PERSEPOLIS de Marjane Satrapi. Una historia entre dos mundos

La novela gráfica PERSÉPOLIS de la dibujante y guionista iraní afincada en Francia Marjane Satrapi (Rasht, 1969), se esta convirtiendo en uno de los cómics mas comentados y debatidos de los últimos años por propio merecimiento. Una historia autobiográfica en donde en sugerentes y concisas viñetas en blanco y negro Satrapi nos narra su infancia, adolescencia y primera juventud en un periodo de tiempo que va desde mediados de los 70 hasta 1994, siendo testigo de la caída de al monarquía del Sha de Persia y de la revolución islámica que convirtió al viejo reino persa en Irán y el ascenso y la tiranía del integrismo islámico, que provocó el miedo y la decadencia en su progresista y próspera familia, y la decisión de enviarla a Austria durante un tiempo siendo adolescente, país en donde llega a al conclusión de que se siente mas identificada con la cultura occidental . Un relato claro, directo y conmovedor, repleto de crítica social y política (y no solamente al islamismo), ternura, humor e ironía. El cine ha llamado a su puerta

Una autora de cómic del “tercer mundo”

Persépolis es el primer cómic de Satrapi, anteriormente ilustradora de libros, aunque tras este trabajo ya ha publicado otras tres novelas gráficas hasta la fecha. Persépolis fue originalmente publicado en Francia en cuatro entregas en 2000, 2001, 2002 y 2003, respectivamente, por la editorial L´Association, quien posteriormente las reúne en un solo volumen de 366 páginas en total, incluida una introducción inédita del editor David B y 6 nuevas planchas a modo de epílogo esta vez en color, en contraste con el resto de la obra, en blanco y negro. En España, Norma Editorial ha editado todo el volumen en castellano, por primera vez, en marzo de 2007. Persépolis ha obtenido unas inmejorables críticas en los medios especializados y premios como los obtenidos en el Festival de Angulema en 2001 (mejor autor revelación) y 2002 (mejor guión), a aprte de otros reconocimientos fuera del mundo del cómic como el 1º Premio de la Paz de la Fundación Fernando Buesa en Vitoria en 2003, cuando aún no se había editado en España.

Persépolis es un cómic autobiográfico, genero este en el noveno arte que se ha dado con cierta frecuencia en los últimos 20 años, cuando anteriormente realizar un cómic de esta temática era poco menos que impensable. Ahí tememos el ejemplo paradigmático dentro del tebeo autobiográfico del ya mítico Maus de Art Spiegelman, referencia sempiterna siempre que se cita un cómic de estas características. Persépolis, dentro de la línea de las novelas gráficas para adultos (público en realidad consustancial a este formato de cómics), aporta dentro de un mundo, el del noveno arte, que intenta ganarse respetabilidad (y más lectores), una visión sobre la historia reciente de Oriente Medio, concretamente de Irán, que intenta principalmente combatir clichés y prejuicios sobre el Islam y las sociedades musulmanas, tristemente vinculados al fanatismo y la falta de derechos individuales. El hecho de que la autora sea iraní, otrora uno de los países más avanzados socialmente y occidentalizados de Oriente Próximo y ahora uno de los más involucionados a causa del integrismo religioso, aporta una nueva visión sobre la historia última de su país vinculada a los sentimientos de la niña y la adolescente que era, contemplando atónita los inexplicables cambios que su país estaba viviendo y que además de empequeñecer el bienestar de su familia, castigaba severamente cuando no acababa con al vida de seres queridos y, en definitiva, iba sembrando la desesperación de los persas-iraníes, hasta hacer inevitable el deseo de casi todos ellos de huir de allí.

A Satrapi le tocó crecer en los primeros años del régimen islámico (que llegó al poder en 1979) y eso

marcó profundamente su personalidad, como muy bien cuenta en las páginas de su cómic. Los gustos y costumbres occidentales de su acomodada familia y la educación progresista que la inculcaron eran incompatibles con una concepción totalitaria de la sociedad, tal y como los ayahtolas imponían, y de allí se originó en ella una mentalidad rebelde, inconformista, y sobre todo tremendamente crítica con todo lo que le rodeaba, y ya no solamente con el islamismo, sino también con ciertos aspectos de la cultura europea que ella conocerá de primera mano cuando a los quince años es enviada a Austria por sus padres.

Esta novela gráfica es un ejercicio de exorcismo de demonios y resquemores interiores y un ajuste de cuentas de la joven dibujante con su pasado, reivindicado su condición de “tercermundista” y no occidental aunque aceptando las reglas de la globalización y del enriquecimiento cultural, porque, después de todo, Satrapi solo encontrará la libertad en la concepción occidental de la vida, aún admitiendo todos sus defectos y flagrantes injusticias.

Cuatro tomos, cuatro actos.

Como hemos dicho, Persépolis esta dividido en cuatro partes correspondientes a sendos volúmenes originales que se publicaron originalmente en Francia entre 2000 y 2003. Cada uno de ellos responde en el tomo completo al nombre de “Libro” (1,2, 3 y 4), y se halla subdividido en 10 subcapitulos-secuencia, a excepción del Libro 1, que tiene 9. Cada uno de los subcapítulos consta de 7 a 10 páginas (planchas).

El Libro 1 transcurre entre mediados de los 70 y 1979, año de la caída del Sha. En el, Marjane nos cuenta su tierna infancia (hasta los 10 años) como hija única de un rico matrimonio, la medre descendiente directa (nieta) del ultimo emperador de Persia de la dinastía Kadjar, derrocado en los años 20 por Reza Pahlevi, padre del Sha, con la ayuda del reino Unido, además de hija del Primer Ministro rebelde del primer gobierno de Pahlevi, el cual sufrió años de prisión que acabaron con su vida. Por tanto, conocemos así el malogrado linaje “Real” de la protagonista, el cual le será revelado siendo una niña, pero al que no dará importancia alguna, salvo por el hecho de que su abuelo sufrió la ira del padre del supuestamente amado por el pueblo Sha y que esto marcó negativamente a su familia: la pequeña Marjane, soñadora e idealista, y precoz admiradora de Marx, Ghandi y el Ché Guevara, se ve imbuida en al lucha de sus mayores contra la tiranía del Sha en un país lleno de desigualdades sociales pero altamente occidentalizado. Tras la revuelta popular que propició la caída del soberano déspota, el país se encuentra entre la dualidad de elegir quien tomará las riendas del país, si los revolucionarios izquierdistas que comandaron al revolución o los religiosos islamistas. El triunfo de estos últimos utilizando la coacción y el asesinato contra los izquierdistas convierte la esperanza de los Satrapi en temor, que se convierte en pánico para Marjane ante la noticia de la muerte de amigos de sus padres luchadores contra el antiguo régimen, y de su tío Anouche, comunista y ex residente en la URSS. Esta primera parte es una crónica del fin de la inocencia, contada de manera bastante naïf y con bastante carga política, siendo junto con la segunda, la parte del cómic, digamos, más politizada.

En el segundo Libro, que transcurre de 1980 a 1984, Marjane nos narra su ultima infancia, pubertad y comienzo de la adolescencia en el Irán islámico y en guerra con Irak. Ambos hechos marcan profundamente a la autora, aumentando en ella la consciencia de pérdida y de la falta de libertad, en un país que comienza a convertirse en un infierno. La obligación de estudiar niños y niñas separados y del uso del velo islámico en las últimas son hechos tratados con marcado simbolismo por la autora y vistos con una sutil ironía. Son días de refugios antiaéreos y de la estricta vigilancia de los “Guardianes de la Revolución”, que se encargaban de que la población no cayese en costumbres, actitudes y maneras de ocio occidentales, algo que para una adolescente amante de las zapatillas Nike, Iron Maiden, Michael Jackson y de la hoy olvidada estrella pop norteamericana Kim Wilde, resulta francamente molesto. Una sociedad que trata de disfrutar clandestinamente de los objetos de consumo occidentales y en donde todo lo relacionado con la religión tenía carta política y social (y viceversa). Varios incidentes de la rebelde Marjane con sus profesoras en diferentes colegios por cuestiones ideológicas llevan a sus padres a la determinación de enviarla a Europa, a Austria, concretamente, para que continúe allí su educación secundaria durante un tiempo.

La tercera parte, supera las dos anteriores en matices, calidad narrativa y madurez, sin ser estas insuficientes en ninguno de estos aspectos. A partir de aquí la autora recurre a recuerdos de su vida relativamente mas recientes y esto se nota enormemente, así como al aumentar al edad de nuestra protagonista las cuestiones se van haciendo más complejas, y la historia va tomando cada vez mas tintes psicológicos, expuestos de una manera tan clara como apasionante. En este Libro 3 la acción se desarrolla de 1984 a 1988 íntegramente en Austria, por lo que los escenarios cambian radicalmente respecto a la primera mitad de la obra, así como la personalidad de la protagonista, algo a lo que el lector asiste impactado. Esta parte esta narrada como la historia del ascenso y caída de una adolescente de un país árabe en un entorno extraño en el que no tardará en adaptarse, pero llevando siempre el lastre de pertenecer a otra cultura y de haber vivido otra realidad diferente a al que le toca vivir ahora. Los primeros amores, el sexo, y los escarceos con las drogas terminan metiendo a Marjane en una especie de mundo irreal que ni la relación con su primer novio formal, Markus, consigue salvar. Resultando esta además fallida, Marjane vive unos meses en la indigencia echando por tierra la felicidad que había conseguido en Austria y su brillante aprovechamiento académico. Al final, el regreso a Irán, constatará una especie de fracaso.

En el último Libro de Persépolis, que se desarrolla entre 1988 y 1994, asistimos a los intentos de éxito social de al ya joven adulta Marjane, en un Irán empobrecido, devastado por la guerra y con un islamismo mas radical que nunca. La relación con sus padres se torna clave en esta parte, demostrando la importancia que estos tienen en el desarrollo de la historia y de la trayectoria vital de la joven Marjane. Esta parte esta muy bien narrada- tal vez la mejor de todas- sobre todo en el aspecto de mostrar la lucha de una joven inadaptada, creativa e idealista en un entorno conservador que no es propicio para ninguna de sus aspiraciones. La rebeldía de los jóvenes iraníes por conseguir vivir en una sociedad mas justa aparece como eje vertebrador de esta parte, en donde Marjane, estudiante de Bellas Artes, vuelve a sufrir decepciones, como un tempranera, fortuito y desilusionado matrimonio. Al final, la solución pasará por la huida hacia un mejor destino.

