LA HISTORIA DE SOULEYMANE (L´HISTORIE DE SOULEYMANE)

 

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Una nueva aproximación europea al fenómeno de la inmigración, y concretamente desde el cine francés, siempre acertado con cualquier temática social, con la novedad de que en esta ocasión se tocan items dentro del mismo tema que rara vez han sido objeto de una ficción, como es el caso de los “negocios” de personas que traman historias falsas para que un inmigrante consiga su regularización como refugiado político o las dificultades que el colectivo migrante en situación irregular tiene en sus trabajos no regularizados. Este filme de Boris Lojkine apuesta por un estilo verista y docuemntal centrándose en un personaje, Souleymane (Abou Sangare) un joven de Guinea Conarky que llegó a París poco tiempo atrás y que permiso de residencia ni de trabajo ejerce de repartidor en bici. Su esperanza es conseguir estatus de refugiado político para acelerar su regularización aunque en realidad no lo sea, pero otro individuo de origen africano le ayuda inventándose una falsa historia vital como perseguido en su país por razones política. Souleymane al principio de la película está a dos días de la decisiva entrevista con las autoridades de inmigración y trata de memorizar el falso relato mientras trata de hacer bien su trabajo- que le ocupa hasta altas horas de la noche-, se relaciona con otros jóvenes africanos y con sus clientes y pernocta en un concurrido refugio de sin techo. Se palpa su ansiedad por que todo salga lo mejor posible y su preocupación: un psicodrama muy bien planteado que además huye de convencionalismos sin dejar de estar centrado en los sentimientos del propio protagonista ante una situación límite.

Al estar la historia enmarcada en tres días, el factor tiempo y el ritmo de la narración son esenciales en este filme donde todo trtat de transcurrir de forma lineal mostrandoa demás los progresivos cambios en el estado de ánimo de Souleymane. Casi cámara en mano con planos largos y casi siempre en entorno urbano, la película consigue una total credibilidad y en sus instantes finales, el momento crítico para el muchacho, hace estallar toda una catarsis que de por si resulta enormemente esclarecedora e ilustrativa de la situación de muchas personas inmigrantes. La historia verdadera se enfrenta a la historia falsa, en un combate en el que se atisba que lo real tiene que ganar por sus propias características. Es muy esclarecedor el mensaje final que deja la peli y en ese sentido el propósito del filme se justifica por si solo. Queremos más películas así, por favor.

TODO LO QUE NO SÉ

 

*** y 1/2

Un debut prometedor en el largo el de la directora vizcaina Ana Lanbarri con un drama psicológico-costumbrista de texturas ásperas y sin edulcorante. Un ejercicio de psicodrama centrado en la lucha y ambición personal defendiendo lo que uno cree contra viento y marea y como esa lucha además de todo lo difícil que pueda llegar a ser, erosiona, condiciona e incluso daña a la propia persona. Con un guion muy directo y conciso y apoyada en el muy eficiente trabajo actoral , la película conmueve y hace cómplice al espectador, que logra empatizar con su protagonista, Laura (Susana Abaitua), una joven de 35 años ingeniera informática que intenta salir de la mediocridad personal en la que vive desde tiempo atrás (vivienda en piso compartido, trabajo de dependienta de una cadena de tiendas, ciertos problemas familiares) ante la repentina oportunidad que se le presenta de poder llevar a cabo un proyecto informático que ha intentado vender desde tiempo atrás. No será fácil la mayor dedicación a ese sueño que puede cumplir ya que su padre enferma terminalmente teniendo que cuidar de él a turnos junto con su hermana casada y con hijos y también la no muy clara relación con su novio comenzará a resentirse. El carácter de la mujer será cada vez más irascible afectando a la relación con sus seres queridos.

