Interesente filme belga realizado por los cineastas más relevantes ahora mismo en el país de Tintín, los hermanos Luc y Jean Pierre Dardenne, quienes fueron premiados en Cannes en 2009 al mejor guión por esta película. Los Dardenne, practicantes de un cine social y realista de carácter muy cercano y centrado en sus protagonistas, sorprenden esta vez con una película que toca de manera muy áspera el tema de los trejemanejes de los inmigrantes para conseguir la nacionalidad en los países de acogida y las mafias que se lucran con ellos para “facilitarles” los trámites. Esta tensa historia tiene como protagonista a la Lorna del título, una joven albanesa que ha llegado hace poco a Lieja y que trabaja en una lavandería. Lorna ha conseguido la nacionalidad belga graciasla intervención de las mafias, quienes le consiguieron un matrimonio de conveniencia con un joven yonki terminal. Ahora Lorna tiene que “deshacerse” de su molesto marido para contraer un nuevo matrimonio con un ruso, para que este obtenga también la nacionalidad. En fin, un embolao en el que la joven deberá mostrar lo peor de si misma por mero instinto de supervivencia.
La película trata de jugar con el cine negro y con algún el melodrama pero sin implicarse emocionalmente. La narración esta estructurada excelentemente y se permite algunos juegos como omisión de pasajes y desconcertantes pistas falsas, todo ello como si estuviese siguiendo las dudas de su desperada protagonista, toda una antiheroína a su pesar. El mensaje de la película parece claro: vivimos en una sociedad salvaje donde todo vale y donde a veces nos obcecamos con conseguir fines que al final no sabemos biensi nos van a servir de mucho. Todo esto en una historia en donde que muestra una interesada relación entre los personajes tan nauseabunda como existente en la realidad.
El inconveniente de El Silencio de Lorna es que resulta tan falta de emotividad que es muy difícil encontrar identificación con los personajes, por lo demás cumple con muchas creces su función de filme denuncia y de gran historia más allá de cualquier moralina barata y de falsos finales esperanzadores.
La historia de los Hermanos Marx, colectivo compuesto por cuatro de los más brillantes cómicos de la historia, no comenzó con el rodaje de su primer filme The Cocoanuts (Los Cuatro Cocos) en 1929, sino que comenzó casi 25 años antes en el mundo del vodevil y del teatro de variedades. Chico, Harpo, Groucho, Zeppo y un quinto hermano llamado Gummo a principios del siglo XX se habían convertido ya en auténticas celebridades y eran considerados la mejor troupe de cómicos de toda Norteamerica. De los teatros de provincias y las giras por los pueblos (1905- 1922) pasaron a Broadway (1924-1929) y de allí a Hollywood, cuando el recién nacido cine sonoro abrió las puertas a sus incomparables chistes y diálogos humorísticos. Esta es la historia de unos pipiolos Hermanos Marx, antes de convertirse en auténticos mitos del séptimo arte y en iconos dela comedia y, por que no, de la cultura universal.
El Upper East Side de Nueva York a finales del siglo XIX fue el marco que vio nacer a los hijos de una pareja de inmigrantes europeos que buscaban en la ciudad de los rascacielos la materialización del sueño americano. Este suburbio neoyorquino de hecho contaba con una población que en su mayor parte provenía de Alemania, Irlanda o Italia. Allí llegaron hacia 1880 (por separado) Samuel Sam Marx (1859-1933, llamado originalmente Simon) y Minnie Schönberg (1864-1929), artistas de variedades. Ambos eran judíos alemanes y se conocieron poco después de su llegada a EEUU, en una academia de artistas de Nueva York donde Sam ejercía de profesor de danza y Minnie era su alumna. Se casaron en 1884 y decidieron dejar el itinerante y nómada mundo el espectáculo para asentarse en Upper East Side. Samuel había nacido en la región francesaAlsacia Lorena, que una vez perteneció a Alemania, de hecho su familia era alemana. Parece serque en años posteriores se estableció en Alemania. Minnie era germana de nacimiento. Tras dejar el espectáculo, Sam Marx se estableció como sastre regentando durante varios años un negocio tremendamente ruinoso, ya era verdaderamente incompetente y no poseía ninguna formación en corte y confección. Minnie, por su parte, decidió en su nueva vida de casada dedicarse a sus labores, pero pronto se dedicaría a otros menesteres. Su hermano menor, Al Shean (nombre real Adolph Schönberg, 1868-1949) en cambio, fue a finales del XIX y principios del XXun famosísimo cómico de vodevil y maestro de sus sobrinos.