Hay que decir que en las cuatro partes de este cómic, existe una diferencia – a parte de en el aspecto narrativo, que se va enriqueciendo en cada uno de los cuatro actos- en el tipo de dibujo; en el primero este es muy esquemático, ingenuo y basado en formas geométricas muy claras (casi Picassiano), acorde con la inocencia de la historia de infancia que se cuenta. En el segundo Libro, el trazo se torna menos anguloso y las figuras no son tan estáticas y poco detalladas; en el tercero los fondos y los detalles ganan protagonismo, así como los personajes se van haciendo más estilizados; y en el cuarto el tipo de dibujo es mas rico y vistoso, con ciertas similitudes con la Línea Clara europea. No son de extrañar estos cambios dado que Satrapi ha escrito las cuatro partes en diferentes años sucesivos, tiempo en el que una dibujante relativamente joven y recién llegada al campo del cómic ha podido definir y perfeccionar su estilo gráfico. Claro que también los dibujo más Naïf de las primeras partes tratan de reflejar la visión de una historia desde una óptica infantil, mientras que los dos últimos ya corresponden a una adolescente primero, y adulta después. Con, todo el tipo básico de dibujo en los cuatro capítulos podemos decir que es el mismo y que se identifica sin problemas con un mismo autor. Marjane Satrapi se revela, además de cómo una excelente guionista, como una competente e imaginativa dibujante, con un estilo caricaturesco conciso y sugerente muy elaborado, pero que descansa sobre conceptos visuales de esquematismo y de claridad, revelándose además como una maestra en el uso del blanco y negro.

Más que un cómic autobiográfico

Persépolis se encuadra en el siempre difícil pero a menudo gratificante subgénero del cómic autobiográfico, estilo adulto donde los haya dentro del noveno arte y que ya ha dado auténticas obras maestras como al citada Maus. Esta claro que en la biografía de juventud de Marjane Satrapi hay una gran historia, y sobre todo se palpa que la autora tiene ganas de contarla. Hay que recordar que Marjane Satrapi es una mujer iraní, y la sola mención de este axioma se asocia con muchas ideas preconcebidas en el público, que la autora trata de matizar y explicar tratando de derrumbar estereotipos y falsos mitos sobre la realidad y la historia de su país. Ojo, ni mucho menos Satrapi justifica la política y la situación social de Irán, mas bien lo contrario (es claramente anti islamista), pero también nos muestra algunas realidades de la vieja Persia poco conocidas por occidente, como el afán de muchos de sus habitantes por tratar de vivir en libertad, la oposición sin concesiones de muchos compatriotas al régimen islamista y el hecho de que no todos los iraníes son unos extremistas fanáticos. Su país, el verdadero protagonista de al novela gráfica, aparece aquí como un viejo reino herido de muerte que trata de luchar agónicamente por entrar en la modernidad y superar el odio que ha destruido moralmente el país.

La propia Satrapi no puede olvidar que la historia de su vida esta unida a la de la decadencia de su país, y esto se refleja en el libro. El estilo narrativo es muy directo y fácil de seguir, con recursos efectivos como que la protagonista-narradora se dirija al lector tête a tête en diversas viñetas aclarando situaciones o introduciendo elipsis narrativas. Artísticamente, el uso magistral del blanco y negro logra unas viñetas elegantes y deliciosas en donde los personajes ganan terreno a los escenarios. Viñetas grandes, algunas que ocupan una plancha completa, se prestan a composiciones alegóricas o simbólicas sobre hechos reales que narra la historia, algunas muy logradas. La expresión del drama y el patetismo, muy presentes en este libro, alcanzan momentos sublimes en hermosas viñetas.

La combinación de anécdotas simples y simpáticas con hechos dramáticos se ha hecho como solo podía hacerse: contando la realidad tal cual pasó, con sus errores, imperfecciones y antihéroes. La verdad es que poco se puede reprochar a este cómic, salvo tal vez el un tanto pedante curso acelerado de la historia de Irán en la primera parte, algo imprescindible para entender el relato, pero su presentación como texto de un libro de primero de ESO resulta a veces un poco cargante.

Mención a parte merece en esta historia el tratamiento que Satrapi hace de su familia, en especial de sus padres, a los que adora y que, en cierta medida, son los impulsores de la narración en todos los sentidos. También resulta importante el personaje de la abuela, un huracán de cordura, sabiduría y saber estar que muchas veces moldea el rebelde y a menudo inconsciente temperamento de su nieta.

Llamado a ser un clásico

Realmente, Persépolis resulta un cómic pionero ya que por primera vez cuenta la historia real de una habitante de un país de religión árabe. El resultado no ha podido ser mejor en todos los sentidos, tanto en el artístico-gráfico como en el literario, y se postula como un cómic de bandera. Pronto se estrenará en España la adaptación cinematográfica en dibujos animados, totalmente fiel su estilo gráfico ya que no en vano al propia Satrapi es su co-directora, junto con Vincent Paronnaud. Su preestreno en Cannes causó controversia entre los espectadores árabes, que la acusaron de anti islamista. Este filme aumentará la popularidad del cómic: ya se sabe, el mundo del tebeo de culto es muy minoritario.

Persépolis es ante todo una gran historia que debía ser contada. Su narradora y protagonista ejerce todo el tiempo una constante crítica a todo lo que la rodeó e influyó, empezando por ella misma. La verdad, es que dosis de honestidad de este tipo hacen falta en un mundo como el nuestro en donde hay muchas lamentaciones pero tampoco se dan soluciones. Persépolis cumple en honestidad y sinceridad y también sabe dejar una puerta abierta a al esperanza, que es lo más importante.

El aparatito de Lumiere- 28 SEMANAS DESPUES

***

Una más que digna secuela de 28 días después (2002), la película de terror británica dirigida por Danny Boyle que resultó todo un éxito de taquilla internacional. Se puede decir incluso que esta segunda parte, rodada con más medios, es mejor que la primera. De nuevo nos encontramos con la apocalíptica historia de la epidemia de la extraña enfermedad de la ira, la cual se propaga por todo el reino Unido a la velocidad de al luz y convierte a sus afectados en una especie de zombies maniacos, salvajes y asesinos de comportamientos casi animales. La mayor parte de la acción de esta secuela se sitúa, como su título indica, 28 semanas después del final de la anterior película, en la que parecía que la epidemia había remitido tras unos días de lucha de los supervivientes de una cuarentena de 28 días tras un brote vírico con los sanguinarios afectados por dicho mal. En esta ocasión, el responsable de 28 días después, Danny Boyle (Trainspotting, A tumba abierta, Millones, o la reciente Sunshine), no se sitúa detrás de la cámara sino que se centra en las tareas de producción, dejando este cometido a ni más ni menos que el canario Juan Carlos Fresnadillo, que con su primer filme, Intactos (2001), logró convencer a la crítica internacional y en su segunda película ya ha dado el salto a la industria anglosajona con excelentes resultados artísticos y comerciales (la película, como su predecesora, ha sido un taquillazo en USA), demostrando que es un buenísimo director, tal vez de los mejores realizadores que hay en España actualmente. Muy posiblemente su futuro esté en Hollywood.

El propio Fresnadillo junto con sus colaboradores hispanos Jesús Olmo y López Lavigne, es el autor del guión, escrito a partir de un argumento de Rowan Joffe, autor del guión de la primera parte. Esta secuela no tiene a ninguno de los personajes de 28 días después, lo que ayuda al espectador que no haya visto la primera parte y añade además una buena dosis de imprevisibilidad en la historia. No obstante, al película comienza con unos hechos que temporalmente se sitúan en los instantes finales de al anterior película, aunque sin ningún personaje de esta. Si bien está 28 semanas después, carece de la explicación clara y visible de la metáfora socio-antropológica y política que presentaba su predecesora al narrar la extensión en una buena parte de la raza humana de una deshumanización súbita basada en una rabia y una violencia irracional súbitamente adquiridas y que guarda relación con la propia violencia y el odio imperantes en nuestro tiempo, se puede decir no obstante que conserva perfectamente dicho espíritu claramente crítico con la sociedad actual, la clase política, el estamento militar y, en definitiva, con las consecuencias de una cultura de de la violencia, aunque al omitir los prólogos de aquella primera entrega, esta explicación haya que intuirla sesudamente por parte del espectador que no haya visionado aquel acto primero.

Siguiendo los pasos de Boyle, Juan Carlos Fresnadillo ha aumentado el dinamismo de la saga, dotando al filme de un ritmo totalmente vertiginoso combinado con un magistral manejo del suspense. En lo que respecta al guión, ha sido un cierto centrarse esta vez en las victimas inocentes de todo conflicto, los niños, a través de la historia de los hermanos Tammy (Imoggen Potts) y Andy (Macintosh Muggleton), hijos de Don (Robert Carlyle), un hombre el cual se reúne sus retoños evacuados a Europa continental, una adolescente y un niño, 28 semanas después de que el brote de Ira aparentemente desapareciese de Gran bretaña y la vida en la isla comience a normalizarse, por obra y gracia del ejercito norteamericano al mando de la OTAN. La desaparición de la esposa del este en la epidemia marca el drama de los supervivientes de esta familia, mientras que la inseguridad de un rebrote de la epidemia de zombies, contagiada a través de la sangre y la saliva, trae de cabeza a las autoridades y al ejercito yanki en un Londres en donde los toques de queda la convierten en una ciudad fantasmal. El miedo no tardará en hacerse realidad y Tammy y Andy lucharán por su supervivencia en una capital británica que se verá literalmente bajo el más horrible y bestial de los caos.

