando algo la significación de la historia- y en esta ocasión se ha querido hacer algo un tanto diferente, a priori poco fértil más que arriesgado, pero que ha terminado siendo una propuesta fundamentada y con sustancia: contar de manera expandida los primeros capítulos de Los Miserables centrándose en la caída y primer intento de ascensión de su protagonista, Jean Valjean, presentado aquí de una insólita manera como un antihéroe con pocos principios pero con sus primeros conatos de ascenso moral gracias a su relación con el bondadoso (y astuto) obispo Myriel: Es decir, un estudio psicológico del joven Valjean que resulta muy entonado y sugerente en un filme que apuesta por la parquedad de diálogos, la fuerza de las imágenes, un look de periodo intencionadamente tosco y naturalista y un cierto aire de clásico europeo de arte y ensayo de antaño con ecos de Pasolini o Buñuel.

El director Eric Besnard hace un trabajo muy digno que no traiciona el espíritu de la novela de Victor Hugo pese a el tono aparentemente poco amable de una historia donde Valjean es más amoral y canalla que nunca. En donde los trabajos forzados del campesino y los otros convictos son representados tal vez de la manera más cruda y salvaje que hemos visto en cualquier adaptación de los Miserables, y en donde los personajes secundarios como el obispo, su hermana y su ama de llaves aparecen expuestos de una manera muy poco agradable, siendo el personaje del clérigo la clave en esta historia como guía moral del protagonista proponiéndole retos intencionados para su evolución de exreo forzado a un ser mínimamente respetable. Puede que toda esa intencionalidad introspectiva y su ambientación minimalista -en donde los paisajes campestres y naturales cumplen un papel fundamental- no resulten del gusto de un público amplio y que su cierto embarullameinto narrativo alargándolo todo hasta la exasperación reste muchos enteros al filme, pero este ha sido un experimento que aunque con algunos fallos ha salido bien y es de agradecer. Las interpretaciones de Grégory Gadebois (Jean Valjean) y Bernard Campan (el obispo) son muy buenas y se adueñan del filme. Otra forma de releer un clásico inmortal aunque sin muchos alardes.

EL AGENTE SECRETO (O AGENTE SECRETO)

 

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El cine latinoamericano nos ha ofrecido a lo largo de la historia magistrales filmes, muchos de ellos identificados con el realismo más curdo y/o, la historia inmediata de los países del subcontinente y en estas coordenadas se mueve esta magistral película, un drama histórico brasileño que partiendo de la denuncia traza una crónica psicológica de la incertidumbre y del miedo del amenazado que resulta un tour de force emocional de primer orden en una relato muy bien contado. La larga dictadura militar que vivió el país carioca entre 1964 y 1985 influyó decisivamente en la consciencia colectiva brasileña y eso es básicamente lo que nos cuenta el director y guionista Kleber Mendoça Filho, quien resultó galardonado en Cannes 2025 como mejor director mientras que el intérprete Wagner Moura consiguió el galardón a mejor actor, ambos muy merecidos: una historia que tocando diferentes géneros (westerm comedia, thriller, fantasía serie B), con una finalidad principalmente de homenaje cinéfilo y en muchos casos sin ser tomada demasiado en serio, resulta emocionante y conmovedora. Un guión muy bien compuesto consigue elevar este filme a cotas muy altas, arropado también por interpretaciones creíbles, naturalistas y bien trazadas.

