EL TEST

 

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Curiosa y grata sorpresa con este filme basado en una obra teatral de Jordi Vallejo que el mismo autor adapta con soltura al medio cinematográfico y Dani de la Orden (que en el mismo fin de semana dos filmes) dirige con precisión y mimo con el fin de hacer una comedia inteligente y con fuste. Aunque es cierto que la filiación teatral de la película es evidente y condiciona todos los aspectos de la puesta en escena no debe caer en modo alguno en saco roto el esfuerzo del director y del guionista por dotar al filme de diferentes elementos para estructurarlo como una historia concebida para la pantalla grande. La premisa de la historia en realidad sirve de excusa para retratar diferentes miserias humanas como el arribismo, la codicia, el narcisismo, la cultura del éxito, la envidia o la sumisión al dinero y en definitiva para mostrarnos como de jilipoyas podemos llegar a ser los humanos ante supuestas situaciones límite en las cuales la ambición puede hacer renunciar a valores como la amistad o la lealtad. Un quinteto de actores lleva el peso de la historia y son suficientes para dar un estupendo trabajo interpretativo en un filme sustentado principalmente en trabajados diálogos enmarcados en una ambigua y tragicómica  lucha psicológica.

Con más de comedia que de drama la película consigue una cosa no siempre sencilla que es mantener la atención constante del espectador al tiempo que trata de ponerse en la piel de los personajes. Un matrimonio cuarentón en crisis formado por Héctor (Carlos Santos) y Paula (Miren Ibarguren) con una hija y necesitados de dinero, acceden a la invitación de su viejo amigo Toni (Alberto San Juan) a su lujosa nueva vivienda. Toni, que ha triunfado económicamente con mínimo esfuerzo tiene como pareja a una famosa psicóloga mediática, Berta (Blanca Suárez) cuyo leiv motiv de uno de sus libros sobre autocontrol constituirá el desafió que Toni plantea a sus amigos: aceptar 100.000 euros en ese momento o esperar diez años para recibir un millón. La pareja ve difícil llegar a un acuerdo sobre cual es la mejor opción ya que ambos son personas muy diferentes (más de lo que pensaban el uno del otro) y además ante tal situación no tardarán en aparecer fantasmas del pasado y más problemas.

Es cierto que todo el juego psicológico no esta tratado con demasiada intensidad y que los giros de guión pueden resultar previsibles, manidos y rutinarios hasta el punto de hacer que el espectador se decepcione un poco con las expectativas que al principio habría puesto sobre la historia, pero no es difícil identificarse con diferentes situaciones descritas en la película y pese a que como crítica social se le eche en falta una mayor contundencia (sobre todo al tema de los nuevos líderes de masas encarnado en el personaje de Blanca Suárez). El Test resulta una estimulante comedia dramática que demuestra que las buenas historias bien trtaadas pueden dar para bastante.    

ALI Y AVA (ALI & AVA)

 

 

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Hay muchas maneras de hacer un melodrama amoroso y el cine social se ha revelado como una de las mejores por su honestidad a la hora de elaborar las historias y sobre todo por la credibilidad que puede ser capaz de transmitir. Pero no siempre  es tarea fácil hacer una buen melodrama realista, por eso el hecho de que filmes como Ali & Ava consigan hacer llegar a buen puerto una historia de amor trufada de problemas, obstáculos y prejuicios de la vida misma es una buena noticia para los amantes del cine de grandes historias además de demostrar que el drama social europeo sigue vivo, en esta ocasión desde la siempre rica vertiente británica y bajo el inevitable influjo del maestro Ken Loach. Clio Barnard, la directora de esta entonada cinta, demuestra ser una cineasta a tener en cuenta principalmente por la versatilidad que demuestra aquí manejando elementos de comedia, drama y costumbrismo sin perder el sentido del cine más inmediato.   