El matrimonio Marx crió cinco hijos varones los cuales iban a retomar el antiguo oficio de sus progenitores. Fueron Leonard (el futuro Chico, nacido el 22 de marzo de 1887), Adolph (Harpo, 23 de noviembre de 1888), Julius Henry (Groucho, 2 de octubre de 1890), Milton (Gummo, 23 de octubre de 1893) y Herbert (Zeppo, 25 de febrero de 1901). Adolph se cambió en 1911 con 22 años su nombre por el de Arthur. Hubo un sexto hermano Marx, el mayor, Manfred, nacido en 1886 y fallecido a los siete meses por tuberculosis. Ninguno de sus hermanos le conoció. Desde pequeños, los cinco hermanos mostraron tener aptitudes musicales e interpretativas, pese a que sus padres ya habían abandonado el mundo del espectáculo. Los Marx, a finales del XIX vivían muy modestamente debido a la ineptitud de Sam Marx (apodado Frenchy) como sastre y su incapacidad por mantener una clientela fija. Minnie, su esposa tenía un carácter mucho más decidido y fuerte que el de su marido, un auténtico calzonazos, y pronto iba demostrar su ambición. Minnie se esmeró en dar una cuidada formación musical a sus retoños, y apenas estos habían llegado a la adolescencia, ya eran intérpretes musicales contumaces: Chico tocaba el piano excelentemente, Harpo tocaba el arpa como los ángeles (su madre también era arpista), Groucho cantaba y tocaba la guitarra, y Zeppo, el benjamín, también aprendió a hacer sus gorgoritos. Gummo no tuvo nunca el talento musical (e interpretativo) de sus hermanos y de hecho apenas tenía inquietudes artísticas. Dicho sea de paso, los Hermanos Marx no adquirieron los sobrenombres que les catapultaron a la fama hasta principios de los años 10.
Julius (Groucho), Milton (Gummo), Minnie, Herbert (Zeppo), Sam, Arthur (Harpo) y Leonard (Chico)
Fue hacia 1904 cuando Minnie Marx decidió que sus hijos sacarían de la pobreza a los Marx convirtiéndose en artistas. Un día la familia recibió la visita del hermano de Minnie, el cómico Al Shean, ya por entonces bastante famoso, aunque su mayor éxito le llegaría a partir de 1912 con el mítico dúo humorístico Gallagher and Shean. El tío Al llevaba algo que llamó poderosamente la atención de su hermana: un broche con diamantes en la corbata. Además, aquel día obsequió con una gran cantidad de dinero a sus sobrinos. Al había conseguido enriquecerse gracias al vodevil, algo que hace unos años en EEUU y en Europa era impensable, pero la industria del entretenimiento estaba floreciendo en aquellos primeros compases del siglo XX. Minnie pensó que el talento de sus hijos debía ser aprovechado, ellos podían llegar a ser ricos gracias a sus aptitudes como artistas. Sondeó la idea con los cuatro mayores (Herbert tenía solo 3 años), y salvo Milton (Gummo), por entonces un niño de 11 años, ninguno fue reticente. No obstante, los dos mayores, Leonard (Chico) y Adolph (Harpo), prefirieron perfeccionar sus habilidades como instrumentistas y seguir con sus modestos empleos para mantener a su familia antes de debutar ante el público, ya que entre otras cosas, Chico solo sabía tocar el piano con el dedo índice de la mano derecha.
Der: Minnie Marx
Lo más curioso de todo, es que Minnie Marx no pensó inicialmente que sus hijos fuesen humoristas, como su hermano, ella estaba convencida en que serían grandes músicos, aunque dentro del circuito del vodevil, el cual parecía dar mucho dinero. La Sra. Marx tenía especial debilidad por Harpo mientras que porJulius-Groucho mostraba cierta indiferencia. Cuando este tenía unos 13 años le oyó cantar mientras su hermano Leonard ensayaba con el piano y entonces supuso que el futuro del chaval estaba en ser cantante. Un año después, el adolescente Julius había dejado la escuela ya que su madre le había matriculado en una escuela de artistas de varietés. En 1905, con 15 años, Julius Marx fue el primero de los Marx en debutar sobre un escenario. Debutó como miembro del trío de cantantes cómicos The Leroy Trio, se supone que por consejo del tío Al, quien había vistoen sus sobrinos (y también en su hermana) cierto talento cómico. Fue una desastrosa experiencia ya que en medio de la gira de presentación del grupo por el Medio Oeste de EEUU, los otros dos miembros se marcharon por la brava dejando al joven Groucho solo y tratando posteriormente de reunir dinero para el viaje de vuelta a Nueva York ejerciendo algunos empleos.