Hay mucha naturalidad en las situaciones descritas y la estupenda interpretación de Susana Abaitua ayuda mucho a magnificar un filme modesto en su aspecto formal pero con pretensiones narrativas y temáticas ambiciosas que llegan a muy buen puerto. En el reparto de secundarios brillan Natalia Huarte, Ane Gabarain, Andrés Lima, Francesco Carril e Iñaki Ardanaz. Muy bien filme que esperemos se mantenga bien en cartelera.

CONFIDENCIAL (BLACK FLAG)

 

* y 1/2

Steven Soderbergh es un director empecinadamente prolífico además de irregular. En su basta filmografía hay títulos de todo pelaje y género y pese a que haya algún clásico como su ópera prima Sexo, Mentiras y Cintas de Video (1989), Grey´s Anathomy (1996) o el éxito comercial Erin Brochovic (2000) predomina lo olvidable y lo irrelevante- este es su segundo estreno de 2024 tras la cinta de terror psicológico Presence, la cual pasó desapercibida como muchas películas suyas anteriores- aunque se siga esperando alguna sorpresa que no llega y ni tiene visos de hacerlo. Jugando engañosamente entre el mainstream y lo indie cuando en realidad es un director comercial, Soderbergh vuelve a estrenar -y se acerca al largometraje 40 en 36 años de carrera- y lo hace con un thriller de espionaje supuestamente psicológico escrito por el prolífico David Koepp (otro autor sobrevalorado) que sencillamente no convence. Entremezclándose con el drama amoroso y ciertos tintes políticos, Black Flag resulta un filme predecible y rutinario que no se encuentra así mismo en ningun momento. Si, es un acierto que trate de evadirse de la norma de un thriller al uso con un planteamiento de personajes concretos y casi teatral con profusión de escenas de interior (mucho se desarrolla en el hogar de la pareja protagonista), pero la manera de contarlo todo no tiene ninguna originalidad no como filme de intriga resulta atrayente ni emocionante, por no hablar de el elemento dramático que resulta muy poco relevante.

Al tratar de apostar por los actores, la película se ha rodeado de intérpretes eficientes que sencillamente cumplen en un pequeño desaguisado. Michael Fassbender interpreta a George Woodhouse, un agente del Servicio de Inteligencia británico al que se el comñunica que su esposa Kathryn (Cate Blanchett), otra agente del MI6, es sospechosa de traición. El matrimonio, que ya de pos sí tenía una relación anómala debido a su ocupación, entrará en un crisis aún mayor de la parecía comenzar a vivir y comenzará un juego al gato y al ratón en el que entrarán los amigos y compañeros de la pareja, todos llenos de secretos personales y profesionales. Pese algún momento de lucidez aislado, el filme no llega a despegar en ningún momento con unos minutos finales tediosos-. Es curiosa la presencia-homenaje de Pierce Brosnan como un jefe del Servicio de Inteligencia, aunque su papel no aporte mucho. ESsuna pena constatar en lo que se ha convertido la carrera de un en otro tiempo cineasta muy prometedor.

AMATEUR (THE AMATEUR)

 

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Es cierto, no es que sea especialmente novedoso ni aporte mucho este filme de espionaje ambientado en diferentes países, pero al menos se deja ver con interés - salvo algunos momentos de la segunda mitad de metraje en los que el ritmo no solo decae sino que al trama da ridículas vueltas sobre si misma- y regala buenos momentos de intriga psicológica, todo ello gracias al buen trabajo de su actor protagonista, el oscarizado Rami Malek, quien no ha tenido demasiada suerte desde que el otorgaran el premio en 2018, El Intérprete californiano da vida a Charlie Heller, un criptógrafo de la CIA que tras el asesinato de su mujer por unos supuestos terroristas decide entrar en acción y convertirse bajo su responsabilidad en un agente recibiendo entrenamiento como tal pese a las reticencias de sus superiores, con el fin de buscar y ajusticiar a los asesinos de su esposa. Un argumento con resonancias a otros muchos anteriores que en esta película simplemente cumple pero sin ningun relieve.