1977 es el año en el que transcurre la historia, donde un joven profesor universitario, Marcelo, huye a la ciudad de Recife para establecerse en una comunidad que ayuda a perseguidos y refugiados, ejerciendo en su nueva localidad un trabajo funcionarial. Marcelo huye de unos sicarios contratados por un empresario vendido al gobierno dictatorial que ven en él una amenaza a sus intereses económicos (el mundo universitario y sus investigaciones estaba pésimamente visto en el Brasil de los 70) y tiene que huir también del recuerdos de su esposa fallecida y de su hijo pequeño al que apenas puede verle. Un entorno inquietante, salvaje, sin leyes y lleno de odio en el que la tragedia política se alió con una policía corrupta y asesina al servicio del poder, empresarios dispuestos a todo, asesinos a sueldo que imponen su ley favorecidos por el clima de ocio y destrucción, desaparecidos, represaliados...un entorno que la película sabe captar de una manera magistral echando mano de diversas yuxtaposiciones entre esos temas y con la curiosa hibridación de géneros antes descrita (es muy significativo el homenaje que se hace a Tiburón de Spielberg, en realidad una metáfora y todo lo concerniente a la pierna humana hallada en la boca de un escualo al principio del filme, un símbolo que tiene su bizarro momento en la historia), además de una perfecta ambientación en la década de los 70. Siendo esta además una coproducción con diferentes países europeos (Francia, Alemania, Países Bajos) es inevitable cierto tono del viejo continente además de ciertos ropajes hollywoodienses. Una película muy sólida e inteligente que muestra en lo que se puede convertir la vida diaria de una persona viviendo en una dictadura y sin hacer apenas referencias políticas. Emocionante, sensible y conmovedora pero cruel y dura al mismo tiempo, El Agente Secreto triunfa en su propósito y avanza firmemente en su carrera a conseguir el Oscar a la mejor película internacional. Como dato curioso, esta es la última película del gran Udo Kier, fallecido en noviembre de 2025, quien interpreta a un viejo nazi refugiado en Brasil. Un filme que debe verse

NO HAY OTRA OPCIÓN (어쩔수가없다)

 

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La sombra de un filme tan redondo e internacionalmente exitoso como fue la surcoreana Parásitos (2019) se percibe en cierto modo en esta película compatriota de aquella, así como ciertas premisas de series televisivas de Corea del Sur como El Juego del Calamar: humor negro, planteamientos extremos, anti héroes, cierto tremendismo salido de madre. No obstante, esta película de uno de los mejores y más internacionales realizadores coreanos del momento, Chan-wook Park (Stoker, Decision to Leave), aunque interesante resulta irregular, larga y con elementos sobrantes y en ese sentido se encuentra a bastante distancia de Parásitos. Una vez más el cine occidental (y más concretamente el independiente norteamericano) parece ser la guía en este filme de hecho basado en una novela de Donald Westlake, The Ax, que Costa Gavras ya llevó a las pantallas en 2005 y cuyo principal atractivo sea tal vez la crítica encarnizada a la cultura del éxito y a las grandes corporaciones, algo que al película cumple con creces siempre desde una óptica ácida, grandguiñolesca y algo truculenta.

Un ejecutivo de la industria papelera de mediana edad (Byung-hun Lee), casado y con dos hijos menores y con una vida plácida en una lujosa vivienda unifamiliar es despedido de su empresa junto con otros muchos trabajadores y altos cargos. Con todos su modo de vida derrumbándose (aceptación de empleos precarios, la casa vendida, su mujer que no trabajaba en busca de empleo, renuncia a las clases de violonchelo de su hija superdotada) nuestro protagonista, Man-su, no se resigna a caer en la mediocridad y busca con desesperación un nuevo alto empleo en una solvente compañía, pero al darse cuenta que hay otros muchos candidatos cualificados para ese puesto (algunos compañeros de su antigua empresa) urde un bizarro plan para cargarse a todos ellos. Aquí entonces comienza una comedia negra en el más estricto sentido de la palabra con retorcidos planes criminales, algo de sangre, situaciones patéticamente divertidas, pinceladas de dramedia familiar y algún giro de guion interesante. Pese a todo, a la película le falta solidez, convicción y además resulta bastante larga y a veces reiterativa. No se puede reprochar anda a la soberbia dirección de un animal cinematográfico como Chan-wook Park ni a las muy solvnetes interpretaciones, en especial la de Byung-hun Lee como un ser patéticamente desquiciado con elementos de antiheroe tarantiniano o coeniano y del John Ripley de Highsmith. No resultará plato de todos los gustos, pero seguro que convencerá bastante a los seguidores de la ficción oriental más excéntrica y con mensaje.

CUMBRES BORRASCOSAS (WUTHERING HEIGHS)

 