Pese a su calamitoso debut, el adolescente Julius continuó su carrera como cantante de vodevil, ya bien sea a dúo con alguna intérprete femenina o como miembro eventual de algún grupo vocal. En 1907 otro Marx se incorpora al mundo del show, Milton, en aquel entonces con 14 años. Julius, Milton y la joven cantante Mabel O´Donell formarían The Three Nightingales (Los Tres Ruiseñores), grupo de canción cómica, pese a que Milton-Gummo no tenía demasiadas cualidades vocales. En 1908, harpo se incorporá al grupo, rebautizado como The Four Nightingales y comienzan a tener cierto éxito. En 1910, Minnie y su hermana Hannah se unen a la troupe, ahora un sexteto llamado The Six Mascots, que combinaban canciones con números cómicos hablados. Al Shean escribiría algunos guiones y líneas del espectáculo de sus hermanas y sobrinos.
The Six mascots
Abajo: elenco de Fun in Hi Skole
1910 será un año fundamental para los hermanos Marx, ya que Leonard se incorpora a las actuaciones de sus hermanos dando lugar a la formación de cuatro miembros de los Marx y a la primera reuniónartística del triunvirato Chico-Harpo-Groucho, aún no llamados así. Leonard-Chico fue el que más relativamente tarde debutó, con 23 años. The Six Mascots ya se había disuelto y ahora los cuatro hermanos se convertían en estrellas absolutas. El debut de los Marx Brothers como tales se produjo con el espectáculo Fun in Hi Skole(transcripción incorrecta de Fun in High School, Diversión en el Instituto). En esta obra se combinaba como en otras de The Six Mascots diálogos y música, pero en esta el diálogo por primera vez tenía mayor importancia que las canciones. Groucho logró con este espectáculo un gran éxito interpretando a un profesor de secundaria alemán que hablaba un descacharrantemente incorrecto inglés. Fun in Hi Skoleconsiguió un importante éxito en Nueva York y puso el nombre de los Hermanos Marx en boca del público. Hasta el comienzo de la I Guerra Mundial en 1914, los Marx representaron por todo el país otras tres obras. Home Again (En Casa Otra Vez) (1914) fue la última en la cual intervino Gummo, quien fue movilizado para combatir con el ejército norteamericano en la Gran Guerra, abandonando también a sus hermanos como compañeros artísticos y el mundo de la interpretación, que jamás le gustó. Tras su reincorporación a la vida civil, se dedicó primero al negocio de la moday años más tarde abrió una agencia teatral. Fue el único de los Marx que no rodó ninguna película. Su puesto en el grupo lo ocupó el joven Zeppo, que en 1914 contaba con 13 años cuando sustituyó a su hermano en las representaciones de Home Again. Esta obra, por otra parte, fue la que más tiempo estuvieron los Marx representándola sobre los escenarios, de 1914 a 1918. El libreto era una versión mejorada por la pluma de Al Sheande Mr. Green´s Reception, un espectáculo anterior de los hermanos y en ella apenas habían dos líneas de diálogo para el personaje de Harpo, por lo que para aumentar la presencia del segundo de los Marx en el escenario, el personaje se convirtió en mudo, aunque cómicamente gesticulante. Esto gustó al público, por lo que Harpo pensó en proseguir con ese personaje en obras posteriores. El espectáculo fue el mayor éxito de los jóvenes hermanos Marx hasta el momento, y el grupo se convierte en la troupe cómica teatral más famosa de USA.