Como filme de acción y espionaje, The Amateur ofrece más de lo mismo, pero también tiene sus aristas localizadas en otros aspectos: la evolución del protagonista de un brillante analista y criptógrafo de mente privilegiada a un action man sin que sus análisis sesudos y matemáticos disminuyan un ápice, un buen recurso argumental que otorga algo de fuste a un espectáculo más bien rutinario. Muchos personajes, algunos demasiado arqutípicos, y localizaciones internacionales como mandan los cánones del género de espionaje todo ello con ropajes de suntuosa gran producción en donde curiosamente la violencia no pinta mucho y si el thriller. La presencia de Laurence Fishburne como un veterano coronel de la CIA mentor del protagonista es un puro deja vu a su intervención en Matrix. Para pasar un rato entretenido

MUY LEJOS

 

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No resulta fácil tratar de plasmar el sentimiento de duda, desarraigo y confusión al mismo tiempo en una persona, pero esta película lo consigue gracias al buen trabajo de su director y guionista, Gerard Oms, coach de interpretación y actor que se estrena en el largo con esta película, y de su actor protagonista, Mario Casas: es la historia real del propio Oms, quien en 2008 tras asistir en los Países Bajos al partido de la Europa League entre el Utrecht y su equipo, el Espanyol, dedició “perder” su cartera y pasaporte para quedarse a vivir un tiempo en Holanda para encontrarse a si mismo y hallar un sentido a su vida. Si, una premisa extraña (en la película al principio no sabemos que le motiva a Sergio- el alter ego de Oms interpretado por Casas- que le motiva a tal incomprensible e inquietante decisión) pero tan real como que ocurrió realmente y le sirvió al realizador para hallar respuestas en medio claro está de un total sentimiento de desarraigo. Rodada en Amsterdam y Utrecht en régimen de coproducción entre España y Países Bajos, estamos ante una drama psicológico de tono intimista y urbano en donde surgen temas que en siguen marcando la vida actual en todo lo que va de siglo XXI: el sentimiento de desarraigo de los inmigrantes, la fobia a los extranjeros, la falta de ética haciendo negocio de las desgracias ajenas, la dificil consecución de la interculturalidad… y ya dentro del plano personal, la sensación de no saber quien es uno mismo dentro de un mundo caótico. El “refugiado” voluntario en Holanda funciona como metáfora de todo lo antes descrito a muchos niveles; Sergio es un ser desnortado que quiere empezar de cero y que lógicamente no lo tendrá nada fácil además de que las cosas empeoraran cuando el joven se de cuenta que aún no conoce su propia identidad sexual. Mario Casas realiza un excelente trabajo- y es que cada vez actúa mejor- y resulta perfectamente creíble como un ser confundido y caótico en una película honesta, realista y muy bien rodada con actores de diferentes países y culturas (a parte de holandeses y españoles) y en varios idiomas (principalmente castellano, catalán, holandés, inglés y árabe). Gerard Oms, además de un excelente preparador de actores puede ser un gran director.

El personaje de Sergio es ya la historia del guion del filme en si mismo y su desarrollo personal y psicológico es básicamente lo que estructura la narrativa de eta película. En su cierto egoísmo por luchar por su propia supervivencia se encontrará con que se ha convertido en un ser sin hogar como otros muchos inmigrantes en Amsterdam de diferentes nacionalidades y con los que terminará aliándose pese a reticencias xenófobas iniciales: y es que el propio joven vivirá muchas veces la discriminación por ser extranjero. Su relación de amistad con Manel (Alex Verdaguer, también tremendo) otro migrante catalán en diferentes circunstancias parece ser un asidero pero pronto se dará cuenta de que su nuevo amigo no es lo que parece. Una película que parece haber llegado a las salas sin mucho bombo y platillo pero que resulta de lo más estimulante y bien hecho de lo estrenado dentro del cine español en lo que va de año.