Fresnadillo no se anda con chiquitas y nos muestra imágenes aún mas espeluznantes que las que Boyle nos ofreció en la anterior entrega. Una fotografía sucia y enfermiza sirve para transmitir el clima de delirio y terror que viven los protagonistas, haciendo que el espectador viva una auténtica angustia. Ya a los cinco minutos del metraje hay acción y horror elevados al cubo, persistiendo al tónico en bastantes momentos del filme. Son muchas las situaciones límite y tremendamente extremas y bestias que describe la película, así como un gore mas acentuado que en 28 días después, lo cual puede que nosea plato para todos los gustos, aunque todos estos momentos están perfectamente colocados en el guión (lo cual no evita a veces un cierta sensación de que a veces falta sentido de la medida). Es muy significativa también la crítica al ejército y al intervencionismo yanki, con algunos momentos paradigmáticos. Una película vibrante y espectacular, que puede que no guste a todo el mundo, que continúa la línea que iniciase su predecesora de reinventar las películas de zombies con trasfondo político y social. Por cierto, el final deja la puerta abierta a una tercera entrega. Ya veremos.

El aparatito de Lumiere - MEMORIAS DE QUEENS (A GUIDE TO RECOGNIZING YOUR SAINTS)

****

Brillante debut en el campo cinematográfico de un polifacético y curioso personaje neoyorquino llamado Dito Montiel. De padre de origen nicaragüense y madre de de origen irlandés, Montiel, nacido en 1970 y criado en el conflictivo barrio de Astoria, del distrito de Queens, fue durante los 90 músico de rock (lidero un grupo indie llamado Gutterboy), modelo, amigo de famosos e intelectuales, y a partir de al década de 2000, escritor. En 2003 escribió su libro autobiográfico, A guide to recognizing your saints (Una guía para reconocer tus santos), que contaba su turbulenta adolescencia en el Queens de los 80, marcada por un estilo de vida en constante relación con la violencia y la muerte y por la turbulenta relación con su padre. En este libro se basa esta película, su opera prima como director. Es verdaderamente sorprendente que un trabajo de tanta calidad y brillantez sea su carta de presentación en el mundo del cine, no notándose en absoluto que se trata de un debutante. Con el apoyo del Instituto Sundance de Robert Redford (que ayuda y promociona a cineastas noveles norteamericanos) ha podido llevar su novela autobiográfica a la antalla, en la que ha puesto pasión, entrega y sobre todo, buen hacer. El actor Robert Downet J.R, que interviene en la cinta en el papel de Dito en la edad adulta, y el músico Sting han puesto su granito de arena como productores de la película, y no se han equivocado.

A guide to recognizing your saints, livianamente titulada en España Memorias de Queens, es una película independiente muy personal y perfilada, como se corresponde a toda obra autobiográfica narrativa que se precie, en donde su director trata de reproducir con total minuciosidad todos sus recuerdos, aunque el mismo reconozca que haya algunos elementos inventados o alterados para fines dramáticos. Es una historia narrada en dos planos, el desencadenante, que es el regreso más de 15 años después de un hijo pródigo (el propio Dito) al barrio donde se crió, en donde se reencontrará con amigos de su adolescencia a los que había olvidado deliberadamente y con los que había perdido todo contacto, y con sus padres, con los que había ocurrido lo mismo. Este reencuentro nos lleva a la verdadera base de la peli, que son el flashback de la historia de quinceañero Dito (Shia Labeouf) y de sus colegas del barrio. Un mundo de violencia sinsentido, odios, consumo de drogas, y principalmente, una total ausencia de futuro y de esperanza para los jóvenes. El adolescente Dito navega sin rumbo entre la admiración a Antonio, el chulo matón del barrio, su intención de salir de la marginalidad social a toda costa aunque con engañosas vías de escape (drogas, el cortejo a Laurie, la chica guapa hispana de Astoria) y una total desnortada relación con sus padres, interpretados por Chazz Palminteri y Dianne Wiest, en los que se resiste a verse reflejado a pesar que son dos honrados trabajadores que luchan por sacar a su hijo adelante. La relación de Dito con Monty, su padre, es en realidad el tema central de la película: un hombre que intenta darlo todo por su hijo, pero que ante la falta de sinceridad de este y su distanciamiento no encuentra manera de llegar a el, mientras que el hijo esta convencido de que su padre no hace todo lo posible ya que si no, no se vería en las situaciones que tiene que vivir casi todos los días. El regreso de Dito a Queens, con su padre enfermo tratará de ser una redención ante una serie de malentendidos solo producidos por la obcecación de un adolescente inconsciente, inseguro y amargado

Esta película nace con vocación de ser precisamente una redención (como también lo fue el libro en la que se basa), la corrección de un error, y un reencuentro de un hombre con su pasado. Las interpretaciones magistrales de Downey y de Palminteri ayudan mucho a que este elemento dramático sea creíble y cargado de enorme emotividad. Francamente, estas son unas de las mejores interpretaciones de ambos actores hasta la fecha, auque todo el reparto esta bien, sin olvidar, como no, el estupendo trabajo que hace el jovencísimo Shia Labeuf. Un estilo documental fresco, una muy buena recreación del Queens de los 80, y excelentes escenas, en donde su director imprime un realismo costumbrista sin concesiones a la galería, culminan un filme que en poco tiempo pasará a ser de culto. Habrá que prestar atención a próximos trabajos de Dito Montiel

El aparatito de Lumiere- NUEVO MUNDO (NUOVO MONDO)

***y 1/2

Curiosa película italiana (en coproducción con Italia y Alemania) que narra de manera mas o menos poética y simbolista la historia de una empobrecidísima familia de una remota aldea del sur de Italia perdida entre las montañas que a principios del siglo XX decide emigrar a los EEUU, con el fin de libarse de un presente de miseria en un estado verdaderamente deplorable y conseguir un futuro mejor en un territorio del que apenas saben nada, salvo que es el lugar donde todo el mundo se hace rico y del que se oyen historias sobre ríos de leche y gallinas, árboles en los que crecen dinero y verduras gigantes. Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) un campesino viudo emprenderá el viaje hacia lo desconocido en compañía de sus dos hijos, uno de ellos sordomudo, su madre, un curandera esquizofrénica pero enormemente cuerda, y dos chicas de la aldea prometidas con dos emigrantes italianos en Nueva York a los que no conocen de nada. La primera parte de la película, ambientada en el agreste villorrio italiano, es sencillamente antológica, describiéndonos con una mezcla de naturalismo, ironía, lirismo y crueldad a unos pobres personajes dejados de la mano de Dios que viven en un mundo dominado por las supersticiones, el miedo y el nihilismo. La presentación inicial de los Mancuso, que parten a la capital para coger el barco que les lleve a las Américas con lo que tienen y poco más, o lo que es lo mismo, con casi nada, deja al espectador fascinado ante una descripción de la pobreza francamente lograda, más que por su afán realista, por lo sugerente de su simbolismo.

La película triunfa en su empeño de intentar mostrar los sentimientos de unas pobres gentes ante un inminente viaje a lo desconocido. El encuentro de los Mancuso con el resto de inmigrantes italianos en el puerto y el viaje en barco hacia Nueva York añaden un tinte mas realista y coral a una historia que hasta el momento se nos había mostrado con los inocentes pero esperanzados ojos de Salvatore. La irrupción escena de Lucy, una joven inglesa interpretada por Charlotte Gainsbourg, actriz franco-británica hija del músico Serge Gainsbourg y la actriz y cantante Jane Birkin, que parte de Italia tras impedírsele una primera entrada en EEUU a causa de un prometido que la rechazó, otorga un curioso contraste entre una anglosajona ambiciosa pero amargada y una legión de inmigrantes italianos con los que viaja humildes en su mayoría pero ilusionados.

La llegada a la Isla de Ellis, donde los inmigrantes debían pasar exámenes físicos y psicológicos para “ver si eran aptos” para vivir en el país mas poderoso de la tierra, otorga también momentos verdaderamente antológicos y surrealistas. Nada sale del resto de la ciudad, ya que, entre otras cosas, las secuencias de las dependencias de admisión a inmigrantes se rodaron en Buenos Aires. Hay, en definitiva, muchos momentos de cine con mayúsculas, bordados con la utilización del esperpento y de las imágenes poético-surrealistas, pero un ritmo mortecino y un naturalismo que en ocasiones a alguien le puede resultar hasta desagradable frustran la brillantez de un filme excesivamente hermético. No obstante, merece absolutamente la pena verse.

CHICO MENDES, VIDA Y MUERTE DEL HOMBRE DE LA AMAZONÍA

Francisco Alves Mendes JR, “Chico Mendes” (Xapurí 1944- 1988), recolector de cuacho, sindicalista, político y activista medioambiental brasileño sigue siendo veinte años después de su vil asesinato todo un referente en la defensa del medio ambiente, la defensa de los derechos de los mas pobres y de la lucha contra el capitalismo. Es la historia de una vida de defensa desinteresada por un medio de vida mejor para todos, empezando por los mas pobres, y basado en la sostenibilidad de recursos, en donde la conservación de la jungla del Amazonas, su hogar y su modo de vida y el de el resto de “siringueros” (recolectores de caucho brasileños) y de los indígenas, constituía el eje de su lucha. Gracias a él, se impidió la destrucción del Amazonas que estaban comenzando a acometer las grandes multinacionales desde la década de los 70 y se impidió la ruina de los habitantes y trabajadores del Amazonas. Su activismo, articulado desde el sindicalismo de los recolectores, la representación política municipal y la fundación del Comité Nacional de Siringueros le causó el execrable odio de los ganaderos y latifundistas del Amazonas brasileño, quienes lo amenazaron de muerte durante varios años hasta asesinarle en diciembre de 1988. Sus ideas y su lucha siguen perviviendo y continúan siendo el ejemplo de una lucha modélica, brutal y despiadadamente castigada.

Todo comenzó en los siringales del Acre

Chico Medes procedía de una humilde familia de extractores de Caucho del Estado brasileño de Acre. Muchos de los habitantes de esta región amazónica vivían de la recolección de Caucho, la cual a comienzos de la década de los 60 apenas les valía para paliar sus necesidades básicas ya que en esa época el precio del caucho se colapsó y los propietarios de las tierras salvajes donde estos trabajaban, tuvieron que venderlas sin tener en consideración a los siringueros, los cuales trabajaban en muchas ocasiones casi como esclavos. Esta situación estaba abocando a los recolectores de Acre a la pobreza.

Chico durante largo tiempo solo conoció el modo de vida de la extracción de caucho y el único espacio donde se movió fue la selva. Fue siempre un muchacho inquieto e inteligente, a pesar de que no tuvo oportunidad de ir a al escuela y aprendiese a leer y escribir a los 14 años. Su trabajo en los siringales (tierras donde se recogía el caucho propiedad de latifundistas) se inicia cuando era un crío.