Durante ese periodo 1912-1918, los Hermanos Marx desarrollaron cada uno los personajes por los que se harían universalmente conocidos en su salto al cine, así como establecerían sus respectivos nombres de pila artísticos. Groucho se mostró como un campeón del arte del diálogo improvisado, mientras que Harpo iba mejorando día a día sus habilidades como mimo, ya que a partir de 1914 decidió no hablar más sobre escenario. Su tío Al Shean fue al parecer el artífice de los diferentes personajes: después de algunas obras interpretando a un personaje con acento alemán, para Groucho se optó por un estrafalario carácter de extraños andares y bigote y cejas pintadas con pintura grasa (para su personaje de profesor alemán, Groucho llevaba bigote postizo), mientras que Chico hablaría con acento italiano y el “mudo” Harpo se comunicaría mediante una bocina, luciendo en su cabeza una rizada peluca rojiza. Zeppo, por su parte, comenzaba a interpretar al listo del grupo, un galán joven y petimetre. Los chistes de Groucho, muchos improvisados sobre la marcha, comenzaban a ser célebres y se convirtieron en el principal atractivo de los Marx sobre el escenario. Minnie Marx continuaba en ese periodo siendo la manager de sus hijos y Groucho era el director creativo de los espectáculos. Para que nadie supiese que sus protegidos eran sus hijos, Minnie utilizó el pseudónimo de Minnie Palmer.
Los nombres artísticos de los Marx fueron acuñados hacia 1911 por un cómico llamado Art Fisher, quien se inspiro en los personajes de un cómic que aparecía en los periódicos norteamericanos de entonces y que tenía gran éxito, The Monks (Los Micos) también conocido como Knocko the Monk. Estas historietas fueron creadas por Gus Mager y sus protagonistas eran monos con nombres como Knocko, Sharpo, Rhymo o Groucho. Al parecer, a Fisher le hacían gracia aquellos nombres terminados en o y les propuso a los hermanos utilizar nombres artísticos similares, inspirados en sus personalidades. En realidad, las razones por las cuales los cinco hermanos sus respectivos nombres artísticos no son muy claras salvo en algunos casos; se dice que Chico fue llamado así por que le encantaban las chavalas (chicks) - aunque también se ha dicho porque era un adicto al pollo- y parece claro que Harpo se llamó así por que tocaba el arpa. El nombre de Gummo vinos según algunas fuentes de su hábito de llevar zapatillas de suela de goma, llamadas gumshoes. Los orígenes de los nombres de Groucho y Zeppo (el último en adoptarse) están menos claras. Aunque parece evidente que el sobrenombre de Julius se tomó directamente del personaje de Gus Mager, no parece tan calro que Fisher le bautizase así por ser un gruñón (Groucho), ya que no lo era demasiado. Sobre Zeppo, que no fue rebautizado por Art Fisher sino por sus hermanos, hay varias teorías y ninguna parece la definitiva. Con todo, solos e sabe a ciencia cierta que los Marx utilizaron sus nombres artísticos en los programas cuando llegaron a Broadway a principios de los años 20, y se ignora en que medida utilizaron los de Chico, Harpo, Groucho, Gummo y Zeppo en sus días de vodevil en los años 10.
A finales de los años 10, los cuatro hermanos Marx se habían convertido en personajes famosos y su estilo de humor surrealista, burlesco y desmadrado causaba furor. Solían realizar giras por todo el país y siempre con gran éxito: The Street Cinderella (1918) y On the Mezzanine Floor (1921) fueron sus siguientes espectáculos tras Home Again, Las frases de Groucho, el auténtico líder de la troupe, eran de lo favorito del público, así como sus improvisaciones y salidas del guión. Tras On the Mezzanine Floor estaba claro que los Marx apuntaban hacia más alto y entonces enfilaron sus pasos hacia la meca del teatro en EEUU, Broadway. Hacia 1922, Minnie Marx dejó de ser la representante de sus hijos y entonces Chico, de 35 años, se convierte en el manager y portavoz del grupo. Antes de debutar en Broadway en 1924, los Hermanos Marx realizaron una gira por el Reino Unido en 1922 que ayudó a cimentar su fama esta vez de manera internacional. Por esos años también intentaron probar suerte en el cine con un cortometraje mudo (el cine sonoro aún no había nacido) que nunca se estrenó y que esta perdido, al parecer destruido por Groucho poco después de positivarse y montarse debido a su mala calidad. Se trataba de una historia tragicómica en la que los cuatro hermanos no encarnaban a sus alter egos cinematográficos, apareciendo casi siempre en escenas separadas.