SORDA

 

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El mundo de los sordos vuelve a aparecer en el celuloide con la seriedad y dignidad debidas cuando se pretende hacer una buena película que además refleje la realidad de las personas sordas. Hay muchos ejemplos, pero no demasiados en el cine español, en este sentido esta Sorda constituye una oportunidad muy bien aprovechada para recordarnos a los espectadores ibéricos- casi siempre oyentes- la situación de estas personas y las (muchísimas) dificultades de su vida, poniendo en este caso énfasis en la vivencia sorda desde la perspectiva femenina y desde la maternidad. Si, esta es una película sobre el hecho vitalmente cambiante de tener descendencia por primera vez (tanto para el padre como para la madre) además de versar en la temática antes reseñada, lo cual le obliga a ser un testimonio más o menos complejo y matizado, algo que este filme cumple con creces aunque sin estridencias. La realizadora murciana Eva Libertad debuta en el largometraje con este filme, versión aumentada de un corto que rodó en 2021 haciendo un interesante trabajo. Como actriz protagonista, su hermana Miriam Garlo, sorda desde la infancia – no en el grado de su papel- quien realiza un trabajo de quilates en un film muy honesto, realista y agradable en su costumbrismo dramático con mensaje.

Ángela, una mujer sorda de cerca de 40 años casada con un oyente, Héctor (Álvaro Cervantes) vive feliz su matrimonio, sus amigos (en su mayoría sordos también) y su trabajo equilibrando su condición de no oyente en un mundo de personas oyentes principalmente con la ayuda de Héctor, quien entre otras cosas comprende y esta integrado en el mundo de silencio de Ángela y domina la lengua de signos. El inesperado embarazo de la pareja, que dará fruto a la pequeña Ona, empieza a cambiarlo todo: a la incertidumbre de cualquier mujer ante la maternidad se una la preocupación de la joven por su propio futuro, el de la niña- que resulta ser oyente- y el de su relación, ya que al ser ahora dos personas que oyen en la familia se abre una grieta que Ángela jamás pensó que se abriría y a partir del momento empezará a tomar especial consciencia de su condición. Con diálogos hablados, lenguaje de signos, subtítulos en toda la película y unos minutos finales bajo el punto de vista auditivo de su protagonista, esta película se esfuerza y logra en ser especial y consigue una historia cercana pero con todas las peculiaridades de estar centrada en un colectivo determinado y por desgracia con poca atención por parte de la sociedad, cumple su función y lo hace con un atractivo y sensible trabajo que no debería pasar desapercibido en cartelera..

THE ALTO KNIGHTS

 

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No tiene sentido reincidir en viejas fórmulas que ya lo han dado todo de si, como el de las películas de gangsters y de mafia italoamericana con Robert De Niro de protagonista. Sin necesidad de valorar si el cine de mafia puede a estas alturas seguir sorprendiendo u ofrecer nuevas obras maestras, lo cierto es que a sus 82 años De Niro no tiene ya nada que demostrar como intérprete, ni tan siquiera interpretando a los dos personajes principales de un mismo filme como ocurre en The Alto Kinghts, nuevo filme - después de diez años- del que una vez fuera un director interesante Barry Levinson. Basada en la historia real de los históricos mobsters del siglo XX Frank Costello y Vito Genovese - una bizarra y turbia crónica de odio-amistad y crimen como solo podía ocurrir en el mundo del crimen organizado estadounidense- ambos encarnados por un correcto y ultracaracterizado Robert De Niro al que ya se le nota el peso de los años, esta película resulta irregular y tediosa por bastantes momentos pese al importante esfuerzo de producción para reproducir las diferentes épocas en las que transcurre la historia (desde principios del siglo XX hasta la década de los 70 del mismo siglo). En la segunda mitad del metraje parece remontar el vuelo, pero termina pierdiendo gas y al final da la sensación que hemos visto una historia muy parecida a otras del género y con el deja vu añadido de que De Niro ya estaba en alguna de esas cintas (aunque no en todas).