Una relación intergeneracional e interétnica es lo que nos cuenta este filme, en donde  Ava (Claire Rushbrook) una sesentona británica viuda que vive modestamente con sus hijos y nietos conoce a Ali (Adeel Akhtar) un cuarentón de origen asiático que también vive con su extensa familia y entre los dos surgirá una atracción mutua que llevará a una relación cuyo discurrir no  será nada fácil para los dos por múltiples razones tanto personales de ambos como sociales, aquí principalmente por la diferencia de etnia. Tanto las introspecciones de ambos personajes y sus problemas y circunstancias como las vivencias experimentadas en una relación cada vez más difícil son plasmadas con una muy bien estructurada fuerza dramática atenuada por oportunos insertos comediáticos. Ambos protagonistas hacen extraordinarios trabajos que aportan credibilidad y momentos tensos y emocionantes. Se echan en falta  más películas así en las carteleras .  

VORTEX

 

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Hecha desde la honestidad, la incomodad y también desde la experimentación tenemos aquí una película singular cuya aproximación a la vejez y la decadencia además de ser lógicamente respetuosa no se conforma en caer en el drama convencional y sin dejar en ningún momento un realismo atroz empela recursos metacinematográficos que pese a no ser muy novedosos (pantalla partida con dos puntos tomas de cámara de un mismo plano desde distinto ángulo)  tiene desde luego su sentido narrativo. Gaspar Noe, cineasta francés provocador y con tendencia a no dejar a nadie indiferente ha conseguido un filme crudo y conmovedor en donde un anciano matrimonio (Françoise Lebrun como la esposa y el mítico director Dario Argento como el marido)  el con serios problemas del corazón y ella con alzhéimer viven sus problemas de salud como pueden dejando atrás un pasado de exitosos profesionales liberales (el hombre cineasta y la mujer psiquiatra) y encarando toda la miseria de su decadencia con la esforzada ayuda de un hijo cuarentón (Alex Lutz) que cuenta con serios problemas que impiden una plena asistencia a sus progenitores.  

El nudo en la garganta es constante durante todo el transcurso del filme; ver desavenencias creíbles y cotidianas excelentemente escenificadas por la pareja protagonista la cual hace un excelente trabajo (hay que tener en cuenta además que Argento no es un actor profesional) resulta una experiencia conmovedora y triste pero necesaria para espectadores que pidan algo más a una película. La aspereza del filme pese a todo esta atenuada por su ternura y por su bien medido tono poético y metafórico desde un prisma tanto intelectual como cotidiano. El envejecimiento pocas veces ha estado tan bien retratado como en esta película, que pese a todo también supone un hermoso canto a la vida  

LA BESTIA (BEAST)

 

 

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Las fechas estivales parecen siempre propicias para el cine de aventuras por lo que n no es extraño que nos haya llegado esta curiosa producción norteamericana que conjugando el thriller, la acción, el drama y un mensaje ecologista consigue su propósito de entretener con un producto más o menos resultón que cumple pero sin ninguna novedad ni visos de gran cine. El Africa Negra es el escenario de este nuevo retrato de la eterna lucha humano-animal con un león despechado en lucha por su supervivencia y vengándose contra los que mataron a miembros de su manada. El islandés Baltasar Kormakur (Everest) dirige con clase pero algo rutinariamente un filme emocionante muchas veces pero cuyo elemento dramático (bien insertado, ojo) no alcanza cotas de excesiva credibilidad mientras que su mensaje anti depredación humana parece claro pero en medio de un conjunto donde dominan la adrenalina y los sustos (mal endémico del cine intriga comercial) termina pasando desapercibido.  

Idris Elba, la actual superestrella británica negra por excelencia, encarna al doctor Nate Samuels, un médico norteamericano que viaja a Sudáfrica (país natal de su difunta esposa) con sus hijas para pasar las vacaciones reuniéndose con su amigo Martin Battles (Sharlto Copley) un biólogo especializado en leones. Extraños ataques aparentemente sin motivo de leones macho a personas empiezan a sucederse afectando a Battles, Samuels y a la familia de este, convirtiendo lo que debían ser unas plácidas vacaciones zoológicas en una pesadilla. Como en muchas películas de este tipo, la sombra mítica del Tiburón de Spielberg es más que notable y a decir verdad en ella se sustentan las virtudes de esta película. Con un interesante paisaje africano y unos aceptables efectos especiales con imponentes felinos realizados por ordenador incluidos, la película no escatima en momentos de tensión y cuenta con un desarrollo muy interesante, pero por desgracia poco más consigue. Cine de entretenimiento  con cierta chicha pero sin mucho relieve.