Los Marx en On The Mezzanine Floor
I´ll Say She Is (Yo diría que ella lo es) fue la obra con la que los Hermanos Marx debutaron en Broadway en 1924. Era un musical, dirigido y conceptualizado por Groucho y escrito por este y el humorista gráfico Will B. Johnstone. Estaba compuesta de varios sketches, siendo el más antológico (y el que ha pasado a la posteridad para biógrafos y estudiosos de los Marx), el llamado Sketch de Napoleón, en el que Groucho interpretaba al emperador francés (a la manera grouchista) y sus hermanos a los amantes de la emperatriz Josefina. La obra estuvo en cartel un año y fue sucedida por The Cocoanuts, que permaneció de 1925 a 1926, y Animal Crackers (1928-1929). Las dos últimas fueron llevadas al cine cuando los Marx dieron el salto al séptimo arte y fueron escritas por George S. Kaufman, quien estableció de manera definitiva las cuatro caracterizaciones de los Marx: Groucho como un vividor lenguaraz, impertinente e ingenioso, Chico como un torpe y atolondrado italoamericano, Harpo como un mudo lunático y mujeriego y Zeppo como el sosainas listo de la función. Ambas obras fueron las más exitosas de los hermanos Marx en toda su carrera.
1929, el año del desplome de la Bolsa, será el año de debut de los hermanos Marx en el cine con la adaptación de The Cocoanuts (Los Cuatro Cocos). Los cuatro hermanos no eran ya precisamente unos pipiolos: Chico y Harpo superaban los 40 años, pero sabían que aún tenían delante de ellos una larga carrera en un medio que ya era inmensamente popular (más que el teatro) y que podía convertirles en millonarios. Aquel año firmaron un contrato con Paramont Pictures y se dispusieron a rodar Los Cuatro Cocos bajo las órdenes de Robert Florey y Joseph Santley. Lo que vino en los años posteriores, fue sencillamente antológico.
Desde su publicación en diciembre de 1965 no cabía ninguna duda: Rubber Soul era el mejor disco de los Beatles hasta ese momento. Y eso que lo que vendría después iba a ser mejor todavía. El hecho es que el sexto disco grande los Beatles fue además uno de los más innovadores del PopRock de la época y confirmaba que pese a la competencia, The Beatles era la mejor banda del mundo. Tan solo cuatro meses después de Help!, los muchachos sorprendieron con un variadísimo LP excelentemente producido por George Martin (de hecho la mejor producción de un disco de rock hasta el momento) y repleto de innovaciones musicales por entonces bastante insólitas: sitars hindúes en temas de inspiración oriental, baladas lindantes con los crooner, utilización de sonidos negros “blanquedaos”, instrumentos grabados a doble velocidad, rítmicas inspiradas en el soul que profetizan el funk, recurso a la música étnica…en fin, todo un collage que conforma una joya del pop que 45 años después sigue siendo un disco favorito de muchos músicos y aficionados además de un disco totalmente influyente en la historia del rock.
Los Beatles, que acababan de hacer una exitosa gira norteamericana, estaban dispuestos musicalmente a todo, incluida la experimentación. Con este disco comprenderían que el trabajo en el estudio era clave para hacer LPs de calidad y George Martin puso a disposición de sus pupilos un buen arsenal sonoro. El resultado fue un disco de contrastes y el más elaborado por los Beatles hasta el momento, con canciones tan enérgicas como la rítmica Drive My Car, soul contumaz y cercano al funky, The Word y sus variaciones de cadencia, I´M Looking Through You un ejemplo de lo bien que se le daba a Paul McCartney el primitivo Power Pop, o el Country rock de What Goes On, la primera incursión de Ringo como compositor junto a John y Paul. A parte de esta última canción, los ritmos tradicionales tenían su peso en Rubber Soul; el skiffle-folk cruzado con la música hindú aparecía en Norwegian Wood, una de las composiciones más personales de Lennon con los Beatles (y con antológico sitar de George Harrison) y en Girl, célebre balada de John, se incluye un shirtaki, ritmo muy de moda en aquella época gracias al filme Zorba el Griego. Otros highlights del disco son Nowhere Man, vibrante y naïf letanía existencialista de John, Michelle, clasicota balada muy apreciada entre los fans de los Beatles y la preciosa In My Life, con su aire barroco gracias al falso clavicordio (en realidad un piano grabado a doble velocidad) cortesía de Mr. Martin.