No se puede decir que los retratos de ambos capos sean completos o especialmente interesantes a efectos dramáticos en esta película, puede que en otro filme hecho con mayor ambición sí lo fuesen, pero la historia está tan rutinariamente llevada y supeditada al doble y meritorio trabajo de su protagonista que no se consigue salir de lo previsible: hay cierta intriga, cine de juicios, momentos de comedia, acción y todos los clichés imaginables -una vez más- de la mafia italoamericana. Tampoco se puede decir qe la caracterización y maquillaje sean de recibo ya que De Niro en realidad está muy parecido físicamente en ambos papeles además de dejar que desear la idoneidad de ciertas prótesis que hacen que los personajes parezcan a veces físicamente caricaturas (es curioso que como Frank Costello el actor a veces esta clavado a Peter Sellers cuando se disfrazaba) Una película que poco aporta salvo la constatación de que Robert De Niro aún sigue al pie del cañón

POR TODO LO ALTO (EN FANFARE)

 

*** y 1/2

Ser el último éxito de taquilla en su país del cine francés parece sinónimo de película más que interesante y con el justo equilibrio entre la calidad y la comercialidad, y esto es lo que le ocurre a este drama-comedia que toca varios palos temáticos de una manera convincente y no resulta en modo alguno un filme sensiblero pese a decantarse principalmente por el melodrama. En Fanfere, de todas formas, es algo más que un melodrama con ribetes de comedia ya que se percibe dentro de un costumbrismo inequívocamente galo una crítica social con las pocas oportunidades de las clases menos favorecidas como telón de fondo y una crónica de las relaciones humanas con dos personajes aparentemente muy opuestos que en realidad comparten mucho y más allá de los lazos familiares. Una película que se sustenta en sus dos personajes principales y en su increíble historia: Thibaut (Benjamin Lavernhe) un joven y prestigioso director de orquesta parisino que necesita un urgente trasplante de médula ósea y Jimmy (Pierre Lottin), un joven de clase obrera de un pueblo del norte de Francia que resulta ser el hermano oculto de Thibaut, ambos adoptados por familias diferentes aunque Thibaut lo ignorase: Jimmy además de ser el ansiado donante entrará en la vida de su hermano, demostrándole a este que el haberse criado en familias con condicionamientos sociales diferentes (acomodados en el caso de Thibaut y modestos en el caso de Jimmy) ha condicionado sus destinos y aunque ambos compartan el amor por la música, ya que Jimmy es músico en una banda local pero su hermano descubrirá que tiene casi tanto talento como él.

Los dos intérpretes están excelentes en un filme con un guión muy agradable y que va cambiando de registros e intensidades como mucho fundamento y oficio. No tiene este filme un tono claro de Feel Good movie impostado y su mensaje esperanzador está presentado de una manera muy inteligente, con los momentos más ligeros y los más dramáticos bien insertados y dosificados, con la música (clásica, jazz, pop, chanson francesa) como un protagonista más. Previsiblemente este filme aguantará bien en la taquilla española y en verdad se lo merece.

8

 