*** y 1/2

Esta claro que acometer una nueva adaptación cinematográfica del clásico atemporal de Emily Brontë tiene que hacerse desde una nueva perspectiva si en realidad se quiere dejar impronta y esto es lo que ha hecho la actriz metida a directora y guionista Emmerald Fennell, una irlandesa que se nota que quiere reivindicarse como una directora a tener en cuenta. Esta nueva Cumbres Borrascosas es una visión actualizada en su estilo narrativo- que no en su ambientación histórica ni mucho menos en su espíritu- de una manera inteligente y muy esforzada: toda la desbordante pasión juvenil en la historia de amor entre Cathy y Heathcliff que la obra original (y sus múltiples adaptaciones en diferentes medios) dibujaba e intuía con refinado trazo victoriano aquí aparece de manera explícita y directa. Sin tratarse de una revisión erótica en el sentido estricto, aquí hay sexo a la vista, sensualidad, personajes llenos de tierra, sudor y a veces sangre y una lectura de la historia en definitiva visceral e impulsiva, como pretendió Emily Brontë en su época escandalizando a ciertos sectores - aunque ahora resulte una lectura totalmente inofensiva- y en esta ocasión mostrando la historia tal y como podría haberla imaginado una joven de 29 años en 2026 con las mismas pretensiones que la escritora. Una adaptación esta valiente y lograda que no será del agrado de todo el mundo por su estilo atemporal, anacrónico y sus a veces un tanto salidos de madre momentos -que rozan lo bizarro- además de por su ritmo narrativo lento y aveces un poco confuso, pero que resulta curiosa, extraña, original y deliciosa. Y sin perder ni en solo momento todo el encanto transtemporal del inmortal relato, aunque en alguna trama aparece eliminada o simplificada.

La pareja protagonista son dos actores en estado de gracia, por una parte la versátil y siempre segura Margot Robbie como Catherine Earnshaw, la joven obligada a un matrimonio no deseado pero cuyo corazó pertenece a otra persona, y el cada vez más omnipresente e igualmente camaleónico e imponente Jacob Elordi como Heathcliff, la fuerza de la naturaleza verdadero amor de Catherine que pone a esta en un auténtico dilema: ambos están sensacionales, siempre omnipresentes en pantalla- sobre todo Robbie- y adueñándose de unas imágenes siempre bellas y sorprendentes en este filme combinando paisajes naturales en Yorkshire con estancias interiores con decoración a veces imposible y asaz surrealista que recalcan el carácter féerico y de ensoñación de la historia, presentada entre lo fantástico y lo terrenal. La fotografía de Linus Sandgren es sensacional, entre lo gótico y lo prerrafaelita con una profusión de colores una tanto engolada que hace que todo en su conjunto pueda resultar extravagante y difícil de digerir pero que en realidad exige entrega del espectador a la historia para poder resultar brillante y efectivo. Más Ken Russell que Tim Burton, la factura visual y estilística del filme desde luego que no deja indiferente con secuencias con inundable pretensión poética desde un punto de vista a veces extremo. Por supuesto, aunque con algunas significativas ausencias, nos encontramos con el resto de entrañables personajes de la historia: Mr. Ernshaw, Edgar e Isabella Linton, Nelly...e intérpretes solventes como Shazad Latif, Martin Clunes, Hong Chau o Alison Oliver. Una puesta al día de una historia sin fecha de caducidad que resulta inteligente, atrevida y con encanto.

TRES ADIOSES

 

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Es una garantía que para su nueva película Isabel Coixet parta de una novela, pues los precedentes ha sido excelentes. Y es un hecho que al menos hasta día de hoy la realizadora catalana jamás haya hecho una mala película, aunque en su filmografía hayan desde grandísimas películas hasta obras bastante aceptables sin más. Los Tres Adioses, basada en dos relatos del libro autobiográfico de la italiana Michele Murgia, tal vez se encuentra en un término medio de su excelente filmografía: lleva el indudable sello Coixet de delicadeza, visión esperanzadora y halo poético cotidiano dentro del melodrama, pero no llega a despegar realmente en su historia a cotas de emotividad exigibles por su delicada temática. De nuevo aparece el tema de los últimos días de una persona joven enferma terminal, como fue aquella memorable Mi vida sin mi, con un tono similar pero con diferencias notables: si allí se apostaba por la expresión de sentimiento de ausencia en el futuro y como esta afectará a los que rodean a la protagonista, aquí se muestra principalmente la propia vivencia personal introspectiva ante lo que parece inevitable, pero eso si, vista con cierta positividad, empatía y también ternura. Roma, casi un personaje más como en muchos filmes de Coixet y excelsamente retratado, es el escenario de esta coproducción hispanoitaliana rodada en la lengua de Dante, idioma desconocido para la directora pero que no ha supuesto ningún hándicap a al hora de narrar el filme y dirigir a un interesante elenco actoral que como en todas sus películas Isabel Coixet sabe sacar todo su partido.