Rubber Soul incluye un buen puñado de clásicos standard del grupo y sigue siendo un LP delicioso. Fue rompedor en muchas cosas: por vez primera no se incluía el nombre del artista en al portada de un disco y además el título del trabajo no hacía ninguna referencia al título o a la letra de ninguna canción del disco, algo por entonces poco usual en el pop. El etnopop o la psicodelia se abrieron paso con este LP, un disco de esos que hay que oír al menos una vez en la vida. En nuestra vida.
FICHA TÉCNICA
Géneros: Pop, Pop-Rock, Soul Pop, Rythm & Blues, Folk Rock
Por fin llegó el estreno del verano, precedido de un importante éxito de taquilla en EEUU y de una total aclamación de la crítica que ha comparado esta película de ciencia ficción con hitos cinematográficos del género como Blade Runner.Origen es, efectivamente, un excelente filme futurista de fantasía con cierto poso intelectual que, como las grandes obras del género de ficción científica, ofrece una visión pesimista del futuro (distopía, que se dice) y en donde ciertos personajes tratan de saltarse algunas delas normas impuestas de ese futuro imperfecto. El director Cristopher Nolan, autor de las dos últimas entregas de Batman y de ese sorprendente filme que fue Memento (2000) comoe aquella película vuelve a sumergirse en el terreno de los recuerdos y de los misterios de la mete pero esta ve de manera mucho más espectacular y ambiciosa. El resultado es su mejor película hasta la fecha, que si bien no se puede decir que sea una obra maestra absoluta, si que se trata de una película totalmente original, con fuerte personalidad, y sobre todo muy atractiva y emocionante, con un equilibrio perfecto entre el espectáculo/entretenimiento y el cine de autor, algo que muy difícilmente puede conseguirse hoy en día. Origen es ante todo una película intelectual que triunfa en el difícil empeño de trabajar con un material tan delicado (y atractivo) como es el mundo de los sueños y los misterios del subconsciente en un ejercicio narrativo muy complejo que precisa de entrega por parte del espectador para ser seguido sin perder pista alguna, algo que no siempre es fácil en esta película, pero al final el esfuerzo merece la pena.
Esta película puede recordar a muchos a Matrix, una película que también buscaba revolucionar la ciencia ficción en el cine pero que al lado de Origen no sale muy bien parada: el filme de Nolan, sin ser tan espectacular ni ofrecer efectos especiales tan innovadores como en su día ofreció aquella (aunque verdaderamente espectaculares), supera al de los Warchowsky ya que su ambición conceptual y formal es bastante menor que Matrix y además carece del exceso de pedantería que atesoraba aquel filme. Nolan plantea su increíble historia futurista (situada un porvenir formalmente no muy diferente de nuestra época actual) tomando retazos cinéfilos de todo tipo y género que van desde Ciudadano Kane hasta la propia Matrix, pasando por Wall Street, Alphaville, Atraco Perfecto, 2001 Odisea del Espacio y la sempiterna referencia distópica del mundo del cine, oseáse Blade Runner, además de cierto componente dramático-épico Shakespeareiano y algún apunte de los cuentos más metafísicos de Borges:Nolan ha conseguido “juntar” a Orson Wells, Godard, y Kubrick y eso, de primeras, ya promete. La historia se centra en la existencia de un cuerpo de “ladrones de sueños”, los extractores, que penetran en los sueños de las personas para robarles sus ideas y pensamientos. Dom Cobb, interpretado por Leonardo Di Caprio, es uno de esos extractores que se enfrenta a una importante misión promovida por un antiguo “sujeto de extracción” suyo, un empresario oriental llamado Saito (Ken Watanabe) que ofrece a Cobb y a su equipo de falsificadores de cuerpos, arquitectos de mundos oníricos y anestesistas penetrar en la mente de un importante competidor suyo para “inocularle un virus”, hacerle cambiar de opinión colocándole una idea impostada y así eliminar la competencia que suponía para su empresa. Pero el pasado de Cobb y los secretos de la relación con su mujer fallecida (Marion Cotillard) pronto se revelarán como un importante lastre para la operación.