El caucho en la década de los 60 era uno de los productos más importantes para la economía brasileña ya que era una de sus principales exportaciones. A principios de los 70, con la crisis económica, la situación se hace insostenible, con los siringueros expulsados de las tierras vendidas a los ganaderos (“estancieros”), cuya actividad resultaba ahora más rentable para la economía brasileña…y mundial. Se inicia entonces el proceso de deforestación del Amazonas brasileño, ya que las tierras amazónicas debían adaptarse a los pastizales ganaderos, y por ello había que talar los árboles. Esta acción, a parte de condenar definitivamente a los siringueros, ya que les privaba de su medio de subsistencia, suponía un disparate ecológico de primer orden ya que la deforestación del “pulmón del mundo” implicaría consecuencias climáticas y de subsistencia de la vida salvaje totalmente catastróficas. Movido por la penosa situación en al que estaban quedando los recolectores, Chico Mendes funda en 1975 el Sindicato de los Trabajadores Rurales de Brasiléia, siendo él el Secretario General.

El Amazonas en peligro

En 1976, Chico se había convertido ya en un líder para todos los siringueros acreanos, quienes a menudo tenían que asistir a las llegadas de taladores para derribar o quemar las selvas. El gobierno, convencido en la inviabilidad del caucho, aníma a grandes empresas agropecuarias de fuera del país (multinacionales en su mayoría) a instalarse en el Amazonas, haciéndose con terrenos que antaño habían servido a la recolección del caucho. Esto se empieza a llevar a cabo de manera vertiginosa y en pocos años la rapiña es total, comenzando además las quemas y las talas. Los siringueros, otros recolectores (castañeros) y los indígenas son expulsados de sus hábitats solo por intereses económicos de las grandes corporaciones y del gobierno brasileño.

Ante esta situación, el STR comienza a realizar denuncias ante la justicia o el Instituto Brasileño de Desarrollo Forestal, pero sin obtener respuesta alguna. Los recolectores comienzan además a estar proscritos por al justicia bajo acusaciones falsas de sabotaje y empleo de la violencia contra los ganaderos y deforestadotes. Ante la falta de ayuda, Chico Mendes crea una nueva forma de protesta: los empates. Consistían en manifestaciones, o mejor dicho, peregrinaciones masivas silenciosas hasta los lugares de los derribos, en las cuales tomaban parte todos los siringueros habitantes del siringal más cercano y sus familias, mujeres y niños incluidos. La comitiva, liderada por los sindicalistas, una vez en su destino, se colocaba delante de los taladores (los cuales iban escoltados por pistoleros) y les solicitaban que abandonasen el lugar. Comienzan a registrarse algunos pequeños éxitos al respecto, pero aún insignificantes, ya que la rapiña de la Amazonía y su destrucción parecían imparables. No obstante, gracias a los empates, los siringueros, al mayor parte de ellos ya sin patronos aún mantiene la esperanza de volver a trabajar en las recolecciones

En 1977 Chico Mendes participa en la fundación del Sindicato de los Trabajadores Rurales de Xapurí, su localidad natal. Ese mismo año, es elegido concejal en su pueblo por el MDB. Chico se convierte en un personaje célebre en su región, pero los ganaderos de la misma detestan su lucha anti-creación de pastizales y de conservación de las zonas naturales, al cual obviamente va en contra de sus intereses. Comienzan a amenazarle de muerte. Tras dos años de lucha sin cuartel por parte del STR, tanto en al arena sindical como en la propia cámara municipal de Xapurí, la aversión de la clase empresarial y de los ganaderos “estancieros” hacia Chico y los siringueros crece, y se el empieza a acusar de agitador. Es detenido varias veces y torturado secretamente por parte de las autoridades.

Acoso y persecución

En 1980, Chico Mendes ingresa en el recién creado Partido de lo Trabajadores, convirtiéndose en uno de sus dirigentes en Acre, junto a Lula Da Silva. Chico comienza a introducir la idea de crear reservas forestales en el Amazonas (reservas extractivistas), regidas por las comunidades locales, dentro de las cuales se producirán los productos naturales de la región (caucho, nueces brasileñas), los cuales no gozaban en el momento de ninguna prioridad de industrialización. El hecho era que la Amazonía no era vista ya por las autoridades como una región económicamente viable a no ser que se introdujese ganado (y aún así), y por ello su destrucción era vista como algo irrelevante. Chico sabía que esto no era así, y que el gobierno y las multinacionales veían en los pastizales el futuro, con la aprobación de los bien compensados latifundistas, despreciando las evidentes riquezas naturales de al selva, no solo para al conservación del medio ambiente sino también para la economía. Chico Mendes quería volver a convertir a la Amazonía en un lugar económica viable para su país, por cierto bastante empobrecido y vendido a las grandes corporaciones. Chico, además, advirtió la infrainvestigación en la riqueza ecológica y económica de la jungla, debida a intereses económicos: “Nosotros probaremos que la Amazonia será una región estratégicamente económica con el mejoramiento de las condiciones de vida de los siringueros, con el estímulo al aumento de la producción o extrativismo y la importancia que eso va a traer para toda la sociedad brasileña y para el mundo” (Revista Nativa, diciembre 1995, recogiendo una entrevista de radio de 1987)

Aunque los “empates” causaban pequeñas victorias, también ocurrían tragedias: en 1980, Wilson Pinheiro, presidente del STR de Brasiléia, es asesinado por unos ganaderos. Un estanciero es asesinado, presumiblemente en respuesta de ese crimen, y Chico se ve envuelto injustamente en ese crimen, pudiéndose comprobar su inocencia. No obstante, seguirá fichado como el gobierno como sujeto peligroso. En 1981, convertido en secretario general del STR de Xapurí, se libra por los pelos de prisión acusado esperpénticamente de incitar a la violencia a los propietarios, los cuales amenazaban y agredían impunemente a los siringueros.

No obstante, en estos años comienzan los éxitos de la lucha de Chico Mendes. Hacia 1984 se consigue crear al primera reserva extrativista, el siringal Cachoeira, en Xapurí, tras años de lucha. Consiguieron convencer al gobierno para que lo expropiase de los estancieros. Esta victoria supuso un espaldarazo a la labor de Chico Mendes, de los siringueros y del Sindicato. Los siringueros comienzan advertir de su fuerza y de lo efectiva que es su lucha. La alianza con los otros habitantes de la Amazonía, los indígenas, aumenta el poder de la lucha pro-Amazonas, al cual comienza a ser admirada internacionalmente. No obstante, en respuesta a la fortaleza y a la buena organización y unidad de los siringueros, los estancieros contraatacan creando la Unión Democrática Ruralista UDR, para defender sus intereses latifundistas.

Se había conseguido llevar la lucha de los pueblos del Amazonas a la arena política y la comunidad internacional iba conociendo la precaria realidad de los recolectores y de los indígenas y de la interesada destrucción de la jungla. Aunque Chico no logra entrar en el parlamento estatal en 1982 y es objeto de injustos enjuiciamientos y de continuas amenazas, su figura se hace cada vez mas conocida. Cree además que es el momento de que la situación de un salto cualitativo y de que la política de las reservas extrativistas se consolide: hay que unir a todos los pueblos de la Amazonía ante una situación que, pese a todo, aún no había mejorado mucho.

La unión de los pueblos de la selva

En octubre de 1985 se celebra el Encuentro Nacional de Siringueros, cuyo objetivo es expandir por todo Brasil la lucha pro derechos de los recolectores de caucho y agricultores como propietarios y disfrutadotes de los territorios susceptibles de convertirse en reservas extrativistas, movimiento que hasta entonces había estado focalizado en la región de Acre, desde Xapurí. Nace en ese Encuentro el Consejo nacional de los Siringueros (CNS), con Chico Mendes como cabeza visible. Chico propone la llamada “Unión de los pueblos de la selva”, con el fin de unir los intereses de los siringueros y agricultores con los de los indígenas del Amazonas, cuya subsistencia estaba en peligro ya se estaba destruyendo su hábitat ante el desconocimiento de la comunidad internacional. Se va perfilando y concretando el concepto de la Reserva Extrativista, como áreas donde a parte del ecosistema se respeta y se preserva el hábitat de los indígenas, además de efectuarse una reforma agraria en los cultivos y producciones. La Reserva Extrativista es la alternativa al latifundio que esta destruyendo la selva, en donde indios y siringueros tienen el usufructo, pero no al propiedad, ya que la selva no es de nadie: “La reserva extrativista, es exactamente una forma también de libertarse de las garras de los patrones, además de evitar que los latifundistas y los estancieros terminen con nuestra selva. Y por otro lado la reserva extrativista va a posibilitar la libertad del siringuero del yugo de los patrones” (Chico Mendes, Revista Nativa).

El CNS comienza su actividad, además de defendiendo los intereses de los extrativistas y estableciendo alianzas con los indígenas, defendiendo al Amazonía y promoviendo la creación de reservas extrativistas, con cierto éxito. La actividad del CNS comienza a tener reconocimiento internacional por su actividad a favor del medio ambiente y de los derechos de los trabajadores más pobres, además de poner en relieve la situeción de la selva del Amazonas. El CNS también se encargará de proyectos de salud y educación y de la creación de cooperativas de trabajadores, dentro de las reservas.

Un siringuero frente a la ONU

En 1987 una comisión de la ONU visitó Xapurí, advirtiendo de la dramática situación de la selva amazónica. Si bien era cierto que el CNS había conseguido éxitos indudables en cuanto a la creación de varias Reservas Extrativistas que al menos garantizaban la libertad de los siringueros frente a los patronos, no lo era menos que proyectos financiados por bancos internacionales habían conseguido expulsar a siringueros de las tierras donde trabajaban y continuaban destruyendo la jungla. Chico decide denunciar esta situación en los todopoderosos EEUU, y tras entrevistarse con la Nacional Wildlife Federation, presenta sus denuncias ante el senado USA y el Inter American Development Bank en Miami, quien planeaba construir una carretera en la selva A un mes de la denuncia, los bancos suspenden la financiación de los programas de deforestación y se pospone indefinidamente la construcción de al carretera, que hibiese devastado al selva de arriba abajo. Tras la gira, se entrevista en Brasil con el Ministro del Gabinete Militar de la Presidencia, con el fin de encintrar un compromiso por parte del gobierno para al creación de Reservas Extrativistas. Ese mismo año, Chico recibe el Premio Global 500, de la ONU, y una medalla de la Sociedad para un Mundo Mejor, en Nueva York, y dos condecoraciones más en RU y en EEUU.