Alba Rohrwarcher es Marta, un profesora de educación física cuya relación de pareja termina inesperadamente para ella poniéndole en una tesitura incómoda que ella trata de superar como puede. Pero un posterior diagnóstico médico de cáncer será lo que lógicamente dará un vuelco mayor a su existencia, teniendo la joven que lidiar con extraños días en los que verá la necesidad de expresar sentimientos y anhelos y de modelar de otra manera la relación con los que la rodean. Conformada por viñetas y situaciones más que por una historia lineal, Tres Adioses tal vez por ese motivo no convenza del todo en su narrativa y de la impresión de estar contando una historia algo incompleta, pero el poderío de Coixet como contadora de historias se termina imponiendo, incluyendo detalles tragicómicos, hiperrealistas e incluso fantásticos. Alba Rohrwarcher esta estupenda y muy bien secundada por Elio Germano como su ex pareja, clave para comprender la situación global de su protagonista, además de otros intérpretes dentro de un reparto internacional como Sarita Choudury o Francesco Carril. Puede que Coixet un haya estado tan brillante como otras veces, pero sigue siendo una excelente directora y narradora.

LA CHICA ZURDA (LEFT HANDED GIRL)

 

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Un feliz encuentro entre el cine taiwanés con la industria americana en un filme rodado en la isla con parte de financiación estadounidense contando una historia universalista y cotidiana que termina resultando una delicia en su costumbrismo realista urbano visto desde la perspectiva infantil. La Chica Zurda es en si una película que demostrando de paso el buen momento en el que se encuentra el cine asiático sabe emocionar, hacer reflexionar y lograr empatizar con sus protagonistas sea cual sea el contrexto cultural del público (dicho sea de paso, Taiwan como demuestra este film esta cada vez más occidentalizado) con una especie de fábula en donde pasan más cosas que las que en un principio parece y que tomando como referencia las relaciones intergeneracionales ilustra los muchos problemas que tiene el transcurso de la vida - centrándose en las mujeres de distintas edades protagonistas- y como la influencia que un entorno cultural cambiante como es del Taiwan, entre la tradición y la modernidad, puede influir decisivamente en eso. Dirige con enorme soltura la americanotaiwanesa Shing-Ching Tsou, productora independiente que con este filma su segundo largometraje, el primero rodado en su país de origen. Coproduce su socio habitual el oscarizado director Sean Baker (Anora) con quien se ha responsabilizado de geniales filmes de este y la verdad es que se nota la impronta del cine Indy americano en general y de los realistas filmes de Baker en particular, incluyendo el hecho de estar rodada con muchas escenas por iphone y de manera rápida y dinámica.

La película se centra en una niña de 5 años a la que hace referencia el título: I-Jing (Nina Ye) una pequeña que llega a Taipei procedente de un entorno rural junto con su madre Shu-Fen (Janel Tsai) y su hermana de 20 años I-Ann (Ma Shih-yuan). La matriarca, cuyos padres viven ya en la capital, pretende ganar un dinero con un puesto de fideos en el mercado nocturno de Taipei mientras que la hija mayor comienza a trabajar en un -muy característico en Taiwan- puesto de nueces de betel en el mismo mercado. I-Jing deambula cada noche por allí, curioseando los puestos y entablando amistad con el locuaz vendedor de productos milagrosos (Brando Huang) mientras que su madre se esfuerza sobremanera en su cometido y a su hermana no parecen irle muy bien las cosas con su trabajo y su jefe y además no para de reprochar a su madre las decisiones y errores que han llevado a la familia monoparental a una situación extrema. La niña, zurda, cree que como le ha dicho su tradicional abuelo, su mano izquierda es la mano del diablo, ya su inocente modo parece sentirse culpable de todo el mal y las situaciones familiares desagradables que le rodean. La mirada infantil de su encantadora protagonista (hace un papelón la niña) resulta conmovedora y sugerente en un entorno urbano y complejo que ella ayuda a clarificar.

Un muy buen maridaje del costumbrismo oriental con el cine independiente americano y desde una perspectiva urbana y contemporánea. Las imágenes rezuman autenticidad y se nota una enorme laboriosidad en planteamiento de escenarios y diálogos en donde además el doblaje en castellano hace un formidable trabajo de adaptación. No ha sido finalmente nominada al Oscar de mejor película internacional; una pena pero en realidad se lo merecía.