Origen en realidad no inventa un futuro, como otras obras de anticipación, sino que se centra en crear los sueños que vemos en la pantalla y con los que sueñan sus protagonistas: arquitecturas realistas pero terriblemente perfectas, paisajes idílicos pero siniestramente artificiales, interiores de edificios de inquietante atmósfera manierista…una gran labor de dirección de producción aderezada con unos vistosos y sugerentes efectos especiales que brillan con luz propia cuando las leyes de la naturaleza y la física- como en los sueños- muchas veces cambian a voluntad del soñante.
En esta película hay momentos para pensar, hay acción, hay suspense, hay homenajes varios y tampoco faltan momentos emotivos. La complejidad de la trama, urdida como en un juego de muñecas rusas y con una estructura laberíntica que se corresponde con uno de los conceptos centrales sobre los sueños que se exponen en la película, puede resultar a veces un tanto incómoda y el final de la película puede resultar por ello un poco confuso, pero no hay que asustarse. Esta claro que esta es una película con filosofía propia, elaborada previamente en plan muy Friki, pero enormemente sugerente. Todo brilla ene esta película: efectos, fotografía, guión y un reparto rutilante que da vida a personajesoriginales y muy interesantes, como la joven arquitecta y diseñadora de sueños encarnada por Ellen Page (Juno) o el padre y mentor de Cobb, interpretado por Michael Caine. Un excelente filme que dignifica la floja cartelera veraniega
Un ejemplo de cómo la globalización puede afectar positivamente al cine, superando barreras idiomáticas, proponiendo temáticas multiculturales y rompiendo el hasta ahora inamovible binomio país de producción – enmarque de la historia, aunque aquí la cosa sea casi exclusivamente desde el ámbito europeo. Esta es una producción francesa rodada en el Reino Unido, con actores de diversas procedencias (ingleses, malineses, irlandeses, británicos de origen pakistaní, franceses de orígen árabe, e incluso un vascofrancés de Baiona, Bernard Blancan): todo un reflejo del mestizaje que vive Europa hoy en día. El director, Rachid Bouchareb, es precisamente un parisino de origen magrebí. En la VO se utilizan varios idiomas (inglés, francés, árabe, dialectos africanos) pero en el doblaje en castellano se lo pasan por el arco de triunfo: todo en castellano. Por ello, conviene ver este filme en versión original en castellano.
London River es un drama social, y también humanista muy bien conseguido y totalmente verosímil que utiliza como punto de arranque un desagradable acontecimiento real, el atentado al metro de Londres en 2005. Dos personajes inicialmente distanciados geográfica y culturalmente terminan conociéndose fortuitamente debido a su lucha común y una espectacular coincidencia: la búsqueda de sus respectivos hijos, desaparecidos tras el atentado y que aparentemente mantenían una relación sentimental. Por una parte, Elisabeth (Brenda Blethyn), una viuda de unos 60 años residente en una localidad rural que no logra contactar con su hija Julie, una estudiante en la capital, y por otra Ousmane (Sotigui Kouyaté) un africano musulmán de raza negra residente desde hace años en Francia que al igual que Elisabeth, viajará a Londres para encontrar el paradero de su retoño universitario también desaparecido tras el atentado y al que no veía desde que este tenía 6 años. La ansiedad y la desesperación de Elisabeth contrastan con la serenidad y el pragmatismo de Ousmane, algo que se hace más evidente cuando ambos personajes unen sus fuerzas para esclarecer un caso que puede ser más complejo de lo que ellos pensaban al principio.
Esta película trata sobre los prejuicios, los tópicos y la incomprensión intercultural con un trasfondo de calor humano y de afán de lucha y superación. Los protagonistas se mueven por un laberinto de pistas falsas en donde se toparán con muchos obstáculos fruto de prejuicios sociales y de sus propios miedos. Con un estilo árido y documental, la película de esas que se deja ver muy gratamente pese a lo dramático de su temática. La interpretación de Brenda Blethyn es sentida y muy matizada, prácticamente ella lleva el peso de toda la película, sin olvidar la fascinación del casi impasible personaje que interpreta el gigantesco actor de Mali Sotigui Kouyaté, todo un descubrimiento. En definitiva, una película con mensaje inmejorablemente planteada.