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El regreso de Julio Medem siete años después de su última gran película, El Árbol de la Sangre (2017) está resultado atípico en el sentido de que además de esta 8 tiene pendiente el estreno de una película rodada anteriormente Minotauro, Picasso y las Mujeres del Guernica: extraño que al que en los 90 y 2000 fuese considerado uno de los mejores directores españoles (y europeos) le ocurran estas vicisitudes, indicador tal vez de que al industria del cine en España pese a los últimos logros aún tiene sus carencias y de que la figura de Julio Medem ya no tiene ese aura de entusiasmo entre crítica y público que tenía antaño, pese a lo magnífica que resultó su última película. Pero lo que nos interesa es 8, su último filme, un trabajo técnicamente muy bien realizado -casi todo en plano secuencia- con una historia sugerente y con mensaje pero que carece del elemento más o menos sorprendente y arrebatador que ha caracterizado la mayor parte de su excelsa filmografía, una carencia que ya se vio en filmes anteriores como Caótica Ana o Una Habitación en Roma . Esta película tiene un tono de epopeya familiar y de relato histórico (durante 90 años de la historia de España, de 1931 a 2021) similar al de El Arbol de la Sangre en lo que es básicamente la crónica de una historia de amor a lo largo del tiempo al estilo Medem: la de Adela (Ana Rujas) y Octavio (Javier Rey), ambos nacidos un mismo 8 de abril de 1931 en dos pueblos castellanos vecinos quienes sin conocerse de antes y tras algunos encuentros casuales a lo largo de los años terminan estableciendo una relación a la que en un principio parecían no estar destinados por el devenir de sus vidas. El elemento más interesante de esta película es precisamente el paralelismo que se establece a tres bandas y de carácter recíproco entre la historia de España en los últimos años y sus circunstancias, la crítica al carácter cainita del ciudadano español (las dos Españas de Machado que cita el cineasta como inspiración) y por último las relaciones personales y amorosas que a veces y como en el caso de esta película pueden estar influenciadas por las circunstancias anteriores. No hay un tono estrictamente político en esta película sino más bien social y humanista pero que tiene en todo momento presente el contexto histórico. Pero el resultado final de 8, aunque sugerente, a veces emocionante y muy bien narrado se antoja insuficiente para un cineasta como Julio Medem, que vuelve a repetirse a si mismo con sus historias de encuentros y circunstancias casuales y paralelismos, remitiendo claro está a Los amantes del Círculo Polar, Vacas (8 película como aquella está estructurada en episodios), La Ardilla Roja o la ya citada El Arbol de la Sangre. Una pena que Medem no haya querido arriesgar más, aunque sería injusto desdeñar las virtudes de este filme que son varias.

El realizador donostiarra es un tipo honesto que no engaña ni oculta sus cartas en cada filme y se esfuerza en dar a muchas de sus películas un tono aleccionador y didáctico, en este caso en torno a la historia de España (aunque superficialmente y más bien como McGuffin) y sobre todo al aspecto ético de las relaciones humanas hurgando en el origen de los odios, las envidias y en definitiva de la diferencia entre las personas y todo aquello que lleva inevitablemente al conflicto y en última instancia a la destrucción y ala muerte: un mensaje muy interesante en los tiempos que vivimos. El tono del filme es de reconciliación y esperanza, con la fuerza del amor que lo puede todo, personalizado en su protagonistas, un hijo de simpatizante del bando nacional que en un principio se integra en las estructuras del régimen franquista y una hija de republicano que casada en primera instancia con un militar franquista casi por conveniencia terminará buscando la libertad como mujer y como persona con el paso de los años. Octavio, que prefiere la pesca y los estudios de los cauces de los ríos a cualquier complicación política o familiar y Adela, que no se resigna a su papel de ama de casa de clase media-alta, terminarán viendo entrecruzadas sus historias con una multitud de circunstancias de por medio mientras que España va cambiando. No esta anda mal la paeja protagonista- tal vez mejor Javier Rey que Ana Rujas- pese a que muchas veces la historia tengo picos de falta de credibilidad y situaciones demasiado forzadas. Desde el punto de vista técnico poco es reprochable en 8, donde la ambientación de diferentes épocas está muy conseguida y el plano secuencia reserve momentos a veces espectaculares, pero eso si, resultan muy discutibles muchos recursos de iamgen con intención supuestamente poética que en otra época en el cine de Medem hubiesen entusiasmado pero que ahora resultan requetevistos y a veces pedantes. Pero 8 es una buena película que por su tomo e intenciones merece ser vista aunque ya no nos encontremos ante el Julio Medem de hace algunos años . Lo mejor de todo es constatar como el cineasta sigue manteniendo su buen pulso, sus ganas de contar historias con corazón y profundas y su afán de crear hermosas imágenes.