Los estancieros y varios políticos se llevan las manos a al cabeza ante la interrupción de los proyectos en el Amazonas y acusan a Chico de perjudicar el progreso en el Estado de Acre. Esto acrecentará la hostilidad de los estancieros frente a los campesinos y trabajadores de Xapurí, organizando los primeros auténticos batallones y escuadrones de agresión física contra los siringueros. Chico es objeto de continuas amenazas de muerte y esta será la tónica general durante todo el año 1988, pero no cesará en su actividad de denuncia de la aniquilación de la selva, que pese a todo continuaba y con gran virulencia. Chico también denunciará las acciones violentas de los estancieros, pero tanto unas denuncias como otras no obtiene respuesta por parte del gobierno ni de la policía.

El crimen de Xapurí

En el periodo 1987-1988, Chico había conseguido crear en Acre varias Reservas Extrativistas, siendo aun la más emblemática la de Cachoeira, lo que le había ganado la enemistad del antiguo propietario del siringal, Darly Alves da Silva, quien es el principal autor de todas las amenazas al líder medioambiental. Se daba la circunstancia de que este sujeto era prácticamente un forajido con orden de prisión desde 1973 en el estado de Paraná, junto con su hermano Alvarinho. Ambos estancieros mandan matar en ese mismo año a 30 trabajadores de la selva.

En la insoportable presión que viven Chico Mendes y su entorno de lucha por el Amazonas en 1988 tienen un papel importante la UDR, como instigadora de las acciones violentas, y la Policia Federal de Acre, quien hace la vista gorda ante las amenazas y los crímenes. La industria maderera también toma cartas en el asunto y comienza a quemar indiscriminadamente un basto territorio de la selva, además de amenazar de secuestro al gobernador de Acre por colaborar en la creación de Reservas.

Chico Mendes denuncia con nombres a sus amenazantes y comienza a temer seriamente por su vida conforme a la situación se va haciendo cada vez más insostenible. En el nuevo congreso del CNS, Chico denuncia tanto la situación de devastación salvaje de la selva como la campaña violenta contra su persona y los trabajadores rurales en general, acusando abiertamente a la UDR. En el mismo congreso, se aprueba por aclamación la ponencia del Sindicato de Xapurí “En defensa de los pueblos de al selva”.

A principios de diciembre de 1988, Chico participa en una mesa redonda sobre la Amazonía en Rio de Janeiro. En una entrevista concedida ese mismo día al diario Jornal do Brasil denunció que su vida corría peligro inminente y que de un momento a otro podía ser ejecutado por los hermanos Alves, quienes no fueron detenidos meses atrás pese a que el Sindicato de Acre denunciase su crimen cometido en 1973 en otro Estado. En otras palabras, al policía aprecia estar poniendo a Chico a tiro de sus asesinos.

Trece días después, el 22 de diciembre de 1988, Chico Mendes es tiroteado a la puerta de su casa por Darcy Alves y su hijo Darli. Ambos son detenidos pocos días depuse y serán condenados a 19 años de prisión, fugándose en 1993 y siendo de nuevo detenidos. La muerte de Chico, quien estaba casado desde hacía varios años atrás con Izamar y que tenía dos hijos, Elenira y Sandino, de 4 y 2 años respectivamente, se hace eco en la prensa internacional y en poco tiempo se creará la Reserva Extrativa Chico Mendes, en el área en la que el vivía. La situación del Amazonas era aún preocupante y en los años sucesivos, pese a los esfuerzos de CNS, el Instituto de Estudios Amazónicos y el Centro de Trabajadores de la Amazónia, la situación no mejorará mucho, pese a que gracias a la labor de Chico Mendes, los años más duros ya hubiesen pasado.

El legado de una lucha

20 años después de su vil asesinato, la impunidad parece continuar en lo concerniente a la muerte de Chico Mendes. La responsabilidad por omisión de la policía Federal y del gobierno brasileño que por entonces presidía Fernando Color de Melo nunca ha sido confirmada oficialmente y ello aumenta más la magnitud del crimen contra una persona cuyo único delito fue, como el mismo reconoció, luchar por el bien de la humanidad: “Al principio pensaba que estaba luchando por los árboles de caucho, luego creía que luchaba por salvar la selva del Amazonas. Ahora me he dado cuenta que estoy luchando por la humanidad”

La lucha por el Amazonas no ha terminado aún. Parece eterna su agonía, y por ello, su futuro, incierto. La muerte de Chico no ah terminado aun con al defensa del amazonas ni con al creación de las Reservas Extrativistas, aunque quizás las cosas fuesen diferentes con chico vivo. El ya lo reconocía, poco antes de su casi anunciada muerte:

“Si bajase un enviado de los cielos y me garantizara que mi muerte iría fortalecer nuestra lucha hasta que valdría la pena. Mas la experiencia nos enseña lo contrario. Entonces yo quiero vivir. Acto público y entierro numeroso no salvarán la Amazonia. Quiero vivir”.

El aparatito de Lumiere- BORRACHERA DE PODER (L´IVRESSE DU POUVOIR)

***

Inteligente drama psicológico-político-judicial francés dirigido por el mito viviente Claude Chabrol, de 77 años de edad y casi medio siglo años de carrera, quien se puede vanagloriar de ser uno de los padres de la llamada Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa, aquel movimiento que revolucionó el cine a finales de los 50. La película que nos ocupa es una abierta crítica más que a la corrupción económica y política como al principio puede parecer, a la ambición de poder y a la hipocresía de la clase judicial cuyo afán de protagonismo muchas veces convierte a los jueces en omnipotentes máquinas de intrusión en los mas variados ámbitos, en este caso en un mundo empresarial de bastante hediondo olor.

La pelirroja Isabelle Huppert, una de las actrices francesas de mayor fama internacional en los últimos 20 años (protagonista de La pianista o Gracias por el chocolate, entre otras películas), interpreta con su habitual aplomo y habilidad para encarnar a mujeres ambiciosas e inquietantes, a la brillante juez Jeanne Charmant, ambiciosa e implacable, que tiene ante si un complejo caso de corrupción que estalla cuando un se descubre que un próspero empresario ha estad desviando fondos para comprar regalos a su querida. Tras esto, los tentáculos de de la trama de corrupción llegan hasta el mismísimo senado francés, quien no duda en maquinar en la sombra para anular la operatividad de la juez Charmant, y hasta Sibaud (Patrick Bruel), un empresario que actúa como confidente de la jueza, pero quien parece guardarse bastantes cartas en la manga. Todas las circunstancias del caso parecen otorgar una mayor éxito y reconocimiento profesional a Charmant, cuya ambición va en aumento a medida que advierte que la magnitud del caso le esta convirtiendo en una persona muy poderosa, aunque su vida conyugal parece no resistir tanta presión y exigencia.

Una película muy interesante de ver que tal vez se hace algo pesada por una duración relativamente excesiva para una historia como esta. También es fácil perderse en ciertos momentos donde el lenguaje judicial se hace dueño del diálogo, pero en general es una película entretenida y en donde la ironía y la doble lectura juegan una inteligente baza.

El apararito de Lumiere - ZODIAC

*** y 1/2

La nueva película de David Fincher, el reputado director de Seven y el club de la lucha ha resultado ser un thriller muy logrado, honesto y nada tramposo, basado en un hecho real aún no esclarecido. Sin concesiones a los típicos tícs de cara a la galería (comercial), Zodiac abandona la cierta pretenciosidad y el exhibicionismo estético que desde comienzos de su carrera venía lastrando a este realizador, bastante hábil y eficaz, por cierto, pero muy condicionado por su pasado de premiado director de videoclips (Madonna, George Michael, Rolling Stones). El guión abarca un largo periodo de tiempo que va desde 1969 hasta 1991 para describir con una lograda y pocas veces utilizada por el cine minuciosidad periodística el aún no resuelto caso del asesino en serie que se hacía llamar Zodiac, autor de varios asesinatos a cuchillo en el estado de California registrados intermitentemente entre 1969 y mediados de los 70. Las enfermizas misivas manuscritas (algunas cifradas) que el sujeto enviaba un diario de San Francisco, trajeron de cabeza a la prensa y a la opinión pública llegando a crear un auténtico clima de histeria, aumentado por las llamadas telefónicas televisivas del misterioso personaje. Robert Graysmith, caricaturista del diario y que en la película interpreta Jake Gyllenhaal, uno de los protagonistas de Brokeback Mountain, escribió un libro basado en al investigación, en la que el se volcó obsesivamente pese a no ser un periodista propiamente dicho. En este libro se inspira gran parte de lo cuenta esta película.

La película juega a don bandas mostrando por una parte la investigación periodística en el periódico a cargo de Paul Avery (Robert Downey JR), y por otra parte la investigación policial, capitaneada por el inspector David Toschy (Mark Ruffalo), aunque ambas se interconectan casi todo el tiempo. Graysmith, testigo de ambas, actuará muchas veces como interconexión. La película, aparentemente, esta muy bien documentada y esta excelentemente narrada, con un estilo documental y conciso que trata de no dejar nada en el tintero y que además consigue que el espectador no pierda la atención ni se aburra en ningún momento. La ambientación de los 70 esta muy cuidada y no recurre a tópicos, aunque no se comprende porque los protagonistas envejecen tan poco. Las interpretaciones son correctas, destacando Gyllenhaal como un neurótico investigador periodístico casi aficionado, con algunos momentos antológicos, aunque resulta muy sobado el drama familiar que se inserta en el guión. Robert Downey JR, uno de los últimoschicos malos de Hollywood esta bastante creíble en un papel que le viene que ni pintado, el de un periodista calzonazos y con tendencias alcohólicas.