 

LUNANA, UN YAK EN LA ESCUELA (LUNANA: A YAK IN THE CLASSROOM)

 

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Un país tan pequeño y desconocido como Bután ha aportado un filme grande y luminoso que pone de manifiesto que no sólo el cine no tiene fronteras sino que las historias cargadas de humanismo bien contadas y dirigidas directamente a la emotividad del espectador no saben de barreras culturales ni de límites. Lunana. Un yak en la escuela es un filme que utiliza recursos propios del documental (un escenario real en una remota aldea de las montañas con sus auténticos habitantes interviniendo en la película) para contarnos una historia de superación, adaptación y lucha por una vida mejor que consiguió una nominación al Oscar a mejor película internacional. Pero lo mejor es que nos muestra al público occidental otra realidad contada de forma honesta y verista y con un bonito mensaje de esperanza  todo entre deslumbrantes paisajes de la montaña butanesa.

Un director debutante, Pawo Choyning Dorji ha firmado un trabajo filmado de manera sencilla y austera pero rico en matices y detalles que hacen de su visionado una delicia. Ugyen (Sherab Dorji), un joven maestro del estado, llega con muchas reticencias a la aldea de Lunana para enseñar en el pequeño colegio local tras un viaje a pie de varios días por inhóspitos parajes acompañado de dos lugareños. Reticente por lo lejano y empobrecido de su destino y sobre todo por que su verdadera aspiración es emigrar a Australia para ser cantante, el muchacho experimentará a los pocos días un cambio de actitud conmovido por la voluntad de aprender de sus pequeños alumnos, la felicidad del pueblo pese a su pobreza y sus carencias, y en definitiva de la fascinación que desprende toda la aldea con su amor por la música y las canciones, su veneración a las montañas y las costumbres y la especial atención que les prestan a los yaks, animal doméstico fundamental para su existencia y supervivencia. Contagiado por esa vitalidad, Ugyen dará lo mejor de si mismo para mejorar la calidad de vida de Lunana y descubrirá en él mismo aspectos que le eran desconocidos.   Las sencillas pero creíbles interpretaciones de un reparta mayormente no profesional- en especial los niños y niñas y la magistral utilización de la música (increíbles canciones butanesas) y la belleza de la imagen de los paisajes son un elemento fundamental y perfectamente explotado del filme. Una pequeña maravilla que debe verse y que ojalá no pase desapercibida entre el público.

LOS PERDONADOS (THE FORGIVEN)

 

*** y 1/2

La cartelera de verano, no demasiado tendente a grandes películas, a veces ofrece gratas sorpresas tal y como ha ocurrido con este más que estupendo filme británico-norteamericano basado en una novela de Lawrence Osborne en donde el conflicto sociológico y cultural entre las civilizaciones occidental e islámica aparece reflejado con una sutil y extraña crudeza y cierto componente extremo e irónico que va construyendo un relato visceral y dramático que pone al descubierto ciertas miserias y deficiencias de nuestra concepción occidental sobre otras culturas, especialmente desde el aspecto humano y psicológico.

El situar a una serie de adinerados personajes europeos y norteamericanos en un remoto pero lujoso paraje de Marruecos en donde los locales- la mayoría de los que tienen contacto con ellos empleados y criados- los miran con extrañeza, estupor y ciertas dosis de amor-odio (por lo que de beneficio o inconveniente puede suponer su estancia) ha conseguido ser un recurso narrativo enormemente acertado y sugerente y que es desde donde parten las ramificaciones narrativas de un guión-adaptación muy atrayente pese a alguna que otra deficiencia. La celebración de la boda entre dos jóvenes y ricos varones, un americano y un inglés, es donde se dan cita una serie de vips y millonarios occidentales (y algún asimilado del mundo árabe) exhibiendo hedonismo, despreocupación y desden, pero la accidentada llegada del matrimonio Henniger, David (Ralph Fiennes) y Jo (Jessica Chastain), una atribulada pareja con conflicto abierto entre ellos, inaugurará una problemática situación ya que accidentalmente mataron con su coche a un adolescente berebere vendedor de fósiles. David, apesadumbrado pero con ganas de quitarse de en medio como sea la desagradable situación tratará de llegar a una posible reparación con la familia del muchacho mientras que Jo prefiere el escapismo ante la tragedia pese a su congoja inicial, algo compartido con el resto de turistas e invitados.