En 1965 los Beatles eran mucho más que un fenómeno musical y ya gozaban de predicamento incluso en el sector cinematográfico. En un tiempo en que un artista podía publicar dos o hasta tres discos de estudio en un solo año, los Beatles se encontraban con que todas las semanas estaban en el top 10 de las listas de ventas de LPs con al menos un álbum, por no hablar de las listas de singles. Help! precisamente se trata del último LP que los fabulosos de Liverpool publicaron a la manera “de inercia”, como lo habían hecho con los cuatro anteriores, colecciones de canciones muchas de ellas previamente editadas en singles. Efectivamente, después de Help! , la banda sonora de su segunda película del mismo título, los Fab Four darían más importancia a la conceptualización de sus LPs, pero este disco ya marcó un punto de inflexión en la trayectoria del grupo. Homogéneo, optimista y con ganas de sorprender, no cabía duda que pretendía decir que los Beatles deseaban evolucionar.
En su edición internacional, Help! (en losanteriores discos, las ediciones americanas variaban en el track listing prescindiendo de temas y añadiendo otros procedentes delas ediciones internacionales de discos anteriores, y en este disco se incluyó la música instrumental de Ken Thorne para la película) estaba compuesto por 7 temas pertenecientes a la BSO del filme de Richard Lester y otros siete que no se oyen en dicha película, pero todos ellos con una calidad realmente similar. Antes de su publicación en agosto y del estreno del filme, ya habían adelantado como sencillos Ticket to Ride y la canción que da título al LP, dos muestras del papel preponderante que entonces tenía John Lennon dentro de la banda y de cómo el beat pop de sus inicios había pasado a ser un pop eléctrico muy elaborado pero también muy pegadizo. Pero el resto del álbum aguardaba gratas sorpresas, como los aciertos pop-rock de Paul con The Night Beforey Another Girl, la incursión folk de John con la logradísmima You,ve Got To Hide Your Love Away o la irrupción de George como fuerza creativa de primer orden con You Like Me Too Muchy sobre todo I Need You, su primera gran canción: nada que envidiar a Lennon y McCartney. John seguía evolucionando como cantante y su voz había llegado a la perfección en el acople con la de John, al tiempo que Paul empezaba a demostrar sus bazas de multiinstrumentista (varias guitarras y piano, además del bajo). Si los temas Help! y Ticket To Ride se convirtieron en himnos, que decir de Yesterday, la balada por excelencia de los Beatles, la mejor canción compuesta jamás por Paul McCartney y uno de las más bellos temas de amor de todos los tiempos. El cuarteto de cuerdas que acompaña este tema marcó una pauta que acompañará a la banda liverpooldiana en el futuro.
You´re Going To Lose That Girl o I´Ve Just Seen a Face son temas que no deberían caer en el olvido el cancionero de los Beatles, especialmente el segundo, una emocionante y rítmica composición de Paul. Este fue el último disco donde los Beatles incluyeron versiones de otros artistas: Act Naturallyde Buck Owens y Dizzy Miss Lizzy de Larry Williams, la primera de ellas el “Momento Ringo” de la mayoría de los LPs de los Beatles. Muchos críticos ponen discos anteriores de los Beatles por encima de Help!, pero este sin duda fue el que marcó el antes y el después, con unos Beatles que partir de ese momento se superarían álbum tras álbum.
FICHA TÉCNICA
Géneros: Pop, Pop-Rock, Beat Pop, Folk-Rock
Publicación: agosto 1965
Producción: George Martin
Músicos:
John Lennon: voz, guitarras, piano eléctrico
Paul McCartney: voz, bajo, guitarras, piano de cola, piano eléctrico
George Harrison: voz, guitarras
Ringo Starr: batería, voz, percusión
George Martin: piano de cola, arreglos de cuerda, dirección cuarteto de cuerda
Aqui esta el "plan de la obra" de MIS 50 DISCOS QUE TE CAGAS, el nuevo serial de Rayosc. Finalmnte, ha habido una modificación sustancial, ya que se reduce ahora a 50 LPS de estudio, los 50 discos favoritos de Rayos C en al oscuridad.
Estos son lo 50 discos que conformarán finalemnte la sección periódica, aunque el orden de entregas puede esperiementar variación. No ha pasado la criba de los casi 100 propuestos inicilamente la década de 2000, aunque como dijo alguién, tal vez tenga que pasar un tiempo para que estos discos sean considerados entre los más grandes. Os dejo con el sumario. Nos vemos