La peli no abusa del hecho de una historia sobre asesinos psicópatas y pocas veces muestra los crímenes, aunque cuando lo hace la verdad es que resulta sobrecogedor. Lo malo de este filme es que su ritmo resulta muy poco convencional para un filme de estas características, ya que al estar basado muy fielmente en hechos reales con todos los fallos, interrupciones y pistas falsas de una investigación criminal termina a veces desconcertando. Tampoco ayuda una duración algo larga y que el desenlace se prolongue tanto. Una película mas que interesante, pero que nadie espere Seven 2.

DUNE DE ALEJANDRO JODOROWSKI: UN FILM DE CULTO QUE NO EXISTE

La historia del cine esta plagada de proyectos de películas frustrados y filmes inacabados, de importantes directores y productores, que pudieron ser grandes películas. La adaptación a la pantalla de la novela de ciencia-ficción Dune de Frank Herbert que a principios de los 70 proyectó el director, escritor, pensador, guionista de cómics, actor, mimo y experto en magia y ocultismo franco-chileno Alejandro Jodorowsky es uno de los proyectos de películas no realizadas del que mas se ha escrito y comentado entre la crítica, los amantes del cine, y los seguidores del género fantástico. Pudo ser, si no una gran película, al menos un trabajo cinematográfico completamente singular por la impronta que estaba dispuesto a darle un personaje tan peculiar como Jodorowsky y por la extraordinaria nómina de colaboradores técnicos que iban a tomar parte en ella: Moebius, H.R. Giger, Dan O´Bannon, Pink Floyd, Christopher Foss. Aunque finalmente la novela se llevaría al cine por otro director, la frustrada Dune de Alejandro Jodorowsky se ha convertido en un caso insólito: ha llegado a un nivel de culto, parejo al de muchos filmes, sin estar rodado. Su novelesca gestación queda aquí narrada, intentando al mismo tiempo hacer una reflexión sobre su significación en el mundo del cine y de lo fantástico.

El sueño del chamán que hacía cine

Alejandro Jodorowsky (Iquique, Chile, 1929) no quería que su adaptación de Dune -la famosa novela de Frank Herbert publicada en 1962 que se había convertido en una obra de culto entre los amantes de la ciencia-ficción- fuese una película mas. Hacia 1973 el polifacético chileno estaba ya introducido en el mundo del séptimo arte con una breve pero peculiar y transgresora filmografía, y al descubrir la obra de Herbert decidió que esa iba a ser la materia prima para su película definitiva, su obra maestra. Dune tenía no pocas concomitancias con el pensamiento y la filosofía del chileno afincado en Mexico (aunque residente por temporadas en París): la historia de universo irreal (futuro) que sufre una metamorfosis basada en un cambio total de su orden físico y metafísico, propiciado por la llegada de un mesías. El sustrato espiritual, filosófico y religioso de la novela fue lo que Jodorowsky quiso desarrollar y mostrar en su adaptación en todo su esplendor, para el lo mas poderosamente atrayente de la historia. Había encontrado un relato que conectaba perfectamente con su pensamiento y se veía con al obligación de “apropiarse” de ella, ofreciendo una visión muy personal. Estaba dispuesto a reinventar la historia- respetando su espíritu y esencia- para adaptarla mejor a su peculiar filosofía esotérico-religiosa. El mismo Jodorowsky ya mostró su declaración de intenciones en el histórico artículo de la mítica revista de ciencia-ficción francesa Metal Hurlant, publicado en 1982 cinco años después de que tras varios e improductivos años de trabajo el proyecto se fuese al traste: “Los cabalistas hablan de una consciencia colectiva, una especie de meta-universo. Y ahí esta todo lo que para mi significaba el proyecto Dune (…) Para mostrar el proceso de iluminación de un héroe, después de un pueblo, después de un planeta entero, el cual se convierte esta vez en el Mesías del Universo al abandonar su órbita, el planeta sagrado se dispone a extender su luz a través de las galaxias”. Lo más sorprendente del asunto es que Jodorowsky solo conocía Dune de oídas y de la lectura de críticas, aún no había leído el libro cuando tomo la decisión de hacer una versión cinematográfica.

Jodorowsky, según Moebius

El sueño de Alejandro Jodoroswky nunca se pudo hace realidad debido a su falta de experiencia con superproducciones (un filme de ciencia ficción en los 70, antes de La Guerra de las Galaxias sería carísimo), su escaso sentido práctico a la hora de negociar con colaboradores (sus encuentros con Salvador Dalí, quien iba a intervenir como actor en el filme son, efectivamente, dalinianos) y el desinterés de la industria hoollywoodiense quien rechazó rotundamente el proyecto por extraño, costoso y por tener un plantel técnico y financiero mayoritariamente europeo. Años mas tarde, como es sabido, Dune, de Frank Herbert, vería la luz como filme de la mano del siempre controvertido David Lynch, en 1984, en una versión mucho más fiel y menos transgresora (aunque también algo arty) que la pretendida por el ínclito chileno.

Para comprender toda acometida de Alejandro Jodorowsky en cualquiera de los campos que ha cultivado desde hace más de 50 años (cine, cómics, literatura, ensayo, teatro, sanación), es preciso conocer al singular personaje. Se inició como fotógrafo en su Chile natal, pero no le debió de parecer una ocupación provechosa ya que decidió quemar sus fotos e iniciar una nueva vida en Francia, en 1953. Allí descubre el teatro y las artes escénicas y comienza a aprender el arte de la mímica de la mano del gran Marcel Marceu. Comienza a escribir obras teatrales y a dirigir teatro y en 1957 dirige su primer trabajo para el cine, el cortometraje Les têtes interverties. En 1960 se va a Mexico donde se interesa por el zen y estudia psicología, llegando a ser discípulo del eminente Erich Fromm, que por entonces residía en el país azteca. En 1963 regresa a París y se vuelca en el teatro, fundando el colectivo dramatúrgico Grupo Pánico, junto con otras dos personalidades irrepetibles: Fernando Arrabal y Roland Topor. A finales de los 60 decide adentrarse en el séptimo arte por fin con paso firme: en 1967 rueda en México su primer largometraje, Fando y Lis, basado en una obra de Arrabal. La película, surrealista y bastante atrevida para la época, recibe rechazo de crítica y público, lo cual no impedirá a su autor continuar dirigiendo cine en los años siguientes. En 1971Jodorowsky dirige El Topo, un western psicodélico y lisérgico basado en las experiencias chamánicas y psicotrópicas del director que se convierte en objeto de culto de la generación hippy y que comienza a situar a su autor como un pope de la contracultura. John Lennon se enamora de la película y convence a Allen Klein, antiguo ejecutivo de Apple, la empresa de Los Beatles, para que financie el próximo film de Jodo: La montaña sagrada (1973), película por la que es mas recordado y su obra maestra. Convertido en un cineasta de culto- había aparcado temporalmente su faceta teatral y aún no se había metido de lleno en el mundo del cómic- Jodorowsky decide en ese momento llevar a cabo proyectos ambiciosos, y Dune iba ser el triple salto mortal.

Transbordador de la Cofradía Espacial diseñado por Chris Foss

Recibiendo un mito

Poco imaginaba el escritor norteamericano Frank Herbert (1920-1984), que su obra magna, publicada en 1962, iba a ser adaptada por un tipo que tomó esa decisión sin haber leído el libro y que tras, según el, oír una voz divina que le decía “tu próxima película será Dune”, se levantó súbitamente una madrugada y se fue a las seis de la mañana a una librería a esperar que abriese para adquirir un ejemplar de la novela. Según el propio Jodo afirma, se leyó sus mas de 600 páginas en un día y acto seguido inició las gestiones para la adaptación cinematográfica. Dune ya era considerada en aquel 1973 una obra clásica de ciencia ficción y era amada por los seguidores del género, aunque en esa época no se puede decir que la ficción científica fuese muy popular en el campo de al literatura, por lo que no era una obra excesivamente conocida. Herbert ya había publicado en 1969 una continuación, a la que seguirán cuatro más hasta la muerte del autor. Una historia entre espiritual, ecológica, ética y filosófica que revolucionó el concepto de ciencia ficción y que sigue siendo fascinante y muy leída en nuestros días. Su atmósfera entre barroca y onírica sigue siendo estéticamente fascinante y sin excesivas reinterpretaciones casaba muy bien con el universo mental del chileno.

Los derechos de la novela para llevarla al cine ya habían sido adquiridos en 1971 por el productor estadounidense Arthur P. Jacobs, responsable último de El Planeta de los Simios, pero tras posponer su preproducción varias veces (se dice iba a dirigirla David Lean), en 1973 fallece Jacobs y el proyecto queda aparcado.

Abajo: Sardaukar imperial y miembro de la Cofradía diseñados por Jean girau, Moebius

Jodorowsky no pretendió en ningún momento ser fiel a la novela original, según sus propias palabras quíso recrearla. Para el, Dune era un mito, y como todo mito, no pertenecía a su narrador, Frank Herbert, por lo que se podía hacer con un mito lo que se deseara. Según Jodorowsky, Dune no había sido creada porque los mitos no se crean, son recibidos por el artista (en este caso Herbert), en un “estadío de mediumismo, directamente desde el inconsciente colectivo”. Jodo quería, en definitiva, transmitir su visión del mito.

En el artículo de Metal Hurlant, Dune, le film que vouz ne verrez jamas Jodorowsky dio su visión del espíritu del proyecto y todas las dificultades que acompañaron a su fallida preproducción. Posteriormente, se han sabido datos que el autor omitió en su artículo y que no dejan tan bien parados al cineasta y sus colaboradores. Con todo, este documento es todo un clásico del estudio del cine alternativo y todo un objeto de culto de amantes del cine y la ciencia-ficción, un what if… romántico y excéntrico que refleja perfectamente el espíritu y la personalidad de Alejandro Jodorowsky. Su abundante difusión por Internet da fe del hecho.

Artífices lunáticos y asesores mágicos

Jodorowsky, que en 1973 residía entre México y Nueva York, se encontraba en esta última ciudad cuando tras leer el libro llamó a Paris al joven distribuidor Michel Seydoux, quien se encargó del periplo europeo de La Montaña Sagrada, para que comprase los derechos de Dune y financiase la producción de su adaptación cinematográfica. Seydoux no tenía experiencia como productor, pero accedió y se hizo con los derechos de la obra por un precio módico. Saydoux y Jodo comprendieron que una historia de ci-fi necesitaba ser una gran producción y estaban dispuestos a arriesgar en el tema económico, pese a que solo existía hasta la fecha un antecedente de superproducción de ese género: 2001, una odisea espacial de Stanley Kubrik.