El filme triunfa en mostrar la contraposición entre la lujosa banalidad colonialista de los occidentales y el sentido de la realidad de los marroquíes en esta historia, posturas que sólo muy limitadamente llegan a la comprensión mutua. Con una fotografía muy cuidada lo mismo que su puesta en escena entre lo teatral y la crónica de viajes exóticos, The Forgiven se postula como una película hipnótica y visualmente imponente todo ello para dar consistencia a su buen tino narrativo y a su reprochativo mensaje. John Michael McDonagh se postula como un director eficaz y un estimable creador de ambientes. Es una pena que la película no pueda mantener todos sus argumentos cinematográficos durante todo el metraje y que en los instantes finales la cosa parezca flojear un poco, pero aún así esta resulta una de las mejores cintas estrenadas en este estío.     

PIG

 

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Una grata sorpresa la de este filme semi independiente norteamericano con el que debuta Michael Sarnoski, un nombre que habrá que tener en cuenta en los próximos años y que ha firmado un trabajo sobrecogedor y sólido, en sus propósitos de facturar un drama crudo, creíble y con mensaje sustentado en alegorías y simbologías variadas. El contar con un cada vez más desconcertantemente omnipresente Nicholas Cage- que parece por fin despojarse del malditismo de estos últimos años-  podía llevar a cualquier resultado vistos antecedentes, pero un trabajo desgarrador y profesional del intérprete (que podría ser objeto de nominación al Oscar) lo que consigue es elevar aún más una película que deslumbra con su excelente guión, obra del realizador.

Pig es la historia de un perdedor, de un desposeído que en una situación radicalmente diferente a la de su pasado de gloria lucha por recuperar lo poco que le queda ahora, lo único que el puede amar ahora. El mundo de la alta cocina y de los restaurantes de lujo es el contexto en el que se nos presenta este relato de lucha contra el destino y de la eterna confrontación entre perdedores y ganadores, entre el éxito y el fracaso. Robin Feld, un antiguo y prestigioso chef y restaurador que vive ahora retirado de la civilización y con escasos recursos como hombre de las montañas dedicado a la búsqueda de trufas para vender a restaurantes. El extraño robo de su cerda, con la que llevaba a cabo la búsqueda del hongo y que por lo tanto suponía su principal medio de subsistencia, lleva al protagonista a buscarla en la ciudad de Portland con la ayuda del joven Amir (Alex Wolff), su contacto actual con el exterior e hijo de un rico empresario antiguo cliente del restaurante de Rob. El pasado del protagonista y hechos trágicos de su vida comienzan a reaparecer al tiempo que todo se vuelve cada vez más pesadillesco y desesperado para él. Para contar esto se ha recurrido a un tono narrativo simbólico y con trampantojos pero al tiempo claro y rotundo que supone una auténtica maravilla con un manejo de la crudeza y de los momentos más oscuros  sencillamente magistral gracias a un naturalismo totalmente ajeno a los golpes de efecto y a las convenciones de un drama convencional y comercial. Una pequeña joya que no debería pasar desapercibida.  

ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE (ENTRE LA VIE ET LA MORT)

 

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El thriller francófono parece que vuelve a la carga, y no estamos hablando de productos televisivos ni comerciales a lo Hollywood sino de la herencia de literaria de  Simenon o la cinematográfica de Melville o el Godard mas noir, perceptible en esta coproducción entre Bélgica, Francia y España que siguiendo también las pautas estilísticas de la nueva intriga policial europea logra ser un filme apabullante y perfectamente equilibrado entre lo humanista y lo irracional que requiere una historia de venganzas. Giorano Gelerdini, un director galo de no muy extenso bagaje logra una película convincente fundamentada en una historia bien elaborada- aunque con bastantes huecos para ser rellenados por el espectador- en donde los intérpretes, especialmente su protagonista, llevan la batuta en todo momento.

El español Antonio de la Torre, en estos momentos uno de los mejores actores del país, consigue una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha como un hombre desquiciado y obsesionado por saber la verdad sobre la trágica muerte de su hijo. Leo Castaneda, un conductor del metro de Bruselas que años atrás llegó desde España es testigo del aparente suicidio de su propio hijo arrojándose ante el paso del  tren que precisamente conducía su padre. El hecho de que Leo llevaba dos años sin ver a su retoño veinteañero y su extraña actitud ante tal suceso llevan a la policía a investigarle al tiempo que él mismo comienza una investigación por su cuenta que le llevará a enfrentarse con las sórdidas amistades delictivas de su hijo, con los que este participó en un atraco justo el día del suicidio. La carrera desesperada del protagonista, un hombre desquiciado y desnortado de conducta errática y violenta cuyo pasado poco a poco asomará es el eje vertebral de la historia en donde la lucha por la supervivencia y el retrato psicológico de Leo constituyen auténticos espectáculos narrativos brindados por un actor tan dotado como de la Torre. Es una pena que la película presa de ciertos elementos enigmáticos insertados para dar supuesto empaque a la intriga y algún previsible inserto de la historia española reciente en sus personajes ibéricos no termine de ser lo vibrante a que al principio del metraje se atisbaba. Con todo, se puede decir que se ha logrado un buen thriller con elementos cien por cien europeos.  

LLENOS DE GRACIA

 

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Está haciendo una inesperada buena taquilla esta comedia española dirigida por Roberto Bueso que siguiendo la estela de Campeones conjuga deporte con mensaje social de superación centrado en colectivos en riesgo de exclusión bajo los siempre impostados ropajes de feel good movie, pero si en aquella ocasión estábamos ante un filme ingenioso, inteligente y con argumentos en su vertiente comediática aquí nos encontramos  con un producto muy irregular, con escasa innovación y que flojea en sus intentos de ser un vehículo familiar y de ofrecer una comedia de fuste. Basada en una historia real con trasfondo de maduración y superación- la infancia del futbolista m de origen caboverdiano Valdo en una residencia de acogida regentada por monjas-  la película no deja ser un continuo deja vu de otras historias similares a la que un exceso de gags de sal gorda y un tono costumbrista bastante casposo hacen un flaco favor, aunque el reparto encabezado por la versátil Carmen Machi como una peculiar religiosa metida a entrenadora de fútbol de chavales se esfuerza en todo momento y en especial un voluntarioso reparto infantil y adolescente que logra transmitir credibilidad aunque lo poco convincente del guión no logre que sean trabajos verdaderamente notables.

Machi encarna con su soltura y profesionalidad habitual a la hermana Marina, una monja que recién llegada a mediados de los 90 a un orfanato madrileño a punto de cerrar tiene que lidiar con un grupo de menores de diferentes orígenes y procedencias indisciplinado, conflictivo, con casi ninguna gana de aprender y que no espera a su corta edad ya casi nada de la vida. La paciencia y la naturalidad de la hermana le hará ganarse a los chavales al tiempo que encuentra en la formación de un equipo de futbol que represente al centro en un campeonato balompédico un modo de unir a los críos en un mismo objetivo haciendo la consabida piña. Demasiado gruesa para ser una cinta para todos los públicos, muy reiterativa y esquemática para ser un filme con mensaje y en definitiva demasiado torpe para ser una comedia con fundamento, Llenos de Gracia no consigue ser un filme mínimamente memorable pero ya se sabe que este tipo de películas con estos ingredientes dentro del cine español suelen atraer a mucha gente a las salas por suerte o por desgracia.