Paul Usul Muab´Dib Atreides y la Dama Jessica. Diseños de Moebius

El artista chileno ya había pensado en importantes cambios en el argumento de la adaptación y en la caracterización de los personajes con respecto a la fuente original; algunos curiosos y pintorescos, otros ingeniosos, y alguno que atentaba directamente contra elementos claves de la historia original. Se le ocurrió que el Duque Leto Atreides estaría castrado, al igual que algún personaje de la novela original como el Conde Hasmir Fenrig. Leto había inseminado a su concubina, la Dama Jessica con su propia sangre, y fruto de esa peculiar concepción nacería el protagonista de la saga, Paul Atreides. Kaitain, el planeta sede de la casa imperial Corrino sería un planeta artificial de oro donde en un palacio de arquitectura imposible residiría el Emperador Padishah Shadam IV, el cual aparece como un loco. Lo más chocante es que Jodo pone en escena en el palacio imperial a un robot idéntico al emperador el cual “vive en simbiosis con el”, cuando en el universo que creó Frank Herbert situado en el siglo 102 los robots y los ordenadores fueron aniquilados bastantes siglos atrás, elemento éste básico en el universo de Dune. Evidentemente, Jodorowsky no pretendió en ningún momento seguir las pautas marcadas por Herbert y prefirió guiarse por sus propias apetencias estilísticas y dramáticas. De hecho, el propio franco-chileno hizo todo lo posible por

que Herbert supiese lo menos posible de su versión y por mantenerle apartado del proyecto. Pese a que Jodorowsky nunca citó ninguna declaración de Herbert sobre la revisión de suobra, ni tampoco de que ambos se hubiesen encontrado ninguna vez, parece ser que esto si ocurrió.

Planeta Kaitain (C. Foss)

Jodo también introdujo modificaciones significativas en algo tan importante en al obra como es el concepto de la especia - la sustancia que se produce en el planeta Arrakis (Dune) y que es indispensable para el orden universal- y en el final de la historia, en donde introduce la concepción de Paul Atreides, el Mesías esperado de Dune, como un héroe colectivo, como una persona que es todos los habitantes de Arrakis (los Fremen) que le han aguardado como salvador, y también su familia, la noble Casa Atreides.

Reverenda Madre Gaius Helen Monhiam

A Jodorowsky le atraía mucho la idea creada por Herbert de que un planeta desértico como Arrakis-Dune, pretendía y podía convertirse en un paraíso. Estos es precisamente lo que pretende Paul Muad ´dib Atreides al final de la novela. En su versión, Jodorowsky muestra ya la mágica e casi instantánea transformación del árido Dune en un planeta-jardín, en un proceso inspirado en la transmutación de la materia que pretendían los alquimistas. Jodorowsky quiso asesorarse a fondo sobre el tema para mostrar una secuencia lo más sorprendente posible y fiel con el concepto de transmutación y se puso en contacto con pintorescos alquimistas reales. El cineasta quiso que todos los conceptos que aparecían en la historia fuesen lo más veraces posibles, pese a lo a menudo extravagante de su naturaleza: la rebelión de Paul y los Fremen contra el emperador se asemejaba según Jodo a la guerrilla, y por ello contrató a un guerrillero mercenario sudamericano como asesor militar; en el rito de pasaje de Dama Jessica como Reverenda Madre Bene Gesserit esta toma el “agua de la vida”, con propiedades alucinógenas, y se requirió del consejo de hechiceros y curanderos para imbuir al bebedizo de un carácter chamánico, curativo y ritual.

Se pensó rodar en Argelia el filme para emular el tórrido paisaje de Dune. Jodorowsky ya tenía reservado desde el principio el papel del joven Paul para su hijo Brontis, que había intervenido en La Montaña Sagrada. No obstante, Jodo y Seydoux prefirieron pensar en el casting mas adelante y se centraron, una vez adquiridos los derechos, en la parte técnica, la que iba a traer a priori mas quebraderos de cabeza. Tras trabajar en el argumento y en el tratamiento, Jodorowsky pensó que necesitaba un buen guionista que le ayudase a visualizar la historia realizando además un storyboard completo. Ante un película que iba resultar tan dinámica, un dibujante de cómics sería un buena opción y Jodorowsky ofreció entonces al genial Jean Giraud Moebius realizar un guión gráfico, a lo que el dibujante galo accedió. Esta sería la primera colaboración de Moebius y Jodorowsky, previa a la reconocida sociedad que formaron en los años 80 como creadores de cómics. Arriba: Dr. Kynes, (Izda.) y El Duque Leto (Dcha.), que iba ser encarnado por el propio director

Moebius y Jodorowsky comienzan a trabajar afanosamente entre París y EEUU en el guión y en el storyboard del film. En total, el dibujante francés realiza 3.000 dibujos entre diseños de personajes y su vestuario, escenarios y escenas del storyboard. Jodorowsky siempre se maravilló del trabajo de Giraud para la película, en especial de las imágenes del guión: “Se pueden ver a los personajes viviendo, se puede seguir el movimiento de la cámara”. El cineasta comienza a buscar un diseñador para las naves espaciales, dejando claro que lo que desea son naves visualmente turbadoras, metafísicas y delirantes, en concordancia con el espíritu de una historia de ciencia-ficción original y sui géneris. Christopher Foss, famoso ilustrador británico de portadas de libros de ficción científica será el elegido. Foss se instala en París, ilusionado por trabajar por primera vez en el film (al igual que Giraud) y comienza a crear unas espectaculares naves casi orgánicas con facultades miméticas con los vivos colores de los asteroides de la película. Foss se inspiró en la forma y el colorido de los peces tropicales.

Arte y fantasía

Para recrear el planeta Giedi Prime, la morada de los malvados y belicosos Harkonnen, Jodorowsky contrató al pintor y escultor surrealista suizo Hans Rudi Giger. Giger, que en al época en la que contacto con Jodo (hacia mediados de 1974) era el reputado autor de una obra oscura, horripilante e inquietante, diseñó varios escenarios del planeta y varias opciones para el castillo del Barón Harkonnen, que el imaginó antropomorfo a imagen y semejanza del obeso Barón. En todas ellas, de la puerta-boca del palacio humanoide surgía una gigantesca lengua-plataforma que transportaba a los personajes al interior del edificio. El “horror metafísico” que transmitía la obra de Giger era el mismo sentimiento que transmitía el mundo de los Harkonnen, según Jodorowsky.

H. R Giger: Palacio Harkonnen

Douglas Trumbull era al primera opción de Jodo y Seydoux como responsable de los efectos visuales, debido a su fenomenal trabajo en 2001. Pero tras un primer contacto en el que el técnico norteamericano puso en evidencia su divismo, su contratación se desestima. Los cachés de los ténicos de FX en Hollywood comienzan a ser en esa época astronómicos y entonces Jodorowsky dirige su mirada a los artesanos de la serie B. Tras meses de búsqueda, Jodorowsky descubre el film de Ci-Fi semiamateur hecho por universitarios, Dark Star, de un tal John Carpenter y atraído por el trabajo de su joven jefe de efectos y coguionista, Dan O´Bannon, decide ofrecerle el puesto de responsable de FX. O´Bannon, seguidor de la novela, acepta ilusionado y abrumado, ante la responsabilidad de trabajar en una superproducción.

La preproducción estaba transcurriendo lenta e imprecisa; en verano de 1974, casi un año después de que se comenzara a gestar el proyecto, aún no se tenía cerrado el plantel técnico y no se había dirigido formalmente a ningún actor para formar a parte del reparto, pese a que los responsables ya involucrados trabajaban con suma ilusión, pero también con enfermiza meticulosidad, lo que hacía que la preproducción se alargase. Por esas fechas, Jodo viaja a Londres junto con Jean Paul Gibon, productor francés que se había unido al proyecto, en busca del autor de la música. Estaba claro que un film como el Dune de Jodorowsky no debía de contar con un BSO orquestal, sino con música más vanguardista, entre el Rock, el Muzak y la música electrónica, y en el RU uno podía encontrar músicos de ese tipo a patadas. No obstante, la primera opción de Jodorowsky fue el grupo francés de Rock progresivo-esotérico Magma (cuyas portadas de sus discos solía diseñar H.R Giger), famosos por la lengua ficticia que habían inventado en sus temas. En Inglaterra se entrevistaron con el propietario de la relativamnte recién nacida Virgin Records, Richard Branson, cuyo catálogo incluía algunos de los grupos y solistas más innovadores en el rock del momento. Tras proponer Branson los nombres de los alemanes Tangerine Dream, el británico Mike Oldfield o los panaeuropeos Gong, a Jodorowsky se le enciende la bombilla y propone a Gibon a Pink Floyd, por entonces el mas exitoso y reputado grupo británico. Cuando Jodo y Gibon se entrevistan por primera vez con ellos en los estudios de Abbey Road, estos, según Jodo, estaban demasiado ocupados en la grabación de un disco (que el director, en el artículo de Metal Hurlant, cita como The Dark Side of The Moon, pero no puede ser a tenor de las fechas, ya que este LP fue grabado en 1972 y publicado en marzo de 1973) y les emplazan a una nueva reunión, tras disculparse por su actitud de desinterés y ofrecerles oír las ultimas mezclas de lo que estaba siendo su nuevo disco. El grupo ve La Montalña Sagrada en Canadá y decide tomar parte en el proyecto, en lo que sería una nueva BSO de Pink Floyd tras sus trabajos en More, Zabriskie Point y La Vallé . El grupo, además, comunicó a los responsables de la película su intención de que la BSO de Dune fuese un disco doble. Jodorowsky, no obstante, pretendía involucrar a otros músicos en la BSO, aunque no se tiene constancia de que hiciese ninguna oferta formal a nadie más. Se ha rumoreado que Magma y Tangerine Dream iban a tomar parte definitiva en la música, lo mismo que el grupo inglés Henry Cow. Obviamente, al no filmarse ninguna escena del filme, Pink Floyd no pudo trabajar jamás en su partitura.

Salvador Dalí: el emperador surrealista

Hacia finales de 1974 Se comienza con el proceso de selección de actores. En realidad son mas las crónicas de rumores y de intenciones que los contactos concretos y las ofertas firmas. Se sabe, por el propio cineasta, que Charlotte Rampling rechazó interpretar a Jessica y que había un compromiso firme de David Carradine para intervenir en el filme. Aunque Jodorowsky afirma que este actor estaba interesado en el papel del Duque Leto, otras fuentes aseguran que iba a interpretar a Pardot Kynes, el planetólogo imperial. Con todo, parece probable que el propio Jodorowsky considerase finalmente la idea de que él mismo interpretaría al Duque y que Carradine sería Kynes. Geraldine Chaplin fue la nueva opción para interpretar a Jessica tras el rechazo de Rampling, aunque el propio Jodorowsky no habla de esto en su artículo.

Orson Welles iba a interpretar al orondo y siniestro Barón Harkonnen. El papel de la Reverenda Madre de la hermandad Bene Gesserit Helen Gaius Moham iba a ser para Gloria Swanson. Se asegura que Mick Jagger iba a encarnar a Feyd Rautha, el siniestro sobrino del barón, que la versión imaginaba como un efebo afeminado; y que Alain Delon interpretaría a Duncan Idaho, maestro de armas de la Casa Atreides. Un reparto estelar que encarecería aún más el presupuesto del filme. Pero ninguno de estos intérpretes iba a ser el mejor pagado de la película.

Barón Harkonnen. (¿Orson Welles?)

El director había imaginado al emperador Shadam IV como un loco bufón histriónico, y no concebía otro intérprete para este rol que el artista catalán Salvador Dalí (1904-1989), todo un showman. Dalí no había trabajado nunca como actor profesional, pese a intervenir en varios anuncios y en comportarse en su vida como si realmente fuese el jefe de pista de un grandioso circo: el de su propia existencia. Jodo se cita con el artista en Nueva York en una de sus exposiciones, pero no se llega a consumar el encuentro porque el cineasta llega tarde. Tras varias dificultades, el director y el pintor se reúnen finalmente y Dalí accede con aparente entusiasmo a interpretar al emperador, pero comienza a poner condiciones: quiere que el trono del emperador sea una silla-retrete de su invención que no mezclaba el pis con la caca, y pide de salario 100.000 dólares de entonces por hora (Jodorowsky quería que Dalí estuviese una semana rodando), además de la posibilidad de aumentar su sueldo dependiendo del humor con el que esté ese día. Dalí también rechazaría leer el guión, pero ofrecería a Jodorowsky algunas ideas para su papel.

A Jodorowsky el caché del artista le pareció desorbitado, pero aceptaría el resto de condiciones. Pide tiempo para pensar en los surrealistas requisitos y finalmente ofrece rebajar a Dalí su sueldo de 700.000 dólares semanales a 300.000, una cantidad aún inmensa para la época. En un nuevo y muy daliniano encuentro en París en una fiesta con famosetes, Dalí acepta la oferta final del cineasta, usando como firma de contrato la carta del Tarot de El Colgado que Jodorowsky le había enviado días antes. Dado que Dalí no quería ser dirigido, Jodo le propone una especie de juego en el que el director le preguntaría al pintor sobre como que le gustaría hacer ese momento en el plató o como tendría que ser su personaje y Dalí tendría que responder.

El director estaba encantado con la idea de trabajar con Dalí y no le importaba su desorbitado salario- que le convertía en el actor mejor pagado de la historia hasta el momento-, ni sus extravagancias a la hora de ser filmado. A finales de 1975, Gibon advierte de que el presupuesto para pagar al reparto es de 150.000 dólares y por ello es imposible que Dalí cobre lo estipulado. Jodorowsky y los productores se desplazan a Barcelona y tratan de renegociar con el artista, y tras un tenso tira y afloja se decide finalmente reducir el papel del Dalí a una página y medio del guión y una hora de rodaje por 100.000 dólares. Ya que este tiempo de rodaje no cubría todas las apariciones del emperador, se pactó filmar algunas escenas con un muñeco de polietileno que reprodujese al artista, en especial aquellas en las que este aparecería haciendo sus necesidades en su “trono escatológico”. Con todo, seguiría siendo el actor mejor pagado de la historia.

El emperador Padishah Shadam IV según Moebius, con los rasgos de Dalí

Todo se va al garete

No se tiene mucha certeza cuando fue la fecha exacta en la que el proyecto de Dune se canceló, pero se calcula que fue a finales de 1976. Al parecer, jodorowsky hizo circular el storyboard de Moebius por diferentes estudios de Hollywood durante un año (no se sabe si hizo lo mismo con un guión literario que nunca ha visto la luz). Se necesitaba de dinero norteamericano para una producción de esas características, pese a que la inspiración era cien por cien europea. Pero todos los productores y ejecutivos de las grandes compañías lo rechazaron arguyendo que no era “suficientemente Hollywood”.Había desconfianza en que un producto gestado principalmente por manos francesas fuese convincente y atrayente, y mucho menos en un campo como la ciencia-ficción. Dune de Alejandro Jodorowsky se va al garete terminando con casi cuatro años de trabajo infructuoso y bastantes diseños ya realizados. Jodorowsky no realiza un filme hasta 1980, Tusk. Todos los participantes que ya habían realizado aportaciones se sienten abatidos, especialmente Dan O´Bannon, quien fue recluido en un hospital psiquiátrico.

Un hecho desvelado hace relativamente poco muestra que Frank Herbert estaba mas al tanto de la adaptación de su novela de lo que Jodorowsky ha llegado a admitir, pese a que no deseaba la presencia del escritor en el proyecto. Al parecer, según declaraciones del literato, Herbert se desplazó a París en 1976 para ver el trabajo de la adaptación y se dio cuenta que se habían gastado ya en la preproducción del filme dos millones de dólares. El guión que escribió Jodorowsky suponía una película de 14 horas y tenía el grosor de una guía telefónica. No se conoce la reacción posterior de Herbert, aunque él mismo llegó a afirmar que ambos creadores mantuvieron una relación cordial pese a las libertades que el francochileno se había tomado con su texto.

“El proyecto de Dune cambió nuestras vidas”

Está demostrado que Jodorowsky y su equipo, poco duchos en superproducciones, administraron muy mal el presupuesto (que fianlmente de disparó a los nueve millones y medio de dólares), de allí que se hubiesen gastado tanto antes de vender el proyecto a productores estadounidenses. En realidad, puede que también Alejandro Jodorowsky no fuese el director mas apropiado para una empresa de estas características, y de haberse hecho, el resultado, pese a la enorme calidad artística y técnica imbuida por los colaboradores que se había agenciado, no sería una el de la obra maestra fantástica que pretendía ni mucho menos, pero sería una atractivísima una y, sin duda alguna, un filme de Ciencia Ficción de culto, pese a que los seguidores de Dune novela habrían puesto el grito en el cielo. El frustrado Dune de Jodorowsky es ahora, con todo, una de las películas frustradas que más interés siguen despertando entre los amantes del séptimo arte. Y no es para menos, ya que se hubiese estrenado mas o menos en la misma época que Star Wars, anticipando el concepto de superproducción de Ciencia -Ficción (hubiese costado mas que al película de Lucas), y hubiese contado con una factura artística y estética adelantada a su tiempo.

Un sexualmente ambigüo Feyd Rautha

Como es sabido, el todopoderoso productor italiano Dino de Laurentis se hizo con los derechos de Dune en 1978, y durante seis años se gestó una superproducción mas fielmente basada en la novela original de Frank Herbert, que además participo activamente asesorando el proyecto y escribiendo un guión inicial que al final no se utilizó. David Lynch fue el director de Dune (1984), aunque al principio De Laurentis puso el proyecto en manos de Ridley Scott. Una interesante y digna adaptación con una fascinante estética atemporal y , como el proyecto de Jodorowsky, un indudable sentido artístico en su escenografía, decorados, vestuario. Se da al circunstancia de que en un principio H.R Giger, uno de los diseñadores de producción del filme de Jodo, iba a tomar parte en la versión de Scott tras su excelente trabajo en Alien ( 1979) del director británico en donde diseñó a una de las criaturas mas espectacularmente inquietante de la historia del cine, pero tras diseñar algunos escenarios muy parecidos a los de la adaptación de Jodorowsky, se cayó de la adaptación una vez Scott la abandonase.

Otro diseño de Giger para el palacio Harkonnen

Giger nofue el único ex Dune de Jodorowsky que iba a colaborar en Alien, la obra maestra de Ridley Scott: Dan O´Bannon fue el guionista de la película, escrita por él en su periodo depresivo post-dune, en el cual llegó a firmar otros 12 guiones que nunca verían la luz; Chris Foss diseñó las naves y Jean Giraud Moebius los trajes espaciales de los tripulantes del Nostromo. Además, Giger ideó unos decorados extraterrestres muy parecidos a los que había diseñado para Dune. En resumidas cuentas, Ridley Scott aprovechó los talentos de una camarilla de excelentes profesionales a los que su filme debe prácticamente toda su excelente y legendaria factura técnica y estética, totalmente influyente en la historia del cine y de la iconografía occidental…y pudieron haber hecho un trabajo parecido antes. Hans Rudi giger, por cierto, contó su experiecia en la frustrada Dune en su artículo “Dune: Giger on Jodorowsky” ilustrada con sus impresionantes diseños.

Quedan también parte de los diseños de personajes y vestuarios que realizó Moebius, parte de ellos alumbrados al público en el artículo de Metal Hurlant y otros disponibles en varias páginas de Internet, lo mismo que diseños de Foss. Los dibujos y bocetos de Moebius tienen un indudable atractivo y dan una idea de cómo pudiera haber sido el look del filme. Varios de ellos inspirarían la estética del cómic El Incal, que Giraud realizó con Jodorowsky como guionista en la década de los 80. Es muy discutible, sin embargo, que muchas de las ideas que se barajaron en el filme, como muchos afirman, terminasen en la saga Star Wars, no hay nada que lo demuestre.

Como el propio Alejandro Jodorowsky afirmó, el proyecto de Dune cambió las vidas de él y los que el llamaba sus “siete samurais”. El culto a una película que no existió nunca sigue ahí, y un nuevo mito, “recibido” por el polifacético personaje, nos ha sido entregado a la colectividad: Dune de Alejandro Jodorowsky